O.C: Las señoritas de Rochefort (1967)

¿De qué va?: Delphine y Solange Garnier, dos gemelas que se ganan la vida dando clases de música y danza, deciden marcharse a París para proseguir sus respectivas carreras profesionales y encontrar a su hombre ideal. El último fin de semana que pasan en Rochefort cambia por completo sus vidas... y las de casi toda la población, tras la llegada de un grupo de feriantes que se instala en la plaza principal.

Reputación: Homenaje al musical de la Edad de Oro de Hollywood por parte de Jacques Demy, quien antes de elegir Rochefort como el escenario de la película, consideró Avignon, Toulouse y La Rochelle entre otras localizaciones francesas. Finalmente se decantó por Rochefort debido al tamaño de su plaza principal, aunque el diseñador de producción, Bernand Evein, tuvo que mandar a repintar 40.000 metros cuadrados de las fachadas del lugar. La única interprete que no fue doblada en los números musicales fue Danielle Darrieux, que encarnaba a la matriarca de las protagonistas, Catherine Deneuve y Françoise  Dorleac, también hermanas en la vida real, pero no gemelas. Desgraciadamente, Dorleac murió a los 25 años en un accidente de tráfico, tan solo tres meses después del estreno de la película en Francia, y casi un año antes de su lanzamiento en Estados Unidos, donde recibió una nominación al Oscar a la mejor banda sonora adaptada. La cineasta Agnès Varda, esposa de Jacques Demy, hizo un cameo encarnando a una monja que visita una tienda de música, y realizó en 1993 el documental Les Demoiselles ont eu 25 ans, sobre el rodaje de la película y el impacto que causó en los habitantes de Rochefort. En 2003, el film fue adaptado para el teatro, con cuatro canciones nuevas, y salió de gira por toda Francia, además de ser una de las principales inspiraciones de Damien Chazelle para La La Land (2016).

Comentario: Tres años después de estrenar la melancólica Los paraguas de Cherburgo, Jacques Demy presentó este alegre musical en el que la presencia de Gene Kelly no hace más que reafirmar que se trata de un cariñoso tributo al musical clásico americano, a su ingenuidad y su inmensa capacidad para hacernos soñar despiertos. Entre canciones, enredos, encuentros y desencuentros, las gemelas sueñan con mudarse a París y nosotros con recorrer las calles de esa colorida y soleada localidad en la que algunos de sus habitantes se encuentran más cerca que nunca de alcanzar por fin el amor ideal, algo que seguramente Demy creía que sólo podía existir en un musical de Hollywood, de ahí su absoluta entrega por hacer que nos olvidemos durante dos horas del mundo real, y así volver a creer en flechazos apasionados, finales felices y celebraciones del amor en forma de bailes espontáneos. Porque hay ocasiones en las que merece la pena dejar el escepticismo aparcado.

Próximo visionado: Entre tinieblas (1983)

Encuentros en la fase punk

Dir.: John Cameron Mitchell
Int.: Alex Sharp, Elle Fanning, Nicole Kidman, Ruth Wilson, Matt Lucas, Ethan Lawrence, Stephanie Hazel, Rory Nolan
¿De qué va?: En la Gran Bretaña de los 70, un tímido rockero punk adolescente llamado Enn y sus dos amigos se cuelan en una fiesta en donde conocen a un grupo de chicas extrañas y etéreas; al principio piensan que se trata de una secta, pero pronto se dan cuenta de que son en realidad de otro planeta visitando la Tierra para completar un misterioso rito.

Reseña: A principios de los años 2000, se publicó un videojuego de baile para Dreamcast y PlayStation 2 llamado Space Channel 5 en el que una reportera interestelar se enfrentaba a un extraño alienígena valiéndose de sus movimientos funky, toda una rareza que llegó a contar con un cameo virtual del mismísimo Michael Jackson y que se convirtió rápidamente en obra de culto. Simple y llanamente, era una tremenda marcianada que molaba. Algo así ocurre con How to Talk to Girls at Parties, una adaptación libre de la novela gráfica breve de Neil Gaiman que mezcla ciencia ficción colorida y retro con punk mugriento y ruidoso.

Tras el despliegue de sobriedad dramático de la estupenda Rabbit Hole (2010), John Cameron Mitchell vuelve a soltarse la melena como ya hizo en el icónico musical Hedwig and the Angry Inch (2001) y con la revolución sexual de Shortbus (2006) mirando al espacio exterior, aunque esa estética futurista entre Los Supersónicos de Hannah-Barbera, la literatura pulp y una parodia porno demuestra que la ciencia ficción ni se la toma en serio ni le interesa demasiado. De hecho, la esencia de la película se encuentra en la contraposición entre el aséptico y cerebral estilo de vida de los extraterrestres y la agitada libertad de la comunidad punk que se cruza con ellos. Así, se establece el escenario de una historia de amor en la que Julieta es una extraterrestre que se rebela y se descubre a sí misma de la mano de un Romeo atolondrado e inconformista.

La pareja protagonista, encarnada por Alex Sharp y Elle Fanning, resulta tremendamente entrañable y encantadora, y es gracias a ellos en buena medida que la película se mantiene en pie incluso cuando a su director se le va demasiado la pinza; mención especial merece una Nicole Kidman pletórica como reina punk, demostrando una vez más que es una camaleónica fuerza de la naturaleza sin miedo a nada, ni siquiera a hacer el ridículo. Porque How to Talk to Girls At Parties puede ser por momentos demasiado absurda y psicotrópica, y por lo general no tan hilarante como cree ser, pero como sincero tributo al movimiento punk, a las bandas que lo definieron, a su espíritu contestatario y de denuncia y, en definitiva, a la ruptura que supuso de todas las normas sociales prestablecidas, tiene todo el sentido del mundo... y del espacio exterior también.

6’5/10

Conjura del silencio

Dir.: John Krasinski
Int.: John Krasinski, Emily Blunt, Millicent Simmons, Noah Jupe, Cade Woodward, Leon Russom
¿De qué va?: Evelyn y Lee Abbott son una pareja con tres hijos que vive en una granja aislada de toda civilización. Esta familia ha sobrevivido durante meses en un mundo invadido y amenazado por mortales criaturas que se guían por el sonido para cazar. En este contexto en el que una palabra puede significar la muerte, la familia Abbott vive silenciosamente, andan descalzos y se comunican por medio del lenguaje de señas.

Reseña: El sonido, y la ausencia de él, ha sido un elemento primordial en el género de terror: el viento que sopla, crujidos, gritos, sonidos inhumanos o el silencio que anticipa el susto de turno con su consecuente brinco en la butaca, son algunos de los recursos clásicos para mantener en vilo y hacer sudar al personal, pero pocas veces había sido tan protagonista como en Un lugar tranquilo, película con la que John Krasinski reclama un estatus de estrella que se le había resistido hasta ahora. El actor, al que próximamente veremos dando vida a Jack Ryan en una serie para Amazon, dirige y protagoniza esta pequeña cinta de terror con tintes de serie B que ha tenido un éxito ensordecedor gracias a su atractiva premisa: una familia debe vivir en completo silencio para no llamar la atención de unas misteriosas criaturas que atrapan a sus presas a través del ruido que estas generan.

El prólogo presenta el apocalíptico contexto y las normas por las que se va a regir la historia, además de dar un golpe de efecto brutal que define el conflicto emocional de los integrantes de esta familia. Krasinski se esmera asentar una puesta de escena cuidadosa que expone con detalle el día a día de los protagonistas y las diferentes localizaciones en los que se desarrolla la trama, de forma que cuando el infierno se desata tenemos una noción perfecta del terreno de juego. Resulta igualmente loable la urgencia y la tensión que se produce cuando un ruido rompe con el sonido imperante, contagiándonos rápidamente la necesidad de salir pitando y escondernos antes de que los monstruos nos atrapen en cuestión de segundos. No obstante, conviene aclarar que el drama familiar pesa más que el terror, concentrándose este último en el tercer acto de la historia.

Porque al fin y al cabo, el film gira en torno a la responsabilidad paterna de proteger a los hijos, de enseñarles a sobrevivir, y del terror, la ira y la desolación que produce fallar en el intento. John Krasinski y Emily Blunt, pareja y padres en la vida real, exteriorizan estos miedos y el amor que profesan tanto el uno hacia el otro como a sus vástagos con gran solvencia; destaca especialmente lo magnífica que está Blunt en las escenas más escalofriantes, sobre todo la de la bañera, y su hija mayor, encarnada por Millicent Simmons, joven actriz sorda que ya despuntó hace poco en Wonderstruck y que aquí se afianza como un valor en alza.

Un lugar tranquilo es una película eficaz cuyo mayor mérito reside en el encantamiento que ejerce sobre los espectadores, sometiéndolos a todos (salvo por algún que otro maleducado) a la norma implícita en la historia de no hacer ruido alguno, y que ojalá se extendiese para el resto de películas exhibidas en los cines… Sin embargo, no es la quintaesencia del género de terror como algunos han llegado a aclamar. La atmósfera silenciosa no resulta siempre inquietante, y los resortes utilizados para estremecer al espectador no son especialmente novedosos. Lo rompedor hubiera sido la ausencia absoluta de música extradiegética, pues la banda sonora compuesta por Marco Beltrami, sin estar mal, va a la contra de la esencia de la película, haciéndola más convencional de lo que podría haber sido. A pesar de ello, es una estupenda demostración de que se pueden utilizar otros recursos más allá del 3D para brindar una experiencia cinematográfica única e inmersiva.

7/10

O.C: Almas de metal (1973)

¿De qué va?: En un futuro lejano, la alta tecnología ha permitido la construcción de un parque de atracciones para adultos, llamado Delos, que cuenta con androides como figurantes que casi no pueden distinguirse de los seres humanos. Dos colegas, Peter y John, llegan de vacaciones a Delos con la intención de vivir aventuras que nunca olvidarán. En una de las atracciones del Lejano Oeste destaca el pistolero, un robot programado para mantener duelos en los que él, en general, suele recibir la peor parte, pero, de pronto, su mecanismo comienza a fallar…

Reputación: Debut cinematográfico como director de Michael Crichton, autor de diversas novelas que fueron llevadas a la gran pantalla como La amenaza de Andrómeda (1971)  o Parque Jurásico (1993). Crichton tuvo la idea para el film tras un viaje a Disneyland, al quedar impresionado con los animatrónicos de la atracción de Piratas del Caribe, y decidió escribir un guion en vez de una novela por considerar la historia demasiado visual para el medio literario. Esta fue la primera película en incorporar imágenes generadas por ordenador en dos dimensiones, concretamente aquellas escenas en las que se muestra el punto de vista del pistolero. Cuando se perfeccionó la técnica que produciría el efecto visual, eran necesarias ocho horas para producir cada diez segundos de dicho metraje. Curiosamente, la primera película en emplear imágenes generadas por ordenador en tres dimensiones fue su secuela, Futureworld, estrenada sólo tres años más tarde, en 1976, y que volvió a contar con la participación de uno de sus protagonistas, Yul Bryner, no así la de Crichton.

El pistolero robótico al que da vida Bryner es en realidad una sátira de Larabee Adams, el personaje al que dio vida en Los siete magníficos (1960), y su naturaleza indestructible sirvió de inspiración tanto para el Michael Myers de La noche de Halloween (1978) como para Terminator (1984). Mucho antes de que se lanzara el ambicioso reboot en forma de serie de televisión para la HBO, en 1980, se estrenó en la CBS una serie inspirada en el universo creado por Crichton llamada Beyond Wesworld, pero apenas contó una temporada de cinco episodios, y tras el estreno de Terminator 3: La rebelión de las máquinas (2003), Arnold Schwarzenegger anunció un remake en el que estaría implicado gran parte del equipo técnico de la cinta y en el que él asumiría el rol de Bryner, pero como ya sabemos, jamás llegó a materializarse.

Comentario: Almas de metal no es tan compleja ni densa como la serie de televisión que ha surgido a raíz de ella. Mientras que la serie de HBO se centra en los anfitriones robóticos del parque temático y en su conflicto de identidad, aquí seguimos los pasos de dos colegas que se lo pasan pipa hasta que un fallo del sistema convierte el lugar en una pesadilla mortal, y a uno de los robots en una máquina de matar indestructible que les perseguirá incansablemente cual Terminator, su reconocido descendiente directo. La película, entre el western y la ciencia ficción, resulta tan sencillita como efectiva, limitándose a mostrar los peligros de la tecnología avanzada y de jugar a ser Dios; la escasez de medios con la que se hizo no permite aprovechar más el potencial de la historia de Crichton, algo que sí se ha hecho, con sus más y menos, en su reinvención televisiva, que al menos suple la carencia de personajes femeninos de la película con dos mujeres, Dolores (Evan Rachel Wood) y Maeve (Thandie Newton), que serían capaces de reducir al pistolero de Bryner en un amasijo de cables y chips en cuestión de segundos.

Próximo visionado: Las señoritas de Rochefort (1967)

Haiku canino

Dir.: Wes Anderson
¿De qué va?: En un futuro no muy lejano, en Japón, un brote de gripe canina se propaga por la ciudad de Megasaki. Por por eso, el Mayor Kabayashi dicta una orden de emergencia decretando la expulsión de los perros, que van a parar a isla vertedero. Allí, un grupo de perros alfa, encabezados por Chief, han perdido toda esperanza de volver con sus dueños… hasta que un día aparece Atari, un niño de 12 años, que llega hasta la isla pilotando un avión con el objetivo de encontrar a su perro Spots.

Reseña: “Pienso en Japón y me pregunto, ¿habré creado este país en mi cabeza?”. Así de encantada se expresaba Shoshanna en la quinta temporada de Girls, rodeada de gente con looks estrafalarios y cafés de gatos. Porque hay dos maneras de abordar una cultura ajena: manteniendo la postura curiosa pero distante del turista o abrazarla y hacerla propia. Para su noveno largometraje, el segundo de animación, Wes Anderson ha pasado un barniz oriental por ese particular microcosmos que ha construido a través de su filmografía y, lejos de quedarse en la superficie, profundiza hasta llegar a los cimientos, dando lugar a una tierna fábula que reverencia el imaginario nipón desde las entrañas, al tiempo que rinde un sentido tributo al animal mundialmente conocido como mejor amigo del hombre, el perro.

La distopía que presenta Wes Anderson no resulta demasiado descabellada pese a su aspecto animado; todos sabemos que los humanos preferimos deshacernos de nuestros problemas por la vía rápida antes que encontrar una solución. Así, esos perros abandonados a su suerte en una isla de basura son como samuráis exiliados por un pueblo ingrato tras una vida de lealtad y fidelidad inquebrantables. Y de la misma forma que un samurái no es nadie sin una misión, un can está perdido sin su dueño, de ahí que el grupo de perretes que protagoniza el film se une a la causa de un crío que llega a la isla en busca de su perro desaparecido, emprendiendo un viaje por llanuras de desechos plagadas de peligros. La narración es tan franca y transparente como es habitual en el amigo Wes, de estructura episódica y oportunas explicaciones, como la que indica al comienzo que raramente el japonés hablado en la película va a ser traducido al inglés. Aunque algunos puedan considerar que esa decisión impide poder empatizar con los personajes nipones, lo cierto es que la lengua japonesa es un elemento esencial de su cultura, y de esta manera, el japonés siempre se va a oír, sin importar en qué idioma esté doblado el film. Potencia su identidad, al tiempo que lo dota de un misterio que sólo aquellos espectadores que hablen el idioma podrán desvelar.

El nivel de detalle en los personajes y escenarios es tan, tan rico y creativo, que merece un revisionado en el que se le haga justicia, dado que la primera vez estaremos demasiado embobados por la belleza de las imágenes (permaneciendo, cómo no, la obsesión de Wes Anderson por la simetría), la ligereza con la que se mueve la cámara y se suceden los planos, y por el irremediable encanto que transmiten sus personajes, los clásicos parias alienados en continua búsqueda de lugar y propósito vital que protagonizan sus historias, con un repertorio de voces de auténtico lujo compuesto por colaboradores habituales del director (Bill Murray, Edward Norton, Jeff Goldblum, Tilda Swinton…) e incorporaciones brillantes (Bryan Cranston, Greta Gerwig, Scarlett Johansson…), con una banda sonora compuesta por otro viejo conocido, Alexandre Desplat, que aunque pueda resultar machacona en contadas ocasiones refuerza el carácter épico, entre John Ford y Akira Kurosawa, que posee el film.

La película contiene unas dosis de humor negro prácticamente inauditas hasta la fecha en la carrera de Wes Anderson, pero no pierde ni un ápice de la melancolía, la ternura y el tempo cómico que siempre le ha caracterizado, siendo aquí el anclaje emocional más puro, honesto y universal que nunca al residir en la relación entre un niño y su perro. Es algo con lo que es fácil conectar tanto en Japón como en cualquier otra punta del planeta para cualquiera que pueda sentir un mínimo de cariño hacia un animal capaz de profesar un amor condicional de la manera orgánica que se evidencia en la película. No soy capaz de decir si Isla de perros es mejor o peor que la también sobresaliente Fantástico Sr. Fox (2009), pero sí que Wes Anderson continúa en su línea en plena forma, sin presentar síntomas de agotamiento, y que con su último trabajo ha creado un cándido, agridulce y conmovedor poema visual y sonoro dedicado a un animal y un legado cultural que resulta impagable.

9/10

Itinerario de estrenos de mayo 2018

Deadpool 2: Secuela de la película que ostenta el record de ser la más taquillera con clasificación R (de contenido para adultos) de la historia, volviendo a contar con Ryan Reynolds como el desquiciado antihéroe. También repiten Morena Baccarin, T.J. Miller y Brianna Hildebrand, y se incorporan Zazzie Beetz (Atlanta), Josh Brolin (Vengadores: Infinity War), Bill Skarsgård (It) y Julian Dennison (Hunt for the Wilderpeople), con David Letch (Atómica) sucediendo a Tim Miller en la dirección. No han trascendido detalles del argumento, aunque todo apunta a que Deadpool se aliará con el mercenario Cable y formará un grupo de mutantes para proteger a un chaval clave para el futuro de la humanidad.
Estreno: 18 de abril

Las estrellas de cine no mueren en Liverpool: Biopic en torno a la figura de la actriz ganadora del Oscar Gloria Grahame, centrado en la relación que mantuvo con Peter Turner, un joven británico aspirante a actor, en la última etapa de su vida. Paul McGuigan (Victor Frankenstein) dirige un film por el cual Annette Bening (20th Century Women) y Jamie Bell (Cuatro fantásticos) obtuvieran sendas nominaciones al BAFTA, normal teniendo en cuenta que los dos están fantásticos protagonizando esta conmovedora historia de amor.
Estreno: 18 de abril
Reseña

Borg McEnroe: Narra la rivalidad entre el campeón de Wimbledon Björn Borg y el talentoso y turbulento John McEnroe, que alcanzó su cénit en la final del torneo de Wimbledon de 1980 frente a una audiencia mundial de millones de personas. Janus Metz Pedersen (Armadillo) es el director y Sverrir Gudnasson (el próximo Michael Blomkvist de la saga Millennium), Shia LaBeouf (American Honey) y Stellan Skarsgård (Regreso a Montauk) son los protagonistas de este muy entretenido drama deportivo en el que LaBeouf se luce dando vida a McEnroe aunque la trama centre más en el tenista sueco.
Estreno: 18 de abril
Reseña

Disobedience: Tras ganar el Oscar a la mejor película de habla no inglesa por Una mujer fantástica, el chileno Sebastián Lelio debuta en el cine norteamericano con este drama centrado en la historia de amor entre dos mujeres, una de ellas casada y ambas criadas en una comunidad ortodoxa judía. Rachel Weisz (La luz entre los océanos), Rachel McAdams (Noche de juegos) y Alessandro Nivola (En realidad, nunca estuviste aquí) conforman el triángulo protagonista de esta película que se presentó en el último Festival de Toronto generando muy buenas opiniones.
Estreno: 25 de abril

Caras y lugares: Documental nominado al Oscar que muestra cómo la directora Àgnes Varda y el fotógrafo JR recorrieron las calles de Francia subidos a una furgoneta y captando rostros y lugares que fueron plasmados en intervenciones gráficas realizadas en edificios, calles y tejados de los lugares que visitaron. Esta es, sencillamente, una de las mejores experiencias cinematográficas del año, una obra de arte cándida y humanista que no se pueden perder.
Estreno: 25 de abril
Reseña

Han Solo: Una historia de Star Wars: Spin-off de la saga intergaláctica creada por George Lucas centrado en la juventud de Han Solo, en la que podremos ver su pasado como cazarrecompensas, el origen de su amistad con Chewbacca o cómo consiguió su amado Halcón Milenario. Alden Ehrenreich (¡Ave, César!) hereda el icónico personaje encarnado por Harrison Ford, secundado por Woody Harrelson (Tres anuncios en las afueras), Emilia Clarke (Juego de tronos), Donald Glover (Atlanta), Thandie Newton (Westworld), Paul Bettany (Vengadores: Infinity War) y Joonas Suotamo como Chewbacca. Ron Howard (En el corazón del mar) figura como director, aunque se sumó al proyecto a mitad del rodaje cuando Phil Lord y Christopher Miller (Infiltrados en la universidad) fueron despedidos por diferencias creativas con LucasFilm, o lo que es lo mismo, por una afición a improvisar en el set que puso muy nerviosa a la productora. Veremos qué sale de todo esto tras su premiere mundial en el marco del Festival de Cannes.
Estreno: 25 de abril

Actriz del mes: Rachel McAdams

Méritos: Cuando le dedicamos un post como actriz del mes a Rachel McAdams, allá por el 2010, aseguramos que su carrera no había hecho más que comenzar. En estos ocho años que han pasado desde entonces, McAdams no es una de las estrellas más mediáticas de Hollywood, quizás por su discreción y lo poco interesada que está en ser una estrella, pero se ha ganado a pulso el respeto y la admiración de la audiencia, la crítica y la industria. En este tiempo ha trabajo a las órdenes de directores de la talla de Woody Allen, Terrence Malick, Brian De Palma y Wim Wenders, ha participado en éxitos de taquilla como Una cuestión de tiempo (2013) o Doctor Strange (2016), también en sonoros fracasos como Aloha (2015), y ante todo, ha conseguido su primera nominación al Oscar por su interpretación en Spotlight (2015), quizás una de las pocas realmente secundarios en un año en el que la categoría estaba llena de “protagonistas infiltradas” y, aunque no ganó, subió al escenario junto al equipo de la película en varias ocasiones para recoger multitud de premios, entre ellos el SAG al mejor reparto.

Con la muy recomendable comedia Noche de juegos recién estrenada en la cartelera española, a finales de mes la podremos volver a ver en Disobedience, la primera película americana del chileno Sebastián Lelio, ganador del último Oscar a la mejor película de habla no inglesa por Una mujer fantástica (2017). McAdams protagoniza junto a Rachel Weisz una historia de amor lésbica dentro de una comunidad judía ortodoxa, un papel que muchos han definido como el mejor de su carrera desde que el film se presentó en el pasado Festival de Toronto. Sin ningún proyecto cinematográfico conocido a la vista, tiene toda la pinta de que Rachel se va a centrar por un tiempo en ejercer de madre, pues a principios de abril dio a luz a un bebé que ha tenido junto a su pareja, el guionista Jamie Linden. Felicidades a la mamá primeriza, pero, poniéndonos un poco egoístas, esperamos que no la mantenga alejada de las cámaras por mucho tiempo.

Rachel McAdams en 12 personajes

De izquierda a derecha y de arriba a abajo: Muchos la descubrimos como la niñata que se intercambiaba el cuerpo con Rob Scheneider en ¡Este cuerpo no es el mío! (2002); su Regina George de Chicas malas (2004) es personaje de culto e icono de la cultura bitchy; en El diario de Noa (2004) mantuvo una química tremenda con Ryan Gosling que se trasladó a la vida real por un tiempo, e inició la moda del subgénero de adaptaciones al cine de novelas ñoñas de Nicholas Sparks; ejerció de Scream Queen para Wes Craven en el thriller Vuelo nocturno (2005); encarnó a una veterana de la guerra de Irak en el poco conocido drama Tipos con suerte (2008); en La sombra del poder (2008) demostró por primera vez sus aptitudes tanto para encarnar a periodistas con veracidad como para no achantarse al formar parte de repartos de lujo; dio vida a Irene Adler en la hiperbólica versión de Sherlock Holmes de Guy Ritchie en la película del 2009 y en su secuela del 2011; se mostró muy divertida como la caprichosa y clasista esposa de Owen Wilson en Midnight in Paris (2011); en Passion (2012), inédita en España, mantuvo una relación laboral y homo erótica con Noomi Rapace; formó parte del elenco de To the Wonder (2012), una de las películas más bonitas y peor valoradas de Terrence Malick; fue la mejor parada de las críticas mayoritariamente negativas que recibió la segunda temporada de True Detective (2015); obtuvo su primera nominación al Oscar por Spotlight (2015), dando vida a una concienzuda periodista que formó parte del equipo que destapó los casos de abusos de menores por parte de sacerdotes en Boston.

¿Sabías que…?

- Se ha teñido el cabello en numerosas ocasiones por exigencias de guion, aunque su color de pelo natural es el rubio.

- Nunca la veremos montando a caballo en una película; es alérgica y les tiene pánico. También es muy recelosa de mostrar su cuerpo desnudo en la pantalla, de hecho, despidió a su agente al descubrir que no le había advertido de que la sesión de fotos junto a Tom Ford, Scarlett Johansson y Keira Knightley para Vanity Fair exigía desnudarse, marchándose asimismo del estudio fotográfico.

- Hizo la audición para el rol de Cady en Chicas malas (2004) mientras que Lindsay Lohan aspiraba a hacerse con el de la antagonista, Regina. Finalmente, el director, Mark Waters, decidió intercambiar los roles entre ambas.

- Fue considerada para el rol femenino protagonista de diversas películas como Los 4 Fantásticos (2005), El último beso (2006), Casino Royale (2006), Iron Man (2008), El caballero oscuro (2008), Mamma mia! (2008) o El gran Gatsby (2012). En algunos casos tuvo que declinar por conflictos de agenda y en otros el trabajo fue a parar a otra compañera de profesión.

- Ha interpretado al interés romántico de alguien capaz de viajar o manipular el tiempo en hasta cuatro películas: Una cuestión de tiempo (2013), Midnight in Paris (2011), Más allá del tiempo (2009) y Doctor Strange (2016).

- Sus actrices favoritas son Joan Cusack, Juliette Lewis, Kate Winslet, Laura Dern, Renée Zellweger y Samantha Morton.

Extras

Tráiler de Disobedience

Tráiler de Noche de juegos

Entrevista sobre Spotlight

Video de la audición para El diario de Noa

Ganando el SAG a mejor reparto por Spotlight