31/12/16

Leonardo DiCaprio e Isabelle Huppert, actor y actriz del 2016

DiCaprio & Huppert


Ya tenemos al rey y a la reina del baile de fin de año de El Otro Fanboy: Leonardo DiCaprio e Isabelle Huppert son EL actor y LA actriz del 2016. Para él es la segunda vez en la que recibe esta distinción, pues ya ganó en 2010, cuando estrenó Origen y Shutter Island, mientras que la actriz francesa perpetúa el reinado de las pelirrojas en esta votación (Jessica Chastain y Julianne Moore han sido las ganadoras de las dos últimas ediciones). Así lo han decidido los seguidores y los lectores del blog, que han votado durante las últimas cuatro semanas a los seis finalistas de cada categoría, quedando el resultado de la siguiente manera:

Resultados_Encuesta


En la encuesta de los actores, DiCaprio le ha ganado la batalla a Andrew Garfield por la mínima; la mayoría de los votantes ha valorado que éste haya sido el año en el que por fin el actor ha conseguido el ansiado Oscar por su exigente papel en El renacido. Lástima por Garfield, pues lideró la encuesta durante muchos días, y tal vez, de haberse estrenado ya Silencio y no el próximo 5 de enero, quizás se hubiese alzado con la victoria. La medalla de bronce va para Eddie Redmayne, demostrando así las pasiones que levanta, aunque esta vez no hayan sido suficientes. El tristemente fallecido Anton Yelchin se queda con un 15,9% de apoyos, mientras que Tom Hiddleston y Jesse Eisenberg comparten el dudoso honor de ser los que menos votos han recibido en esta edición, uno cada uno.

En lo que respecta a las actrices, la cosa no ha estado tan reñida, sino todo lo contrario: Isabelle Huppert ha liderado con holgura la votación desde el principio, y a punto ha estado de alcanzar la mayoría absoluta, aunque finalmente se ha quedado con un fantástico 48,9% de votos. Sin duda alguna, sus magistrales interpretaciones en Elle y El porvenir han sido uno de los grandes hits de este año cinéfilo. La medalla de bronce queda compartida por Felicity Jones, que a pesar de haber tenido un gran año y de haber empezado con fuerza la votación se quedó a medio gas, y por Alexandra Jiménez, que ha obtenido un gran respaldo en la recta final. El tercer puesto es para la siempre reivindicable Rose Byrne con un 13,3%, siendo sorprendente que la oscarizada Alicia Vikander haya quedado cuarta con un escaso 11,1 %.

DiCaprioHuppert

El futuro profesional de Leonardo DiCaprio es una incógnita. Tras ganar el Oscar, se ha tomado un período de descanso, aunque ha sacado tiempo para producir y presentar el documental medioambiental Before the Flood. Son varios los proyectos anunciados que podrían marcar la vuelta al cine del actor, y si hacemos caso a Imdb el más próximo podría ser The Ballad of Richard Jewell, la historia de un agente de seguridad que salvó a millones de personas de la explosión de una bomba en las Olimpiadas de 1996, aunque fue vilipendiado por la prensa, que lo acusó falsamente de ser un terrorista. Clint Eastwood podría dirigir el film, y aunque DiCaprio formaría parte del reparto, el papel de Jewell sería para su amigo Jonah Hill. Más prolífica está Huppert, que tiene pendientes de estreno siete películas para el 2017, de entre las que destacan Happy End, su nueva colaboración con Michael Haneke, y La Caméra de Claire, que rodó durante el pasado Festival de Cannes a las órdenes de Hang Sang-soo, con el que ya trabajó en En otro país (2002). Tiene toda la pinta de que sendos films se verán por primera vez en la próxima competición por la Palma de Oro.

Y esto ha sido todo. Gracias a todos los que han colaborado en la encuesta, hemos doblado la participación registrada en la pasada edición. Mañana arrancamos el año con un nuevo actor del mes, el primer contendiente de la que será la votación que abriremos dentro de 11 meses, si seguimos por aquí. Gracias una vez más, y que el nuevo año nos depare a todos muchas más alegrías del que está por terminar.

Ganadores 2015: Michael Fassbender & Julianne Moore
Ganadores 2014: Philip Seymor Hoffman & Jessica Chastain
Ganadores 2013: Joaquin Phoenix & Emma Watson
Ganadores 2012: Michael Fassbender & Anne Hathaway
Ganadores 2011: Ryan Gosling & Natalie Portman
Ganadores 2010: Leonardo DiCaprio & Marion Cotillard
Ganadores 2009: Brad Pitt & Rachel Weiz

30/12/16

Salto de fe accidentado

Poster Assassins Creed

Dir.: Justin Kurzel
Int.: Michael Fassbender, Marion Cotillard, Jeremy Irons, Ariane Labed, Michael Kenneth Williams, Javier Gutiérrez, Brendan Gleeson, Charlotte Rampling, Denis Ménochet
¿De qué va?: Callum Lynch es un criminal condenado a ser ejecutado que recibe una segunda oportunidad de la organización Abstergo, que ha desarrollado una tecnología revolucionaria que permite el acceso a los recuerdos genéticos. Así descubre Callum que procede de una misteriosa organización secreta, los Assassins, reviviendo las aventuras de Aguilar, un antepasado que vivió en la España del siglo XV.

Reseña: Algunas de las mejores narrativas actuales se encuentran en los videojuegos. Esto es así, y quien se atreva a decir lo contrario es porque, o tiene una concepción muy sesgada del sector, o porque nunca se ha topado con el videojuego adecuado. Por tanto, es totalmente factible que, al igual que la literatura y el teatro, el entretenimiento electrónico ejerza de fuente de inspiración para el cine. El problema de la mala fama de las películas basadas en videojuegos es que sus artífices se quedan con el look y la acción, como si eso fuera suficiente para evocar las mismas sensaciones que se producen durante la experiencia de juego, y sin molestarse en desarrollar una historia con empaque y sustancia porque, total, los videojuegos consisten en disparar a marcianitos y poco más, ¿no? El salto al cine de Assassin’s Creed se anunció con la promesa de que eso iba a cambiar, con un director y una estrella de cine con prestigio que habían salido airosos de sacar adelante una nueva y original adaptación de Macbeth. Pero después de todo, parece que es más fácil adaptar a Shakespeare que un videojuego…

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Hablando en plata, Assassin’s Creed es un desastre sin pies ni cabeza. Su guion presenta la trama y a los personajes de forma atropellada y confusa, pero luego se permite  largos parlamentos sobre la naturaleza de la violencia y sobre su presunta erradicación que resultan huecos y absurdos, como otras muchas líneas de diálogo con ínfulas profundas y sentenciosas. La película pasa más tiempo en la gélida y plomiza línea temporal del presente que en la del pasado, que reimagina la Sevilla del siglo XV envuelta en una perpetua tormenta de arena. La atmósfera sucia y sofocante se les ha ido de las manos, provocando una monotonía visual y una oscuridad que impide ver bien las secuencias de acción, que son los momentos más entretenidos y logrados de la película con diferencia, porque ni siquiera la simple y acartonada trama planteada en el pasado está bien contada. Todo es confuso, incoherente y rodado desde la apatía.

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Se suponía que Michael Fassbender era la garantía de que esta película iba a ser decente cuanto menos, no solo porque la protagonizase, sino porque se ha involucrado como productor en el proyecto desde su origen. Pues bien, aquí lo que ha conseguido el actor es liderar su primer blockbuster en solitario, lucir torso de la forma más gratuita posible y olvidarse un rato de actuar para limitarse a posar. Su interpretación es pura pose para quedar guay en las imágenes promocionales, pero su personaje no tiene carisma ni transmite empatía, y su evolución en la historia resulta casi tan arbitraria como la de Marion Cotillard, que hace lo que puede con un personaje que cambia de parecer según le convenga al guion. Jeremy Irons no tiene por qué esforzarse mucho en hacer de villano, dado que su naturaleza vil resulta evidente desde el primer plano, mientras que Brendan Gleeson y Charlotte Rampling sueltan un par de frases “filosóficas” y “crípticas”, cobran el cheque y tan contentos.

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Aunque parezca que me mueve la inquina, nada más lejos de la realidad: me pasé el primer juego de la saga, me gustó sin más, pero creí ver mimbres para una buena película de ciencia ficción con trasfondo histórico, y tras los buenos resultados de Macbeth, parecía que Kurzel, Fassbender y Cotillard formaban un equipo inmejorable para sacarla adelante. Pero no. Assassin’s Creed deja bastante que desear y sus pretensiones de ser la mejor película basada en un videojuego le vienen grandes; se toma demasiado en serio a sí misma, y ni siquiera resulta tan distraída como las dos partes de Tomb Raider o cualquier entrega de la saga de Resident Evil. Y encima se permite el lujo de dejar la historia abierta, con la esperanza de enganchar a los espectadores y a hacer la suficiente caja como para dar pie a una lucrativa franquicia. Eso sí que es fe y no el característico salto de la Orden de los Asesinos.

3’5/10

27/12/16

Las películas más esperadas del 2017

Antes de ponernos a confeccionar nuestras listas de los mejores films del año, no está de más echar un vistazo a lo que nos depara en los próximos doce meses. He aquí, como cada año, un particularísimo ranking con las películas más esperadas para el 2017. Unas son apuestas sobre seguro porque ya se han podido ver en otros territorios y las reacciones no hacen más que alimentar el hype, pero otras son apuestas más arriesgadas, de las que sabemos muy poco, pero que nos apetecen mucho por quién la dirige o por la saga a la que pertenece.

Hay que decir que este año en particular me ha costado bastante confeccionar la lista, dada la ingesta cantidad de títulos potentes que nos llegarán el año que viene. Algunas de las ausencias más sangrantes son Blade Runner 2047, Alien: Covenant, Wonder Woman, Kong: Skull Island o el nuevo film de Darren Aronofsky. No son todas las que son, pero son todas las que están, y esto no hace otra cosa que prometernos un año de cine de auténtico lujo. Esperemos que las expectativas no se queden sólo en eso y que las diez películas de las que les hablo en continuación sean de lo mejor del año:

10. The Lost City of Z
Dir.: James Gray
Int.: Charlie Hunnam, Robert Pattinson, Tom Holland, Sienna Miller, Angus Macfadyen, Daniel Huttlestone, Edward Ashly
¿De qué va?: Cuenta la historia del Coronel Percy Harrison Fawcett, un explorador británico que desapareció junto a su equipo en 1925, cuando intentaba encontrar una ciudad perdida en el Amazonas.
El reclamo: Nueva película de James Gray, uno de los directores norteamericanos más interesantes del panorama actual. Aunque su última película, El sueño de Ellis (The Immigrant), no fue tan redonda como Two Lovers o La noche es nuestra, confiamos en que su incursión en el género de aventuras con regusto clásico le haya sentado bien, porque a pesar de que su estreno se haya retrasado de otoño de 2016 a la primavera de 2017, cosechó muy buenas críticas en el Festival de Nueva York. Charlie Hunnam podría proclamarse como el héroe del año, ya que también lo veremos dando vida al rey Arturo en el nuevo film de Guy Ritchie, King Arthur: Legend of the Sword.
Estreno en USA: 21/04/17
Estreno en España: ¿?
Tráiler

The Lost City of Z

9. Star Wars: Episode VIII
Dir.: Rian Johnson
Int.: Daisy Ridley, John Boyega, Oscar Isaac, Adam Driver, Domhnall Gleeson, Mark Hamill, Benicio Del Toro, Gwendoline Christie, Peter Mayhew, Carrie Fisher
¿De qué va?: El argumento del octavo episodio de la saga galáctica creada por George Lucas permanece secreto, aunque es es de suponer que el entrenamiento jedi de Rey a cargo de Luke Skywalker será uno de sus temas centrales.
El reclamo: Reencontrarnos al fin con Rey, Finn Poe y BB-8 tras convencernos en El despertar de la fuerza que eran dignos y carismáticos sucesores de Luke, Leia, Han Solo y compañía. Habrá que ver si Rian Johnson consigue salirse de la deriva continuista de J.J. Abrams, aportando novedades y cambios sin despertar la cólera de los fans más susceptibles, así como respuestas satisfactorias a las grandes incógnitas de la película predecesora, como los orígenes de Rey o la identidad del Líder Supremo Snoke. Las primeras imágenes de la película nos llegarán en primavera, así que aún nos deparan varios meses de incertidumbre.
Estreno en USA y España: 15/12/17

Episode VIII

 

8. Untitled Woody Allen Project
Dir.: Woody Allen
Int.: Kate Winslet, Justin Timberlake, Juno Temple, Jim Belushi
¿De qué va?: La película transcurre en Coney Island, Nueva York, en 1950, y es descrita como una historia de pasión, con grandes personajes, infidelidades, amantes y gángsters.
El reclamo: Ser la cita anual de Woody Allen siempre es motivo más que suficiente, y esta vez tiene el añadido de que se trata de la primera colaboración del cineasta con Kate Winslet, que fue la primera elegida para protagonizar Match Point hasta que la actriz se desentendió para pasar más tiempo con su familia. Además, Vittorio Storaro se encargará de la fotografía del film tras el fantástico trabajo realizado para Café Society. Habrá que ver si la película supone un triunfó más del cineasta neoyorkino, o si por el contrario pasa tan desapercibida como la serie que ha hecho para Amazon, Crisis in Six Scenes.
Estreno en USA y España: ¿?

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7. The Beguiled
Dir.: Sofia Coppola
Int.: Colin Farrell, Nicole Kidman, Kirsten Dunst, Elle Fanning, Angourie Rice, Oona Laurence
¿De qué va?: Un soldado resulta herido mientras lucha en la Guerra Civil Norteamericana y es rescatado por una escuela de señoritas del Sur, donde acabará conquistando el corazón tanto de las profesoras como de las alumnas, enrareciendo el ambiente de la institución por culpa de los celos.
El reclamo: Sexta película de Sofia Coppola, que se ha decantado por adaptar una novela de Thomas Cullinan que ya fue llevada al cine en 1971, en un film protagonizado por Clint Eastwood, titulado El seductor en España, y con el que probablemente no tenga casi nada que ver. Coppola ha reunido un reparto muy atractivo reclutando para la ocasión a dos viejas conocidas de su cine, Kirsten Dunst y Elle Fanning, así como a la incombustible Nicole Kidman y a Colin Farrell, que pasa de estar encerrado en un hotel donde es forzado a encontrar pareja a estarlo en un colegio donde las chicas se pelean por él.
Estreno en USA: 30/06/17
Estreno en España: ¿?

The Beguiled

6. Guardians of the Galaxy Vol. 2
Dir.: James Gunn
Int.: Chris Pratt, Zoe Saldana, Dave Bautista, Bradley Cooper, Vin Diesel, Karen Gillan, Michael Rooker, Kurt Russell, Elizabeth Debicki, Pom Klementieff
¿De qué va?: Los Guardianes deben luchar para mantener unida a su nueva familia mientras desentrañan el misterio de la verdadera filiación de Peter Queen, al tiempo que viejos enemigos se convierten en nuevos aliados. Todo al ritmo del Awesome Mix Vol. 2.
El reclamo: Ser la secuela de la película más libre y descacharrante de la Factoría Marvel, así como la más capacitada para gustar incluso a los que están muy hartos de las películas de superhéroes. Confiamos en James Gunn por el entusiasmo y el cariño que ha demostrado sentir hacia los personajes, y los fichajes de Kurt Russell, Sylvester Stallone y Nathan Fillion prometen nuevas dosis de humor y frikismo.  Y claro, está Baby Groot, que probablemente sea la cosa más adorable de la galaxia.
Estreno en USA: 05/05/17
Estreno en España: 28/04/17
Tráiler

Guardians of the galaxy


5. Moonlight
Dir.:
Barry Jenkins
Int.: Naomie Harris, Mahershala Alí, Janelle Monáe, André Holland, Trevante Rhodes, Alex R. Hibbert, Jaden Piner, Ashton Sanders, Edson Jean, Jharrel Jerome
¿De qué va?: Un joven afroamericano de clase humilde intenta encontrar su lugar en el mundo mientras crece en plena guerra de los carteles de la droga en los suburbios de Miami, descubriendo asimismo su homosexualidad.
El reclamo: Ser la película mejor valorada y más laureada por la crítica de la temporada (99 en Metacritic, 98% en Rotten Tomatoes), aunque la expectación ya se había originado cuando se publicó su hermoso tráiler. Aborda un tema tan poco explorado como el tabú de la homosexualidad en la población afroamericana, a través de una historia con ecos de Boyhood, pero contando con tres actores diferentes que encarnan al mismo personaje en diferentes edades. Tal vez sea demasiado indie, gay y radical para los Oscar, pero si terminan premiándola, sería la redención perfecta por haberle negado la estatuilla de mejor película a Brokeback Mountain.
Estreno en USA: 21/10/16
Estreno en España: 10/02/17
Tráiler

Moonlight


4. 20th Century Women
Dir.: Mike Mills
Int.: Annette Bening, Elle Fanning, Greta Gerwig, Billy Crudup, Lucas Jade Zumann
¿De qué va?: En la California de los años 70 vive Dorothea Fields, una enérgica mujer que ronda los 55 años y cuya mayor preocupación es la educación de su hijo adolescente, Jamie, pero ante la imposibilidad de controlarlo solicita la ayuda de dos mujeres: Abbie, una artista punk de espíritu libre que vive como invitada en su casa, y Julie, la inteligente y provocadora vecina.
El reclamo: Teniendo en cuenta que se trata del primer trabajo cinematográfico de Mike Mills desde que estrenó Beginners, allá por el 2010, y que esta última es la película favorita de servidor, creo que pueden entender la razón de su inclusión en la lista. Si Beginners se basaba en la figura del padre del director y guionista, ésta se basa en la de su madre, a la que da vida Annette Benning, secundada por otras dos mujeres de bandera como son Elle Fanning y Greta Gerwig. El tráiler también recuerda mucho a su anterior film, y sólo puedo pensar en que quiero chutarme en vena la melancolía que desprende. Ojalá la estrenen con fundamento en España.
Estreno en USA: 25/12/16
Estreno en España: ¿?
Tráiler

20th century women


3. The Lego Batman Movie
Dir.: Chris McKay
¿De qué va?: Batman no sólo debe lidiar con los criminales de Gotham, sino que también tiene que asumir la responsabilidad de criar a un chico que acaba de adoptar.
El reclamo: Spin-off del personaje sorpresa de La Lego película, ese Batman al que presta su voz Will Arnett (Bojack Horseman) clavando la gravedad del tono que le daba Christian Bale cuando se enfundaba el traje. El elenco de voces también tiene su gracia: Michael Cera (Robin), Ralph Fiennes (Alfred), Zach Galifianakis (el Joker), Jenny Slate (Harley Queen) y… ¡Mariah Carey como la alcaldesa de Gotham! Los avances vistos hasta ahora prometen generosas dosis de autoconsciencia paródica, y muchos ya auguran que podría tratarse de la mejor película sobre Batman… Puede que sea exagerado, pero al menos se agradece una aproximación al personaje alejada de la seriedad y oscuridad a la que nos han acostumbrado.
Estreno en USA y España: 10/02/17
Tráiler

The Lego Batman Movie


2. Jackie
Dir.: Pablo Larraín
Int.: Natalie Portman, Peter Sarsgaard, Greta Gerwig, Billy Crudup, John Hurt, Richard E. Grant, John Carroll Lynch
¿De qué va?: Tras el asesinato del Presidente de los Estados Unidos John F. Kennedy, la Primera Dama Jacqueline Kennedy lucha contra el dolor y el trauma para recuperar su fe, consolar a sus hijos y definir el legado histórico de su esposo.
El reclamo: Lo que pintaba ser un biopic cursi y acartonado en la estela de Diana y Grace de Mónaco parece que ha resultado ser una aproximación intimista y oscura a la figura de una de las mujeres más icónicas de la historia de Estados Unidos. Claro que detrás está Darren Aronofsky en la producción y Pablo Larraín en la dirección, quien, no en vano, acaba de estrenar otro biopic nada convencional, Neruda. La película también supone el regreso de Natalie Portman a la primera línea tras unos años entre ausente y ocupada en proyectos que salieron a medio gas, como La venganza de Jane; que nadie se sorprenda si la vemos en un par de meses alzando su segundo Oscar, tan embarazada como cuando lo ganó por Cisne negro. El tráiler es de los mejores del año, como si de una película de terror psicológico se tratase.
Estreno en USA: 02/12/16
Estreno en España: 17/02/17
Tráiler

Jackie


1. La La Land
Dir.: Damien Chazelle
Int.: Ryan Gosling, Emma Stone, J.K. Simmons, Rosemarie DeWitt, John Legend
¿De qué va?: Mia, una solitaria aspirante a actriz, y Sebastian, un solitario aspirante a pianista de jazz, se enamoran en la ciudad de Los Angeles. En una competición constante por buscar un hueco en el mundo del espectáculo, Mia y Sebastian descubren que el equilibrio entre el amor y el arte puede ser el mayor obstáculo de todos.
El reclamo: Si la primera imagen de la película se hubiese publicado antes de confeccionar el ranking de películas más esperadas del 2016, habría formado parte de él sin lugar a dudas. Esa imagen de Emma Stone y Ryan Gosling bailando al atardecer auguraba algo grande, y así parece que ha sido dado el entusiasmo que ha despertado la película desde que inauguró el pasado Festival de Venecia. También consolida a Damien Chazelle como uno de los mayores valores en alza que hay ahora mismo en Hollywood, tras esa inmejorable carta de presentación que fue Whiplash. Muchos estamos resistiendo la tentación de ver más avances y escuchar la banda sonora de la película, para que la fascinación que sintamos en el cine sea lo más genuina posible. Como dijo Hugh Jackman cuando presentó los Oscar, “the musical is back!”.
Estreno en USA: 09/12/16
Estreno en España: 13/01/17
Tráiler

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26/12/16

O.C: Un hombre lobo americano en Londres (1981)

Poster Un hombre lobo americano en Londres¿De qué va?: David y Jack son dos jóvenes estadounidenses que, con sus mochilas a cuestas, deciden pasar meses recorriendo Europa. Cuando están en Inglaterra, llegan a una zona rural desolada donde los vecinos les aconsejan tener cuidado con la luna y no apartarse del camino. Pero cuando los jóvenes emprenden la marcha por la noche, se topan con una criatura legendaria sedienta de sangre, cuyas víctimas se convierten en muertos vivientes que deben vagar por la Tierra eternamente; en cambio, quienes escapan con vida tienen reservado un destino diferente…

Reputación: John Landis tuvo la idea para la historia mientras se encontraba en Yugoslavia trabajando como asistente de producción en el rodaje de Los violentos de Kelly (1970). En una travesía en coche, se topó con un funeral gitano en el que enterraban al cuerpo en una tumba muy profunda, envuelto con ajo y con los pies por delante para que no se levantara de entre los muertos. Landis pensó entonces que no sería capaz de confrontar a un zombi, lo que acabó traduciéndose en un guion sobre un hombre de su misma edad que se encuentra en una situación similar. Años después, cuando Landis adquirió fama y prestigio como director gracias a películas como Granujas a todo ritmo (1980), consiguió una inversión de 10 millones de dólares para sacar adelante el proyecto, aunque los productores consideraban que el guion era demasiado terrorífico para ser comedia y demasiado cómico para ser una película de terror.

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Las diferentes prótesis y partes robóticas creadas por Rick Bauer para la transformación en hombre lobo y los zombis impresionaron tanto a la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood,  que decidió crear el Oscar a mejor maquillaje para otorgárselo expresamente al film, y desde entonces la categoría ha estado presente todos los años. Michael Jackson también se declaró fan absoluto del film, de ahí que insistiese en la contratación del equipo entero para realizar el mítico videoclip de Thriller. Su éxito propició una secuela tardía, Un hombre lobo americano en París (1997), sin la participación de Landis, y que se saldó con un fracaso de crítica y público. Curiosamente, Landis había amenazado con poner ese título a su película cuando se le negó al actor protagonista, Griffin Dunne, el permiso para trabajar en Reino Unido, porque el gobierno inglés consideraba que ya había suficientes actores americanos en territorio británico que podían interpretar el mismo papel. Hace un par de meses se ha anunciado el desarrollo de un remake que será dirigido y escrito por su hijo, Max Landis, guionista de Chronicle (2012) y American Ultra (2015).

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Comentario: Muchas películas se consideran fallidas por haber sido el resultado de mezclar géneros, sin la capacidad de  encontrar un tono que les defina y que funcione. Un hombre lobo americano en Londres convierte su aparente debilidad en virtud, provocando risas en el espectador para luego cortárselas con un susto tremendo o viceversa (aunque sea con pesadillas gratuitas), al tiempo que se moderniza el mito del hombre lobo con un protagonista en las Antípodas del linaje aristocrático de las anteriores víctimas de la maldición. Los años apenas han hecho mella en la película, gracias en buena medida al fantástico trabajo de maquillaje y efectos especiales realizado en la transformación del hombre lobo, así como a un buen puñado de secuencias antológicas de diversa índole: desde el pavor que transmite el ataque en la estación de metro hasta la hilarante película porno, pasando por la absurda y sangrienta cadena de accidentes en el centro de Londres y el desconcertante y abrupto desenlace.

Próximo visionado: King Kong (1933)

23/12/16

Realidad, ficción y viceversa

Banner Roanoke

Creador: Ryan Murphy, Bryan Falchuk
Int.: Sarah Paulson, Cuba Gooding Jr., Kathy Bates, Angela Bassett, Andre Holland, Lily Rabe, Adina Porter, Evan Peters, Wes Bentley, Denis O’Hare, Cheyenne Jackson
Emisión: 2016, FX
6ª temporada

Tras el mal sabor de boca dejado por Freak Show y Hotel, era evidente que American Horror Story necesitaba un buen lavado de cara si quería volver a entusiasmar a sus seguidores como en sus primeros años. Si el gancho promocional de Hotel fue ver qué tal se le daba actuar a Lady Gaga, para la sexta temporada se quiso generar una gran expectación al mantener en un secreto absoluto su subtítulo, trama y temática hasta la emisión del primer episodio, jugando al despiste con diferentes carteles y afiches promocionales que aparentemente no guardaban relación entre sí. Finalmente, se descubrió el pastel: American Horror Story – My Roanoke Nightmare es la historia de una pareja interracial que, tras sufrir un altercado en la ciudad, decide mudarse a una gran casa de las afueras, con la mala suerte de que la zona está plagada de fantasmas, entes y catetos malignos que les acosan desde la primera noche. La gracia de una premisa tan manida está en el planteamiento: la serie imita la estructura de un documental, presentando una recreación de los hechos “reales” que es alternada por declaraciones a cámara de los “auténticos” protagonistas de la historia, o lo que es lo mismo, actores interpretando a otros actores que emulan a personas reales.

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Este formato de documental paranormal falso, ya utilizado en películas como La cuarta fase (2009), no es especialmente novedoso, pero consigue que esta temporada se distancie de las anteriores, dejando a un lado la pantomima grotesca en la que había degenerado la serie para volver a apostar por el terror y la atmósfera malsana de Murder House y Asylum. Los cinco primeros episodios son empleados para presentar a los protagonistas y explorar la mitología del misterio de la colonia perdida de Roanoke, un territorio que ya había sido mencionado por la médium Billie Dean Howard (Sarah Paulson) en la primera temporada; efectivamente, las conexiones entre todas las entregas de American Horror Story también se mantienen en esta ocasión, si bien en Roanoke se pierde esa característica tan propia de la serie de mezclar alocadamente elementos y figuras del terror muy dispares, aunque siguen estando ahí pero en menor medida: La matanza de Texas, Holocausto Caníbal, El proyecto de la bruja de Blair o El resplandor son algunos de sus referentes más obvios.

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Llegado el sexto episodio, la serie da un giro sorprendente… hasta cierto punto, puesto que se veía venir que su formato no podía mantenerse igual hasta el último episodio sin caer en la monotonía. Sin entrar en spoilers, el segundo tramo de Roanoke es el que le da brillo a la temporada, porque establece un divertido juego de espejos a través del cual intensifica el terror y añade a la ecuación unas notas de comedia un tanto absurda (sin llegar a las cotas de Scream Queens) que le sientan muy bien para que la serie deje de tomarse tan en serio a sí misma, fortaleciendo los dardos envenenados que lanza Ryan Murphy tanto al formato de la telerrealidad como a los que viven por él y para él: productores morbosos, actores vanidosos y espectadores fanáticos que no pueden dejar de mirar ni cuando la cosa se pone muy truculenta; sí, esos también somos nosotros. Los guionistas han sabido jugar muy bien sus cartas a la hora de generar falsas expectativas sobre los personajes y el papel que va a jugar cada uno en la historia, además de haber sacado mucho jugo a su reparto, la gran mayoría habituales de la familia AHS. Todos están perfectamente escogidos para los personajes que encarnan (incluso Cuba Gooding Jr.), aunque son Sarah Paulson y Kathy Bates las que siguen destacando más, tal vez porque Murphy les da sólo a ellas el estatus de “musa/diva” que poseía Jessica Lange antes de su marcha. No obstante, atentos a la revelación de Adina Porter, que ya nos había llamado la atención encarnando a la madre alcohólica de la insufrible Tara en True Blood.

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Si en la reseña de Hotel afirmé que seguiría viendo la serie en piloto automático por lo hastiado que me tenía, Roanoke ha conseguido revitalizar mi interés por ella. Se nota que, a diferencia de Freak Show y Hotel, la temporada completa ha sido planteada de antemano, en vez de ser improvisada sobre la marcha. Consta de diez episodios de una duración de entre 38 y 40 minutos cada uno, lo justo y necesario para plantear, desarrollar y finiquitar esta historia con el ritmo y la cadencia necesaria. Roanoke ha puesto el listón muy alto de cara a las próxima temporada, así que habrá que comprobar el año que viene si esta entrega marca el regreso al buen camino o si por el contrario será un efímero soplo de aire fresco…. o putrefacto, depende de cómo se mire.

Reseñas de las anteriores temporadas:

AHS Hotel

AHS Freak Show

AHS Coven

AHS Asylum

AHS Haunted House

20/12/16

La chispa que iluminó la galaxia

Poster Rogue One

Dir.: Gareth Edwards
Int.: Felicity Jones, Diego Luna, Mads Mikkelsen, Ben Mendelsohn, Forest Whitaker, Riz Ahmed, Alan Tudyk, Donnie Yen, Jiang Wen
¿De qué va?: Un grupo de insólitos rebeldes, liderados por la problemática Jyn Erso, se unen para realizar la arriesgada  y aparentemente imposible misión de robar los planos de la Estrella de la Muerte, el arma de destrucción definitiva del Imperio.

Reseña: Todo empezó con ellos, con los espías rebeldes que consiguieron la primera victoria importante frente al Imperio al robar los planos de la Estrella de la Muerte. Pero a pesar de ser el detonante de la trama de Una nueva esperanza (1977), estos héroes anónimos apenas conformaron un escueto pie de página dentro de la enorme saga en la que se acabaría convirtiendo Star Wars. Treinta y nueve años después, gracias a que Disney quiere que la Fuerza esté con nosotros cada Navidad hasta el 2020 (aunque seguro que se prolongará más), por fin descubrimos cómo se robaron los dichosos planos. A priori, Rogue One parece concebida como un aperitivo entre el episodio VII y el VIII, una curiosidad hecha a medida de los más fanáticos que de paso sirve de excusa para que la compañía de Mickey Mouse llene sus ya de por sí abarrotadas arcas, y aunque puede que todo eso sea verdad, lo cierto es que la película es todo lo que podíamos esperar de ella partiendo de unas expectativas realistas.

Rogue One1

Porque aunque en teoría el estudio otorgue más margen de maniobra para estos spin-off que se intercalarán con los episodios de la historia principal, sería de ilusos esperar que Rogue One hubiese sido concebida como un espectáculo de masas, con una gran inversión detrás, que se pudiese permitir el lujo de esquivar derroteros archiconocidos. De hecho, la trama se limita en buena parte a seguir a los protagonistas de un planeta a otro en busca de una persona o un objeto, de forma lineal y sin sobresaltos. Sin embargo, si a El despertar de la fuerza (2015) se le achacó ser un remake encubierto de Una nueva esperanza, el film de Gareth Edwards mantiene la suficiente y respetuosa distancia como para labrarse una identidad propia: escenarios inauditos en la saga, como el planeta tropical donde se desarrolla el tercer acto, o una ciudad en ruinas que no se diferencia demasiado de las zonas en conflicto bélico del mundo real, ausencia de jedis, de sables láser y de las típicas cortinillas de la saga que daban paso a una nueva escena, una atmósfera pesimista y sombría que nos retrotrae a El imperio contraataca (1980) y, por primera vez en la saga, una visión desencantada de la Alianza rebelde, de la cual se cuestionan sus métodos contestatarios y la inoperancia de sus altos cargos.

Rogue One: A Star Wars Story

L to R: K-2SO (Alan Tudyk) and Jyn Erso (Felicity Jones)

Ph: Film Frame ILM/Lucasfilm

©2016 Lucasfilm Ltd. All Rights Reserved.

El mayor problema que acarrea la narración se vislumbra poco antes de comenzar la batalla final, cuando uno de los personajes le hace un comentario cariñoso a la protagonista: hemos presenciado las circunstancias por las cuales se ha formado ese pequeño y multiétnico grupo de rebeldes “radicales”, pero jamás hemos percibido que se haya creado un vínculo especial de camaradería entre ellos. El trazo de los personajes no es tan grueso y esquemático como el de los que pulularon por Godzilla, el anterior film de Edwards, y nadie puede cuestionar el carisma de Felicity Jones y de sus compañeros de fatigas, ni el acertado cinismo implícito en el alivio cómico que ejerce el robot K-2, pero la relación entre todos ellos es muy endeble. Aún así, resulta imposible no inmutarse ante un tercer acto que, aun siguiendo el esquema tradicional de la saga de alternar la acción entre diferentes escenarios terrestres y espaciales, se erige como uno de los más emocionantes, vibrantes y hermosos que nos ha dado la saga.

Rogue One: A Star Wars Story



Ph: Film Frame

©Lucasfilm LFL

Rogue One no es ni mucho menos el desastre que muchos auguraron cuando se anunció el rodaje de escenas adicionales (el síndrome post-Escuadrón Suicida). Es un espectáculo sólido y competente, oscuro y adulto hasta el punto al que le han dejado llegar, que rinde homenaje a aquellos individuos que se sacrifican por una causa, por un bien mayor, aunque luego pasen a los anales de la Historia como un colectivo anónimo, y de paso nos trae de vuelta a un Darth Vader que impone tanto como la primera vez que lo conocimos. Su breve participación es tan disfrutable como incómoda resulta la de ciertos personajes que regresan por obra y gracia del CGI; una aparición breve pasa, pero recrearse en el “milagro”, por muy admirable que sea, no se libra del artificio inherente. Con todo, la película cuenta con el mejor desenlace posible para este, en líneas generales infame, 2016; una secuencia que no sólo encierra la esencia de todo el film, sino que nos da un poco de aliento para afrontar con optimismo lo que está por llegar.

8/10

18/12/16

Cuando el futuro nos alcance

Black Mirror
Creador: Charlie Brooker
Emisión: 2011 – ¿?, Channel 4 y Netflix
3 temporadas


En el año 2011, la cadena británica Channel 4 emitió una miniserie titulada Black Mirror creada por el guionista, productor y columnista Charlie Brooker, que constaba de tres episodios independientes entre sí, pero con un espíritu crítico y corrosivo y una temática en común: cómo afecta la tecnología y sus avances en la vida del ser humano; de ahí el título, que hace alusión al reflejo negro y vacío que nos devuelve la pantalla del móvil, de un ordenador o de la televisión apagada. La miniserie fue tan aclamada que dos años después, en 2013, se emitió una segunda temporada, con otros tres capítulos que mostraban nuevas y perturbadoras realidades futuristas. Un año después llegó un especial navideño, Blanca Navidad, que englobaba tres microrelatos conectados entre sí, y poco después, Netflix acabaría comprando la serie para darle una periodicidad más continuada y emitirla en exclusiva a través de su plataforma.

Esta tercera temporada consta del doble de capítulos de las anteriores, seis, y lo primero que salta a la vista es la inyección de capital y medios que ha supuesto la entrada de la multinacional de contenido en streaming. Por primera vez, las tramas no siempre se ambientan en Gran Bretaña, se cuenta con intérpretes más populares y  no se escatima en gastos con los decorados y escenarios, por lo que no siempre son tan minimalistas y anclados al presente como los de los episodios previos. Estos cambios no han afectado a la calidad de la serie porque, si bien es verdad que algunos de los peores capítulos de Black Mirror se encuentran en esta temporada, también están algunos de los mejores. Conviene aclarar que cuando hablamos de los peores nos referimos a historias en las que no se sacó todo el partido posible a su potencial, porque de momento no hay episodio de esta antología que pueda considerarse malo o desechable.

Cada uno tendrá su ranking particular con sus episodios favoritos, pero es curioso que en los primeros puestos suelen figurar los mismos, aunque cambien algunas posiciones. A continuación les presento el mío, uno de tantos, con los que considero que son los seis episodios más significativos e imprescindibles de esta serie que se ha convertido por méritos propios en indispensable. Un entretenimiento televisivo de primera categoría que nos hace reflexionar y nos sacude como pocos.

¡Precaución amigo lector! Ligeros spoilers a partir de ahora.

 

6. El himno nacional (The National Anthem)

Este capítulo debería estar presente en cualquier top de la serie porque fue el origen, lo que inició el enganche. Aquí empezó todo, con una especie de broma macabra que termina haciendo del “click-bait” una obra de arte macabra, y lanzando una crítica demoledora hacia el vouyerismo colectivo y a las redes sociales en su función de jurado público y justiciero anónimo, temas que también se explorarían en siguientes episodios como los muy angustiosos Oso blanco y Cállate y baila.  Para salvar a una princesa ya no hay que demostrar valentía luchando contra dragones, sino perder la dignidad delante de un público que, por muy asqueado que esté, no puede dejar de mirar. Excelente y desconcertante carta de presentación con la que Brooker avisaba que nos encontrábamos ante un formato inaudito y nada complaciente.

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5. Odio nacional (Hated in the Nation)


El último capítulo hasta la fecha es el más largo de todos: 89 minutos en los que se combina el thriller policíaco con el terror paranormal y Los pájaros de Alfred Hitchcock.  El odio que volcamos en la red, escudados en el anonimato y ante una supuesta ausencia de consecuencias, es el eje central de este misterio que trae de cabeza a la estupenda pareja de detectives formada por Kelly Macdonald y Faye Marsay, y que cuenta con giros audaces y algunos de los momentos más estremecedores de la serie, que ya es decir. El epílogo me sobra, pero tampoco molesta demasiado.

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4. Tu historia completa (The Entire History of You)

Una de las premisas más recurrentes de Black Mirror es presentar una tecnología hecha para facilitarle la vida al ser humano que acaba teniendo efecto boomerang, volviéndose en su contra y complicándole la existencia. Una especie de chip implantado en la cara que permite almacenar todos los recuerdos, como si de un disco duro se tratase, se revela como un arma de doble filo capaz no sólo de dinamitar una relación sentimental, sino de sacar a la luz nuestras vergüenzas y miserias más íntimas. Una pareja haciendo el amor mientras cada uno ve recordatorios de polvos mejores es la imagen más significativa del capítulo, así como de nuestra manía por capturar todos los momentos de nuestras vidas y anclarnos en un pasado mejor para sobrellevar el descolorido presente.

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3. San Junipero

El episodio más atípico de todo Black Mirror ha sido el más comentado y el mejor valorado de la tercera temporada. Tal vez sea porque por primera vez se nos presenta una historia que tiende más a la claridad que a la oscuridad, o porque no hay respuestas fáciles a la hora de ponderar las ventajas y los inconvenientes de la tecnología que presenta. La deconstrucción de la trama resulta impecable, desvelándose gradualmente el misterio que la envuelve y jugando muy bien con el apogeo nostálgico en el que vivimos, al tiempo que conectamos con las muy entrañables y empáticas Mackenzie Davis y Gugu Mbatha-Raw. Yo soy de los de la opinión de que el epílogo es forzado, puesto que se basa en una decisión contraria al discurso que nos ha dado el personaje en cuestión apenas un par de minutos antes, pero por una vez que un capítulo de Black Mirror (y una trama homosexual) no acaba del todo mal tampoco vamos a ponernos exquisitos. Nos vemos en San Junipero.

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2. Ahora mismo vuelvo (Be Right Back)

Cuando se estrenó Her, muchos la definieron como una versión romántica de este capítulo. Sí, pero no. Porque la maravillosa película de Spike Jonze habla de la necesidad de contacto humano en un mundo en el que el trato interpersonal brilla por su ausencia, mientras que Ahora mismo vuelvo versa sobre el vacío que se produce ante la muerte de un ser querido, ofreciendo como solución una especie de Ouija tecnológica construida a través de la huella digital que deja el fallecido. El resultado es una dolorosa e intimista historia de amor con un par de interpretaciones estelares por parte de Haley Atwell y Domhnall Glesson que, además de convertir un proceso de duelo en una pesadilla del tipo “ten cuidado con lo que deseas”, pone en evidencia la disonancia entre nuestro yo real y aquel que mostramos en la red, lo cual enlaza con el capítulo que ocupa el primer puesto de este top.

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1. Caída en picado (Nosedive)

Partiendo de la base de que cualquier capítulo de Black Mirror es más o menos plausible, Caída libre es el que nos presenta un futuro más inmediato y real, porque una aplicación que valore con estrellitas nuestra interacción con el resto de personas es algo que ya está pasando, pero no a la escala que nos presenta el capítulo, que incluye ventajas vip para aquellos que tienen mejores puntuaciones; tiempo al tiempo. Aquí se han alineado los talentos de Brooker en la producción, Joe Wright (Expiación) en la dirección, Rashida Jones y Michael Schur (Celeste & Jesse Forever, Toy Story 4) en el guion, Max Richter en la banda sonora (de las mejores del año) y una Bryce Dallas Howard mejor que nunca en el papel principal, para dar forma y fondo a una brillante parábola sobre nuestra necesidad enfermiza de ser aceptados por los demás, del postureo, de los mecanismos que utiliza el sistema para alienarnos y de la imperiosa necesidad de sufrir una catarsis para liberarnos de todo lo que nos oprime y nos sobra. Obra maestra de principio a fin. 

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16/12/16

Soldado redentor

Poster Hasta el ultimo hombre

Dir.: Mel Gibson
Int.: Andrew Garfield, Sam Worthington, Vince Vaughn, Luke Bracey, Teresa Palmer, Hugo Weaving, Rachel Griffiths
¿De qué va?: Desmond Doos, un joven contrario a la violencia, se alista en el ejército de los Estados Unidos con el objetivo de servir como médico de guerra. Pero antes, tendrá que luchar contra todo el estamento militar y enfrentarse a un juicio de guerra por su negativa a coger un rifle.

Reseña: Mel Gibson, El Personaje, se escapa a mi comprensión. Mel Gibson, El Director, es otra cosa. De todas formas, ambas facetas están íntimamente ligadas, porque la primera alimenta de creencias, ideas y obsesiones a la segunda, dando como resultado películas con tanto empaque visual como ricas en contenido. Hasta el último hombre (Hicksaw Ridge) no parte de una concepción tan radical como Apocalypto (2006) o La pasión de Cristo (2004), de hecho, es un drama bélico de estructura clásica a más no poder, y recuerda bastante, tanto por el personaje central como por lo que cuenta, a Invencible (2014). Sin embargo, al ver la película de Gibson, uno ve más claro qué era lo que fallaba en la película de Angelina Jolie; ella tenía todas las armas para montar uno de esos films “bigger than life” que sólo Hollywood tiene la desfachatez de hacer, pero le faltó algo importante: la visceralidad, la rabia y el pulso que sí posee el director de Braveheart.

Hasta el ultimo hombre

La película se divide en tres actos, ambientados respectivamente en Virginia, en el campamento de entrenamiento militar y en Okinawa. El primero consiste en una presentación muy correcta del personaje central, Desmond Doos, del origen de su fe y creencias y de su historia de amor, tan cándida como convencional, con una joven enfermera a la que da vida una luminosa Teresa Palmer. A continuación viene el entrenamiento militar, en el que, al tiempo que Vince Vaughn, no tan molesto como de costumbre, aporta unas agradecidas notas de humor al conjunto, la trama se centra en el conflicto de Desmond, esa inquebrantable objeción de conciencia que pone a todo el sistema militar en su contra, haciéndole la vida imposible. Si bien el personaje se apoya en su fe, en ningún momento intenta adoctrinar a sus compañeros para convencerles de que él hace lo correcto y ellos no, al igual que la película no es tanto una apología del poder de la fe adventista como la alegoría de un hombre con una convicción a prueba de bombas, en un mundo en el que los ideales no se cambian fruto de una profunda reflexión, sino porque, o bien son veletas, o se venden al mejor postor.

Hasta el ultimo hombre2

Y tras el final feliz del segundo acto llega el tercero, que nos mete de lleno y sin tiempo para calentar en el campo de batalla. Gibson demuestra aquí su gran habilidad para coreografiar grandes escenas de acción para las que no escatima en sangre y vísceras, y en las que todo es tan caótico como debe serlo una guerra auténtica, pero manteniendo al espectador orientado en todo momento dentro del fuego cruzado. Un infierno embarrado y grisáceo que contrasta con las imágenes blancas, naturales y lumínicas de la ciudad natal de Desmond. Para el momento en el que Gibson se centra en santificar a su héroe con imágenes de un simbolismo nada disimulado, ya nos tiene a todos cogidos por los mismísimos. Incluso podemos pasar por alto que presente una visión completamente unilateral del conflicto, retratando a los japoneses como una horda de kamikazes,  porque pocas veces se separa del punto de vista de Desmond, empezando su calvario particular antes de llegar a Japón, por parte de compañeros y superiores que acaban rindiéndose ante lo que ellos mismos llaman “el milagro”, y porque en ningún momento hace apología de la patria de las barras y estrellas.

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De Hasta el último hombre podíamos esperar que fuese una película rodada con maestría, pero no que fuese escasamente moralista y adoctrinadora, todo esto viniendo de quien viene. Su fuerza y su energía radica en las contradicciones inherentes a su artífice y a su obra, un alegato pacifista revestido con tripas y miembros amputados, así como en su protagonista. Andrew Garfield da la talla como ese tipo larguirucho alegre, bonachón y de espíritu boy-scout que está convencido de que puede ayudar a su país sin traicionar sus convicciones, sufriendo apenas un par de momentos de duda transitoria ante la presión del entorno. Si la película no cae en el ridículo que roza en algunas escenas es porque tanto Garfield como Gibson se están dejando la piel en ella, consiguiendo que volvamos a creer que una sola persona puede marcar la diferencia.

8/10

14/12/16

Encuentros y desencuentros

Uno de los puntos débiles del catálogo de Netflix España es su apartado de películas. Si bien se ha ampliado bastante desde que comenzó su andadura en nuestro país hace poco más de un año, sigue resultando bastante escueto en cuanto a cine clásico, español y europeo. Pero por otra parte, se está dedicando a rescatar y acoger películas de corte independiente que, de otra forma, no veríamos en España ni por asomo. Es el caso de Other People y Blue Jay, dos de las últimas y recomendables incorporaciones al catálogo cinematográfico de la plataforma de visionado en streaming.

Poster Other PeopleOther People es el debut cinematográfico de Chris Kelly, que ha trabajado como guionista para Saturday Night Live y Broad City. La película, nominada a cuatro Independent Spirit Awards (mejor actor protagonista, actriz de reparto, guion novel y ópera prima), cuenta la historia de David, un joven que abandona parcialmente sus esfuerzos por ganarse la vida como guionista televisivo en Nueva York para pasar una temporada en su hogar natal, en Sacramento, cuando descubre que su madre se está muriendo. Sin embargo, la relación con su familia es algo tensa desde que les confesó su homosexualidad años atrás. El componente autobiográfico es más que evidente en esta modesta producción que combina el humor y el drama para narrar los últimos doce meses de vida de la madre de David desde el punto de vista de éste.

Other People

Lo más interesante del film es la forma honesta y auténtica con la que Kelly retrata el distanciamiento familiar, de cómo su homólogo en la ficción se siente como un completo extraño tanto en su ciudad natal como junto a sus hermanas y su padre, debido también a cierto esnobismo por su parte. Su familia lo rechazó tras su salida del armario, pero él también se autoexcluyó, porque en el fondo se siente superior de sus congéneres, y se frustra ante el miedo de no ser tan especial como él creía y fracasar en su intento de alcanzar el éxito en la Gran Manzana. Por ello, también intenta hacer creer a su madre que su vida es más maravillosa de lo que en realidad es, para que pueda irse en paz, sin preocuparse por él. Pero la película también posee una verdad universal: no hay nada mejor que una tragedia para unir a una familia dividida. Other People es, al igual que 50/50 y Yo, él y Raquel, un acercamiento mordaz, emotivo, pero moderadamente lacrimógeno, a algo tan serio como el cáncer, siendo el enorme cariño que habita tanto en el guion como en las magníficas interpretaciones de Jesse Plemons y Molly Shannon lo que la convierte en una pequeña joya que merece ser descubierta.

8/10


Poster Blue JayCortesía de Duplass Productions, la compañía de los hermanos Mark y Jay Duplass, eminencias del cine indie norteramericano, llega Blue Jay, la historia del reencuentro de una ex pareja, Jim y Amanda, en el pasillo de un supermercado de su ciudad natal, tras veinte años sin verse. Él está allí porque su madre ha fallecido y tiene que poner su casa en venta; ella está visitando a su hermana embarazada. Aunque en principio parece que la cosa se va a quedar en una breve conversación, ambos deciden ir a tomar un café, luego dar un paseo, y así, casi de forma improvisada, acaban pasando todo el día juntos, jugando a un peligroso juego que les permitirá recordar maravillosos momentos del pasado… pero que también reabrirá viejas heridas. Todo filmado con un elegante y nostálgico blanco y negro que dota al film de una apropiada apariencia de fotografía antigua.

Blue Jay

El argumento de Blue Jay recuerda a la reciente y española La reconquista, pero el film dirigido por Alexandre Lehmann no es tan subversivo en su concepción como el de Jonás Trueba. No obstante, la película se rodó sin guion, dejando libertad a los actores para la improvisación a partir de un esquema narrativo general. Mark Duplass y Sarah Paulson aprovechan la oportunidad para lucirse y construir personajes tridimensionales a partir de su propia intuición interpretativa, y lo cierto es que resulta tan hermoso como triste verlos rememorando con melancolía su amor de juventud. Sin embargo, la película se guarda para sus últimos minutos un as bajo la manga en forma de mazazo melodramático que perturba el esforzado clima que se había creado. Blue Jay es pequeña y discreta en comparación con otras películas de reencuentros, véase la trilogía de Antes del amanecer de Richard Linklater, pero no debería perdérsela cualquier aficionado a esta temática ni los fans entusiastas de Sarah Paulson, pues corren peligro de enamorarse de ella aún más si cabe.

6’5/10

12/12/16

OC.: El hombre lobo (1941)

Poster El hombre lobo¿De qué va?: El hijo de un lord inglés regresa a la mansión de su padre en Gales tras pasar sus últimos años en Estados Unidos. Una noche que asiste a una feria zíngara es mordido por un lobo y su vida comienza a cambiar, cuando teme ser el responsable de las muertes que se están produciendo en la localidad durante las noches de luna llena.

Reputación: A pesar del éxito de las películas de terror durante la década de 1930, los años 40 destacaron por una serie de títulos de bajo coste y escasa envergadura, salvo por El hombre lobo. Universal ya había estrenado una película sobre dicho mito en 1935, El lobo humano, pero no había tenido la acogida esperada. El proyecto se iba a titular en un principio Destino, y el guion corrió a cargo de Curt Siodmak, un alemán judío que se basó en su terrible experiencia huyendo de los nazis para crear el trauma que pasa el protagonista de la historia al convertirse en hombre lobo a su pesar. En el guion original, el hombre lobo nunca aparecía en pantalla, manteniendo en suspense si la transformación era real o si sólo ocurría en la imaginación del personaje. Sin embargo, el estudio mandó a reescribir el libreto para que el monstruo pudiese aparecer, y así impresionar más a la audiencia

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Bega Lugosi, estrella del género de terror gracias a su papel de Drácula, hizo campaña para hacerse con el papel principal, pero al final éste fue a parar a Lon Chaney Jr., por lo que Lugosi se tuve que conformar con un pequeño pero importante rol en la historia. Evelyn Ankers, actriz habitual del terror, encarnó a la protagonista femenina, y aunque en la ficción se enamora de Talbot, en la realidad no se llevaban demasiado bien. Todo empezó cuando a Ankers se le concedió el camerino de Talbot, por lo que éste decidió vengarse gastándole bromas pesadas, como darle sustos cuando llevaba puesto el maquillaje de hombre lobo, el cual tardaban en colocárselo dos horas y media. Aún así, Chaney Jr. volvió a encarnar al personaje en cuatro películas más. Los planes de Universal de estrenar la película en diciembre de 1941 casi se van al traste ante el ataque sufrido en Pearl Harbor tan sólo cinco días antes. Finalmente decidieron dejarlo así porque consideraban que los americanos necesitaban una buena distracción, y al parecer razón no les faltaba, puesto que la película se convirtió en un enorme éxito de taquilla.

El hombre lobo

Comentario: Hay películas que, a pesar de contar con efectos especiales rústicos e interpretaciones a juego con los decorados de cartón piedra, consiguen resistir con dignidad el paso del tiempo…. Lamentablemente, El hombre lobo no es una de ellas. Si bien las apariciones de la criatura peluda tienen su gracia, su director, George Waggner, es incapaz de crear alguna escena que sea tan memorable como las que sí ofrecieron El doctor Frankenstein, Drácula y otros films protagonizados por monstruos de la Universal. Al menos, su metraje no se alarga más de lo necesario, y hay que reconocerle el mérito de asentar las bases de una mitología que se desarrollaría en películas posteriores. Tampoco tiene mucho que envidiarle a la última versión de la historia, estrenada en 2010 con Benicio Del Toro como protagonista, pues a pesar de contar con mejores actores y recursos, resulta bastante más desangelada.

Próximo visionado: Un hombre lobo americano en Londres (1981)

11/12/16

Oda a un amor de juventud

Poster La reconquista

Dir.: Jonás Trueba
Int.: Francesco Carril, Isaso Arana, Aura Garrido, Pablo Hoyos, Candela Recio
¿De qué va?: Olmo y Manuela experimentaron su primer amor juntos a los 15 años. Ahora, recién llegados a la treintena, se reencuentran bajo el cielo de una noche de invierno en Madrid, permitiéndoles recordar y reavivar los sentimientos que despertaron en ellos cuando eran niños.

Reseña: ¿De qué hablan las canciones cuando decimos que hablan de nosotros? Hablan de amores que duelen, de viejas llamas que no se han extinguido del todo, de personas del pasado que se han convertido en extraños, de efímeros exilios románticos, de pasiones tan ilusas como descomunales. La reconquista, el cuarto largometraje de Jonás Trueba, es la canción de todas las canciones, un concierto en tres actos que empieza por el final y termina por el principio, en el que los temas de Rafael Berrio se encargan de verbalizar lo que los personajes no se atreven a decir, porque conforme nos vamos haciendo mayores perdemos naturalidad en favor de un civismo que va acorde con los compromisos y las responsabilidades que vamos asumiendo con los años.

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Pero empecemos por el principio, o mejor dicho, por ese iniciático desenlace y esos paseos por una invernal Madrid que nos remiten irremediablemente al reencuentro de Jesse y Céline en Antes del atardecer, aunque Olmo y Manuela (fantásticos y transparentes Francesco Carril e Isaso Arana), no tienen tanta cháchara como aquellos, ni están interesados en filosofar sobre la vida y el mundo, sino en averiguar en quién se ha convertido esa persona con la que descubrieron el sabor agridulce del amor quince años atrás, con una carta en la que su autor no se reconoce como catalizador de la velada. Y la noche fluye de forma espontánea y vulgar, como ocurre en la vida real: un primer tanteo en un bar vacío, un puñado de castañas, unas copas que ayudan a liberar tensiones, reencuentros imprevistos que dan un vuelco al devenir de la noche, silencios que pasan de ser incómodos a cómplices y una despedida extraña que da paso a un viaje hacia la vida real, en la que parece que todo sigue su curso y que nada ha cambiado… o tal vez sí.

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Tras el interludio que nos proporciona la serenidad de la bellísima Aura Garrido, nos embarcamos en un viaje a un pasado bucólico, a cuando la timidez era producto de la escasa experiencia y no del miedo a fracasar o a pasar vergüenza, a cuando nos escribíamos notitas en clase y empezamos a experimentar el amor deseando que fuese tan bonito y nos hiciese tan felices como a esas parejas que veíamos en las películas de Meg Ryan. Algunos dirán que este tramo era innecesario, que siempre es mejor sugerir que mostrar, y puede que no les falte razón, pero se perdería el contraste entre un tiempo y otro, junto a la constatación de que, a pesar de que Manuela y Olmo siguen siendo más o menos los mismos (pese al escaso parecido entre los actores jóvenes y sus homólogos adultos), ella no ha tenido que rebajar sus altas expectativas respecto a la vida, mientras que él ha aprendido a ser descreído y contenido a golpe de fracaso amoroso.

La reconquista

La reconquista es fruto de la madurez creativa y artística de Jonás Trueba, director con una voz y una poesía únicas, cuyo cine tal vez nunca llegue a ser tan mediático como el de su tío o el de su padre; ni falta que le hace, porque así, rodando entre amigos y sin la presión de tener que llegar un público amplio, goza de libertad para experimentar y hacer las películas que él quiere hacer, que desafían tanto al espectador como al cine convencional. La reconquista tiene un poco de cada uno de sus trabajos previos, también de sus referentes cinéfilos, cada vez más diluidos y homogéneos,  y nos engaña a todos haciéndonos creer que su título hace alusión a un romance al que se le da una nueva oportunidad, cuando en realidad lo que se pretende rescatar es la ingenuidad perdida, esa sensación romántica de que todo es posible en un futuro que aún no está escrito. Vivir es más fácil siendo un iluso.

8’5/10