O.C: El extraño (1946)

¿De qué va?: Wilson, un miembro de la comisión de crímenes de guerra, está buscando a Franz Kindler, uno de los cerebros del holocausto, que ha desaparecido sin dejar rastro. Para encontrarlo, Wilson sigue a un antiguo camarada de Kindler hasta Harper, Connecticut, en donde este último es asesinado por Kindler antes de que Wilson pueda identificarlo. La única pista que le queda es la fascinación del criminal nazi por los relojes antiguos.

Reputación: La idea original para El extraño del productor Sam Spiegel era contratar a John Huston para dirigirla, pero cuando éste entró en el servicio militar, se le ofreció la oportunidad a Orson Welles de dirigir y protagonizar un proyecto de presupuesto y tiempo de rodaje ajustado, algo que el director estaba tan dispuesto a hacer que aceptó firmar un contrato que le ponía en muy mala situación: si no cumplía sus obligaciones contractuales, tendría que pagar 50.000 dólares al año a la productora, International Pictures, y ceder ante la misma ante cualquier disputa creativa. A su favor, cobraría 2.000 dólares a la semana durante la realización de la película, además de 50.000 al finalizarla, y cabría la posibilidad de firmar un contrato por cuatro películas en las que tendría total libertad creativa, algo de lo que finalmente se retractó la productora, quizás porque creían que la película iba a ser un fracaso. Al editor Ernest J. Nims se le concedió la libertad de cortar cualquier secuencia que considerara innecesaria, así que, para disgusto de Welles, recortó 30 minutos de la versión final del director que se perdieron junto con los negativos originales. El copyright original de la película pertenece a The Haig Corporation, pero la película es de dominio público desde que sus productores no renovaron los derechos en 1973. Aunque el propio Orson Welles calificó El extraño como su peor trabajo, fue la única de sus películas que logró beneficios en su primer lanzamiento en cines.

Comentario: Ya quisieran muchos cineastas haber podido dirigir la que Orson Welles señala como su película menos favorita. Si bien es cierto que no alcanza la excelencia de Ciudadano Kane, Sed de mal o La dama de Shanghai, es una buena intriga intimista, sustentada en tres personajes y en la paranoia creada por colocar a un nazi en una pequeña y tranquila localidad de Estados Unidos, país que parecía estar a salvo de los horrores perpetrados por Hitler y sus acólitos. La película arrastra ciertas ingenuidades y costuras endebles del guion, como que le encarguen a un único hombre la tarea de perseguir y capturar a un criminal de guerra de tanta envergadura y tan escurridizo, pero el ajustado y ágil metraje de 95 minutos, la atmósfera noir orquestada por Welles, así como su interpretación y la de Loretta Young y Edward G. Robinson, la convierten en un thriller notable.

Próximo visionado: Christine (1983)

Mutantes en las trincheras

Dir.: Julius Avery
Int.: Jovan Adepo, Wyatt Russell, Mathilde Ollivier, Pilou Asbæk, John Magaro, Iain De Caestecker, Jacob Anderson, Dominic Applewhite, Bokeem Woodbine
¿De qué va?: Durante la Segunda Guerra Mundial, un equipo de paracaidistas estadounidenses tiene una misión crucial para el éxito de la invasión aliada: destruir una torre de radio alemana en una pequeña ciudad cercana a Normandía. Atrapados detrás de las líneas enemigas, los soldados comenzarán a darse cuenta de que algo extraño está sucediendo en la aldea ocupada por los nazis.

Reseña: Los nazis son los villanos perfectos. Crueles, inmisericordes, inmorales, déspotas… representan la peor cara de la humanidad. Odiarles es muy fácil, negarles la redención también, y sus planes de dominación mundial a cualquier precio los convierte en malvados cinematográficos con muchas posibilidades. Overlord, el film de Julius Avery apadrinado por J.J. Abrams a través de su productora, Bad Robot, es un film ambientado en la Segunda Guerra Mundial que muestra un nuevo enfrentamiento entre soldados aliados y peones de Hitler con un giro fantástico no especialmente original, pero seductor para cualquier amante de la ciencia ficción.

La película arranca por todo lo alto, con unos títulos de crédito iniciales que se remontan al cine bélico clásico y una secuencia de aterrizaje forzoso espectacular y adrenalínica. Desde ahí, la cámara se pega al cogote de uno de los soldados americanos que participan en la misión, encarnado por Jovan Adepo, para no separarse de él salvo en ocasiones puntuales. Así, se empieza a trazar el parentesco del film con el mundo de los videojuegos, no tanto por la acción, que se concentra en el tramo final, sino por cómo está planteada la historia, con un objetivo principal y misiones secundarias que se desarrollan en tres escenarios grandes y muy diferenciados entre sí (el bosque, la aldea, el subterráneo de la iglesia). Overlord no tiene pretensiones más allá del entretenimiento puro y duro, pero se esmera en lucir como una producción de primer nivel con un espíritu muy de película de serie B.

La historia es sencillita pero enfatiza los horrores de la guerra (la experimentación con humanos llevada a cabo por los nazis fue real) y cuestiona la falta de escrúpulos, ética y autonomía de los soldados que combaten en ella. Los personajes son meros arquetipos (el héroe, el líder, el chulo, la chica, el niño, el novato..) pero están representados por un elenco atractivo y repleto de rostros poco conocidos pero solventes, como es el caso de Wyatt Russell y Pilou Asbæk. El trabajo de maquillaje es fabuloso, y se agradece que el uso del CGI sea haya limitado bastante, lográndose un equilibro visual perfecto que no cae ni en lo cutre ni en lo artificial. El nivel de casquería es aceptable, y los experimentos de los nazis dan resultados más parecidos a Re-Animator (1985) que a cualquier película de zombis, aunque aquellos que hayan jugado a Resident Evil tal vez rememoren algún que otro momento vivido en la saga de videojuegos.

Overlord es un divertimento curioso y disfrutable. Si bien tiene grandes momentos, como la mencionada introducción o la primera incursión en esa pesadilla infernal que es el laboratorio secreto, le habría beneficiado un poco más de locura. No se toma demasiado en serio a sí misma, pero la preocupación en no caer en la tontería le reprime demasiado, por lo que no termina de aprovechar su demencial premisa. No obstante, dura menos de dos horas, mezcla géneros y tonos con tino, y casi que va a contracorriente al ser un blockbuster que no deja cabos sueltos de cara a una hipotética secuela. Son pequeños detalles que hoy en día son muy de agradecer.

6/10

La fiera de mi niño

Dir.: Bryan Singer
Int.: Rami Malek, Lucy Boynton, Gwilym Lee, Ben Hardy, Joseph Mazzello, Aidan Gillen, Allen Leech, Tom Hollander, Mike Myers, Aaron McCusker
¿De qué va?: En los años 70, el cantante Freddie Mercury, el guitarrista Brian May, el baterista Roger Taylor y el bajista John Deacon forman la banda británica de rock Queen, la cual experimentó un meteórico ascenso al olimpo de la música que entró en crisis cuando el estilo de vida de Mercury estuvo fuera de control.

Reseña: Un biopic sobre Freddy Mercury era cuestión de tiempo. La razón de su tardanza quizás resida en la complicación de encontrar el enfoque más apropiado para abordar una figura tan desbordante, mediática, icónica, singular y polémica, además de estar directamente vinculada a los miembros de una banda que no están dispuestos a ceder los derechos de su imagen y de sus canciones a cualquier cosa que consideren inapropiada. Hace años, Sacha Baron Cohen estuvo a punto de conseguirlo, pero su interés por centrarse en los excesos del cantante propició las recurridas diferencias creativas, quedando el proyecto en dique seco hasta hace bien poco, cuando se dio luz verde a este Bohemian Rhapsody que está triunfando por todo el mundo y volviendo a hacer que los temazos de Queen vuelvan a estar presentes en nuestras vidas, si es que alguna vez se llegaron a ir.

La película arranca con Mercury preparándose para el mítico concierto que dio en el Live Aid en 1985, dando comienzo a un largo flashback que ocupa casi todo el metraje de la película que aborda su trayectoria desde que trabajaba como un humilde recoger de maletas: la complicada relación con su familia, su relación con su novia, amiga y confidente Mary Austin (encarnada por la ascendente Lucy Boynton), la formación de la banda, la forja de su estilo, la creación de sus canciones más icónicas, los conflictos con la discográfica… Bohemian Rhapsody repasa los momentos más importantes de la evolución de Mercury y de la banda sabiendo perfectamente lo que que el público quiere ver, y sin meterse en berenjenales.

Ni rastro de esas orgías y fiestas locas que quería retratar Baron Cohen; de hecho, la única escena de fiesta que aparece en el film es bastante sosa, y la cocaína se menciona una vez bajo un eufemismo y muy de pasada. Todos son buenísimas personas, el resto de miembros de Queen recatados a más no poder (solo les falta acudir a misa los domingos) y jamás participaron en las fiestas de Mercury. Las únicas malas personas en toda esta historia fueron los ejecutivos que quisieron domesticar a la banda (representadas en el personaje ficticio al que da vida Mike Myers) pero, sobre todo, Paul Prenter (Allen Leech), un villano de manual, responsable de llevar a Mercury por el mal camino y de todos los males que achacaron a la banda. La película está contada desde una perspectiva autocomplaciente que impide que el conjunto resulte tan contestatario como lo fue la figura a la que homenajea, pero aunque utilice una fórmula trillada, funciona por dos motivos fundamentales: el inmenso cariño que se demuestra hacia Mercury y la interpretación de Rami Malek.

La dentadura postiza que le han endosado a Malek distrae demasiado, pero el actor consigue sobreponerse a ella y asimilar como propia la identidad de Mercury, bordando tanto los momentos íntimos como aquellos en los que recrea de forma mimética sus movimientos sobre el escenario. Lo mejor de Bohemian Rhapsody son sus 20 minutos finales, una representación de la actuación de Queen durante el Live Aid, ejemplo perfecto del animal escénico que era su vocalista y de la capacidad de la banda de hacer vibrar a un público masivo como pocos más pueden lograr. El problema de la película no está en que se tome sus licencias en pos de crear un drama más cinematográfico, sino en que está hecha con escuadra y cartabón por un director, Bryan Singer, que está cada vez más lejos de la pasión y brillantez que demostró en sus comienzos. Pese a todo, la película hace justicia a la máxima de pasar un buen rato del tema Don’t Stop Me Now… aunque nunca llegue a soltarse la melena.

6/10

O.C: Ha nacido una estrella (1937)

¿De qué va?: Esther Blodgett llega a Hollywood con aspiraciones de labrarse una carrera como actriz. Trabajando como camarera conoce a Norman Maine, un famoso actor en decadencia por culpa de su adicción al alcohol que ve algo especial en ella, por lo que se empeña en hacer todo lo posible para convertirla en estrella.

Reputación: Siempre se especuló, pero nunca confirmó, desde el estreno de Ha nacido una estrella, que su argumento estaba inspirado en la vida de Barbara Stanwyck y en su primer matrimonio, con Frank Fay. Cuando se casaron, Stanwyck era relativamente desconocida y fue Fay quien le ayudó a iniciar su carrera cinematográfica, consiguiéndole un contrato con Warner Bros. en 1930. El personaje del director del estudio de cine, Oliver Niles, se creó parcialmente basado en la figura de B.P. Schulberg, cuya carrera fue arruinada por su alcoholismo. Su hijo, Budd Schulberg, es uno de los guionistas de la película. Fue el primer largometraje en Technicolor en ser considerado un gran éxito de público y crítica, además de ser el primero en ser nominado al Oscar a mejor película; consiguió otras seis candidaturas, de las que solo ganó la de mejor historia. El propietario original del film no renovó los derechos de autor, haciendo que cayera en dominio público, lo que significa que cualquier persona puede duplicar y vender una copia en VHS o DVD. Por tanto, muchas de las versiones disponibles en el mercado son de mala calidad, ya que son duplicados de copias de segunda o tercera generación de la cinta. Un año después de su estreno, se planeó una secuela llamada Hearbreak Town, sobre un niño actor, pero nunca se llevó a cabo. Lo que sí se han hecho son hasta tres remakes de la película dirigida por William A. Wellman: el de George Cukor protagonizado por Judy Garland y James Mason en 1954, el de Frank Pierson con Barbra Streisand y Kris Kristofferson en 1976, y el que ha dirigido y protagonizado Bradley Cooper junto a Lady Gaga que se encuentra actualmente en cines.

Comentario: Es comprensible la obsesión que tiene Hollywood hacia la historia de Ha nacido una estrella, porque captura a la perfección los principios cinematográficos en los que se sustenta su industria: es una historia de amor melodramática más grande que la vida y fascinada con el star-system, ese sistema que ideó la Meca del Cine para moldear estrellas con las que las majors pudiesen conquistar al público y asegurarse éxitos de taquilla. Esther Blodgett (Janet Gaynor) llega a Hollywood con una maleta cargada de sueños de triunfo que se hacen realidad gracias a su talento y al impulso que recibe de un actor consagrado y problemático (Frederic March) cuya estrella se va apagando conforme la de ella  se va volviendo cada vez más resplandeciente. Especialmente recomendable para todos aquellos amantes del cine clásico de Hollywood y para los fans del remake de Bradley Cooper que tengan interés en descubrir los paralelismos entre ambas versiones; aunque estén ochenta y un años separadas en el tiempo y albergar estilos muy diferentes, comparten una fascinación atemporal por el éxito y la fama, así como una visión tan romántica como trágica de las relaciones de pareja marcadas por la drogodependencia y los celos profesionales.

Próximo visionado: El extraño (1946)

Aquellos oscuros años 60

Dir.: Drew Goddard
Int.: Jeff Bridges, Cynthia Erivo, Dakota Johnson, John Hamm, Cailee Spaeny, Lewis Pullman, Chris Hemsworth, Nick Offerman
¿De qué va?: Varios extraños, muchos con un secreto que enterrar, se dan cita por casualidad en El Royale, un hotel de siniestro pasado. Durante el curso de una noche, todo el mucho mostrará quién es en realidad, antes de que todo se vaya al infierno.

Reseña: La ópera prima de Drew Goddard, La cabaña en el bosque (2011), ganó rápidamente el estatus de culto gracias a su ingeniosa forma de rendir tributo a los clichés del género de terror, y eso que le costó llegar a los cines al pillarle de lleno la bancarrota de su productora, MGM. Tras firmar el guion de Marte, una de las producciones más exitosas del 2015, Goddard ya se puede considerar de la élite de Hollywood, así que para su segundo largometraje como director y guionista, ha podido reunir a un elenco de primer nivel y tener el respaldo de un gran estudio. Malos tiempos en el Royale es una película completamente original, lo que siempre supone un riesgo para la taquilla, aunque el ajustado presupuesto (35 millones de dólares) podría amortiguar el plausible fracaso. Pero en esta ocasión, no es tan probable que pueda revalorizarse con el tiempo como obra de culto.

Goddard se toma su tiempo para exponer el escenario y  a los personajes de una historia noir a lo Agatha Christie; la presentación evoca directamente a Tarantino, especialmente a Los odiosos ocho (2015), dada la forma en la que dosifica la información, separa los puntos de vida por episodios, y deja que sus personajes conversen para asentar el tono. Pero por muy buen guionista que sea, Goddard carece de la chispa y la creatividad que tiene el director de Kill Bill al escribir diálogos, por lo que, ni termina de exprimir el potencial de los personajes, ni mantiene siempre controlado el ritmo de la narración. El film dura dos horas y veinte que se perciben innecesarias, sobre todo cuando la debutante Cynthia Erivo se dispone a cantar… por tercera o cuarta vez. Y sin cortes.

No obstante, Goddard consigue mantener viva la atención del espectador gracias al eficiente manejo del suspense y al buen puñado de sorpresas y giros desconcertantes que posee el relato hasta poco antes del desenlace, pues éste resulta mucho más rutinario y convencional de lo que cabría esperar. Antes de llegar a él, y valiéndose del bagaje de los personajes, dibuja una América de los años 60 bastante turbia: la guerra de Vietnam, el auge de las sectas, el racismo, la corrupción, el auge del consumo de drogas, asesinatos, chantajes… La película apela a la socorrida nostalgia para ambientarse a finales de una década particularmente oscura para la historia de unos Estados Unidos que comenzaron los 70 en busca de una redención que, al igual que pasa con algunos de los huéspedes de El Royale, no siempre llega a tiempo.

Malos tiempos en El Royale es bastante irregular, pero goza de un trasfondo rico en matices y un atractivo reparto en el que destacan particularmente Jeff Bridges, Lewis Pullman, Dakota Johnson y John Hamm, siendo los dos primeros los que tienen los personajes mejor desarrollados del conjunto. Por las expectativas generadas, se supone que Chris Hemsworth es la carta escondida bajo la manga para la traca final, pero el actor no se muestra tan carismático como en las últimas ocasiones en las que ha encarnado a Thor, y su villano resulta ser el típico charlatán imprevisible (como el Negan de The Walking Dead) que provoca más tedio que miedo. Con todo, y aunque se crea mejor de lo que en realidad es, la estancia en El Royale es lo bastante curiosa como para que valga la pena pasar una velada en sus decadentes instalaciones.

6/10

El milagro de la inocencia

Dir.: Alice Rohrwacher
Int.: Adriano Tardiolo, Agnese Graziani, Luca Chikovani, Alba Rohrwacher, Sergi López, Natalino Balasso, Tommaso Ragno, Nicoletta Braschi
¿De qué va?: Lazzaro, un joven campesino de excepcional bondad, vive en La Inviolata, una aldea que ha permanecido alejada del mundo y que es controlada por la Marquesa Alfonsina de Luna. Allí, la vida de los campesinos no ha cambiado nunca, son explotados y, a su vez, abusan de la bondad de Lazzaro. Un verano, el joven se hace amigo de Tancredi, el hijo de la Marquesa, cuando éste decide fingir su propio secuestro y permanecer en un escondite de Lazzaro.

Reseña: Los seres de una bondad férrea solo pueden encontrarse en los cuentos clásicos. El mundo es demasiado cínico, competitivo y abyecto como para permitir que la inocencia propia de la niñez sobreviva a la vida adulta. Con el paso del tiempo todos nos corrompemos, ya sea por iniciativa propia o por resultado de los golpes que da la vida. Todos menos Lazzaro, un joven campesino que es pura luz. Él representa el estrato más bajo de la escala de mando y poder por la que se rige La Inviolata, su aislada aldea: la Marquesa gobierna, sus lacayos vigilan por que se acaten sus órdenes, los granjeros trabajan en unas condiciones deplorables, y Lazzaro asume las labores más esforzadas y engorrosas que le adjudican estos últimos sin rechistar, con una sempiterna expresión serena y de paz dibujada en su rostro.

Un buen día, conoce al hijo de la Marquesa, caprichoso, vicioso, egoísta, todo lo contrario a Lazzaro, pero entre ambos surge una amistad de la que uno se aprovecha para beneficio propio, mientras que el otro la asume con la curiosidad de encontrarse con alguien tan diferente al ambiente en que se ha criado. No es demasiado conveniente entrar en detalles de la trama del nuevo film de Alice Rohrwacher, pues aun sin ser una película en absoluto efectista, se reserva un giro hacia mitad del metraje que merece ser descubierto de forma natural. El salto narrativo con doble tirabuzón resulta tan loco como sutil, y emparenta directamente a la película con el realismo mágico de Buñuel, pero desprovisto del característico mordiente del director de Los olvidados (1950). Aunque  la película esté compuesta de dos partes muy diferenciadas, una rural, la otra urbana, ambas se retroalimentan para dar forma a una parábola espiritual sobre la viabilidad de la bondad en la sociedad.

El debutante Adriano Tardiolo presta cuerpo y alma al taciturno y candoroso Lazzaro, quien, sin quererlo ni beberlo, emprende un viaje en el que ejercerá de mártir de los pecados de un mundo al que él parece no pertenecer. Rohrwacher filma con un estilo equilibrado que no cae ni en el feísmo ni en el barroquismo. No carga las tintas, ni juzga a los personajes, ni ejerce superioridad o adoctrinamiento moral. Hay espacio para la comedia, el drama, el conflicto de clases, la crítica social, las alegorías místicas, el humanismo y la picaresca, y nunca se pasa de rosca en nada. La película es tan rara avis como su protagonista, una de las mejores obras que ha producido la cinematografía italiana en lo que va de siglo y un pequeño prodigio artístico, aunque, a fin de cuentas, nos devuelva un reflejo de la condición humana en absoluto reconfortante.

8’5/10

O.C: Jasón y los argonautas (1963)

¿De qué va?: Jasón es un legendario héroe griego que lidera un grupo de intrépidos aventureros en busca del vellocino de oro, necesario para que Jasón pueda reclamar su lugar como rey de Tesalia. Durante el peligroso viaje, serán guiados y protegidos por la diosa Hera y deberán enfrentarse a gigantes de bronce y todo tipo de monstruos.

Reputación: Película basada con algunas licencias en el mito griego de Jasón y su búsqueda del vellocino de oro. Con un ajustado presupuesto de 3 millones de dólares, casi todo el rodaje se realizó en Italia, dado que en dicho país las ruinas griegas se conservaban generalmente en mejor estado que en Grecia. Durante la preproducción, se consideró incluir en la historia al monstruo marino Scylla, el centauro Charybdis y al perro de tres cabezas Cerbero, pero finalmente se descartó la idea por limitaciones presupuestarias y de tiempo. El director de efectos especiales Ryan Harryhausen consideraba éste su mejor film. Le llevó cuatro meses rodar la famosa escena de los esqueletos, una cantidad de tiempo descomunal para una escena que apenas dura unos 3 minutos. La película se rodó bajo el título Jasón y el vellocino de oro, pero tras descubrir que ya existía una cinta italiana con el mismo título, se optó por cambiarlo a Jasón y los argonautas. Recibió muy buenas críticas en su estreno, pero no obtuvo el éxito esperado en taquilla, recaudando apenas dos millones de dólares. A Harryhausen siempre le apenó no haber sido propuesto al Oscar a mejores efectos visuales, y cuando en 1992 recibió el Oscar Honorífico, Tom Hanks contó a la audiencia lo siguiente después de presentarlo: “Algunas personas dicen Ciudadano Kane o Casablanca. ¡Yo digo que Jasón y los argonautas es la mejor película que jamás se haya hecho!”.

Comentario: Aunque Don Chaffey figure como su director, casi todo el crédito de Jasón y los argonautas debe recaer en Ryan Harryhausen. Gracias a este mago de los efectos especiales, la película ha logrado trascender como una valiosa reliquia plagada de momentos tan memorables como el de los esqueletos o el de Tritón ayudando al navío de Jasón a atravesar los acantilados, de una complejidad técnica asombrosa para la época en la que se rodó, y que a día de hoy preserva un encanto vintage y artesanal. Por lo demás, se trata una de aventuras sencilla, cándida y no especialmente inspirada. Le cuesta arrancar, termina muy de sopetón y la mediocridad de su reparto tampoco ayuda, pero acierta al abrazar y enfatizar sin rubor el lado más fantástico y mitológico de la historia, mostrando a los dioses como seres tan todopoderosos como aburridos, que pasan el rato utilizando a los humanos como peones de sus juegos. Una película hecha por y para admirar el arte de Harryhausen.

Próximo visionado: Ha nacido una estrella (1937)