30/11/16

Siempre nos quedará Casablanca

Poster Aliados

Dir.: Robert Zemeckis
Int.: Brad Pitt, Marion Cotillard, Jared Harris, Lizzy Caplan, Simon McBurney, Matthew Goode, Daniel Betts, Anton Lesser, Josh Dylan
¿De qué va?: Durante la Segunda Guerra Mundial, el agente de inteligencia del bando aliado Max Vatan es destinado a Marruecos para llevar a cabo una peligrosa misión. Mientras cumple su cometido, conoce a Marianne Beausejour, una agente de Resistencia francesa de la que se enamora.

Reseña: Muchos han sido los que han intentado traer de vuelta el espíritu y la magia del Hollywood dorado, pero pocos han salido airosos del reto. El último en proponérselo ha sido Robert Zemeckis, un enamorado confeso del cine digital que ha sido capaz de recrear un paseo sobre las desaparecidas Torres Gemelas en su penúltimo film, The Walk. Aliados tiene todos los ingredientes que caracterizan a las grandes producciones clásicas: romance, acción, misterio, glamour… Todo al servicio de dos grande estrellas de Hollywood tan bellas como carismáticas que deberían hacernos suspirar de la emoción que nos produce verlos enamorándose en la pantalla. Sin embargo, no todo lo que funciona en la teoría acaba funcionado en la práctica por ayuda digital que se tenga.

ALLIED

Zemeckis y el guionista Steven Knight (Promesas del Este) crean un juego de espejos en el que los personajes se miran furtivamente a través de su reflejo, intentando encontrar algún indicio que revele las auténticas motivaciones del otro. La historia, en ocasiones intimista y en otras grandilocuente (esa consumación amorosa en medio de una tormenta de arena), está bien contada y se sigue con más o menos interés, pero a estas alturas en las que hemos conocido todos los escenarios posibles de la Segunda Guerra Mundial, Aliados no tiene prácticamente nada que aportar a la temática, más allá de la moraleja, ya conocida, de que no conviene enamorarse en tiempos de guerra, menos aún de agentes secretos de intenciones turbias. Tras una primera parte en la que los protagonistas se conocen durante una misión en Casablanca, pasamos a una segunda en la que se juega con la posibilidad de que uno de los personajes no sea quien dice ser. Y ya está. Todo el exquisito y elegante diseño de producción está al servicio de una incógnita cuya resolución no es tan impactante como cabría esperar.

ALLIED

En cualquier caso, la clave del éxito o del fracaso de una película de estas características es la química de la pareja protagonista. Cuando  una pareja se enamora en la pantalla de forma tan rápida como pasa aquí, la química es indispensable para creerse que esas dos personas pasen por el catre y se juren amor eterno en tan poco tiempo, así como para ansiar que tengan el final feliz que merecen por estar hechos el uno para el otro. Lamentablemente, no es el caso de Brad Pitt y Marion Cotillard. Por separado, ella funciona bastante mejor que él, pues la francesa exhibe un arrollador encanto o una sospechosa ambivalencia cuando la escena lo requiere, mientras su partenaire no parece esforzarse demasiado en meterse en su papel. Juntos, resultan desabridos y escasamente compenetrados. Cuando un pilar tan importante falla, el resto se tambalea, así que no queda otra que contagiarnos, aunque sea un poco, de la nostalgia que desprende la película hacia aquella época en la que los actores se enamoraban con pasión cubriéndose estratégicamente la cara con los brazos. Pero por mucho que Aliados se empeñe, no consigue avivar toda la magia atemporal que poseen grandes clásicos, como Encadenados (1946) o Casablanca (1942), en los que desearía verse reflejada.

6/10

29/11/16

Muérete, guapi

Poster The Neon Demon

Dir.: Nicolas Winding Refn
Int.: Elle Fanning, Jenna Malone, Bella Heathcote, Abbey Lee, Karl Glusman, Desmond Harrington, Christina Hendricks, Keanu Reeves, Alessandro Nivola
¿De qué va?: Cuando la angelical Jesse se muda a Los Ángeles para cumplir su sueño de convertirse en modelo profesional, su juventud y belleza es ansiada por un grupo de chicas obsesionadas con la belleza que harán lo que sea necesario para conseguir lo que ella posee.

Reseña:  Siempre hay alguien más joven y hambriento bajando la escalera detrás de ti. Esta frase de Showgirls (1995), de veracidad más que contrastada en el mundo en el que vivimos, podría ser perfectamente el mantra del último film de Nicolas Winding Refn, a quien parece que las abucheos y las críticas polarizadas de su anterior trabajo, Solo Dios perdona, no le han afectado en absoluto, sino más bien al contrario: entre seguidores y detractores hemos creado un monstruo tan pagado de sí mismo que no siente rubor alguno al estampar sus iniciales durante todos los créditos del comienzo de The Neon Demon. Con una pericia estética tan indiscutible como recargada, NWR se ha convertido a golpe de ego y controversia en uno de los cineastas más singulares de su generación, pero no aquel que muchos creímos descubrir en Drive, quizás su película más equilibrada en cuanto a contenido y envoltorio.

The Neon Demon2

The Neon Demon nos cuenta una historia que a todos nos resulta muy familiar, la de una joven y bella pueblerina que llega a la ciudad de las estrellas en busca de fama y gloria, despertando las envidias de aquellas compañeras que temen verse eclipsadas ante la radiante luz que desprende el recién llegado diamante en bruto. Las intenciones del director de realizar una crítica a la superficialidad de la industria de la moda y del espectáculo, en la que la belleza es lo único que importa, resultan demasiado obvias, pero se vale de unas imágenes oníricas, crípticas y hermosamente perturbadoras con las que muchos espectadores podrán sentirse encandilados, pese a lo arrítmicas que resultan. La simbología implícita es tan obvia como hueca, y no estoy del todo seguro de que NWR sea tan genio como para salir airoso de atacar la superficialidad desde un vehículo tan frívolo como lo que coloca en su punto de mira.

The Neon Demon

La película es mejor cuando resulta más absurda y cercana al giallio italiano en el que se inspira, como en el delirante tramo final, que cuando su director se pone onanista recreándose en secuencias que pierden su poder hipnótico por lo estiradas que están. Elle Fanning es un valor añadido, no sólo porque su belleza virginal casa perfectamente con el espíritu del film, sino porque clava la transición narcisista que experimenta su personaje, de la misma forma en la que Jena Malone representa el deseo y la fascinación obsesiva y Abby Lee y Bella Heatchcote los celos y el pánico a ser reemplazadas, siendo las tres vampiresas que necesitan alimentarse de carne fresca para sobrevivir en una industria que es cómplice de sus actos dada la tiranía que ejerce sobre todos sus subordinados. La presencia tanto de Christina Hendricks como de Keanu Reeves no pasa de lo anecdótico.

The Neon Demon4

Si a Terrence Malick se le critica por unos últimos trabajos que son poco más que bonitos fondos de pantalla, el amigo NWR no tendría por qué ser menos. The Neon Demon es narrativamente perezosa, siendo su único hallazgo el de convertir una historia en la línea de Showgirls en una película de terror bizarra con ínfulas de arte y ensayo. El poderío visual y sonoro de sus imágenes es innegable, pero las lecturas que contienen ni son especialmente reveladoras ni complejas, sino las mismas que nos podemos encontrar en películas como Showgirls, Chicago, Burlesque, El bar Coyote o cualquier otra en la que haya zorreo extremo, puñaladas traperas y caras bonitas. La principal diferencia entre ésta y las anteriores, aparte de la exhibición de ego, es la enorme suma de dinero que habrán gastado en sangre y purpurina.

6/10

27/11/16

El hechizo perdura y se fortalece

Poster Animales fantasticos

Dir.: David Yates
Int.: Eddie Redmayne, Katherine Waterston, Dan Fogler, Alison Sudol, Colin Farrell, Carmen Ejogo, Samantha Morton, Ezra Miller, Jon Voight, Ron Perlman
¿De qué va?: En el año 1926, Newt Scamander llega a Nueva York tras completar un viaje por todo el mundo para encontrar y documentar una extraordinaria selección de criaturas mágicas. A pesar de que su estancia en la Gran Manzana iba a ser sólo una breve parada en el camino, la fuga de algunas criaturas de Newt podría causar problemas en el mundo mágico y en el de los ‘muggles’.

Reseña: A diferencia de otras sagas que fueron tan exitosas en su momento como rápidamente olvidadas tras su desenlace, la de Harry Potter ha sabido mantenerse en el candelero gracias al buen recuerdo que dejaron tanto los libros como sus adaptaciones cinematográficas, pero sobre todo a una inteligente diversificación de la marca. Mientras la continuación directa del mago que acabó con “El-Que-No-Debe-Ser-Nombrado” se representa sobre las tablas de Londres, la franquicia recobra vida en el cine en forma de precuela/spin-off con nueva historia, nuevos personajes y nuevo escenario, pero con la misma y reconocible magia que embelesó a miles de lectores y espectadores en todo el mundo años atrás.

FANTASTIC BEASTS AND WHERE TO FIND THEM

Tras los discretos resultados obtenidos con sus pinitos en otros géneros literarios, J.K. Rowling ha terminado aceptando que su éxito como escritora está inseparablemente ligado al nombre de Harry Potter, pero hay que reconocerle que no se ha limitado a vivir de las rentas del pasado escribiendo en piloto automático. Animales fantásticos y dónde encontrarlos es una película con un estilo continuista y reconocible, pero que se siente fresca y original al expandir la mitología del mundo mágico, al tiempo que ofrece una aventura más divertida que varias de las entregas de la saga de la que procede, con un buen equilibrio entre comedia, drama, suspense y acción. En el acto final se le va un poco la mano destruyendo una bonita recreación del Nueva York de los años 20, un recurso que de tan manido ya no produce ningún efecto, pero para entonces la película ya ha dado lo mejor de sí presentándonos una variopinta e imaginativa galería de criaturas fantásticas y a unos personajes que no son fotocopias de sus predecesores, y a los que les cogemos cariño rápido, deseando verlos evolucionar en las próximas entregas.

FANTASTIC BEASTS AND WHERE TO FIND THEM

Hemos pasado de los adolescentes con las hormonas alteradas del colegio Hogwarts a adultos, una decisión lógica e inteligente, ya que la saga se ha hecho mayor de la misma forma que lo han hecho aquellos niños que disfrutaron de lo lindo con Harry Potter y la piedra filosofal (2001). Dudo que haya un actor más indicado para dar vida a Newt Scamander que Eddie Redmayne, sin embargo, el oscarizado intérprete le ha cogido demasiado gusto a la sobreactuación corporal, algo que en algunas ocasiones le ha venido muy bien (La teoría del todo) y en otras horriblemente mal (El destino de Júpiter). El encorvamiento y la timidez exagerada que luce Redmayne choca al principio, pero se termina diluyendo un poco conforme el resto de personajes va entrando en escena: Katherine Waterson, Dan Fogler y Alison Sudor agarran con fuerza unos personajes que interpretan con soltura, brillo y carisma, mientras la ambigüedad de Colin Farrell y Ezra Miller junto a la acritud de Samantha Morton aportan las tonalidades más oscuras al relato.

FANTASTIC BEASTS AND WHERE TO FIND THEM

Tratándose de una película que está hecha como un espectáculo palomitero para todos los públicos, se agradece que Rowling incluya algunos paralelismos referentes a las tensiones raciales de hoy en día, así como prolongar un mensaje que ya estaba incluido en la historia de Harry Potter, que no es otro que el de ser fiel a uno mismo, por muy bicho raro que uno se sienta, puesto que intentar ser lo que uno no es no trae nada más que sufrimiento y dolor. En definitiva, Animales fantásticos y dónde encontrarlos es un sólido regreso al mundo mágico que descubrimos a través de los ojos de Harry Potter, que asienta las bases para una nueva historia dividida en fascículos (quizás cinco sean demasiados, pero ya lo veremos) y que a pesar de tener que ofrecer alguna pista de lo que está por venir, es una película que funciona por sí sola, esquivando así el gran mal de las franquicias cinematográficas de perder su identidad individual en favor de un plan mayor. Así sí, señores de Warner. Así sí.

8/10

20/11/16

Perdidos en la traducción

Poster La llegada

Dir.: Denis Villeneuve
Int.: Amy Adams, Jeremy Renner, Forest Whitaker, Michael Stuhlbarg, Mark O’Brien
¿De qué va?: Cuando unas misteriosas naves aterrizan en todo el mundo, un equipo de élite, liderado por la lingüista Louise Banks, intenta descifrar el motivo de su visita. A medido que la humanidad se prepara para una guerra contra los invasores, Louise y su equipo luchan a contrarreloj en busca de respuestas.

Reseña: Tantas películas de invasiones extraterrestres, y puede que todas esas batallas libradas podrían haberse resuelto intentando, en primer lugar, establecer comunicación con los visitantes del espacio exterior, pues, tal y como afirmó Kofi Annan, “la diplomacia es nuestra primera línea de defensa”. La llegada (Arrival) está más emparentada con el cine de ciencia ficción independiente que con aquel que se confecciona en el epicentro de Hollywood, pues apenas hay efectos digitales, toda la acción se desarrolla en un único gran escenario, dividido en un campamento militar y una sala enorme, donde una lingüista y un físico intentan entenderse con dos seres alienígenas a través de un gran cristal, y, sobre todo, porque esta no es una película sobre extraterrestres, sino sobre lo que experimenta una mujer al enfrentarse a situaciones que se escapan a la lógica del cerebro humano. 

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Denis Villeneuve confirma con La llegada su buena mano para calibrar atmósferas tensas, subyugantes y enrarecidas. La primera vez que Louise entra en la nave extraterrestre se respira una intranquila quietud y una incertidumbre que el director tensa al máximo extendiéndola a toda la narración, y que se intensifica con una brillante banda sonora de Jóhann Jóhannsson, compositor ya totalmente compenetrado con la personalidad como cineasta de Villeneuve tras las experiencias de Prisioneros y, especialmente, Sicario. Y así, la película avanza con la protagonista intentando dar respuesta a la pregunta del millón, y con la presión ejercida por la amenaza del estallido de la guerra, ante la impaciencia de los dirigentes mundiales que no están dispuestos a que un inesperado ataque les pille desprevenidos. La importancia de la comunicación, así como los peligros que conllevan los equívocos que pueden surgir en el proceso, conforman un tema que sobrevuela toda una trama que maneja varios conceptos difíciles de comprender y asimilar por el espectador medio, y que la película se encarga de explicar de forma didáctica, aunque en el caso del lenguaje simbólico que utilizan los extraterrestres, se compensa lo abstracto de su naturaleza con lo bello de su composición.

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Pero lo que hace que La llegada acabe despuntando como una de las muestras de ciencia ficción más reflexivas y redondas del cine moderno es lo bien que aúna el componente emocional de la historia con el de ciencia ficción (algo en lo que cojearon tanto Gravity como Interstellar), a través de un giro de guion completamente inesperado que da un giro de 180º a todo lo que creíamos saber sobre la historia hasta ese momento, y que propicia que Amy Adams remate una interpretación poderosa, sensible y empática, si bien el cariz que toman los acontecimientos puede dar  pie a interesantes y acalorados debates. El resto de personajes, incluyendo al que da vida el majete de Jeremy Renner, no aportan nada más allá de desempeñar su cargo en la historia, pero porque la película empieza y acaba con el potente arco dramático de Adams, acompañado de una partitura musical de Max Richter, On the Nature of Daylight, que ya nos puso los pelos de punta en Shutter Island.

Arrival

Con La llegada, Denis Villeneuve vuelve a superarse a sí mismo entregando una obra de ciencia ficción que desafía el concepto de realidad del ser humano, que apuesta por la comunicación y el pacifismo como respuesta a los conflictos entre diferentes civilizaciones, y que ofrece un nuevo giro de tuerca al hipotético primer encuentro entre la especie humana y los extraterrestres. Presumo que todo ya estaba en el relato de Ted Chiang del que parte el film, pero no por ello hay que menospreciar la labor del director canadiense y de su equipo a la hora de traducir el texto en imágenes y componer una pieza tan hermosa, evocadora, inquietante y compleja como ésta. Si Villeneuve no es capaz de sacar adelante una secuela mínimamente decente de Blade Runner, probablemente ningún director actual sea capaz de hacerlo. El año que viene confirmaremos si es verdad que a este hombre no hay nada que se le resista.

8’5/10

18/11/16

Más vale labia que corsé

Poster Amor y amistad

Dir.: Whit Stillman
Int.: Kate Beckinsale, Chloë Sevigny, Xabier Samuels, Tom Bennett, Emma Greenwell, Morfydd Clark, Stephen Fry, Jenn Murray, Justin Edwards, James Fleet
¿De qué va?: Inglaterra, 1790. Lady Susan es una viuda sin fortuna que se aloja de manera algo forzada en la casa de campo de su cuñado, aunque no despierta la simpatía de la esposa de éste, debido a los rumores acerca de sus flirteos y extravagancias entre la élite social. Mientras tanto Lady Susan se deja cortejar por dos hombres mientras le busca un marido a su hija casadera de 16 años.

Reseña: Todo aquel que espere romanticismo bucólico de cualquier película que proceda de una obra de Jane Austen tal vez pueda sentirse decepcionado ante esta nueva adaptación, que parte de un relato epistolar poco conocido de la autora, titulado Lady Susan, que es a su vez el nombre del personaje que sacude la apacible vida de varias familias de bien de la sociedad inglesa del siglo XVIII. Al igual que la heroína más conocida de Austen, la Elizabeth Bennet de Orgullo y prejuicio, Lady Susan es una mujer adelantada a su tiempo que disfruta de su libertad, recién adquirida tras el fallecimiento de su marido. Sin embargo, lejos de tener un carácter soñador, resulta ser una mujer bastante práctica, con un exhaustivo conocimiento de las convenciones sociales, más preocupadas en los modales que en la verdad o los sentimientos, y una habilidad para la seducción que le garantizarán techo y comida de por vida.

Ross McDonnell

A pesar de lo que reza el título, la película no profesa Amor y amistad precisamente. Si acaso, lo más parecido que hay a una amistad la encontramos en la relación entre Lady Susan y su amiga americana (Chloë Sevigny), pero sólo porque la primera necesita una confidente/secuaz y a la segunda le divierten sus confabulaciones, que nos pueden recordar un poco a las intrigas burguesas de Las amistades peligrosas. Si bien al principio parece que el arte de la manipulación es exclusivo de Lady Susan, pronto descubriremos que es algo que se extiende a todas las mujeres de la historia, pues ellas resultan ser más complejas, intuitivas y perspicaces que unos hombres que, por muy patriarcales que sean, son incapaces de descifrar lo que está sucediendo a su alrededor, algo que también se puede extender a los propios espectadores: los diálogos son rápidos, enfáticos y tajantes, lanzando puyas cínicas y envenenadas con tal presteza y naturalidad que podemos fácilmente pasar muchas por alto.

Amor y amistad

Dos elementos tan llamativos en las películas de época como son el diseño de producción y el vestuario pasan aquí un tanto desapercibidos porque se limitan a cumplir su función ambiental, sin grandes alardes, porque el guion escrito por el también director Whit Stillman es lo suficientemente sólido y potente como para prescindir de distracciones, auspiciado por un reparto entregado que le da vida y color. En este aspecto, Kate Beckinsale se luce como nunca confiriéndole a la astuta Lady Susan buenas dosis de encanto, descaro y una malicia casi inconsciente; nunca la llegamos a detestar porque de sus conversaciones siempre sacaremos observaciones lúcidas, y detalles tan sutiles como el de que sólo recuerde el nombre de uno de sus sobrinos (según ella su favorito) porque se llama igual que su hija. De su extenso y teatralizado elenco también podríamos destacar a Tom Bennett, dando vida al memo ingenuo con el que Lady Susan quiere casar a su hija.

Amor y amistad3

Lo peor de la cinta es su primer acto, con una presentación de personajes a lo Wes Anderson que no acaba de ser todo lo graciosa y explicativa que pretende, sino abrumadora, ante la cantidad de nombres y roles que presenta. Pero una vez la trama se asienta y los personajes se presentan por sí mismos, la película toma velocidad de crucero sin que nunca se atisbe el encorsetamiento característico del género en el que se enmarca. Mucho más acertada que el anterior y fallido trabajo de Stillman, Damiselas en apuros, Amor y amistad es una aproximación fresca y muy divertida tanto a la obra de Austen como a la sociedad de hace tres centurias, cuya fauna no dista demasiado de lo que nos podemos encontrar hoy en día. Al fin y al cabo, Lady Susan puede considerarse una antepasada de Regina George, Chanel Oberlin y otras grandes ‘bitches’ de nuestra era que, en vez de utilizar correspondencia, se valen de Whatsapp para comunicar sus intrigas.

7’5/10

17/11/16

O.C: Encuentros en la tercera fase (1977)

Poster Encuentros en la tercera fase¿De qué va?: Una noche, Roy es testigo de cómo unos objetos misteriosos sobrevuelan su casa en Indiana. El hombre comienza entonces a obsesionarse con el fenómeno, distanciándose cada vez más de su familia y aliándose con una mujer que también fue testigo del suceso, con el propósito de encontrar una explicación. Mientras tanto, un grupo de científicos investiga las apariciones de ovnis y otros extraños fenómenos acontecidos en numerosos puntos del planeta.

Reputación: Steven Spielberg inició con Encuentros en la tercera fase su aproximación a la ciencia ficción y a los extraterrestres pacifistas, continuándola años más tarde con E.T., el extraterrestre (1982). A Paul Schrader (Taxi Driver) se le encargó escribir el libreto de la película, pero cuando Spielberg entró a bordo, introdujo severos cambios en la historia, lo que propició el enfado de Schrader y su petición de no ser acreditado, con lo cual, Spielberg figura en los créditos como el único guionista. Tanto Steve McQueen como Dustin Hoffman fueron tanteados para asumir el papel protagonista, pero Richard Dreyfuss, que había oído hablar del proyecto durante el rodaje de Tiburón, consiguió persuadir a Spielberg para que lo eligiera a él. Esta fue la única ocasión en la que actúo Françoise Truffaut sin que se tratase de una película suya. Mientras él se esforzaba en mejorar su pronunciación inglesa en vano, se dice que Spielberg intentaba impresionarlo con los enormes decorados que se construyeron para la ocasión. Sin embargo, el abanderado de la Nouvelle Vague tan sólo demostró su entusiasmo el día que tuvo que rodar en el set de una pequeña habitación de hotel.

Encuentros en la tercera fase

John Williams creó la banda sonora antes de que el film fuese montado, y no después como suele ser habitual, de tal forma que Spielberg editó siguiendo los acordes de la música. Tres años después del estreno cinematográfico se estrenó una nueva versión con 5 minutos de escenas adicionales, incluyendo un final extendido. En 1998 se lanzó una tercera versión para el mercado doméstico, con algunos ajustes y sin el desenlace alargado, puesto que Spielberg se había arrepentido de él. La película ganó el Oscar a mejor fotografía y uno especial a la edición sonora, además de ser nominada a otras seis estatuillas. Además, fue un gran éxito de taquilla, recaudando 303 millones de dólares y dando a conocer a Spielberg a nivel internacional.

Encuentros en la tercera fase2

Méritos: Para lo pro-familiar que suele ser su cine y pese a ser apta para todos los públicos, Encuentros en la tercera fase cuenta una historia bastante individualista. Al fin y al cabo, su héroe es un señor al que su familia lo abandona porque no comprende la llamada que siente él hacia algo que se escapa de la vida mundana, al tiempo que una mujer no se inmuta demasiado ante la desaparición de su hijo pequeño (nada que ver con la Winona Ryder de Stranger Things). Chascarrillos aparte, Encuentros en la tercera fase se gana a pulso su estatus de icono de la ciencia ficción por la enorme fuerza de sus imágenes, y aunque tiene un tramo central bastante monótono y algunas secuencias de duración demasiado dilatada, al final prevalece el discurso que aboga por la curiosidad, la capacidad de asombro, la pacificación y la valentía hacia lo desconocido…. junto a la pregunta de por qué la carrera de Richard Dreyfuss no despegó tras el enorme carisma desplegado tanto aquí como en Tiburón, por no hablar del Oscar a mejor actor que ganó ese mismo año por La chica del adiós.

Próximo visionado: La profecía (1976)

15/11/16

Sucedió en Malasaña

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Dir.: María Ripoll
Int.: Verónica Echegui, Álex García, David Verdaguer, Alba Galocha, Jordi Sánchez, Elvira Mínguez, Cecilia Freire
¿De qué va?: Sara es una joven que regenta una tienda de plumas sin clientela y con un novio que se ha ido a trabajar a París, pero cuando por fin éste va a hacerle una visita, la vida de Sara se complicará aún más ante la separación de sus padres y el anuncio de que su hermana pequeña se va a casar con Aarón, su amor de instituto.

Reseña: Si hace unos meses, Bridget Jones volvió a los cines tras más de una década de ausencia, con el propósito de reivindicar el romanticismo más tradicionalista, ahora se intenta perpetuar su legado a través de una digna sucesora española. Sara, la protagonista de No culpes al karma de lo que te pasa por gillipollas, es al igual que Bridget un poco torpe física y socialmente, tremendista, está acomplejada (sin razón) y se emociona pensando en que su novio le va a pedir matrimonio. Porque ser moderna y mantener relaciones con tu pareja vía Skype no está reñido con estar un poco chapada a la antigua.

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El problema no es que sea un “producto para mujeres”, pues dicha etiqueta posee un carácter despectivo completamente injusto e inmerecidamente excluyente. El problema está en que, al igual que la gran mayoría de películas, series y libros que se enmarcan dentro de este grupo, transmite tanto unos roles de género que han quedado desfasados como unos ideales románticos que no se corresponden con la realidad. Da la impresión de que los autores tienen miedo de no cumplir las expectativas de su público si no le proporcionan a éstos aquello que se adecúa con sus fantasías y con lo que ya conocen al pie de la letra. El film pretende ser moderno pero se rige bajo una fórmula archiconocida según la cual todos los personajes actúan tal y como esperamos que lo hagan sin importar que sus cambios de parecer resulten forzados y arbitrarios, como ocurre por ejemplo con ese cantante al que interpreta en playback Álex García.

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La trama con más verdad y sustancia de la película es la que concierte a Sara con su novio ausente, Roberto, al que da vida David Verdaguer, quien ya mantuvo una relación a distancia (y mucho mejor explorada) en la estupenda 10.000 km. La historia de Sara y Alberto encierra uno de los grandes problemas de las relaciones de hoy en día, la contradictoria ausencia de comunicación en un mundo hipercomunicado, y las huidas hacia delante como parche provisional de algo que nunca va a sanarse del todo. Sin embargo, esto no es más que una subtrama que funciona de forma subordinada a un plan mayor, más obvio y con menos sustancia, en la línea del cuento de hadas con patito feo de toda la vida, y que también se come al personaje de la amiga de la protagonista, encarnada por una hilarante Cecilia Freire que desgraciadamente desaparece a mitad de película sin dejar rastro.

No culpes al karma

Con un estilo muy similar al de Requisitos para ser una persona normal pero sin la mitad de su simpatía, No culpes al karma… se deja ver al ritmo de una atractiva banda sonora y con unos golpes de humor que funcionan mejor a través de un puñado de frases ocurrentes que por sus supuestos grandes gags, que quedan un tanto artificiales pese al empeño que le pone su protagonista, una encantadora Verónica Echegui a la que a veces se le nota demasiado esforzada para que el timing cómico funcione. Y así, entre adultos que se lanzan a recuperar su juventud perdida y jóvenes incapaces de tomar decisiones dolorosas pero necesarias, algunos mantenemos una pequeña esperanza de que la película no desemboque en ese gran final feliz, en el que nadie sale mal parado y una declaración de amor verdadero en público resuelve todos los problemas que tiene su protagonista con la vida. Pero no. Otra vez será.

5/10

14/11/16

Chivo expiatorio

Poster 7 diasHace un año que Netflix aterrizó en España, y aunque la compañía no ha hecho público su número de suscriptores, parece comprometida a no sólo convertirse en la plataforma de visionado streaming de referencia en nuestro país, sino también a producir contenido propio como ya ha hecho en otras muchos naciones. Además del comienzo del rodaje de su primera serie española, Las chicas del cable, de coproducir la miniserie de La catedral del mar junto a Atresmedia y de fichar a Jaime Peñafiel (sic), hace unas semanas lanzó en su plataforma su primera película española original, 7 años, en la que cuatro socios de una exitosa empresa de diseño de aplicaciones tecnológicas se reúnen una noche para decidir quién de ellos debe asumir la culpabilidad del fraude fiscal que han cometido e ir a la cárcel tras haber sido pillados por Hacienda.

7 años

Es muy curioso que el primer film de Netflix tenga que ver con un tema tan candente en nuestro país como es la corrupción, la evasión de impuestos y el afloramiento de paraísos fiscales. También que, al igual que hacen los políticos, los protagonistas decidan asignar a un único culpable que asuma toda la responsabilidad, y así el resto poder salir de rositas. Estas son sólo algunas de las alegorías políticas y sociales de una trama que, como era de esperar, se desarrolla en torno a las revelaciones, las disputas y los cambios de bando que se producen entre esos cuatro colegas, frente a un mediador que asiste atónito a cómo va saliendo a flote la porquería que todos han tenido guardada, hasta el momento en el que la necesitan para convencer al resto de que otro de sus supuestos amigos debería ser  quien pase una estancia en prisión de 7 años.

7 años2

Con un estilo teatral en el que el guion y el elenco tienen todo el peso de la película, el director Roger Gual mueve su cámara alrededor de la mesa donde están todos los personajes congregados, creando un montaje dinámico que acompaña la urgencia de la acción, pero parándose cada vez que uno de sus actores goza de un gran momento de lucimiento personal. En este aspecto, Alex Brendemühl, Juana Acosta, Juan Pablo Raba y un Paco Léon más serio que nunca, realizan una gran labor tanto a nivel individual como grupal, estableciendo una química que es la que hace que los momentos más tensos resulten tan creíbles e imponentes; sorprende también la capacidad que tiene Raba, de nacionalidad colombiana, para perfilar tan bien el prototipo español de “chuloplaya” con polo Lacoste. En definitiva, 7 años es la estupenda forma con la que Netflix ha decidido empezar a invertir en España, una producción directa, ágil y sólida que demuestra tanto que la corrupción financiera y moral está a la orden del día como que en el cada vez más competitivo mundo empresarial, jamás hemos estado tan solos.

7/10

11/11/16

Geometría polisentimental

Poster Maggies Plan

Dir.: Rebecca Miller
Int.: Greta Gerwig, Ethan Hawke, Julianne Moore, Bill Hader, Maya Rudolph, Travis Fimmel, Wallace Shawn
¿De qué va?: Maggie es una profesora neoyorkina de treinta y tantos decidida a ser madre soltera. Pero su plan se trastocará cuando conozca a John, un compañero profesor que intenta ser novelista y no es feliz en su matrimonio con Georgette, una brillante académica danesa, dando lugar a un tenso triángulo amoroso.

Reseña: Dentro del grupo de cineastas e intérpretes que construyen sus carreras en torno a una misma temática o personaje, encontramos el curioso caso de Greta Gerwig, quien ostenta el título de Manic Pixie Dream Girl por excelencia después de que Zooey Deschanel se acomodase en esa serie tan hecha a su imagen y semejanza, New Girl. Volviendo a Gerwig, ha conseguido hacer suyo el papel de chica alocada, divertida, sociable, hipster, sabionda y perdida en la vida a base de interpretarlo, con algún que otro matiz diferente, en las películas de su pareja y colaborador habitual, Noah Baumbach (maravillosas Frances Ha y Mistress America), como en las de otras cineastas, incluso al servicio de bandas de música que le pegan tanto como Arcade Fire. Y mientras espera a que Woody Allen le ofrezca un papel con más sustancia que el que le dio en A Roma con amor, Gerwig sigue a lo suyo con Maggie’s Plan, otra película hecha para que sus fans la sigamos veranando y sus haters la pongan a caldo.

Maggie's Plan

De entrada, la nueva película de Rebecca Miller (La vida privada de Pippa Lee) remite un poco al propio Woody, por lo de haberse rodado en Nueva York, estar ambientada en un entorno cultivado y un tanto snob como es el de los profesores universitarios, y tratar los vaivenes de las las relaciones matrimoniales y de pareja, pero sobre todo bebe de las fuentes de Éric Rohmer, en su forma de ahondar en la psicología femenina. En Maggie’s Plan tenemos a una mujer que, al igual que muchas heroínas rohmerianas, se cree lo suficientemente espabilada como para manipular sus propios sentimientos y los de los demás a su antojo y con precisión matemática (pero con mucho encanto, que para eso es la Gerwig), aunque como es de esperar, más tarde descubrirá que en las relaciones interpersonales participan muchos factores que se escapan a su control, y que lo que un día era blanco al siguiente puede ser negro por simple capricho emocional.

Maggie's Plan

El film nunca se muestra especialmente revelador en cuestiones que ya han examinado a fondo los cineastas anteriormente citados de manera más ingeniosa y memorable, pero se esfuerza con la construcción de los personajes para que no respondan a nuestras expectativas: ni Maggie lo tiene todo tan claro, ni John (Ethan Hawke) es tan pusilánime, ni Georgette (Julianne Moore) es tan víbora como aparenta. Los tres encarnan sus papeles con el oficio que les caracteriza, secundados por la estupenda pareja que forman Bill Hader y Maya Rudolph asistiendo con complicidad a un triángulo amoroso cuyos integrantes se mueven hacia un lado o hacia el otro, empujados por conflictos de pareja tan habituales en las consultas de los consejeros matrimoniales urbanitas como pueden ser la monotonía conyugal, la envidia por los méritos que consigue el otro, la necesidad de reconocimiento o la dependencia excesiva. Una vez más, el cine puede ser la mejor terapia de choque de todas.

6/10

10/11/16

Metraje encontrado y agotado

Poster Blair Witch

Dir.: Adam Wingard
Int.: James Allen McCune, Callie Hernandez, Corbin Reid, Brandon Scott, Wes Robinson, Valorie Curry
¿De qué va?: Tras descubrir un video en el que cree ver a su hermana desaparecida, Heather, James y su grupo de amigos se adentra en los bosques Black Hills de Maryland, donde  la leyenda cuenta que habita la bruja de Blair, en busca de nuevas pistas que reactiven la búsqueda de la chica.

Reseña: En 1999, los cines se llenaron de carteles con la foto de tres chicos americanos desaparecidos, junto con un enlace web que daba acceso a información y videos sobre su búsqueda. Poco más tarde se estrenaría El proyecto de la Bruja Blair, supuestamente construida a partir de la única pista encontrada sobre su paradero: las cintas que grabaron los chavales  mientras hacían un documental sobre la leyenda local de la bruja de Blair. Nadie sabía si el film era verídico o pura ficción, así que el público acudió en masa al cine movido por la curiosidad. Al salir de la proyección, unos afirmaron haberse cagado de miedo… pero muchos otros la calificaron de timo. Con El proyecto de la Bruja de Blair nació la engañosa y poderosa publicidad viral, se anticipó la democratización de los medios audiovisuales de la era de Youtube y del Smartphone, y se rescató el estilo de metraje encontrado (‘found-footage’) iniciado por Holocausto caníbal (1980) para desarrollar una nueva forma de aterrorizar al personal.

(v.l.n.r.) Lisa (Callie Hernandez), James (James Allen McCune, r.), Peter (Brandon Scott) stützen Ashley (Corbin Reid), Lane (Wes Robinson) und Tamara (Valorie Curry)

Su menospreciada secuela, El libro de las sombras (2000), abandonó el ‘found-footage’ por una narrativa tradicional, evidenciando las limitaciones de la técnica. En los 17 años que han pasado desde el estreno de El proyecto de la bruja de Blair hemos asistido a invasiones extraterrestres, epidemias demoniacas, actividades paranormales, exorcismos y mucho más, pero el efecto “veraz” de este tipo de películas se ha ido perdiendo conforme se ha abandonado el amateurismo de sus inicios. El último en poner un clavo al ataúd del subgénero ha sido Blair Witch, inesperada secuela rodada bajo un absoluto secretismo por uno de los actuales valores en alza del género de terror, Adam Wingard. La película vuelve a jugar con la premisa de haberse montado con el material que grabó un grupo de chavales desaparecido tras internarse en el bosque de marras, pero la videocámara y sus cintas han dado paso a la alta definición, las microcámaras y los drones. Como ya se pueden imaginar, de poco les va servir tanta tecnología a estos desgraciados (que ahora son seis, más carnaza) para salir con vida de ésta.

Tamara (Valorie Curry)

Este grupo de millennials no puede jactarse de tener más sentido común que la generación anterior. Wingard y su guionista habitual, Simon Barrett, evidencian su respeto por la cinta original trazando una narración tan similar a la predecesora que podría pasar como remake, pero no del todo, porque enriquecen la mitología de la película añadiendo nuevas pistas que se enlazan con los acontecimientos previos, respondiendo a algunas de las incógnitas abiertas al tiempo que se crean otras tantas. Los fans podrán ponerse las botas elucubrando teorías y conjeturas, pero el resto no encontrará demasiada emoción en una película que es básicamente lo mismo pero en formato multicámara, con más medios, más efectista, y por ende, menos creíble, más falsa e igual de mareante. Tampoco ayuda que los protagonistas sean los típicos chavales que, por muy increíble que parezca, no deben haber visto nunca una película de terror, porque hacen todo lo que se supone que no hay que hacer en una situación así, como irse solos en la oscuridad, trepar árboles (¿?), separarse a la carrera o creer que alguien que desapareció hace 15 años pueda seguir vivo en un bosque normal y corriente. Wingard y Barrett revirtieron los tópicos del slasher en la estupenda Tú eres el siguiente (2011), pero aquí están a por uvas.

Blair Witch

Lo más destacable del film es su apartado sonoro, tan espeluznante como ambiguo (¿Eso que oímos son aullidos? ¿Gritos? ¿Risas?), el agobiante tramo final y esas pistas sobre el misterio de la bruja de Blair que, sin ser tan sutiles como las de la cinta original, tampoco terminan por aclarar el asunto. Para bien y para mal, ya no somos tan ingenuos como éramos a finales del siglo pasado, así que a pesar de que una supuesta película amateur ya no nos infrinja el miedo de antaño, tampoco podemos sentirnos estafados cuando sabemos perfectamente lo que nos vamos a encontrar. Algunos dirán que, al menos, aquí sí que se ve “algo”, no como la anterior, lo cual parecer ser el principal motivo del enfado que despertó una película tan denostada como clave en la cultura popular del siglo XXI.

5’5/10

7/11/16

La mujer y la Tierra

Poster El techo del mundoHace exactamente un mes se estrenó en España, muy de tapadillo, El techo del mundo (Tout en haut du monde), película de animación franco-danesa dirigida por el debutante Rémi Chayé, que había trabajado anteriormente en producciones como El secreto del libro de Kells y (2009) y El lienzo (2011). Más allá de ganar premios en los festivales de cine de animación de Annecy y Tokyo, la cinta no tuvo más repercusión, lo que le confiere una merecida condición de joya escondida. La historia arranca en el San Petersburgo de 1882 y se centra en Sasha, una joven de la aristocracia rusa que ha crecido bajo la influencia de su aventurero abuelo, un explorador famoso que capitaneaba un gran navío insumergible que jamás volvió de su última expedición al Ártico. Cuando sus padres insisten en que se centre en buscar marido, Sasha se rebela y decide huir de casa para seguir una nueva pista que podría conducir al paradero del barco.

El techo del mundo

Como ya se puede intuir en la premisa, El techo del mundo es la historia sobre la emancipación de una mujer dentro de una sociedad tan patriarcal como la Rusia zarista (y la actual casi que también). Sasha no sólo reniega del destino que le ha impuesto su condición noble, sino que va a iniciar un periplo en el que tendrá que aprender a valerse por sí misma, a derribar los prejuicios que tienen sobre ella una tripulación formada íntegramente por hombres, a levantar la voz y a ser fiel a sus convicciones, pase lo que pase; todo con el objetivo de hallar respuestas y así, rendir tributo a su abuelo por todo lo que él le enseñó. Se trata del popular viaje iniciático del héroe con un espíritu modernamente feminista y clásicamente aventurero, pues concibe la aventura de forma realista, sin exagerar ni multiplicar los obstáculos que tiene que superar nuestra heroína para completar su viaje, poniendo más énfasis en la evolución de los personajes ante las situaciones que se les presentan que en estas últimas.

El techo del mundo2

El film dura unos ajustados 80 minutos, pero no le sobra ni le falta nada porque va directamente al grano, sin florituras ni rellenos innecesarios.  La trama es clara, precisa y hermosa, al igual que su animación, basada en una amplia gama de colores planos sumamente atmosférica y expresiva, acompañada de un notable apartado sonoro y musical. En su sencillez, El techo del mundo es una obra ejemplar, la demostración perfecta de que con muy poco, sin excesivas pretensiones ni grandes alardes técnicos, se pueden construir grandes y honestas historias humanas que alimentan el corazón y el intelecto.

8/10

5/11/16

O.C: El cebo (1958)

Poster El cebo¿De qué va?: En un pequeño pueblo suizo aparece una niña asesinada e inmediatamente las sospechas recaen sobre el vendedor ambulante que encontró el cadáver. El comisario Matthäi es el único que duda de su culpabilidad, pero está a punto de jubilarse y deja el caso en manos de su compañero. Sin embargo, cuando está a punto de coger un avión para marcharse, repara en ciertos detalles que había pasado por alto y decide quedarse para investigar por su cuenta.

Reputación: Coproducción entre España, Alemania y Suiza cuyo título original, Es geschah am hellichten Tag, se traduce en “A plena luz del día”. Está basada en una novela de Friedrich Dürrenmatt, titulada La promesa, que fue concebida de forma simultánea al guion, junto a Hans Jacoby  y Ladislao Vajda. El escritor terminó la novela tras el rodaje del film, y decidió darle un final mucho más oscuro. La película la dirigió Ladislao Vajda, cineasta húngaro que rodó películas en países como Portugal, Italia, Reino Unido o España; en este último fue donde se asentó y desarrolló gran parte de su carrera, destacando con títulos como Marcelino, pan y vino (1954) o Mi tío Jacinto (1956). Los productores de la saga Bond vieron la película y quedaron tan impresionados con la interpretación de Gert Fröbe como el asesino que le dieron el papel de villano en James Bond contra Goldfinger (1964). En el año 2001 se estrenó El juramento, una nueva adaptación cinematográfica del libro de Dürrenmatt dirigida por Sean Penn y protagonizada por Jack Nicholson.

El cebo

Comentario: Al igual que M, el vampiro de Düsseldorf (1931), El cebo gira en torno a la persecución de un asesino de niñas, solo que en esta ocasión no las ataca en la ciudad, sino en un bosque solitario, húmedo y nebuloso. Probablemente sea la primera película en la que un dibujo infantil sirve para dar pistas del peligro que se cierne sobre los niños, un recurso que se ha usado ciento y un veces en el cine de terror moderno, pero que aquí funciona a la perfección tanto para que el protagonista descubra una pista importante que le acerque al asesino como para suscitar su horror, al ver que el psicópata se ha aprovechado de la pureza y de la inocencia de una niña para acabar con su vida, conduciéndole así a trazar un plan moralmente discutible. El cebo compensa una trama policial sencilla (pero revolucionaria para el año en el que se estrenó) con un sólido estudio psicológico de sus personajes principales, acompañado de una atmósfera opresiva y taciturna que envuelve esta historia de un lobo feroz que se alimenta del candor de las Caperucitas que atrapa.

Próximo visionado: Encuentros en la tercera fase (1977)

4/11/16

El brujo novato

Poster Doctor Strange

Dir.: Scott Derrickson
Int.: Benedict Cumberbatch, Chiwetel Ejiofor, Rachel McAdams, Benedict Wong, Mads Mikkelsen, Tilda Swinton, Michael Stuhlbarg, Benjamin Bratt
¿De qué va?: La vida del reputado neurocirujano Stephen Strange cambia para siempre al sufrir un accidente automovilístico que le impedirá operar para siempre. Cuando la medicina tradicional falla, decide embarcarse en un viaje a Nepal en busca de una cura alternativa, pero lo que encontrará allí será mucho más místico y complejo de lo que jamás habría imaginado.

Reseña: Aunque Marvel aún no se ha atrevido a jubilar a ninguno de sus superhéroes, continúa trasladando nuevos personajes salidos de sus comics al cine para seguir expandiendo su ya abultado universo cinematográfico y, tal vez algún día, poder reemplazar a sus primera línea de estrellas por otras que, cuanto menos, igualen en carisma a sus antecesores. Porque a pesar de que la carta de presentación de Doctor Strange apenas hace un par de referencias al universo en el que se enmarca (sin contar con una de sus dos escenas extra), es evidente que el conocido como Hechicero Supremo jugará un rol muy importante en las próximas reuniones de los Vengadores, y quién sabe si  llegará a reemplazar a Robert Downey Jr. como máxima estrella del grupo el día en el que este se marque un “Hasta aquí hemos llegado”.

Marvel's DOCTOR STRANGE

L to R: Doctor Christine Palmer (Rachel McAdams) and Doctor Stephen Strange (Benedict Cumberbatch)

Photo Credit: Jay Maidment

©2016 Marvel. All Rights Reserved.

Stephen Strange y Tony Stark son tan similares que sin duda protagonizarán un choque de egos cuando se conozcan. Ambos son ambiciosos, egoístas, vanidosos, impacientes y gozan de un humor muy elocuente que rebaja la seriedad de sus respectivas aventuras. Los dos emprenden el camino hacia la heroicidad de forma semejante, siendo despojados de aquello que les engrandecía, obligados a forjarse a sí mismos desde cero. Y aunque el cambio de mentalidad de Strange sea un tanto forzado (prácticamente se ve empujado a luchar por el destino de la humanidad), la película innova y se concibe una identidad única al explorar una nueva mitología llena de magia, dimensiones paralelas, objetos místicos y espiritualidad, mejor aprovechada que lo que conocemos hasta ahora del Asgard de la saga Thor y tan sólo un paso por detrás de ese espacio exterior pulp y colorido de Guardianes de la galaxia.

Marvel's DOCTOR STRANGE

Doctor Stephen Strange (Benedict Cumberbatch)

Photo Credit: Film Frame 

©2016 Marvel. All Rights Reserved.

Scott Derrickson, director de dos películas de terror tan competentes como El exorcismo de Emily Rose y Sinister, aprovecha la naturaleza esotérica del personaje para crear algunas de las secuencias de acción más vistosas, originales e inventivas de la factoría Marvel. Cierto es que algunas escenas nos remiten directamente a Inception y que la idea de las batallas a través de portales ya estaba en el clímax de Thor: El mundo oscuro, pero Derrickson va más allá y juega con realidades reversibles, capas que tienen vida propia, batallas simultáneas en planos diferentes de un mismo escenario, armas mágicas, ciudades que se desdoblan, giran y se invierten… todo acompañado de una notable partitura compuesta por Michael Giacchino; puede que hasta sea una de esas raras ocasiones en las que el visionado en 3D sea un auténtico valor añadido a la película. También es interesante que aquí más que nunca prevalezca la astucia por encima de la fuerza bruta a la hora de combatir a los malos, incluso en la (bizarra) batalla final.

Marvel's DOCTOR STRANGE

L to R: The Ancient One (Tilda Swinton) and Mordo (Chiwetel Ejiofor)

Photo Credit: Jay Maidment

©2016 Marvel. All Rights Reserved.

Si bien los efectos especiales son uno de los mayores alicientes de la película, su reparto no se queda atrás. Queda demostrado que los fans tenían razón al insistir en que Benedict Cumberbatch fuese el elegido para dar vida a Doctor Strange, y es que el personaje le sienta como un guante. El actor británico le confiere porte, carisma, elegancia y actitud ‘british’ pero con el acento suprimido, aunque puede que quien deje más poso sea Tilda Swinton en un papel de mentor, tan misterioso como emocional, que se aleja bastante del arquetipo. Rachel McAdams tiene un personaje que en futuras películas podría cumplir un rol muy similar al de Rosario Dawson en el universo seriéfilo; no tiene muchos minutos en pantalla, los justos y necesarios, resolviendo la papeleta con talento, como todos sus compañeros, aunque Mads Mikkelsen sufra en parte el síndrome del “villano anodino marveliano”. Al fin y al cabo, Doctor Strange es una película concebida como historia de orígenes de un superhéroe y como una pieza más de un plan mayor, de ahí que las sorpresas vengan más por el apartado visual que por el narrativo. Marvel sigue en su línea, y aunque tal vez se han acomodado y confiado demasiado, su maquinaria aún no se ha oxidado.

7/10

2/11/16

Itinerario de estrenos de noviembre 2016

Estrenos_Noviembre


La semana pasada la Fiesta del Cine celebró una nueva edición batiendo su propio récord, reuniendo a más de dos millones y medio de espectadores en la gran mayoría de salas del país a lo largo de tres días. Seguramente, algo tuvo que ver la atractiva oferta cinematográfica, que es lo contrario a lo que suele ocurrir en el otro mes en el que se suele hacer esta promoción, en mayo. La clave para atraer espectadores a las salas no sólo está en el precio, sino en tener una cartelera que conste de títulos interesantes y variados que no hayan estado circulando por la red durante meses. En noviembre habrá que volver a acogerse a las promociones habituales (que hay bastantes) para ir al cine de forma económica, pues este mes llegan un buen puñado de títulos con la intención de levantar en la recta final un año que ha sido bastante irregular en cuestión de calidad.

Blair Witch: Secuela tardía y por sorpresa de El proyecto de la bruja de Blair (1999) obviando la olvidable continuación que tuvo un año después de su estreno, El libro de las sombras. Adam Wingard (The Guest, Tú eres el siguiente) ha sido el encargado de traer de vuelta la película que inició la publicidad viral y el estilo found-footage, con la excusa de un nuevo grupo de universitarios que se adentra en los bosques de Maryland para resolver el misterio de la desaparición de la hermana de uno de ellos, la protagonista de la cinta original. A pesar de la expectación que generó su anuncio, la película ha pasado muy desapercibida por la taquilla y ha tenido sobre todo críticas negativas; sin embargo, como ha costado sólo 5 millones de dólares será rentable para el estudio (ya lleva 45 millones recaudados).
Estreno: 4 de noviembre


No culpes al karma de lo que te pasa por ser gilipollas: Adaptación al cine de la novela de Laura Norton que gira en torno a una joven muy desdichada intentando lidiar con lo mal que va su tienda de plumas, el divorcio de sus padres, la marcha de su novio y el anuncio de la boda de su hermana con el que fue su gran amor en el instituto. María Ripoll (Ahora o nunca) dirige esta comedia romántica protagonizada por Verónica Echegui (Kamikaze), Álex García (Kiki. El amor se hace), David Verdaguer (10.000 km), Cecilia Freire (Velvet), Elvira Mínguez (El desconocido) y Jordi Sánchez (Cuerpo de élite). De momento no se han publicado valoraciones.
Estreno: 11 de noviembre


Después de la tormenta: Tras la estupenda Nuestra hermana pequeña, Hirokazu Koreeda vuelve a estrenar película en España este año, previo paso por el Festival de San Sebastián. La historia versa sobre un hombre que intenta recuperar la confianza de sus seres queridos después de decepcionarles una y otra vez, gastando el dinero que debería ir para la pensión alimentaria de su hijo en apuestas de carreras de caballos. Sin embargo, todo cambiará cuando un tifón obligue a toda la familia a pasar una noche juntos bajo el mismo techo. Como siempre ocurre con el cine de Koreeda, ha recibido muy buenas críticas.
Estreno: 11 de noviembre


La llegada: El nuevo film de Denis Villeneuve (Sicario) es la adaptación al cine del relato The Story of Your Life de Ted Chiang que narra la aparición de naves extraterrestres en la Tierra y el posterior contacto que establece con ellas una experta lingüista que intenta averiguar si los visitantes vienen en son de paz o si por el contrario suponen una amenaza. Amy Adams (Batman v Superman: El Amanecer de la Justicia), Jeremy Renner (Capitán América: Civil War) y Forest Whitaker (V3nganza) protagonizan esta película de ciencia ficción que tuvo muy buena acogida en su presentación en el Festival de Venecia, aspirando a estar presente en la próxima ceremonia de los Oscar.
Estreno: 18 de noviembre


Amor y amistad: Adaptación cinematográfica de una novela de Jane Austen que versa sobre una joven viuda que acude a la hacienda de su familia política con la intención de acallar los rumores sobre su escandalosa vida social, y de paso buscarse un marido tanto para ella como para su hija, la cual es reacia al matrimonio. Whit Stillman recluta a las protagonistas de su film The Last Days of Disco (1998), Kate Beckinsale y Chloë Sevigny, para esta comedia de época con muy buenas críticas que de momento le ha reportado a la primera una nominación a mejor actriz protagonista en los premios Gotham, así como otra a mejor guion para el trabajo de adaptación que ha hecho Stillman.
Estreno: 18 de noviembre


Animales fantásticos y dónde encontrarlos: Saga spin-off de la de Harry Potter inspirada en uno de los libros de cabecera de la escuela de magos de Hogwarts, siendo la primera entrega de una nueva franquicia que constará de cinco películas. David Yates dirige, al igual que hizo en las cuatro últimas entregas de la saga madre, mientras que Eddie Redmayne (La chica danesa), Katherine Waterston (Steve Jobs), Colin Farrell (Langosta), Dan Fogler (Hannibal), Ezra Miller (Y de repente tú), Jon Voight (Ray Donovan), Samantha Morton (La señorita Julia) y Carmen Ejogo (Selma) conforman su elenco principal. La película se ambienta en el Nueva York de los años 20, centrándose en Newt Scamander, mago al que se le ha encomendado documentar a las criaturas mágicas de todo el mundo.
Estreno: 18 de noviembre


Aliados: Thriller bélico centrado en el romance que surge entre un espía del bando aliado y una compañera francesa durante la Segunda Guerra Mundial. Sin embargo, la relación se pondrá tensa cuando a él se le comunica que su amada podría ser una agente doble que trabaja para los nazis. Robert Zemeckis (The Walk. El desafío) dirige siguiendo un guion de Steven Knight (Promesas del Este) con Brad Pitt (La gran apuesta) y Marion Cotillard (Macbeth) como pareja protagonista estelar, secundados por Lizzy Caplan (Ahora me ves 2), Matthew Goode (Eternal) y Jared Harris (Poltergeist).
Estreno: 25 de noviembre


The Neon Demon: El último y controvertido trabajo de Nicolas Winding Refn (Solo Dios perdona, Drive) cuenta la historia de una chica que llega a Los Ángeles para cumplir su sueño de convertirse en supermodelo. Pero su juventud y belleza despertará la envidia de sus compañeras de profesión, que están dispuestas a lo que sea por triunfar. Elle Fanning (Trumbo), Bella Heathcote (Orgullo + Prejuicio + Zombies), Abbey Lee (Mad Max: Furia en la carretera), Christina Hendricks (Lost River), Jena Malone (Los juegos del hambre: Sinsajo – Parte 2) y Keanu Reeves (John Wick) encabezan el reparto de una película que ha despertado tantas pasiones como odios desde su presentación en el último Festival de Cannes.
Estreno: 25 de noviembre

1/11/16

Actor del mes: Eddie Redmayne

Eddie Redmayne

Nombre completo: Edward John David Redmayne

Fecha de nacimiento: 6 de enero de 1982

Lugar de nacimiento: Londres, Inglaterra (Reino Unido)

Filmografía destacada:

Animales fantásticos y dónde encontrarlos 2 (2018)
Early Man (sólo voz) (2018)
The Last Days of Night (2018)

Animales fantásticos y dónde encontrarlos (2016)
La chica danesa (2015)
El destino de Júpiter (2015)
La teoría del todo (2014)
Los Miserables (2012)
Mi semana con Marilyn (2011)
Hick (2011)
Los pilares de la Tierra (TV) (2010)
Garra negra (2010)
Powder Blue (2009)
Las hermanas Bolena (2008)
Elizabeth: La edad de oro (2007)
Savage Grace (2007)
El buen pastor (2006)
Mente criminal (2006)
Elizabeth I (TV) (2005)


Méritos: Con no más de una veintena de películas en su haber, Eddie Redmayne no sólo tiene ya un Oscar, sino una legión de seguidores entusiasta y fiel que ya estaba ahí cuando el actor británico sorprendió a propios y extraños con su mimética encarnación de Stephen Hawking en La teoría del todo. Quizás muchos se quedaron con su nombre tras ver lo bien que aguantaba los primerísimos planos de Los Miserables mientras lloraba la pérdida de sus amigos, o tal vez el fanatismo viene de antes, de cuando mantuvo una relación incestuosa con Julianne Moore en Savage Grace, de cuando se enamoró de Norma Jean en Mi semana con Marilyn, o de cuando construyó la primera catedral gótica de Inglaterra en la miniserie de Los pilares de la Tierra. Da igual el momento en el que empezó todo, el caso es que Eddie Redmayne se ha ganado en poco tiempo el reconocimiento de la industria, de sus compañeros y de una audiencia que suspira por sus pecas.

Y como buena estrella, Redmayne no es infalible. Su encarnación excesivamente amanerada y trash del villano de El destino de Júpiter le valió una merecida nominación al Razzie a peor actor de reparto y un esfuerzo extra por parte de su manager para que el estreno del film no eclipsase sus posibilidades de ganar la estatuilla dorada que finalmente consiguió. Y a pesar de que ha logrado una segunda nominación consecutiva por La chica danesa, su interpretación de la primera persona transgénero de la historia fue una de las controversias más sonadas de la última temporada de premios. Lo único que le faltaba a Redmayne para consagrar su estrellato era protagonizar su propia franquicia de éxito, y ya la tiene gracias a Animales fantásticos y dónde encontrarlos, el spin-off de la saga de Harry Potter que en las últimas semanas ha pasado de ser una trilogía a una pentalogía. Vamos, que gracias a la avaricia de Warner y J.K. Rowling, Redmayne tiene trabajo asegurado para los próximos diez años, pero esperemos que aún le quede tiempo para hacer otros papeles y seguir demostrando que su meteórico ascenso no sólo ha sido un golpe de suerte.

FANTASTIC BEASTS AND WHERE TO FIND THEM
Extras:

Tráiler de Animales fantásticos y dónde encontrarlos

Teaser de Early Man

Entrevista sobre La chica danesa

Ganando el Oscar por La teoría del todo

Redmayne descubre su Patronus

Haciendo un truco de magia con la ayuda de Benedict Cumberbatch

Redmayne como Audrey Hepburn en Desayuno con diamantes