El vicio del poder – Farsa política

Dir.: Adam McKay

Int.: Christian Bale, Amy Adams, Steve Carell, Sam Rockwell, Tyler Perry, Alison Pill, Lily Rabe, Jesse Plemons, Justin Kirk, Eddie Marsan
¿De qué va?:  Dick Cheney es un callado e inquisitivo burócrata de Washington que ejerce silenciosamente un inmenso poder y acaba convirtiéndose en vicepresidente de los Estados Unidos durante el mandato de George W. Bush, con terribles consecuencias a largo plazo para su país y el resto del mundo.

Reseña: En el 2008 se estrenó W., un biopic sobre el presidente de los Estados Unidos George W. Bush dirigido por Oliver Stone que, pese a la expectación generada, no caló demasiado ni en el público ni en la crítica. El incendiario cineasta no logró dotar a la película del nervio y la virulencia que caracterizaban su cine. Pero sí que consiguió transmitir la idea de que Bush era un tipo que se había metido en política en busca de la aprobación de su padre y que no era más que un títere controlado por su gabinete, principal responsable de la Guerra de Irak y de otros grandes “éxitos” de su mandato. Una década después de W., nos llega El vicio del poder, un biopic centrado esta vez en la figura de Dick Cheney, el presunto máximo responsable de las acciones de la Administración Bush, pero bajo el formato satírico y ‘meta’ que tan bien le funcionó a Adam McKay en La gran apuesta.

Afortunadamente, el ascenso político de Cheney resulta menos enmarañado que la crisis económica mundial del 2008, y aunque La gran apuesta y El vicio del poder sean comedias con nula capacidad de provocar carcajadas, al menos esta última resulta más amena. Sin embargo, la forma en la que narra la historia, a medio camino entre la didáctica aplicada a la cultura popular y la chapa recibida por tu cuñado en una cena familiar, sigue estando ahí. Adam McKay ya ha definido su estilo, uno muy personal, que parece generar muchos admiradores, pero aún le falta pulirlo para que su espíritu crítico y de denuncia no resulte igual de sutil que aquella captadora de socios que me gritó el otro día si tenía un minuto para la lucha contra el cáncer mientras huía de ella. La película está llena de metáforas, contraposiciones, cuartas paredes rotas, golpes bajos y demás artificios para subrayar una única idea: la culpa fue de Cheney.

Es curioso que, según los respectivos biopics de Bush y Cheney, ambos eran muy similares durante su juventud: balas perdidas con peligrosa afición al alcohol (los dos sufrieron sendos accidentes automovilísticos) y que se metieron en política tras recibir una reprimenda y un empujón por la figura más autoritaria de su círculo; el padre en el caso de Bush y la esposa en el de Cheney. Volviendo a centrarnos en este último, es interesante cómo se demuestra que su voluntad política era bastante nula, inclinado al partido republicado casi que por inercia y simpatía, y desarrollando una carrera motivada principalmente por un apetito insaciable de poder. Christian Bale borda a Cheney principalmente porque, a diferencia de la gran mayoría de actores que se mete en roles basados en personajes reales, no cae jamás en la caricatura ni en la grandilocuencia. Tanto él como una Amy Adams estupenda (¿acaso no lo está alguna vez?) dando vida a la mujer que instruye a Cheney en el arte de la maquinación, parecen estar en otra película, más seria y contenida, mientras que todo lo demás, incluyendo a sus compañeros de reparto Steve Carell y Sam Rockwell, forman parte de la pantomima orquestada por Adam McKay. Y en realidad, resulta más interesante el espectro en el que se mueven Bale y Adams.

El vicio del poder gustará sobre todo a aquellos que vibraron con La gran apuesta, y aunque sea un poco mejor, el trazo grueso y manipulador de McKay sigue impidiendo que sus ideas, por muy lúcidas que sean, calen hondo. Él es plenamente consciente de que ve la historia norteamericana reciente con gafas demócratas, y aunque incluya un gag autoreferencial, no deja de exponer las decisiones políticas de Cheney de forma un tanto superficial y simplista. Con todo, algunas de sus maniobras resultan efectivas y pueden invitar a una necesaria reflexión. Por ejemplo, que por muy mal que obren los monstruos, estos actúan porque el pueblo les ha dado poder y autoridad para ello. Si esta película ayuda y moviliza el adormecido voto popular de izquierdas, bienvenida sea.

6’5/10

O.C: La noche de los muertos vivientes (1968)

¿De qué va?: Johnny y Barbara son dos hermanos que van a visitar la tumba de su difunto padre a un cementerio a las afueras de la ciudad. En mitad del camino, Johnny es atacado por un hombre de tez pálida. Mientras tanto, su hermana, horrorizada, consigue huir hasta dar con una granja, donde también se ha refugiado un hombre llamado Ben. Ambos construirán barricadas para defenderse de una multitud de despiadados zombis que sólo pueden ser vencidos con un golpe en la cabeza.

Reputación: George A. Romero escribió el guion para su primera película inspirándose en la idea central de la novela Soy leyenda de Richard Matheson, sustituyendo a los vampiros por muertos vivientes. La produjo a través de una compañía que acababa de fundar con sus socios, Image Ten, pero solo consigue reunir 114.000 dólares, un presupuesto insuficiente con el que se apañó para invertir en 9 meses de rodaje y un equipo técnico reducido. Los socios capitalistas de Romero también participaron en el rodaje de otras formas: Russell Streiner interpretó al hermano de la protagonista, Karl Hardman encarnó a otro personaje y ejerció de maquillador, cámara y operador de sonido, mientras que el co-guionista, John A. Russo, se prestó voluntario para que le prendiesen fuego  y para dar vida a uno de los zombis.

El canibalismo fue una licencia que se tomó Romero, dado que los zombis (a los que nunca se les llama así en la película) provienen originalmente de mitos haitianos y caribeños que se remontan al siglo XVII, y versan sobre muertos que volvían a la vida para servir de marionetas de un hechicero. La película fue inicialmente criticada por su violencia gráfica, aunque la carne humana que se muestra sea en realidad jamón asado, las vísceras entrañas de oveja y la sangre sirope de chocolate. Debido a una negligencia por parte de la distribuidora original del film, cuando se cambió su título original, Night of the Flesh Eaters, por Night of the Living Dead, los derechos de autor se perdieron, por lo que el equipo detrás de la película apenas vio beneficios por ella, y la recaudación íntegra fue para los cines y los autocines que la proyectaban con gran éxito. La película gozó de varias secuelas: Zombi (1979), El día de los muertos (1985), La tierra de los muertos vivientes (2005) y La resistencia de los muertos (2009), todas dirigidas por Romero, pero solo la primera continuación consiguió gran repercusión.

Comentario: Estamos ante el origen del mito moderno del muerto viviente. Todas las películas sobre zombis, The Walking Dead, los videojuegos de Resident Evil… nada de esto existiría como tal si no fuera por esta pequeña película de bajo coste y en blanco y negro que se planteó por primera vez qué pasaría si los muertos volvieran a la vida con una insaciable hambre de carne humana. Romero ya intuyó la conducta mezquina y egoísta que tendría el ser humano al encontrarse ante una situación de este calibre, siendo el hombre el peor enemigo del hombre, aunque tampoco haya espacio para los que no estén preparados para sobrevivir a toda costa. Es cierto que se nota la escasa experiencia detrás de las cámaras de Romero al no saber controlar siempre el ritmo de la historia, pero eso no hace mella ni en la enorme influencia que ha ejercido el film en el género fantástico ni en su riqueza temática ¿Es una metáfora de la Guerra de Vietnam, del racismo, de los peligros nucleares, de la capacidad autodestructiva del ser humano o todo a la vez? Lo que prefieras; sirve para plasmar cualquier visión pesimista sobre la condición humana que puedas albergar.

Próximo visionado: Love Story (1970)

Bumblebee – Mi amigo el robot alienígena

Dir.: Travis Knight
Int.: Hailee Steinfeld, John Cena, Jorge Lendeborg Jr., Pamela Adlon, Jason Drucker, Stephen Schneider, John Ortiz, Glynn Turman
¿De qué va?: En el año 1987, un autobot encuentra refugio en un depósito de chatarra en una pequeña ciudad costera de California. Charlie, una joven de 17 años que trata de encontrar su lugar en el mundo, lo descubre y se vuelca en arreglarlo, pero en el momento en el que lo ponga a punto, se dará cuenta de que es mucho más de lo que pensaba.

Reseña: Transformers (2007), la primera, estaba bien. Las que llegaron después ya tal. Pero había mucha gente a la que le gustaba el cóctel explosivo que preparaba Michael Bay, siempre con los mismos ingredientes (explosiones, ciudades destruidas, tías buenorras…) pero cada vez de forma más delirante, absurda y aburrida. El público terminó cansándose y la quinta parte, El último caballero (2017), registró los peores resultados de taquilla de la saga. Los Transformers necesitaban de un buen reajuste y de un formateo para poder garantizar su continuidad en el cine, y Bumblebee se ha alzado como su salvoconducto. El personaje, que ya había aparecido como secundario en los films de Bay, protagoniza un film que ahonda en sus orígenes, al tiempo que recupera el espíritu juvenil de los Transformers.

La película arranca con una pelea intergaláctica entre Transformers y Decepticons, pero la narración pronto pasa a la Tierra y se centra en Charlie, la joven que establecerá un vínculo especial con Bumblebee, similar a la amistad que se forjaba entre Shia LaBeouf y Optimus Prime en la primera película de la saga. La declaración de intenciones por hacer algo completamente ajeno al estilo Bay se demuestra desde la contratación como director de Travis Knight, artífice de esa maravilla animada que es Kubo y las dos cuerdas y mágicas (2016), y de una mujer guionista, Christina Hodson. El resto viene a través de la ambientación ochentera, los parecidos razonables a films como El gigante de hierro (1999) o E.T., el extraterrestre (1982), los guiños a las comedias adolescentes de John Hughes, una banda sonora de temazos en la que cobra protagonismo el grupo indie The Smiths, y al shock de que ningún edificio o ciudad termine completamente destrozado.

Tampoco podemos pasar por alto que la protagonista sea una chica, que, al igual que al personaje de Megan Fox en la dos primeras Transformers, le va la mecánica, pero sin rastro de la hiper-sexualización de por aquel entonces. Charlie (Hailee Steinfeld) es una chica corriente, que desde que murió su padre no sabe cómo encajar ni en el instituto, ni en su familia ni en la vida, y de buenas a primeras descubre que su primer coche es en realidad un robot que no puede hablar y que anda tan perdido como ella, así que la conexión es instantánea. La relación entre estos dos es muy enternecedora, algo que se enfatiza con lo entrañable que resulta Bumblebee, muy en la línea del gigante de hierro y de Baymax de Big Hero 6 (2014). El resto de personajes, como la madre de Charlie (Pamela Adlon), el amigo pagafantas (Jorge Lendeborg Jr.), su hermano (Jason Drucker) y hasta el militar escéptico de turno (John Cena) se dejan querer.

Sin embargo, a pesar del buen rato que ofrece Bumblebee, no deja de ser una película que se empapa tanto de sus referentes que sacrifica cualquier posibilidad de tener personalidad propia para conformarse con ser un refrito bien ejecutado de todas ellas. El trauma de Charlie por haber perdido a su padre y la sanación que encuentra a través de su relación con el Transformer la tenemos ya tan vista que hasta Los Simpsons la parodiaron hace años, en un episodio en el que se veía el tráiler de una peli sobre un chaval que aprende a confiar en sí mismo gracias a una momia futbolista. Con todo, es la mejor película de Transformers hasta la fecha, que tampoco era muy difícil, pero abre un camino para que la saga sea un espectáculo con corazón y para todas las edades, más afín a su origen juguetero y a la serie de animación que le brindó la fama.

6’5/10

Tiempo después – Limón y circo

Dir.: José Luis Cuerda
Int.: Roberto Álamo, Blanca Suárez, Pepe Ocio, Gabino Diego, Miguel Rellán, Carlos Areces, Arturo Valls, Berto Romero, Antonio de la Torre, Manolo Solo
¿De qué va?: En el 9.177, mil años arriba, mil años abajo, el mundo entero e incluso el universo al completo se han visto reducidos a un solo Edificio Representativo y a unas afueras cochambrosas habitadas por todos los parados y hambrientos del cosmos. Entre todos estos desgraciados está José María que, a pesar de las dificultades, decide que otro mundo es posible gracias a la venta en el Edificio Representativo de una riquísima limonada que él mismo manufactura.

Reseña: El cine español no es muy dado a producir películas de culto, pero si hay que confeccionar una lista, no podría faltar Amanece que no es poco (1989). Esta comedia absurda de José Luis Cuerda fue acogida en su momento con frialdad, al nacer en el seno de una industria que tenía a las películas de Esteso y Pajares como su máximo exponente humorístico, pero con el paso de los años fue ganando más y más apasionados adeptos que la han reivindicado como lo que es: una de las mejores y más lúcidas comedias de la cinematografía patria. Casi 30 años después de su estreno, llega Tiempo después, una especie de secuela en la que Cuerda pretende recuperar el espíritu surrealista, crítico y absurdo de aquel film.

Lejos queda aquel pueblecito de las montañas cuyos habitantes sentían auténtica devoción por Faulker, pues nos encontramos en un distante futuro en el que toda la civilización se encuentra concentrada en un lujoso y aséptico rascacielos. Se trata de una distopía similar a la mostrada en High-Rise (2015), pero a diferencia de ésta, los pobres/parados ni siquiera habitan en las plantas más bajas, sino en un asentamiento de chabolas a las afueras. Todo sigue el curso prestablecido hasta que uno de los pobres se presenta en la recepción del edificio para intentar ganar algo de dinero vendiendo limonada, algo a lo que se oponen firmemente el rey, el alcalde, la guardia civil mundial y la iglesia, al no querer que el parado se “desnaturalice”. Arranca así la sátira con la que Cuerda se ríe por no llorar de la lucha de clases, la coexistencia de las instituciones españolas más poderosas y de la historia del propio país, fundamentada en una lucha constante entre dos bandos.

Los principales ingredientes de Amanece, que no es poco siguen formando parte de la ecuación: reparto coral, subtramas ridículas, diálogos engolados, costumbrismo surrealista… Sin embargo, hay algo por lo que no termina de funcionar. Quizás sea un elenco al que le falta espontaneidad y naturalidad, pese a contar con comediantes de largo recorrido entre sus filas, o puede que se trate de la ausencia de un repertorio de citas tan célebres y memorables como su precedente. O simple y llanamente, lo que ocurre es que Amanece, que no es poco fue un pequeño milagro incapaz de reproducirse, pero lo que está claro es que Tiempo después carece de la chispa alucinógena de aquella, y en consecuencia, no es tan brillante ni divertida .

Tal vez el tiempo juegue a su favor, y nos encontramos ante una futura obra de culto, pues en absoluto resulta desdeñable. Pero si eso llega a ocurrir no será por la ejecución de unos chistes que no siempre logran despegar, ni por el carisma renqueante de su pareja protagonista (Roberto Álamo y Blanca Suárez),  sino por la forma tan caricaturesca como acertada en la que José Luis Cuerda retrata el modus operandi de la clase política, social y religiosa de España, dentro de una parábola futurista que se aplica a la España de ayer, de hoy y, horror, de mañana, si no espabilamos de una vez por todas.

6/10

Lo que esconde Silver Lake – Superparanoia Pop

Dir.: David Robert Mitchell
Int.: Andrew Garfield, Riley Keough, Topher Grace, Jimmi Simpson, Zosia Mamet, Callie Hernández, Riki Lindhome, Summer Bishil
¿De qué va?: Sam es un tipo desencantado de 33 años que descubre a una misteriosa mujer, Sarah, bañándose en la piscina de su apartamento. La conexión entre ambos es inmediata, pero cuando la joven desaparece, Sam se embarca en una búsqueda surrealista en la que recorrerá cada rincón de Los Ángeles para descifrar el secreto que hay detrás de su desaparición.

Reseña: Decía uno de los asesinos de Scream (1996) que las películas no creaban psicópatas, sino que solo hacían que fuesen más creativos. Esto puede extrapolarse a la cultura pop, ese conjunto de películas, estilos musicales, arte, videojuegos, cómics y un largo etcétera que ejerce una fuerte influencia en nuestras vidas aunque no siempre seamos conscientes de ello. ¿Pero qué pasaría si todos la cultura popular, supuestamente tan heterogénea, fuese en realidad un entramado mucho más planificado de lo que creíamos? ¿Y si los éxitos de la cultura pop no se forjan por y para el público, sino que han sido creados por una maquinaria secreta que nos inculca lo que nos tiene que gustar por un fin mayor que desconocemos? ¿Y si todo estuviese conectado?

Tras situarse bajo el radar con la espléndida It Follows (2014), David Robert Mitchell busca la reválida con Lo que esconde Silver Lake, un thriller que se plantea esas cuestiones conspirativas a través del protagonista, Sam, un treintañero un tanto perdido que decide investigar la desaparición de su vecina, una joven, obsesionada con Marilyn Monroe, que desaparece sin dejar rastro poco después de conocerla. El misterio en torno al desvanecimiento de la chica escala gradualmente a una conjura en la que están metidos dibujantes de cómics, multimillonarios, un asesino de perros, músicos, hipsters, leyendas urbanas y mucho más. Se ha hablado mucho de David Lynch como gran referente del film, aunque en realidad, está mucho más emparentada con esa pequeña joya que es Brick (2005), por su tono neo-noir y por tener como protagonista a un aspirante a detective avispado pero un poco perdedor, torpe y amateur, y a Puro vicio (2014), siendo Lo que esconde Silver Lake una especie de revisión contemporánea y juvenil del film de Paul Thomas Anderson.

La película de Robert Michell no llega a ser tan confusa e indescifrable como la de Anderson, pero sí que divaga bastante durante los 139 minutos que dura. Un poco de tijera en el metraje le habría sentado estupendamente, dado que la cinta se pierde en varias ocasiones por subtramas, personajes, pistas y callejones que no llegan a ninguna parte, aunque sí que alimentan la paranoia en la que está sumida tanto la trama como el protagonista, un estupendo y ofuscado Andrew Garfield que jamás baja la guardia aunque su presencia sea una constante a lo largo del abultado metraje. La presencia de Riley Keough es prácticamente testimonial, y aún así, vuelve a reafirmarse como una de las actrices jóvenes más interesantes, enigmáticas y audaces del panorama actual.

Con Lo que esconde Silver Lake, David Robert Mitchell confirma lo que ya se intuía en It Follows: es un cineasta que sabe perfectamente tanto lo que quiere contar como la mejor forma en la que puede plasmarlo en imágenes. Sin embargo, en esta ocasión le hacía falta pulir el guion para que esa visión desencantada sobre la cultura pop, los falsos ídolos que ésta construye y el aborregamiento de las masas resultase más contundente y menos espesa. Con todo, se trata de un ejercicio cinematográfico de una ambición narrativa y estilística extraordinarias para tratarse de una tercera película. Habrá que ver si la película trasciende lo suficiente como para que no desaparezca dentro de la iconología pop que admira y desprecia por igual.

7/10

Nominaciones a los OFB 2018

Bienvenidos todos a la 12ª edición de los premios OFB, que es básicamente la forma que tenemos en este blog de destacar y “premiar” la excelencia técnica y artística de la cosecha cinematográfica del último año. Les recuerdo que aunque los premios los decide y entrega un servidor, con el inestimable asesoramiento de algunos amigos cinéfilos, es fundamental que voten sus películas favoritas de entre las 20 seleccionadas para entregar el premio especial de los seguidores del blog. Tienen la encuesta en el siguiente enlace: https://goo.gl/forms/x1R8wvAkqfOe5FJx1

A continuación, encontrarán el listado completo de nominados. La novedad este año es que se ha suprimido la categoría de mejor compilación de canciones y se ha añadido la de dirección novel, para poder destacar el trabajo de aquellos cineastas que apuntan maneras con sus óperas primas. En esta edición, Roma es la película más nominada con 10 menciones, seguida de Call Me By Your Name con 9 y de Tres anuncios en las afueras con 7. Los vencedores serán anunciados el próximo domingo 27 de enero.

Y sin más dilación, los nominados a los OFB son:

Mejor película
Call Me By Your Name
Caras y lugares
The Florida Project
Hereditary
El hilo invisible
Isla de perros
Lady Bird
Roma
Tres anuncios en las afueras
Vengadores: Infinity War

Mejor director
Paul Thomas Anderson por El hilo invisible
Wes Anderson por Isla de perros
Alfonso Cuarón por Roma
Luca Guadagnino por Call Me By Your Name
Martin McDonagh por Tres anuncios en las afueras

Mejor actor protagonista
Timothée Chalamet por Call Me By Your Name
Bradley Cooper por Ha nacido una estrella
Daniel Day-Lewis por El hilo invisible
Ethan Hawke por El reverendo
Rami Malek por Bohemian Rhapsody

Mejor actriz protagonista
Toni Colette por Hereditary
Frances McDormand por Tres anuncios en las afueras
Margot Robbie por Yo, Tonya
Julia Roberts por El regreso de Ben
Saoirse Ronan por Lady Bird y En la playa de Chesil

Mejor actor de reparto
Sam Elliott por Ha nacido una estrella
Richard Jenkins por La forma del agua
Shia LaBeouf por Borg McEnroe
Sam Rockwell por Tres anuncios en las afueras
Michael Stuhlbarg por Call Me By Your Name

Mejor actriz de reparto
Claire Foy por First Man
Marina de Tavira por Roma
Allison Janney por Yo, Tonya
Rachel McAdams por Disobedience
Laurie Metcalf por Lady Bird

Mejor guion original
Paul Thomas Anderson por El hilo invisible
Alfonso Cuarón por Roma
Greta Gerwig por Lady Bird
Martin McDonagh por Tres anuncios a las afueras
Alice Rohrwacher por Lazzaro feliz

Mejor guion adaptado
Gillian Flynn y Steven McQueen por Viudas
Alex Garland por Aniquilación
James Ivory por Call Me By Your Name
Ian McEwan por En la playa de Chesil
Nicole Perlman y Josh Singer por First Man

Mejor montaje
First Man
Ready Player One
Roma
Vengadores: Infinity War
Yo, Tonya

Mejor fotografía
Alfonso Cuarón por Roma
Bruno Delbonnel por La balada de Buster Scruggs
Sayombhu Mukdeeprom por Call Me By Your Name
Sayombhu Mukdeeprom por Suspiria
Lukasz Zal por Cold War

Mejor diseño de producción
Aniquilación
Black Panther
El regreso de Mary Poppins
First Man
Roma

Mejor vestuario
Black Panther
Colette
El hilo invisible
El regreso de Mary Poppins
Suspiria

Mejor banda sonora
Carter Burwell por Tres anuncios en las afueras
Alexandre Desplat por Isla de perros
Alexandre Desplat por La forma del agua
Jonny Greenwood por El hilo invisible
Justin Hurwirtz por First Man

Mejor canción original
"All the Stars" de Black Panther
"Mystery of Love" de Call Me By Your Name
"Shallow" de Ha nacido una estrella
"Suspirium" de Suspiria
"Visions of Gideon" de Call Me By Your Name

Mejores efectos visuales
Aniquilación
First Man
Ready Player One
El regreso de Mary Poppins
Vengadores: Infinity War

Mejor película de habla no inglesa
Caras y lugares (Francia)
Las distancias (España)
Girl (Bélgica)
Lazzaro feliz (Italia)
Roma (México)
Un asunto de familia (Japón)

Mejor película de animación
Los increíbles 2
Isla de perros
Loving Vincent
Ralph rompe Internet
Spider-Man: Un nuevo universo

Mejor reparto
La forma del agua
Lady Bird
Tres anuncios en las afueras
Un asunto de familia
Viudas

Mejor dirección novel
Ari Aster por Hereditary
Bradley Cooper por Ha nacido una estrella
Lukas Dhont por Girl
Coralie Fargeat por Revenge
Greta Gerwig por Lady Bird

Mejor actor revelación
Billy Howle por En la playa de Chesil
Brady Jandreau por The Rider
Charlie Plummer por Lean on Pete
Victor Polster por Girl
Adriano Tardiolo por Lazzaro feliz

Mejor actriz revelación
Yalitza Aparicio por Roma
Cynthia Erivo por Viudas y Malos tiempos en el Royale
Lady Gaga por Ha nacido una estrella
Millicent Simmons por Un lugar tranquilo y Wonderstruck
Bria Vinaite por The Florida Project

Mejor escena
La charla entre Elio y su padre en Call Me By Your Name
Jackson y Ally cantan Shallow sobre el escenario en Ha nacido una estrella
El final de El reverendo
El rescate en la playa de Roma
La audición de Susie Bannon en Suspiria

Premio especial ¿Tanto bombo para esto?
¿Quién está matando a los moñecos?
Animales fantásticos: Los crímenes de Grindelwald
Han Solo: Una historia de Star Wars

Películas con mayor nº de nominaciones

Roma: 10 (Mejor película, director, actriz de reparto, guion original, montaje, fotografía, diseño de producción, película de habla no inglesa, actriz revelación y escena)
Call Me By Your Name: 9 (Mejor película, director, actor protagonista y de reparto, guion adaptado, fotografía, canción original x2 y escena)
Tres anuncios en las afueras: 7 (Mejor película, director, actriz protagonista, actor de reparto, guion original, banda sonora y reparto)
Lady Bird: 6 (Mejor película, actriz protagonista y de reparto, guion original, reparto y dirección novel)
El hilo invisible: 6 (Mejor película, director, actor protagonista, guion original, vestuario y banda sonora)
First Man: 6 (Mejor actriz de reparto, guion adaptado, montaje, diseño de producción, banda sonora y efectos visuales)
Ha nacido una estrella: 6 (Mejor actor protagonista y de reparto, canción, dirección novel, actriz revelación y escena)
Isla de perros: 4 (Mejor película, director, banda sonora y película de animación)
Suspiria: 4 (Mejor fotografía, vestuario, canción y escena)

Las 20 mejores películas del 2018

Ante todos ustedes, un repaso a las 20 películas más destacadas del 2018 para un servidor. Todas ellas se han estrenado en España a lo largo del año pasado, por lo que encontraránalgunos  títulos que en realidad datan del 2017. Me ha dolido en el alma dejar fuera films que me han entusiasmado como Tully, Viudas, Ready Player One o 120 pulsaciones por minuto, pero elaborar un Top 30 ya sería demasiado.

Las películas están ordenadas por orden alfabético, acompañadas de un extracto de la reseña que se le dedicó a cada una en su momento, de un enlace al texto completo y de una imagen chula. Como cada año, he habilitado una encuesta para que voten a sus películas favoritas, y así poder entregar el premio de los seguidores a la mejor película junto con el resto de galardones OFB, cuyas nominaciones serán publicadas mañana, y cuyos resultados verán a la luz el próximo 27 de enero. Pueden votar a más de un título, para que el ganador sea lo más consensuado posible (el año pasado arrasó La La Land).

Para votar, visiten el siguiente enlace: https://goo.gl/forms/x1R8wvAkqfOe5FJx1

Annihilation (Aniquilación, Alex Garland)

“Si Garland ya puso en entredicho las leyes de la robótica en su ópera prima, aquí va un paso más allá tergiversando el orden natural de las cosas, colocando a cinco científicas en una situación en la que el concepto del ser individual se difumina hasta el punto de que pueden dejar de percibir tanto el transcurso del tiempo como dónde terminan ellas y empieza todo lo demás. […] Garland navega con soltura entre los diferentes géneros por los que transita la película: drama intimista, acción, thriller, terror, ciencia ficción… […] Aniquilación es una obra de gran calado visual y filosófico, con un puñado de momentos memorables (algunos a nuestro pesar) y que comparte con la reivindicable The Girl with All the Gifts la misma visión apocalíptica: el futuro de la humanidad no tiene por qué pasar por la raza humana tal y como la conocemos.” Reseña completa

Avengers: Infinity War (Vengadores: Infinity War, Joe & Anthony Russo)

“El principal mérito de Infinity War es algo que no se había conseguido en la franquicia hasta la fecha: la sensación de que cualquier cosa puede pasar. […] es tan buena película como la primera reunión de los superhéroes de Marvel en la gran pantalla pero a una escala superior. […] El plan maestro de Marvel ha empezado a culminar con un mastodóntico blockbuster que se preocupa tanto de que la acción luzca más espectacular que nunca como del devenir emocional de sus personajes, dando por el camino numerosas alegrías a sus fans en forma de chistes autorreferenciales, apariciones estelares, interacciones gozosas y, en última instancia, poniendo todo el mundo que han construido con tanto cuidado patas arriba.” Reseña completa

Call Me By Your Name (Luca Guadagnino)

“Sin ninguna prisa, Luca Guadagnino, con la ayuda de James Ivory al guion, va erigiendo la atracción, el deseo y el amor que surge entre Elio y Oliver, reparando en el desconcierto y la agonía que siente el primero al ser para él el descubrimiento del amor, esa primera vez en la que la inexperiencia y la ingenuidad nos conduce a vivir la experiencia de forma más intensa que aquel que ya lleva un buen bagaje a sus espaldas. […] Call Me By Your Name se vale de los detalles, de la química de sus actores, de las melancólicas canciones de Sufjan Stevens, de los melocotones, de la humedad y de la urgencia del verano para trazar uno de los romances más sensuales, honestos, dulces y descorazonadores que jamás se hayan visto en una pantalla de cine, con una capacidad empática tan avasalladora, que resultará prácticamente imposible no evocar a nuestro primer amor, o aquel momento en el que fuimos demasiado tontos para confesar nuestros sentimientos hasta que se nos hizo tarde.” Reseña completa

Les Distancìes (Las distancias, Elena Trapé)

“Elena Trapé se revela como una cineasta con una gran capacidad para la observación y la narración a través de pequeños gestos en escenas muy reveladoras en las que los diálogos están reducidos al mínimo. También cuenta con la inestimable ayuda de un reparto que sabe empatizar y transmitir las inseguridades de unos personajes muy bien construidos a través de pinceladas […] Las distancias ofrece un panorama desolador de una generación a la que la crisis económica le pilló de lleno y que aún sufre sus consecuencias. Puede que hayamos encontrado refugio más allá de nuestras fronteras […], pero el desencanto y la deriva emocional nos acompañará siempre, no como esos amigos, que pese a ser probablemente las personas que mejor puedan entendernos, se alejan cada vez más fruto de una sociedad cuyos medios de comunicación son tan variados como insustanciales. Por muy terrible que suene, a veces lo mejor que se puede hacer para poder avanzar es soltar lastre.” Reseña completa

First Man (El primer hombre, Damien Chazelle)

“Chazelle orquesta la película de tal forma que el espectador vive la historia de Armstrong en primerísima persona, siendo testigo tanto de los momentos en los que flaquea fuera de la vista del resto del mundo como en las diferentes incursiones al espacio que realizó. […] ha sabido coger un material ajeno y hacerlo suyo, con la inestimable ayuda de sus colaboradores habituales, Linus Sandgren en la fotografía y Justin Hurwitz en la banda sonora, este último creando una de las mejores partituras del año. Sus talentos combinados dotan tanto de épica como de melancolía a una de las hazañas más increíbles realizadas por el ser humano. Chazelle sigue con su obsesión por el sacrificio personal, aunque la historia de amor de Neil y Janet le ha permitido contar una visión más optimista al respecto; una en la que a pesar de la pérdida, la incomunicación y el distanciamiento, la comprensión y la paciencia son suficientemente fuertes como para que, por una vez, el amor no sea el peaje que hay que pagar por alcanzar la gloria.” Reseña completa

First Reformed (El reverendo, Paul Schrader)

“Ethan Hawke realiza aquí uno de los trabajos más admirables de su carrera, cumpliendo con creces la responsabilidad de sostener la película sobre sus hombros con contención, pero manifestando a la perfección la tremenda batalla que se está labrando en su interior […] su apartado técnico resulta impoluto, con una fotografía que abarca desde el blanco más puro hasta la oscuridad más absoluta, con un acompañamiento musical muy medido y pensado, y rodada en un formato cuadrado acorde con la claustrofobia que padece Ernest entre las paredes de esa iglesia reconvertida en museo y que rara vez abandona. Schrader recupera la brillantez de sus mejores trabajos con un film exigente, provocador y osado que se plantea si no será demasiado tarde para encontrar y albergar esperanza en una sociedad cuyas grietas morales siguen siendo tan mugrientas como las que condujeron al taxista Travis a la perdición hace ya 42 años.” Reseña completa

The Florida Project (Sean Baker)

“Ya hemos visto muchas películas de niños marginados viviendo en entornos deprimentes pero ninguna contiene la alegría de la infancia que sí tiene el film de Baker. […] The Florida Project es una película sobre la infancia divertida, grosera, agridulce, chabacana, y, ante todo, tierna. Porque es una oda a la inocencia de la niñez, a cuando las amistades eras sinceras, sencillas y tremendamente valiosas para sufrir las primeros golpes colaterales del mundo de los adultos, a aquella época en la que nos bastaba correr de un lado para otro y echarle imaginación para estar entretenidos, y a cuando el barrio en el que vivíamos era todo nuestro mundo, limitado, pero lleno de personajes, recovecos y misterios alucinantes. Nunca fuimos a Disneyland, ni falta que nos hizo.” Reseña completa

Girl (Lukas Dhont)

“Un acercamiento intimista, emocionante y brutalmente empático al estado de la cuestión de la transexualidad, elevado por un intuitivo y didáctico trabajo de dirección, que nunca cae en sermones, y una interpretación protagonista honesta e introspectiva, libre de afectación. La película evidencia todo lo que se ha avanzado por la integración de la comunidad transgénero y todo lo que aún falta por hacer, aunque lo más triste de todo sea la certeza de que, por muy bueno que sea el respaldo de los seres queridos, las personas que nacen con un sexo que no les corresponde realizan un viaje tan solitario como terrorífico, pero que es confrontado con una entereza y un valor dignos de admiración.” Reseña completa

Hereditary (Ari Aster)

“Espeluznante, incómoda y  exigente. Las claves de lo que está ocurriendo en la historia se encuentran en los detalles, diseminados a lo largo de todo el metraje, y aquí no hay flashbacks oportunos que te refresquen la memoria para que puedas atar todos los cabos al final […] . No obstante, tampoco es que haga falta darle un sentido a todo lo que se ha visto, porque las impactantes imágenes que genera bajo un tempo incomodísimo se sostienen por sí mismas. La carta de presentación de Ari Aster es un entramado hipnótico de tragedia familiar, enfermedades mentales y simbología demoníaca dirigido y escrito con maestría, llamado a convertirse en un clásico del género y fuel para las pesadillas de aquellos que nos dejemos engullir por ella.” Reseña completa

Isle of Dogs (Isla de perros, Wes Anderson)

“El nivel de detalle en los personajes y escenarios es tan, tan rico y creativo, que merece un revisionado en el que se le haga justicia, dado que la primera vez estaremos demasiado embobados por la belleza de las imágenes (permaneciendo, cómo no, la obsesión de Wes Anderson por la simetría), la ligereza con la que se mueve la cámara y se suceden los planos, y por el irremediable encanto que transmiten sus personajes […] La película contiene unas dosis de humor negro prácticamente inauditas hasta la fecha en la carrera de Wes Anderson, pero no pierde ni un ápice de la melancolía, la ternura y el tempo cómico que siempre le ha caracterizado, siendo aquí el anclaje emocional más puro, honesto y universal que nunca al residir en la relación entre un niño y su perro.” Reseña completa

Lady Bird (Greta Gerwig)

“Saoirse Ronan se revela como un maravilloso álter ego de Greta Gerwig. La actriz irlandesa muestra espontaneidad, gracia y autenticidad absolutas dando vida a Lady Bird en todas las facetas del viaje emocional que realiza en la película, creando un vínculo maternofilial robusto y veraz con Laurie Metcalf, que está fantástica dando vida a una madre cuyo amor, preocupación e irritación por su hija son fácilmente reconocibles por cualquiera que haya tenido una relación similar con su progenitora. […] Lady Bird vive varias experiencias familiares, académicas y sociales que acaban derivando esencialmente en dos lecciones vitales: la importancia de gestionar la decepción y de rebajar las expectativas, […] y el descubrimiento de la soledad inherente a la ansiada libertad, incitando a que se vean las cosas desde otra perspectiva, con un renovado afecto por aquello que antes nos aprisionaba, esa calidez del hogar y de lo familiar determinantes en la construcción de la persona que seremos el día de mañana.” Reseña completa

Lazzaro felice (Lazzaro feliz, Alice Rohrwacher)

“Aunque  la película esté compuesta de dos partes muy diferenciadas, una rural, la otra urbana, ambas se retroalimentan para dar forma a una parábola espiritual sobre la viabilidad de la bondad en la sociedad. […] Rohrwacher filma con un estilo equilibrado que no cae ni en el feísmo ni en el barroquismo. No carga las tintas, ni juzga a los personajes, ni ejerce superioridad o adoctrinamiento moral. Hay espacio para la comedia, el drama, el conflicto de clases, la crítica social, las alegorías místicas, el humanismo y la picaresca, y nunca se pasa de rosca en nada. La película es tan rara avis como su protagonista, una de las mejores obras que ha producido la cinematografía italiana en lo que va de siglo y un pequeño prodigio artístico, aunque, a fin de cuentas, nos devuelva un reflejo de la condición humana en absoluto reconfortante.” Reseña completa

On Chesil Beach (En la playa de Chesil, Dominic Cooke)

“Película sobre esos momentos y detalles imperceptibles en torno a los que se va construyendo una vida; sobre dolorosos recuerdos de los que jamás escaparemos por mucho que los enterremos en la memoria; sobre lo coartados que podemos estar por las convenciones sociales sin darnos cuenta, y también sobre la necesidad de ser generosos, comprensivos y pacientes con los demás si queremos crear un vínculo realmente significativo con ellos. Todo lo asimilamos a través de unas vibrantes interpretaciones por parte de Saoirse Ronan y Billy Howle. Ella ya es vieja conocida y él es toda una revelación. Juntos, protagonizan esta historia de amor generacional triste, delicada y melancólica impregnada de salitre y arrullada por las olas.” Reseña completa

Phantom Thread (El hilo invisible, Paul Thomas Anderson)

“Daniel Day-Lewis se despide (¿definitivamente?) del cine con una interpretación antipática y arrogante que le viene como anillo al dedo, aunque cuando más destaca es en los momentos en los que exterioriza la vulnerabilidad de su personaje […] Bellamente filmada y fotografiada, como cabía esperar de Paul Thomas Anderson, además de estar acompañada por una banda sonora de Jonny Greenwood y una dirección de vestuario cautivadoras, pero lo que de verdad convierte esta película en un inesperado placer son las numerosas capas y lecturas que posee una historia que a priori parecía aburrida y sosita. En absoluto. Anderson ya ha dejado atrás el nervio narrativo de sus primeras obras, pero ha llegado a un punto en el que es capaz de combinar clasicismo con modernidad y dar lugar una obra superior a la suma de ambas partes.” Reseña completa

Ralph Breaks the Internet (Ralph rompe Internet, Rich Moore & Phil Johnston)

“Corría peligro de convertirse en una sucesión de chistes a costa del ciberespacio, y en parte lo es, pero la forma en la que sus responsables han traducido la red en una gran urbe avanzada plagada de autopistas de información, logotipos y servicios la emparenta directamente con la brillante forma en la que Del revés representaba los sentimientos y pensamientos humanos […] Sin embargo, lo más valioso de la película reside en cómo está tratada la amistad entre Ralph y Vanellope. Porque es muy valiente y necesario que Disney, sello que siempre ha recalcado desde sus orígenes los valores de la amistad, advierta a los más jóvenes (y a los que ya no lo son tanto también) de los peligros que conllevan las relaciones tóxicas; aquellas que, alentadas por la inseguridad, el miedo a la soledad y el egoísmo, lastran el desarrollo individual y colocan a las personas en una incómoda posición de dependencia mutua y de falsa deuda con el otro.” Reseña completa

Roma (Alfonso Cuarón)

“Historia mínima contada a gran escala y sin sacrificar su carácter intimista […] sobre la fuerza de la maternidad ante la desigualdad entre hombres y mujeres en el mundo en general y en México en particular. Sobre cómo los hombres pueden abandonar a las mujeres y sus responsabilidades cuando quieran y cómo éstas tienen que levantarse por sí mismas y sacar adelante a todos los que dependen de ellas. […] La historia que cuenta Roma es sencilla y su tempo tranquilo y sereno, pero sus hallazgos son tan genuinos, fascinantes y atemporales, que solo puede tratarse de la obra de una persona que comprende y habla el lenguaje cinematográfico como pocos; una obra que está llamada a convertirse en un clásico moderno.” Reseña completa

 

Shoplifters (Un asunto de familia, Hirokazu Koreeda)

“Si alguien ha contribuido a que conozcamos mejor la sociedad japonesa contemporánea, ese es Hirokazu Koreeda. En sus películas siempre encontramos costumbrismo nipón, gastronomía local que nos deja salivando y dinámicas familiares complejas a la par de entrañables. […] firma una de las mejores películas de una filmografía en la que es raro encontrarse con algo que no alcance el notable. Con Shoplifters viaja hasta un barrio humilde, alejado de las sofisticadas urbes que se asocian a Japón, para indagar en una familia que permanece unida, no por obligación, sino por un auténtico sentimiento de pertenencia y de cariño mutuo, así como por disfrutar de cada minuto de felicidad hasta que el tiempo se agote.” Reseña completa

Spider-Man: Into the Spider-Verse (Spider-Man: Un nuevo universo, Peter Ramsey, Bob Persichetti & Rodney Rothman)

“La imaginería psicodélica y la pirotecnia visual de la que hace gala el film se despliega de forma apabullante y espectacular […] Entre sus principales virtudes se encuentran lo revolucionario de sus formas y el cariño que profesa, no tanto al personaje en sí como a lo que representa, a sus poderes, a la ciudad de Nueva York sobre la que se balancea y a los valores que transmite: valentía, altruismo, bondad, humildad… Y no hace falta que nos pique una araña radiactiva para poseerlas, ni estar en forma, ni ser hombres heterosexuales caucásicos. Todos podemos sentirnos identificados con el amigo y vecino Spiderman, y es la mejor lección de vida que nos ha podido dejar el muy querido Stan Lee, que habría flipado en colores con la película.” Reseña completa

Three Billboards Outside Ebbing, Missouri (Tres anuncios en las afueras, Martin McDonaugh)

“Un western moderno, una comedia negra, un drama intimista y un thriller imprevisible. Funciona de forma magistral en todos sus variantes, dando como resultado una película divertidísima, triste, ácida, tierna y sorprendente. Es capaz de arrancarte una carcajada y quitártela en cuestión de segundos con un puñetazo en el estómago. Martin McDonagh nos enganchó a todos con la amarga y tragicómica Escondidos en Brujas y aquí nos termina de cautivar con una historia que tiene mucho de oficio y de rabia y poco de complaciente. Porque no todas las cruzadas terminan con un final, aun menos feliz, pero pueden derivar en otras que puedan traer algo de paz a las almas torturadas cuando resulta imposible hacer las paces con el pasado y hacer borrón y cuenta nueva.” Reseña completa

Visages villages (Caras y lugares, Agnès Varda & JR)

“Todos los encuentros y microrelatos de los que se compone la película están compuestos de retazos de costumbrismo, realidad social, humor, arte y optimismo, siendo la amistad entre Varda y JR tan entrañable, única y auténtica que nos sentimos unos privilegiados por poder acompañarles en su viaje y ser testigos de los frutos artísticos de su colaboración. […] una de las experiencias fílmicas más gratificantes del año, de humanismo insondable y alimento vigorizante para el espíritu. Una honesta celebración de la vida, la amistad, el arte, las zonas rurales y de su gente, tan genuina y cautivadora como los murales creados a lo largo este inolvidable viaje por carretera.” Reseña completa