El hotel a orillas del río – La gran nevada del sur

Dir.: Hong Sang-soo
Int.: Ki Joo-Bong, Kim Min-Hee, Kwon Hae-hyo, Song Seon-mi, Yoo Joon-Sang
¿De qué va?: Un veterano y reconocido poeta reúne a sus dos hijos adultos, y bastante distanciados entre sí, en un hotel, motivado por la extraña impresión de que va a morir en cualquier momento. En el mismo lugar, una joven, acompañada de una amiga, intenta superar un desengaño amoroso.

Reseña: El cine del surcoreano Hong Sang-soo se ha convertido en un lugar cálido y familiar para aquellos que lo llevamos siguiendo desde hace tiempo. La filmografía del prolífico director, que en 2017 llegó a estrenar tres películas, cuenta con una impronta muy personal y muy entrañable en la que se presta especial atención a las relaciones problemáticas, a los conflictos del pasado enquistados, al fracaso amoroso, al propio mundo del cine, a la comida y al alcohol; todo con un toque melancólico y onírico que suele dar pie a realidades paralelas e historias que se repiten con variantes. Los 'haters' dirán que todas sus películas son iguales, pero en realidad, todas y cada una de ellas son ricas en lecturas, detalles e imaginación.

Hong es habitual de festivales de cine importantes, como el de Cannes, y aún así, no todas sus películas consiguen distribución en nuestro país. Mientras dos de sus trabajos más recientes, las notables The Day After (2017) y Grass (2017), permanecen inéditas en España, llega a los cines El hotel a orillas del río, que rodó después de aquellas dos. Y en cierta manera es una lástima, porque en comparación se trata de una obra menor. Rodada en un pulcro blanco y negro que realza tanto el vacío emocional de sus personajes como la nieve que rodea el parador donde se desarrolla casi toda la trama, cuenta el reencuentro entre un veterano poeta y sus hijos en extrañas e incómodas circunstancias, al tiempo que una joven se refugia junto a su amiga en el mismo lugar intentando superar una ruptura. Esta última trama es un tanto accesoria, y parece hecha para asegurar la presencia en la película de la musa y pareja del director, la siempre estupenda Kim Min-Hee, así como para indagar una vez más en las aristas de las relaciones extraconyugales, tema recurrente en sus obra a raíz de la que él mismo inició con la susodicha actriz cuando aún estaba casado.

Sin embargo, lo que prima en El hotel a las orillas del río es lo que mana a partir de que el poeta comparta con sus hijos la premonición de que su fin está cerca: remordimiento, complejos, culpas, reproches… y un deseo genuino pero un tanto torpe de arreglar las cosas. Puede que se trate de la película de Hong más lineal y contemplativa, y con un componente humorístico más rebajado de lo habitual, lo cual podría ser la causa de que no me haya gustado tanto como las anteriores, y debo reconocer que me molesta que sea así. He llegado al punto en el que me gustaría vivir dentro de una película de Hong, donde la comida siempre tiene una pinta espectacular, las conversaciones y las confesiones fluyen a trago de soju, y realidad y ficción se moldean para dar cabida a las segundas oportunidades.

6’5/10

Los días que vendrán – La vida cuando estás esperando

Dir.: Carlos Marques-Marcert
Int.: María Rodríguez Soto, David Verdaguer
¿De qué va?: Vir y Lluís son una pareja de treintañeros que solo hace un año que salen juntos. Todo cambia en sus vidas cuando descubren que están “embarazados”. Durante 9 meses empezarán a sentir las consecuencias  del giro enorme que ha dado su vida, así como los miedos, alegrías,expectativas y realidades que, durante su embarazo, crecen ante ellos.

Reseña: En el 2014, Carlos Marques-Marcet nos sorprendió a todos con esa historia de amor en la distancia tan real y dolorosa como es 10.000 km. Tres años después, volvió con Tierra firme, un tratado sobre la “familia moderna”, el instinto maternal y la ausencia de este. Ahora, parece completar una trilogía sobre la vida a los 30 con Los días que vendrán, en la que ha aprovechado el embarazo real de su actor fetiche, David Verdaguer, y la novia de éste, María Rodríguez Soto, para contar las vicisitudes de una pareja que debe afrontar un embarazo inesperado.

Si bien los propios actores han confirmado que sus alter egos en la ficción viven una experiencia que no se corresponde con la que ellos tuvieron en la vida real, es evidente que buena parte de la película se nutre de la generosidad de la pareja al compartir sensaciones y elementos que pertenecen al ámbito privado, como es el caso del vídeo casero con imágenes reales de cuando la madre de María Rodríguez Soto estaba embarazada de ésta, el cual funciona tanto de columna vertebral del film como para dotarlo de dimensión histórica: lo que en aquella época parecía un proceso natural y sin complicaciones, ahora está cargado de conflictos y dilemas al tratarse, no solo de una época diferente, sino de dos personas que prácticamente están improvisando sobre la marcha, que se enfrentan a la precariedad laboral y a tener que ponerse de acuerdo en cuestiones tan importantes como la educación de la criatura o la forma en la que va a producirse el parto.

Los días que vendrán desprende una naturalidad apabullante porque ni el drama es impostado ni la comedia exagerada, y se crea un ambiente tan íntimo que produce incomodidad escuchar las palabras hirientes que surgen en las discusiones de pareja, de la misma forma en la que sus momentos buenos son tremendamente enternecedores, como cuando deben decidir el nombre del bebé. El film muestra la perspectiva de ambos pero, lógicamente, casi todo el peso recae en una fantástica y reveladora María Rodríguez Soto. El personaje de Verdaguer es un tipo reservado, al que le cuesta decir lo que piensa pero que se preocupa y ofrece su apoyo al 100%, mientras que el de Soto experimenta un amplio espectro de emociones propias de vivir el proceso de gestación en primera persona: miedo, alegría, euforia, soledad, frustración y, sobre todo, amor. A fin de cuentas, la película versa tanto de lo que implica ser padres en los tiempos que corren como del sólido vínculo emocional que se forja entre una madre y su hijo, algo que queda perfectamente plasmado en los créditos finales de esta pequeña, realista y hermosa película.

8/10

O.C: El hombre de mimbre (1973)

¿De qué va?: Tras leer una carta  anónima que da a entender el paradero de una joven desaparecida, el sargento Howie ha de viajar hasta Summerisle, una isla remota alejada de la civilización que se encuentra en la costa de Inglaterra. Una vez allí, el inspector conoce al líder religioso de la isla, Lord Summerisle, y descubre que en la isla se produce un extraño rito pagano.

Reputación: En 1967, el guionista Anthony Shaffer compró los derechos de la novela Ritual de David Pinner con la intención de escribir un guion basado en ella. Shaffer presentó la idea al productor Peter Snell, pero fue rechazada alegando que la novela no era lo suficientemente buena. Al final, decidieron escribir una historia nueva que incluyese algunos de los elementos de Ritual. Sir Christopher Lee estaba tan emocionado con participar en la película que accedió a actuar en ella gratis. Además, pagó de su propio bolsillo su tour promocional y siempre afirmó que se trataba de su película favorita de todas las que había hecho. El rodaje de la cinta duró 8 semanas, durante el otoño de 1972. Como estaba ambientada en verano, se utilizaron frutas de plástico y árboles con flores falsas para ambientarlo como si se tratase de esa estación. En 1989, Shaffer escribió un tratamiento de guion de 30 páginas titulado The Loathsome Worm, una secuela directa de El hombre de mimbre que volvería a estar protagonizada por el detective Howie (Edward Woodward) y que contaría con elementos fantásticos. Sin embargo, a nadie le interesó la idea de rodarla y nunca se llevó a cabo. Sin embargo, en el año 2006 se estrenó un remake dirigido por Neil LaBute y protagonizado por Nicolas Cage que cosechó críticas desastrosas.

Comentario: El reciente estreno de Midsommar ha puesto de nuevo en boga a El hombre de mimbre, pues se dan similitudes temáticas y estéticas entre ambas. La película de Robin Hardy se basa en el choque cultural entre un sargento de Scotland Yard de estricta fe cristiana y una comunidad que rinde culto a dioses paganos de origen celta. Buscando a una joven desaparecida, el buen hombre se topa con las costumbres y tradiciones de esta sociedad, en las Antípodas de la castidad y el pudor de la que hace gala su religión. Conforme él se va escandalizando cada vez más, aumenta la fascinación y extrañeza hacia esa cultura (comandada por el gran Sir Christopher Lee) que atenta contra todos los valores de la sociedad occidental. Ambos extremos reciben palos por igual en esta extraña película que indaga en el relativismo cultural, de forma muy atrevida para su época, y en la que el terror surge cuando se tambalean las creencias y se prende fuego al manual de conducta por el que nos hemos regido toda la vida, lo cual implica descubrir, o bien que hemos vivido en una mentira, o bien que nos asusta en quiénes nos convertiríamos si nos dejase de guiar nuestra brújula moral de confianza.

Próximo visionado: Kes (1969)

La virgen de agosto – Se busca perderse

Dir.: Jonás Trueba

Int.: Itsaso Arana, Vito Sanz, Joe Manjón, Isabelle Stoffel, Luis Heras, Mikele Urroz, María Herrador, Naiara Carmona
¿De qué va?: Eva es una joven de treinta y tres años que es consciente de que su vida no está trascurriendo de la forma que ella esperaba. A diferencia de la mayoría de los madrileños, Eva decide quedarse en Madrid a pasar las vacaciones de verano como "acto de fe". El período vacacional sirve para que la joven, entre fiestas y verbenas, se dé cuenta de que la vida podría estar ofreciéndole una segunda oportunidad para volver a empezar de cero.

Reseña: Muchos no saben gestionar el hastío, ni hacer cosas en solitario. Observan con compasión a aquellos que van al cine, a comer o a los conciertos sin acompañante. No contemplan la posibilidad de que alguien haya elegido por voluntad propia estar acompañado de sus pensamientos en vez de por otra persona.  Igualmente, la idea de pasar el mes de agosto sin nada que hacer en una ciudad calurosa y sin mar parece absurdo, pero desde el mismo comienzo de La virgen de agosto, Jonás Trueba e Itsaso Arana lo explican para que nadie se lleve a engaños: Eva ve el verano madrileño como una oportunidad perfecta para darse una nueva oportunidad tras pasar por una mala racha, y va a dedicarse a hacer lo único que le apetece: dejarse llevar.

Ambientada en la primera quincena de agosto, la película muestra el día a día de Eva en Madrid. Entre tardes perezosas en casa, verbenas y paseos varios, van produciéndose encuentros entre Eva y diferentes personajes, viejas y nuevas amistades que la acompañarán un rato en su periplo personal, y con las que se entablarán conversaciones sobre múltiples temas: la conciliación entre maternidad y vida social, los efectos de la migración, la vocación profesional, el peso de las relaciones rotas, la madurez… Jonás Trueba siempre ha sido un director que pone mucha carga intelectual y muchos referentes en sus guiones, pero aquí, salvo por algún caso aislado, los diálogos son más orgánicos, al tiempo que aportan multitud de ideas y lecturas a lo que implica la treintena en los tiempos que corren, una época que para muchos consiste en empezar a tomar decisiones tras haberlo pospuesto una y otra vez durante toda la década de los 20.

Sin embargo, Eva no es exactamente alguien que esté buscando qué hacer con su vida, y ni ansía ni espera una revelación al respecto. Ella observa, curiosea, conversa, disfruta, se atreve a hacer cosas que normalmente no haría, y todo está conducido a través de la mirada despierta y la sempiterna sonrisa de Itsaso Arana, también autora del guion junto con Jonás. Ya nos habíamos quedado con ella en La reconquista (2016), pero La virgen de agosto es su consagración. Queremos verla en más sitios y que se afiance como uno de los “ilusos” habituales de Trueba, quienes también participan en la película en papeles pequeños pero bonitos, encarnando a personajes perfectamente dibujados a través de tiralíneas. Al final y al cabo, son satélites que giran en torno a la figura de Arana, que enamora y brilla con luz propia de principio a fin.

La virgen de agosto es la obra más redonda de una filmografía ya de por sí muy notable. Jonás debutó con un film con mucha influencia del cine de Woody Allen, Todas las canciones hablan de mí (2010), vivió una época de Nouvelle Vague (Los ilusos, Los exiliados románticos) y ahora, con la inestimable ayuda de Itsaso Arana, se postula como una suerte de Éric Rohmer español y contemporáneo. Nada que objetar. En contadas ocasiones, Madrid ha lucido tan bien en pantalla grande como en La virgen de agosto, una oda a la autonomía y a la desorientación que culmina como un hermoso tributo castizo a la feminidad.

9/10

Érase una vez en… Hollywood – Mapa de las estrellas

Dir.: Quentin Tarantino

Int.: Leonardo DiCaprio, Brad Pitt, Margot Robbie, Emile Hirsch, Al Pacino, Margaret Qualley, Timothy Olyphant, Dakota Fanning, Bruce Dern, Luke Perry
¿De qué va?: Un actor de televisión de capa caída y su doble de acción se esfuerzan por alcanzar la fama y el éxito en la industria del cine durante los últimos años de la Edad de Oro de Hollywood, a finales de la década de los 60.

Reseña: Siendo Quentin Tarantino un director cuyo cine se alimenta siempre de los referentes con los que se formó artísticamente, aún le faltaba algo importante a lo que reverenciar: Hollywood, cuna del cine norteamericano que siempre le ha recibido con los brazos abiertos gracias a la férrea complicidad que ha mantenido con el gran público desde sus primeros trabajos. Aunque aún le queda por estrenar una película para cumplir su promesa de retirarse tras la décima, Érase una vez en… Hollywood tiene un toque crepuscular tanto por temática como por tratarse de la propuesta más serena y madura de Tarantino… aunque eso no implique que sea la mejor.

Esta es la historia de Rick Dalton, una estrella de cine en decadencia que, con su doble de riesgo como fiel escudero, intenta adaptarse a los cambios que se están introduciendo en Hollywood. Se da la casualidad de que Dalton vive puerta con puerta con aquello que se está convirtiendo en tendencia en su ciudad: Roman Polanski, exponente del cada vez más imitado cine europeo, y su esposa, Sharon State, actriz que se está abriendo paso en la industria y cuyo estilo está influenciado por el movimiento hippie que se había extendido por Estados Unidos en la década de los 60. Tarantino se vale de estos personajes para componer una serie de pasajes que en su conjunto forman una panorámica del aire que se respiraba en aquella época en los sets de rodaje, en las calles, en los corrillos hippies, en los cines… sin olvidar esa amenaza escondida en la figura de Charles Manson y sus acólitos que acabaría con toda esa ingenuidad y despreocupación.

Tan embelesado está Tarantino con la recreación de la época que no ha metido demasiado tijera en el montaje. Siempre ha hecho películas largas, pero pocas veces da la impresión de que falte o sobre algo. Aquí, por el contrario, hay tramas subdesarrolladas y otras alargadas en exceso. Esto es algo que se percibe más durante el visionado que a posteriori, pues al final lo que permanece en la memoria son los momentazos, que no son pocos, como el que probablemente sea de los más bonitos del cine de Tarantino, uno que encapsula de forma tan sencilla como hermosa la magia del cine: Sharon Tate (luminosa Margot Robbie) viéndose a sí misma en la pantalla de un cine y cómo el resto del público disfruta de la película. Que Quentin haya decidido quedarse con lo que simboliza Tate en vez de convertirla en un personaje complejo y con peso en la trama es un poco decepcionante, pero también lógico, pues su intención nunca ha sido rodar un biopic, y el homenaje que se le hace es bonito y respetuoso sin dejar de ser tarantiniano (ese fetichismo de pies…).

De lo que sí no puede caber duda es de lo bien que está aprovechada la histórica unión de Leonardo DiCaprio y Brad Pitt en la gran pantalla. Juntos tienen una química brutal y por separado están igual de sensacionales: DiCaprio como la estrella cuyo peor enemigo son sus propias inseguridades y Pitt como un especialista de acción fanfarrón, chulesco y misterioso. La película tiene más alicientes, como la interpretación de una magnética Margaret Qualley o la inesperada resolución de algunas situaciones, pero también deja un regusto amargo: los diálogos no siempre están a la altura de lo que nos tiene acostumbrados su director, el ritmo acelera y frena como un coche que se cala continuamente y ese tercer acto, que tanto ha gustado, me parece una concesión de Tarantino a aquellos que solo se quedan con la violencia cafre de sus películas. Que sí, que el final es de lo mejor y más divertido del conjunto, pero puede que las carcajadas histéricas del chico que estaba sentado tras de mí me hayan hecho pensar que se trata de un trazo de brocha gorda que interfiere en todo lo visto anteriormente: un Tarantino irregular, pero el más cálido y tierno hasta la fecha.

7’5/10

Midsommar – Relativismo cultural

Dir.: Ari Aster

Int.: Florence Pugh, Jack Reynor, Will Poulter, William Jackson Harper, Vilhelm Bomgren, Ellora Torchia, Archie Madekwe, Henrik Norlén, Isabelle Grill
¿De qué va?: Dani y Christian atraviesan una dura crisis de pareja cuando deciden embarcarse con el resto de sus amigos en un prometedor viaje a un festival de verano que se celebra una vez cada 90 años en una remota aldea de Suecia. Sin embargo, y a pesar de su paradisiaca apariencia, el lugar no es lo que parece…

Reseña: El miedo a no estar a la altura de las expectativas generadas puede sumir en un estado de bloqueo a los directores que han causado una gran impresión con su ópera prima. No es el caso de Ari Aster, pues mientras Hereditary (2018) se iba estrenando en todo el mundo, él ya estaba enfrascado en la producción de su segundo largometraje, basado en un guion que había escrito hace un tiempo tras terminar una complicada relación de pareja. La buena acogida que tuvo su carta de presentación le dio alas para sacar adelante Midsommar, en la que vuelve a utilizar elementos propios del género de terror y el fantástico para llevar al extremo un drama tan terrenal como cotidiano: si en el film protagonizado por Toni Collette se trataba de la descomposición de una familia, en Midsommar lo que se destroza es una relación sentimental.

Dani ha sufrido un trauma tremendo y su novio, Christian, no es lo que se dice un gran apoyo. Pese a todo, se embarcan en un viaje junto a los amigos de él a una aldea de Suecia en la que apenas hay horas de oscuridad y en donde se va a realizar un festival de verano compuesto por rituales un tanto peculiares. Aster puede jactarse del nulo miedo que tiene a hacer el ridículo, lo cual se traduce en diversas situaciones en las que no se sabe muy bien si la comicidad es voluntaria o no. En realidad da lo mismo, porque si hay una sensación que sobrevuela durante las 140 horas de metraje es el desconcierto: la película es un viaje psicotrópico en el que la belleza de los parajes contrasta con las imágenes macabras que se dan lugar en ellos, orquestadas por una comunidad tan aparentemente pacífica como inquietante, en sintonía con los vecinos satánicos de La semilla del diablo (1968), film que se asemeja en estilo e intenciones con Midsommar.

Si el film de Polanski giraba en torno a la creciente paranoia y degradación psicológica de su protagonista, el film de Aster hace lo mismo con su particular heroína, interpretada por una magnífica Florence Pugh. Su personaje realiza un viaje personal que parte de un lugar muy oscuro, arrastrando una tragedia personal y una relación tóxica y de dependencia (con un estupendo Jack Reynor), pero que desemboca en la luminosidad del festival de verano, donde va a poder realizar la catarsis que necesita con la ayuda de los lugareños. La historia de Dani es brutal de principio a fin, pero el problema está en lo que le rodea; el grueso de la película es una sucesión tanto de rituales a cada cual más esperpéntico como de elementos que, o bien arrojan pistas de lo que pasará más adelante, o simplemente se quedan en nada y no resultan tan importantes en la trama como cabría esperar. Puede que esto se arregle en el anunciado montaje del director que se va a estrenar próximamente en Apple TV, aunque 171 minutos se antojan igualmente excesivos.

Con Midsommar, Ari Aster se confirma como un director con tan buen ojo como pulso para relatos incómodos, tensos y que infunden un terror que, en vez de generar sustos fáciles, perturban y se meten debajo de la piel. Aún así, su segundo trabajo se queda un escalón por debajo de su ópera prima al acusar de cierta dispersión. Su alta ambición se salda a medias, pues pese a la cuidada y peculiar atmósfera, que da un giro de tuerca a lo ya visto en The Wicker Man (1973), se empeña demasiado en resultar chocante y desagradable, cuando su mejor golpe de efecto se encuentra en el rostro de Florence Pugh. Con todo, muchas ganas por saber en qué nuevos horrores se enfrascará Aster en un futuro próximo.

7’5/10

Itinerario de estrenos de septiembre 2019

It. Capítulo 2: Segunda parte de la adaptación cinematográfica de la voluminosa novela homónima de Stephen King, que reúne al club de los perdedores en Derry para acabar de una vez por todas con Pennywise, que ha vuelto para atormentarles y ocasionar estragos en la localidad. Andy Muschietti vuelve a encargarse de la dirección, y aunque los jóvenes protagonistas de la primera parte vuelven en forma de flashbacks, el reparto ahora está encabezado por James McAvoy (Glass), Jessica Chastain (X-Men: Fénix oscura), Bill Hader (Barry), Isaiah Mustafa (Shadowhunters), Jay Ryan (Mary Kills People) y con Bill Skarsgård encarnando una vez más al diabólico payaso. La película, que dura casi 3 horas, está recibiendo críticas entre buenas y regulares. 

Estreno: 6 de septiembre

Ad Astra: El nuevo film del siempre estupendo y algo infravalorado James Gray (Z. La ciudad perdida) es una epopeya espacial en la que un astronauta viaja a los límites exteriores del sistema solar en busca de respuestas tanto a la desaparición de su padre como a un misterio que amenaza la supervivencia de nuestro planeta. Brad Pitt (Érase una vez en… Hollywood) protagoniza y produce la cinta, acompañado de Liv Tyler (The Leftovers), Ruth Negga (Loving), Donald Sutherland (El viaje de sus vidas) y Tommy Lee Jones (Jason Bourne). Fue presentada en el Festival de Venecia con críticas mayoritariamente notables.

Estreno: 20 de septiembre

Blinded by the Light (Cegado por la luz): En la Inglaterra de los años 80, un adolescente británico con ascendencia paquistaní, empieza a verse a sí mismo, a su familia y al mundo que le rodea desde otra perspectiva cuando descubre la música de Bruce Springsteen. Gurinder Chadha (Quiero ser como Beckman) dirige esta comedia protagonizada por Viveik Kalra (Next of Kin) y con Hayley Atwell (Christopher Robin) en su reparto. Buena recepción de la crítica.

Estreno: 20 de septiembre

Mientras dure la guerra: Tras el fiasco de Regresión (2015), Alejandro Amenábar vuelve con este drama histórico que gira en torno a la figura de Miguel de Unamuno, contando lo que ocurrió con el escritor tras arrepentirse de haber salido en defensa de la sublevación militar orquestada por el general Franco, apoyo que  le costó su puesto de rector en la Universidad de Salamanca. Karra Elejalde (La pequeña Suiza), Eduard Fernández (Todos lo saben), Santi Prego (A Esmorga) y Nathalie Poza (No sé decir adiós) encabezan el reparto de la película, que se podrá ver por primera vez en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián.
Estreno: 27 de septiembre