22/2/17

La vida no es una taza de Mr. Wonderful

Poster Manchester frente al mar

Dir.: Kenneth Lonergan
Int.: Casey Affleck, Lucas Hedges, Michelle Williams, Kyle Chandler, C.J. Wilson, Gretchen Mol, Tate Donovan, Matthew Broderick, Heather Burns
¿De qué va?: Lee Chandler es un solitario encargado de mantenimiento de varios edificios de Boston que se ve obligado a regresar a su pueblo natal cuando se entera de que su hermano ha fallecido. De pronto, Lee se verá obligado a enfrentarse a un pasado trágico que le llevó a separarse de su esposa, al tiempo que debe encargarse de su sobrino de 16 años.

Reseña: El mundo, la sociedad, nuestro entorno, nos inculca que debemos alcanzar la felicidad y agarrarla bien siempre que se nos intente escapar; de ahí que cierta marca de productos de regalo se haya hecho de oro por sus dibujos ‘cuquis’ y sus mensajes de alegría, ánimo y optimismo exacerbado. Pero lo cierto es que todos estamos en nuestro derecho de no ser felices, sin tener que dar explicaciones, sin necesitar ayuda, ni alguien que nos salve, porque en la vida pueden ocurrir auténticas salvajadas que acaban convirtiéndose en pesadas losas con las que tenemos que cargar, y no hay libreta ni taza ‘buenrollera’ capaz de arreglar eso.

Manchester frente al mar

Es lo que le ocurre a Lee, un hombre que se ha escondido bajo tierra, enfrascado en su rutina diaria y ajeno al mundo (ese plano recurrente quitando la nieve de la puerta de su casa) tras experimentar una de las peores cosas que le pueden ocurrir a alguien. En los primeros minutos de la cinta, presenciamos el contraste entre el Lee del presente con el del pasado, una persona radicalmente opuesta al individuo taciturno y violento en el que se ha convertido. No tardaremos mucho en descubrir la razón de ese cambio a través de un flashback que alterna el descubrimiento realizado por el espectador con el que hace el propio Lee respecto al testamento de su hermano, en una larga secuencia punteada de forma atronadora por una música que enfatiza el carácter de tragedia griega de la situación. Afortunadamente, una vez que la película despacha los antecedentes, la historia gana enteros al centrarse en la relación entre el protagonista y su sobrino, que de tantos años que han pasado desde que el primero se marchó, apenas se conocen.

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En ver de tirar de manual de tópicos, el libreto de Kenneth Lonergan construye una relación honesta, simpática y veraz entre un hombre y su sobrino, ambos con las mismas dificultades para procesar el dolor por la pérdida según los estándares que la sociedad se ha autoimpuesto, pero es esa “ineptitud emocional” lo que termina por crear un vínculo especial entre ellos, que cuando llega el final de la historia resulta prácticamente palpable, y sin necesidad de definirlo en palabras. La interpretación de Casey Affleck es más loable de lo que podría parecer, no sólo por la dificultad añadida de la contención del personaje, sino porque consigue que el espectador se ponga de su parte a pesar de lo arisca que resulta su personalidad, mientras que Lucas Hedges le da siempre la réplica perfecta con una interesante mezcla de chulería y fragilidad. Tampoco es desdeñable la contraposición que se establece entre Lee y su ex-mujer, a la que da vida Michelle Williams, una participación pequeña pero valiosa a la hora de exponer una forma diferente (¿y efectiva?) de sobrellevar el duelo y pasar página.

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La dirección de Lonergan es convencional y pragmática, probablemente porque es consciente de que toda la fuerza de la película radica en su guion, en el retrato de sus personajes heridos y de las relaciones cómplices que se establecen entre ellos. Las gotas de patetismo y humor negro que emergen en las situaciones menos apropiadas son paradójicamente propicias, no para quitar hierro al asunto, sino para acentuar el retorcido sentido del humor que tiene el universo cuando se dedica a trastear con nuestras miserias. Manchester frente al mar no es reconfortante, pero sí muy valiosa dado su nulo interés de aleccionar acerca cómo afrontar las grandes putadas de la vida: se hace lo que buenamente se puede y a seguir para adelante.

8/10

20/2/17

Psicosis fracturada

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Dir.: M. Night Shyamalan
Int.: James McAvoy, Anya Taylor-Joy, Betty Buckley, Haley Lu Richardson, Jessica Sula, Izzie Coffey, Brad William Henke, Sebastian Arcelus
¿De qué va?: Tres adolescentes son secuestradas por un hombre al que se le han diagnosticado 23 personalidades diferentes, aunque aún falta una por emerger, muy peligrosa, que está decidida a dominar a las demás.

Reseña: Hace unos años, nada parecía augurar que M. Night Shyamalan pudiese regresar al esplendor de los inicios de su carrera tras una nefasta racha de fracasos cinematográficos, pero con La visita demostró que tan solo necesitaba un “back to basics” y dejar de tomarse tan en serio a sí mismo para poder recuperar su mojo, una jugada que repite con Múltiple, una nueva y modesta propuesta en la que vuelve a obviar el artificio recargado y hueco de Airbender o After Earth para recuperar el suspense y el terror que se origina en la exploración psicológica de personajes muy humanos enfrentados a situaciones que se escapan a toda lógica humana, algo que estuvo muy presente en sus mejores trabajos hasta la fecha: El bosque, Señales, El sexto sentido y El protegido.

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Tras un prólogo muy potente que nos empuja directamente al meollo de la película, Múltiple se desarrolla moviéndose a través de los vórtices del triángulo que conforman los principales personajes de la historia: el secuestrador, un Norman Bates elevado a la máxima potencia (flaco favor le hace a la destigmatización de las enfermedades mentales, pero bueno), la doctora que lo está tratando y una de las tres jóvenes que han sido secuestradas, cuyas reveladoras circunstancias personales descubrimos a través de flashbacks de su niñez. Si bien la personalidad fragmentada del protagonista le brinda la oportunidad a James McAvoy de dar un recital interpretativo desmadrado y muy goloso, y la joven Anna Taylor-Joy se coloca a la altura de las circunstancias con esa mezcla de inocencia y turbiedad que ya desplegó en La bruja, lo cierto es que Shymalan no logra imprimir una atmósfera lo suficientemente inquietante como para mantenernos en vilo durante todo el metraje, pues se extiende demasiado con la subtrama de la doctora, que sirve únicamente para dar una explicación “científica” de lo que le ocurre al personaje de McAvoy. La sensasión de peligro sólo aparece en el tercio final, después de que la historia haga un viraje suicida al estilo de Identidad y Calle Cloverfield 10, dos thrillers muy superiores a Múltiple en cuanto al manejo y la construcción del suspense.

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El mayor hallazgo de la película se encuentra en su discurso acerca de la conexión empática a través de las cicatrices, tanto físicas como emocionales, que nos deja el sufrimiento, pero sobre todo en su giro final, algo muy marca de la casa pero que en esta ocasión Shyamalan lleva un paso más allá, pues consigue darle un significado completamente distinto a todo lo que hemos visto sin caer en trampas narrativas, y dejando aún más intrigado si cabe al espectador; una auténtica jugada maestra que hará las delicias de los más fanáticos del cineasta. Dicho esto, podemos decir que, aunque no se sitúa entre los mejores títulos de su director, Múltiple consigue afianzar la conciliación de éste con el gran público, el cual, como ha quedado ampliamente demostrado en la taquilla, ha vuelto a recibir la “experiencia Shyamalan” con los brazos abiertos… aunque siga sin ser tan genuina como en antaño.

6/10

16/2/17

Pandora frente a la caja

Poster The girl with all the gifts

Dir.: Colm McCarthy
Int.: Sennia Nanua, Gemma Arterton, Glenn Close, Paddy Considine, Fisayo Akinade, Domonique Tipper, Anthony Welsh, Anamaria Marinca
¿De qué va?: En un futuro cercano, la humanidad ha sido destruida por un virus extendido por un extraño hongo que convierte a las personas en devoradores de carne humana. En una base militar en la Inglaterra rural, se estudia a unos niños que, a pesar de estar infectados, son capaces de razonar y no comen carne humana si no se le provoca. Uno de estos niños es Melanie, quien podría ser la clave del futuro de la especie humana tal y como la conocemos.

Reseña: Por casualidades de la cartelera española, se han estrenado en el mismo fin de semana dos películas de temática zombie: Resident Evil: Capítulo final y Melanie: The Girl With All the Gifts. Pero más allá de los muertos vivientes y del protagonismo femenino, no tienen prácticamente nada que ver la una con la otra. La primera es la última entrega de una franquicia que ha perdido el sentido y la gracia al tiempo que cada continuación ha ganado en aparatosidad, mientras que la segunda es una nueva vuelta de tuerca al género  que se las ingenia para no dejarse eclipsar por ninguno de sus referentes, manteniendo al espectador en guardia de principio a fin, al tiempo que juega con sus expectativas y construye una potente alegoría de carácter darwinista.

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En la línea de The Walking Dead, la ópera prima de Colm McCarthy no expone cómo comenzó el principio del fin del mundo, sino que hace que el espectador lo descubra al tiempo que su protagonista, Melanie, una niña cariñosa y muy educada que sin embargo está encerrada en una celda y es custodiada por unos militares que la tratan como si fuera Hannibal Lecter. Ni ella ni nosotros sabemos qué es lo que ocurre, pero lo iremos descubriendo juntos a través de una trama que, en el momento en el que parece que va a estancarse o tirar por derroteros conocidos, da un volantazo para cambiar de rumbo hacia lugares insospechados. Los infectados furiosos que atacan salvajemente a sus víctimas nos recordarán a 28 días después, mientras que los más jugones establecerán paralelismos entre la trama de la película con la del videojuego The Last of Us, pero The Girl With All the Gifts, en vez de limitarse a ser una amalgama de cosas ya vistas, se desmarca y da un paso más al aportar al imaginario zombie una especie de muerto viviente evolucionada e inteligente que dificulta la concepción que tenemos de lo que se puede considerar “humano” y lo que no.

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La película también sale beneficiada de la presencia de tres personajes femeninos protagonistas, fuertes y desprovistos del rol indefenso que se les suele adjudicar en el género. Sorprende la manera en la que la joven y novata Sennia Nenua es capaz de sostener buena parte del peso de la película ella solita, pasando de la ingenuidad al salvajismo con una naturalidad pasmosa. Franqueándola, tenemos a dos fantásticas mujeres con una postura radicalmente opuesta la una de la otra: por un lado, el pragmatismo y la frialdad de Glenn Close, y por el otro, el sentimiento protector y maternal de Gemma Arterton. Entre ambas, y en paralelo a la evolución que experimenta el militar al que da vida Paddy Considine,  surge una de las grandes cuestiones que plantea la película: ¿Merece la pena la supervivencia cuando es a costa de perder lo que nos hace humanos y empáticos?

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La dirección de Colm McCarthy no es especialmente rompedora, pero sí sobradamente eficiente, destacando la escena del ataque a la base militar, donde parece que en cualquier momento vamos a recibir un mordisco o a ser arrollados en ese tremendo caos que se produce en cuestión de segundos. Solo algunos elementos de la trama, que no desvelaremos para no hacer spoilers, chirrían en una película de zombies que aprovecha muy bien las posibilidades que le ofrece su escenario apocalíptico para cuestionarse, tal vez por primera vez en el género, si el ser humano merece ser salvado, en el momento en el que la particular Pandora de esta tenebrosa fábula se encuentra en la tesitura de abrir la caja que libera los grandes males que podrían acabar con la especie que se creía, ingenua ella, la heredera definitiva del planeta Tierra.

8/10

7/2/17

Perdido y encontrado

Poster Lion

Dir.: Garth Davies
Int.: Dev Patel, Rooney Mara, Nicole Kidman, David Wenham, Sunny Pawar, Abhishek Bharate, Priyanka Bose, Keshav Jadhav, Divian Ladwa
¿De qué va?: El pequeño Saroo, de cinco años, se pierde en un tren que lo lleva a miles de kilómetros de distancia de su casa y de su familia. Tras pasar una temporada solo por Calcuta, es adoptado por una pareja australiana, y cuando crece aprovecha una nueva herramienta de Internet para encontrar a su familia biológica.

Reseña: No falla. Cada año, en la categoría de mejor película de los Oscar, hay una cuota reservada para historias emotivas, humanas y de buenos sentimientos, sobre gente corriente realizando hazañas extraordinarias que merecen ser conocidas. En la presente edición, tenemos dos películas que cumplen con estos requisitos: Figuras ocultas y Lion. Si bien la primera alberga un espíritu crítico, de calado social y reivindicativo sobre la igualdad y los derechos civiles, la segunda es de carácter intimista, al bucear en una cuestión tan humanista como es la importancia de la familia y de las raíces en la construcción del carácter y de la identidad individual.

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La ópera prima de Garth Davies (al que habrá que seguirle la pista muy de cerca) presenta un relato en dos partes tan diferentes como complementarias. En la primera, seguimos la odisea del pequeño Saroo, que al igual que el ratoncito Fievel, se separa por accidente de su familia y llega a un nuevo e inmenso mundo que le es desconocido. Con un estilo más sobrio que el desplegado por Danny Boyle en Slumdog Millionaire (2008), Davies sigue los pasos desorientados del chaval perdido (portentoso Sunny Pawar) mientras retrata las penurias por las que pasan millones de niños en la India, aplicando la máxima de que es más poderoso y elegante sugerir que ser explícito. La bisagra que une el primer acto con el segundo nos presenta a una espléndida Nicole Kidman que personifica tanto el instinto maternal en estado puro y sin cortapisas como las alegrías e inquietudes propias de la adopción.

Lion

El segundo acto, dominado por un más que correcto Dev Patel (aunque de secundario no tenga nada), resulta más convencional, con una búsqueda obsesiva que, afortunadamente, nunca termina de convertirse en una campaña promocional de Google Earth, y una historia de amor que no aporta nada, salvo la serena belleza de Rooney Mara, quien por cierto ya ha sacado rédito a su participación protagonizando el biopic de María Magdalena que acaba de rodar el mismo director. Lion se recrea demasiado en las alucinaciones y los recuerdos fragmentados de su protagonista, pero se mantiene digna hasta el final, con momentos muy de “Oscar clip”, de emotividad equilibrada, eso sí, hasta que quema todos los cartuchos en su desenlace. Porque la ocasión y los espectadores merecen algo tan deliberadamente hermoso, emocionante y agridulce, culminando en una de esas raras ocasiones en las que los rótulos explicativos del final tienen sentido y redondean la película.

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Lion está tan bien contada como rodada, destacando el trabajo de fotografía de Greig Fraser y, sobre todo, la partitura compuesta por Dustin O’Halloran y Hauschka, que nos acompaña a lo largo de toda la historia adaptándose a cada situación sin perder la personalidad y realzando la emotividad intrínseca. Por supuesto que tiene una buena ración de trampas sentimentales, pero al final lo que prevalece no es lo maravillosas que son las aplicaciones de Google, sino el fuerte vínculo, capaz de trascender tiempo y espacio, que se establece entre una persona y su familia, con lazos de sangre y sin ellos, pues lo que de verdad importa y permanece es el amor y los valores transmitidos.

7/10

6/2/17

Científicas y señoras

Poster Figuras ocultas

Dir.: Theodore Melfi
Int.: Taraji P. Henson, Victoria Spencer, Janelle Monáe, Kevin Coster, Kirsten Dunst, Jim Parsons, Glen Powell, Mahershala Ali
¿De qué va?: En plena carrera espacial contra Rusia y en medio de la lucha por los derechos civiles de la población afroamericana de Estados Unidos, tres brillantes mujeres científicas demostraron de todo lo que eran capaces trabajando en la misión de la NASA que consitía en poner al astronauta John Glenn en órbita alrededor de la Tierra.

Reseña: “¿De verdad alguien cree que anunciar ‘basada en hechos reales’ lleva más gente al cine?”, se preguntaba ayer un periodista cinematográfico en Twitter. Puedo resultar incluso algo contraproducente, dada la mala fama que se ha granjeado dicho eslogan entre muchos de los cinéfilos (no tanto entre el espectador esporádico), pues es algo que suele ir asociado a propuestas blandas que se valen de recursos fáciles que apelan a la conciencia del espectador para lograr la ansiada conexión emocional. Y aún así, hay veces que caemos en la trampa, ya sea por lo bien que nos la han tendido o porque el relato que nos cuentan merece ser contado por las implicaciones sociales, políticas e históricas que contiene. Figuras ocultas forma parte de este último caso.

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Porque las barreras contra las mujeres y los afroamericanos que lograron saltar en la década de los 60 estas tres científicas, desconocidas hasta ahora, no han sido derribadas del todo medio siglo después. La película también evidencia que en los Estados Unidos de entonces no sólo eran las empleadas del hogar las que sufrían las leyes de segregación, sino también aquellas afortunadas que habían podido ir a una universidad… para negros, eso sí. La fuerza de Figuras ocultas se hace patente al plasmar la lucha de unas mujeres que adquieren empoderamiento a través del tesón, la pasión y la meticulosidad que vierten en su trabajo, revelándose como engranajes indispensables de una maquinaria que funciona gracias al trabajo de equipo y al reconocimiento de la labor de todos. Por ende, el elenco de la película, liderado por la fuerza que desprende Taraji P. Henson, hace una labor que destaca más en conjunto que por separado, de ahí que tenga mucho sentido el premio a mejor reparto concedido por el sindicato de actores norteamericanos. Cabe destacar el debut interpretativo de la cantante Janelle Monáe, al colocarse a la misma altura que sus compañeros bastante más experimentados, así como la autoridad de Kevin Coster, la simpatía de Glenn Powell o Kirsten Dunst resolviendo con talante el desagradecido papel de racista prepotente.

Figuras ocultas

No obstante, Figuras ocultas es en cierta manera la antítesis de Loving, en cuanto a la forma que plasma y denuncia el arraigado racismo norteamericano: si en aquella se apostaba por una sobriedad y una discreción impolutas, ésta resulta mucho más convencional tanto en su forma como en su fondo, buscando el equilibrio entre risas, emoción e injusticias para zarandear al espectador en su justa medida durante las poco más de dos horas que dura el metraje. La película de Theodore Melfi juega en la misma liga de Criadas y señoras sin que los astros se terminar de alinear de forma tan perfecta como en aquella ocasión; si en aquel film todas las tramas y personajes, por muy nimios que fuesen, tenían un valor fundamental en la historia, en Figuras ocultas hay mucho relleno amable que no aporta nada, como la subtrama amorosa de la protagonista.

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En definitiva, Figuras ocultas es un entretenimiento agitador de conciencias masivo que sin duda cumplirá con su cometido a la hora de visibilizar el trabajo realizado por Katherine G. Johnson, Dorothy Vaughan y Mary Jackson para la NASA. Pero eso no quita que esté hecha con escuadra y cartabón, que no tome ningún riesgo en absoluto y que resulte más admirable por los valores que transmite, tan necesarios entonces como ahora, que por los recursos que utiliza para transmitirlos, igual de eficaces como de manidos.

6’5/10

4/2/17

Los domingos ya no existen

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Dir.: Xavier Dolan
Int.: Nathalie Baye, Vincent Cassel, Marion Cotillard, Lea Seydoux, Gaspard Ulliel
¿De qué va?: Tras doce años de ausencia, un escritor regresa a su pueblo natal para anunciar a su familia que se está muriendo. A medida que el resentimiento reescribe el transcurso de la tarde, los conflictos se desatan alimentados por la duda y la soledad.

Reseña: Los amigos se eligen, la familia no. Ante este panorama, unos optan por abandonar el nido lo antes posible y volar muy, muy lejos, en pos de encontrarse a uno mismo sin la presión que puede ejercer la familia. Pero por mucho que uno desee distanciarse, las vivencias, los traumas, los conflictos, el amor o el odio son cosas de las que nunca se puede escapar del todo. Tras rendir cuentas sobre las co-dependientes y asfixiantes relaciones maternofiliales en la catártica Yo maté a mi madre (2009) y en la desbordante Mommy (2014), Xavier Dolan amplía el espectro para abarcar la incomprensión de una unidad familiar que se hizo añicos cuando el hijo mediano salió por la puerta y no miró atrás… hasta que su nueva situación personal exige que se produzca el postergado regreso.

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Es entonces cuando Louis aterriza en una casa desconocida, en la que todas sus cosas se encuentran apiladas en un desván, y donde se reencuentra con una madre esperpéntica, una hermana menor a la que no conoce, un hermano mayor grosero y malhumorado y una cuñada con la que podría tener el entendimiento que jamás ha sentido con nadie de su familia. Nunca sabemos a ciencia cierta cuál fue el detonante de la marcha de Louis, pero sí que percibimos su sensación de extrañeza y desconexión con unos parientes que, en realidad, están pidiendo a gritos un cariño que él les ha negado en los últimos doce años, comunicándose con ellos a través de postales rellenas de palabras vacías. ¿Es Louis la víctima o el verdugo de su familia? Podría decirse que él es víctima de sí mismo, de su velada altanería respecto a los suyos y su incapacidad de incomunicarse con unas personas que no hacen otra cosa que idolatrarlo por mucho que él les deprecie.

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Dolan esquiva la rigidez de la que suele adolecer el cine que versiona al teatro introduciendo esos eclécticos momentos de música pop tan característicos de él y creando una atmósfera asfixiante que intercambia los planos generales y de situación (jamás tenemos una noción real de cómo es la casa) por unos primerísimos primeros planos que invaden el rostro de sus actores, hasta tal punto que parece que la lente de la cámara va a rozar las gotas de sudor que les bajan por la frente. Asimismo, Dolan juega sobre seguro con un elenco de qualité que lo clava cuando tiene que gritar o soltar un largo monólogo y, más complicado aún, cuando tiene que expresar todo lo que se les pasa por la cabeza pero que no se atreven a verbalizar. Si bien Vincent Cassel acaba resultando bastante cansino por el carácter desagradable y violento de su personaje, se establece un bonito contraste entre su dureza y el candor y la sencillez que transmite una Marion Cotillard bellísima en su aparente fragilidad.

Solo el fin del mundo

Solo el fin del mundo cumple con aquella máxima de que el cine debe ser capaz de despertar en el espectador emociones genuinas. Película de contrastes, es capaz de provocar tanto el hartazgo en el espectador como una genuina y desasosegante conexión emocional con esa manada de animales heridos que es incapaz de vencer el miedo y el orgullo para decirse unas pocas palabras, suficientes para cimentar su sanación. El film se deja querer a través de sus imperfecciones, grietas, excesos y momentos íntimos, frutos del dolor y el amor que subyace debajo de las broncas, los encuentros y los desencuentros de una familia más cotidiana de lo que nos gustaría creer.

8/10

2/2/17

Itinerario de estrenos de febrero 2017

Estrenos_Febrero


Mientras La La Land sigue arrasando en la taquilla convirtiéndose en un inesperado y agradecido éxito de taquilla, llega el mes febrero con las películas nominadas al Oscar que faltaban por estrenarse y algunos títulos más con los que poder desconectar de los premios. Además de las películas que les cito a continuación, también llega El nacimiento de una nación (17 de febrero) la película cuyas opciones de Oscar se fueron al garete cuando saltó la polémica en torno al pasado de su director y protagonista, Nate Parker, y su guionista (más información sobre este caso y el de un candidato al Oscar también acusado de delito sexual aquí). Y claro, también hay gente que el estreno que espera con más ganas de este mes es… 50 sombras más oscuras. Pero como ya hicimos en este blog con la anterior película de esa infame saga, haremos como si no existiera. Lo siento, fans de Grey.


Manchester frente al mar:
Film escrito y dirigido por Kenneth Lonergan (Margaret) sobre un fontanero que se ve obligado a regresar a su pueblo natal para hacerse cargo de su sobrino de 16 años tras el fallecimiento de su hermano, rememorando la razón por la que se separó de su esposa y abandonó la comunidad donde nació y creció. Casey Affleck (Triple 9) ha ganado la gran mayoría de los premios a mejor actor de la temporada y también aspira al Oscar,  que ha recompensando a la película con seis nominaciones: película, director, actor protagonista, actor y actriz de reparto y guion original. Michelle Williams (Suite francesa), Lucas Hedges (Matar al mensaje) y Kyle Chandler (Carol) acompañan a Affleck en la película que podría reportarle su primera estatuilla dorada.
Estreno: 3 de febrero



Melanie. The Girl With all The Gifts:
Última película del Sitges Tour, basada en una novela de Mike Carey que nos presenta un futuro distópico en el que un tipo de hongo ha convertido a buena parte de la humanidad en devoradores de carne humana, degradándose sus cuerpos hasta convertirse en zombies. En este panorama desolador, un grupo de científicos investiga a un grupo de niños que portan el virus pero que no comen carne humana si no se les provoca, en aras de conseguir una vacuna. Colm McCarthy (Peaky Blinders) dirige el film protagonizado por Gemma Arterton (Primavera en Normandía), Glenn Close (Guardianes de la galaxia), Paddy Considine (Macbeth) y la debutante Sennia Nanua, y que ha sido nominada al Bafta a mejor debut británico por el guion del propio autor del relato, Mike Carey, y la producción de Camille Gatin. Ha recibido críticas generalmente positivas.
Estreno: 3 de febrero



Resident Evil: Capítulo final:
Sexto y último episodio de la franquicia basada en el videojuego Resident Evil auspiciada por el director Paul. W.S. Anderson y la actriz Milla Jovovich. En esta ocasión, la incombustible Alice deberá volver a las ruinas de donde empezó todo, Raccoon City, para librar la definitiva batalla que salvará a la humanidad de su extinción. Regresan viejos conocidos de la saga como Ali Larter , Iain Glen y Shawn Roberts, mientras que Ruby Rose (xXx: Reactivated), Eoin Macken (El bosque de los suicidios) y William Levy (Tiempo límite) se incorporan para este último baile. Las críticas han sido un poquito mejores que las de las últimas entregas, pero siguen siendo negativas, como era de esperar.
Estreno: 3 de febrero



Moonlight:
La película más aclamada por la crítica estadounidense el año pasado, ganadora del Globo de Oro a mejor drama y nominada a 8 Oscars (película, director, actor y actriz de reparto, guion, montaje, fotografía y banda sonora) es el retrato de la complicada infancia, adolescencia y madurez de Chiron, un joven afroamericano homosexual que se cría en una zona conflictiva de Miami, donde encuentra el amor en lugares inesperados y hace frente a la incomprensión de su familia y a la violencia de los chicos del barrio. Barry Jenkins (Medicine for Melancholy) dirige el film, que cuenta en su reparto con Naomie Harris (Spectre), Janelle Monáe (Figuras ocultas), André Holland (American Horror Story: Roanoke) y Mahershala Ali (Figuras ocultas). Teóricamente, es la principal alternativa al predecible triunfo de La La Land en los Oscar.
Estreno: 10 de febrero



Lego Batman: la película:
Spin-off de La LEGO película centrado en su secundario revelación, Batman, quien tendrá que enfrentarse a su archienemigo, el Joker, mientras lida con el chaval huérfano que acaba de adoptar… Chris McKay (Robot Chicken) dirige el film, que vuelve a contar con Will Arnett (Bojack Horsmean) prestando su voz al Hombre Murciélago, arropado por Michael Cera (La fiesta de las salchichas), Zach Galifianakis, (Las apariencias engañan), Ralph Fiennes (Cegados por el sol), Jenny Slate (Obvious Child), Rosario Dawson (Luke Cage) y… Mariah Carey prestando su voz a la alcaldesa de Gotham.
Estreno: 10 de febrero



Jackie:
Pablo Larraín (Neruda) debuta en el cine norteamericano con este biopic de la ex primera dama Jacqueline Kennedy ambientado en los días posteriores al asesinato de JFK, cuando tuvo que mantener la entereza para organizar su funeral, abandonar la Casa Blanca y decidir cuál es el legado de su marido que debe transmitir. Natalie Portman (La venganza de Jane) protagoniza el film en la que dicen que es una de las interpretaciones más portentosas de su carrera, de ahí que haya ganado numerosos premios de la crítica a mejor actriz y sea una de las principales aspirantes al Oscar. La película, que ganó el premio a mejor guion en el pasado Festival de Venecia, también aspira a ganar las estatuillas doradas a mejor vestuario y mejor banda sonora. Completan el reparto Peter Sarsgaard (Experimenter), Greta Gerwig (Maggie’s Plan), Billy Crudup (Spotlight) y el recientemente fallecido John Hurt (La leyenda de Tarzán).
Estreno: 17 de febrero



T2: Trainspotting:
21 años después del inesperado éxito de Trainspotting llega su secuela, muy ligeramente basada en la continuación en papel que escribió Irvine Welsh, Porno, y que lleva a Mark Renton de vuelta al único lugar que considera su “casa”, junto a sus viejos amigos Spud, Sick Boy y Begbie. Danny Boyle vuelve a la dirección con todo el reparto original de vuelta: Ewan McGregor, Johnny Lee Miller, Robert Carlyle, Ewan Bremmer y Kelly Macdonald. Las críticas han sido generalmente buenas, pero no especialmente entusiastas.
Estreno: 24 de febrero



Fences:
Adaptación cinematográfica de la aclamada pieza teatral de August Wilson ambientada en los años 50 y centrada en un padre de familia afroamericano cuya frustrada carrera como jugador de béisbol le corroe por dentro y amenaza con destrozar su familia. Denzel Washington (Los siete magníficos) dirige y protagoniza el film junto a Viola Davis (Escuadrón suicida); ambos ya ganaron sendos premios Tony por su representación de la obra sobre las tablas de Broadway y podrían repetir la jugada en los ceremonia de los Oscar, donde la cinta también aspira a llevarse el premio a mejor película y guion original.
Estreno: 24 de febrero