Casi imposible – Sucedió en campaña electoral

Dir.: Jonathan Levine
Int.: Charlize Theron, Seth Rogen, June Diane Raphael, O’Shea Jackson Jr., Ravi Patel, Bob Odenkirk, Andy Serkis, Alexander Skarsgård, Aladeen Tawfeek
¿De qué va?: Fred Flarsky es un periodista, especializado en política, que se queda sin trabajo. Poco después, se encuentra con la que fue su niñera, Charlotte Field, ahora convertida en Secretaria de Estado y preparando su asalto a la Casa Blanca. Charlotte decide contratar a Fred como redactor para sus discursos, pero lo que parecía un compromiso profesional se acabará convirtiendo en una alocada aventura.

Reseña: Hubo un tiempo en el que las estrellas estaban atadas por contrato a un estudio de cine en particular, y el público pagaba gustosamente por verles enamorarse en la gran pantalla una y otra vez. La comedia romántica se fraguó con estrellas de mediana edad, pero conforme Hollywood se dio cuenta de que el auténtico filón estaba en la audiencia joven, la edad media de los protagonistas de estas películas comenzó a disminuir, sobre todo en lo que se refiere a las actrices, y tanto el género como el carisma exhibido por sus estelares parejas terminó devaluándose y perdiendo su efecto llamada en taquilla, al tiempo que las comedias sobre colegas, hombres con síndrome de Peter Pan y humor grueso comenzaron a ponerse de moda. Ahora nos llega Casi imposible (Long Shot), que se presenta en sociedad como una especie de hija bastarda entre Judd Apatow (Virgen a los 40) y George Cukor (La costilla de Adán).

La presencia de chistes escatológicos, drogas y referencias culturales actuales pueden despistar un poco, pero el espíritu de la screwball comedy sobrevuela la película de Jonathan Levine de principio a fin. Está implícita en la veloz dinámica de la pareja protagonista, en su toma y daca continuo, en las situaciones absurdas y disparatadas a las que se ven abocados y en la equiparación del romance con otra trama, la política, que si bien peca de ingenua confiere de un agradecido toque adulto y particular a la cinta, si bien no hace más que confirmar que, hoy en día, la mejor sátira política se hace en televisión (Veep, The Good Fight). También se revierten los roles de poder entre los sexos, lo cual, si lo extrapolamos a Pretty Woman (presente en el film en forma de guiño musical, y no, no es la canción en la que están pensando) sería como si Julia Roberts fuese la mujer de negocios y Richard Gere el hombre de la calle al que se le paga por prestar sus servicios.

De la misma forma en la que gran parte del éxito de Pretty Woman radica en el carisma y la química de su pareja protagonista, el de Casi imposible se encuentra en la improbable pareja formada por Charlize Theron y Seth Rogen. La suma de los dos funciona a las mil maravillas desde el primer momento en el que comparten plano, derrochando simpatía y consiguiendo algo fundamental para que cualquier comedia romántica que se precie funcione: que el público desee fuertemente que terminen juntos. Rogen se encuentra cómodo en su hábitat natural, mientras que Theron, aunque a estas alturas no tenga que demostrar nada, consigue quitarse la espina clavada desde la fallida Mil maneras de morder el polvo (2014), demostrando que puede ser una gran actriz de comedia tanto física como verbal.

Theron y Rogen son los principales valores de Casi imposible, una comedia romántica de espíritu clásico, revestida con humor del siglo XXI e idealismo político. Resulta muy entretenida, si bien pierde algo de fuelle en el tramo final, y no todos los secundarios funcionan igual de bien (muy buen June Diane Raphael, no tanto Alexander Skarsgård). No supone una revolución del género, pero es 100% efectiva, pues no solo inocula con éxito en la audiencia el mensaje de que el amor verdadero es capaz de superar cualquier adversidad, sino también la esperanza de que pueda existir un político honrado que priorice el medio ambiente por encima de los intereses económicos. A veces necesitamos que Hollywood siga fabricando nuestros sueños más utópicos.

7/10

O.C: Banda aparte (1964)

¿De qué va?: Tres jóvenes, Odile, Arthur y Frantz, se conocen en clase de inglés e inmediatamente se hacen amigos. Los tres, que comparten interés por la literatura criminal, deciden robar la casa de la tía de Odile.

Reputación: Sexto largometraje de Jean-Luc Godard, para el que se basó en la novela pulp americana Fool’s Gold de Dolores Hitchens. Godard, que también ejerce de narrador de la historia, la concibió como un homenaje al cine negro norteamericano de serie B, definiéndola como un cruce entre Alicia en el país de las maravillas y Franz Kafka. Su título francés proviene de la expresión “faire bande à part”, que significa “hacer algo aparte del grupo”. La película se rodó en 25 días y está repleta de referencias y homenajes a diferentes autores y artistas, como al poeta francés Arthur Rimbaud, a Charles Chaplin, a Thomas Hardy o a William Shakespeare. Curiosamente, la película se ha convertido en una referencia cinematográfica y cultural a través de dos de sus secuencias más icónicas: la de los tres protagonistas corriendo por el Louvre intentando romper el récord de un tipo que recorrió el museo en 9 minutos y 43 segundos, y la del espontáneo pero perfectamente coreografiado baile en fila en el café. La primera se recreó en Soñadores (2003) de Bernardo Bertolucci y más recientemente en Caras y lugares (2017) por una vieja amiga de Godard, la recientemente fallecida Agnès Varda, mientras que la segunda se homenajeó en Pulp Fiction (1994). Quentin Tarantino llamó a su productora A Band Apart en homenaje a la película.

Comentario: Banda aparte es probablemente uno de los títulos más accesibles de la filmografía del bastante inaccesible Godard, perfecto para entrar en su particular universo y calibrar si se quiere indagar más en él o dejarlo pasar. Cuenta con los rasgos más identificativos de su cine sin llevarlos al extremo, una supuesta arbitrariedad que se traduce en una libertad absoluta presente en la filmación de la película y ejercida por el trío protagonista, que asume la vida, el amor y el crimen como un juego en el que quieren participar con prisa, hasta que se aburran o se les vaya de las manos. La trama criminal tiene menos peso que aquellos momentos en los que los protagonistas conversan, coquetean, corren y se recrean en la trivialidad de sus momentos juntos. Son esos momentos lo que ha hecho que la película se haya convertido en un icono del cine francés y de la juventud, como es el caso de una de las escenas más bellas y puramente cinematográficas jamás rodadas: el baile en el café, cuyo sonido se corta en varios momentos para que el narrador describa los pensamientos de los personajes, mientras estos siguen moviéndose al ritmo de sus pasos y de sus palmadas.

Próximo visionado: Zorba el griego (1964)

Los hermanos Sisters – Salvaje y frágil virilidad

Dir.: Jacques Audiard

Int.: John C. Really, Joaquin Phoenix, Jake Gyllenhaal, Riz Ahmed, Rebecca Root, Allison Tolman, Rutger Hauer, Carol Kane

¿De qué va?: En plena fiebre del oro, Charlie y Eli Sisters son dos hermanos pistoleros y ambos tienen las manos manchadas de sangre. Pero aunque lo daría todo por su hermano pequeño, Eli sueña con poder llevar una vida normal. Un encargo de El Comodoro, que quiere eliminar a un químico buscador de oro, les llevará de Oregón a California en un viaje iniciático que pondrá a prueba el vínculo entre los dos hermanos.

Reseña: Para su primera película en inglés, Jacques Audiard ha optado por el género más típicamente americano de todos: el western. Los hermanos Sisters comienza con un tiroteo en la oscuridad únicamente iluminado por el fuego de los disparos, una situación clásica del Viejo Oeste, que termina en un panorama crepuscular, pasto de las llamas. Algo así también sucedió con el propio western, que tras vivir su edad de máximo esplendor entre los años 40 y 60, se quemó por una creciente falta de interés por parte del público, lo cual alentó el nacimiento de una nueva vertiente de películas, como Sin perdón (1992), que homenajeaban con gran sentido nostálgico el fin de las viejas glorias llegadas del Lejano Oeste.

Los hermanos Sisters entraría dentro de este subgénero crepuscular, con un factor diferencial: la desmitificación. Mientras que la inmensa mayoría de los western de las últimas décadas fomentan la leyenda y la romantización del género y de sus héroes, el film de Audiard derrumba sus arquetipos a través de dos tramas paralelas: por un lado, la de dos hermanos, cazarrecompensas infalibles, pero uno de ellos sueña con retirarse para llevar una vida tranquila y civilizada, si no fuera por el deber de protección que siente hacia su hermano, que no concibe que su destino, marcado desde un trauma de la infancia, le tenga reservado algo diferente que el matar a cambio de dinero. Por el otro, un rastreador y su presa forjan una particular colaboración y amistad con la esperanza de fundar una sociedad mejor y más avanzada, libre de la codicia y de la injusticia que reina en el continente. Para cuando las dos tramas se unifican, se culmina la deconstrucción de la leyenda del forajido para presentar a cuatro hombres inseguros, heridos, temerosos a la soledad, imperfectos pero, sobre todo, que se quieren y se necesitan más de lo que podrían llegar a admitir.

Si se cuenta con un buen guion y con cuatro actores de demostrado talento para recitar las líneas de diálogo tal y como sucede aquí, difícilmente puede salir algo mal: John C. Reilly, principal artífice del film, al ser él quien compró los derechos del libro homónimo de Thomas Bidegain para convertirlo en película, también encarna a uno de los Sisters, tan mortífero como sensible, manteniendo una estupenda y divertida dinámica con su hermano, al que da vida Joaquin Phoenix, que demuestra de nuevo conocer al dedillo la furia descontrolada y el coqueteo con la autodestrucción. Jake Gyllenhaal y Riz Ahmed también están estupendos como el contrapunto tranquilo y generoso que necesitan los hermano; la promesa de que la colaboración puede dar frutos más provechosos que el enfrentamiento.

Como cualquier western que se precie, Los hermanos Sisters tiene buenos tiroteos, hombres cabalgando hacia el horizonte, saloons, animales salvajes, desiertos… pero también muestra paisajes atípicos en el género, como montañas nevadas o el océano, todo maravillosamente filmado por Benoît Debie y amenizado por una estupenda y elaborada partitura compuesta por el infalible Alexandre Desplat, así como un sentido del humor entre negro y juguetón, que aporta una refrescante ligereza a la historia. Al igual que en De óxido y hueso (2012) y en el resto de su filmografía, Audiard se las ingenia para evidenciar la vulnerabilidad y la capacidad de amar de personas rotas, heridas y aparentemente estoicas, lo que en última instancia convierte a este western en un agridulce y tierno relato sobre el amor fraternal, así como de cuando llega el final de la persona en la que nos hemos convertido para dar paso a una versión mejor y más madura de nosotros mismos.

8/10

Gloria Bell – Una mujer universal

Dir.: Sebastián Lelio
Int.: Julianne Moore, John Turturro, Michael Cera, Caren Pistorius, Rita Wilson, Holland Taylor, Brad Garrett, Jeanne Tripplehorn, Sean Astin
¿De qué va?: Gloria es una divorciada de espíritu libre que pasa los días en un aburrido trabajo de oficina y las noches en la pista de baile, dejándose llevar por las discotecas de Los Ángeles. Su inestable felicidad cambia el día que conoce a Arnold. Comienza así un nuevo e inesperado romance plagado de emociones y complicaciones, entre la esperanza y la desesperación, en el que descubre de lo que puede llegar a ser capaz.

Reseña: Diez años después del estreno de Funny Games (1997), Michael Haneke estrenaba su primer film norteamericano, un remake de aquella película idéntico plano a plano. Unos lo consideraron una muestra del ingenio del director austriaco, otros una tomadura de pelo, pero al final quienes salieron ganando fueron los espectadores yanquis que no son capaces de ver nada subtitulado porque, como muchos españoles, “no son capaces de ver la imagen y leer al mismo tiempo”, y el propio Haneke, que se ganó un buen cheque sin mucho esfuerzo. En la actualidad, Hollywood ya no está tan obsesionada en sacar remakes de películas recientes, probablemente porque ya se ha demostrado que no es una fuente de ingresos muy fiable, pero de vez en cuando cae alguno, como es el caso de Gloria Bell, revisión de Gloria (sin apellido), film chileno del 2014 dirigido por Sebastián Lelio, quien se hace un Haneke al encargarse también de la dirección.

Estilísticamente hablando, Gloria Bell es más refinada que su prima chilena. Esto no solo se explica con el aumento de medios y presupuesto y con la inclusión de una sugerente banda sonora original, compuesta por Matthew Herbert, sino porque también, entre una y otra, Lelio dirigió la oscarizada Una mujer fantástica (2017) y Disobedience (2017), haciéndose evidente su progresión como realizador en la composición de ciertos planos e imágenes que enriquecen y amplifican un guion que, por otra parte, no se diferencia demasiado del original, que tenía el atractivo añadido de explorar la rutina, los anhelos y la soledad de una mujer madura en una época anterior a la reivindicación feminista que trajo el movimiento #MeToo. Sin embargo, ni el paso de los años ni el cambio de escenario de Santiago de Chile por Los Ángeles han hecho que la historia pierda ni un ápice de su vigencia y de su frescura, pues las circunstancias de Gloria siguen siendo perfectamente reconocibles y empáticas, lo que, por otra parte, explica el éxito internacional que cosechó el film original en su momento.

Julianne Moore está sencillamente fantástica dando vida a la protagonista. Nos conduce a la felicidad que irradia su sonrisa con el mismo magnetismo con el que nos arrastra al abismo de su tristeza y de su soledad cuando la situación lo demanda. Hay quien dice que porque se ponga unas gafas feas no resulta creíble como mujer normal y corriente. Yo sí que me la creo, porque sus manera de comportarse y su mirada denotan naturalidad; la que desprende cualquier mujer, madre y/o amiga que se desvive por los demás y que sabe que la vida no acaba al cumplir más de 50 años, aunque el miedo a acabar sola siempre esté ahí, latente. El principal problema de la película es que no termina de justificar su existencia más allá de llevar la historia al público anglosajón, de la misma forma en la que, antes de Julianne Moore, Paulina García ya había realizado una encarnación formidable de Gloria, de forma muy diferente, eso sí. Al no introducir cambios significativos en la trama, Lelio no considera que necesite mejorarla o acomodarla al nuevo contexto y puede que, en buena parte, no le falte razón. Gloria Bell funciona tanto para recordar como para descubrir por primera vez la historia de una mujer a la que nada ni nadie minará ni su libertad ni su amor por la vida.

7'5/10

Itinerario de estrenos de mayo 2019

Los hermanos Sisters: Western dirigido por Jacques Audiard (Dheepan) basado en una novela de Patrick Dewitt y que gira en torno dos hermanos sicarios que asumen la misión de encontrar y cazar a un buscador de oro. Sin embargo, su vínculo fraternal se pondrá a prueba en el viaje, sobre todo porque uno de ellos sueña con retirarse y llevar una vida tranquila. John C. Reilly (El Gordo y el Flaco), Joaquin Phoenix (No te preocupes, no irá lejos a pie), Jake Gyllenhaal (Wildlife) y Riz Ahmed (Venom) conforman el cuarteto protagonista del film, que ganó el premio a mejor director del último Festival de Venecia y los premios César a mejor director, fotografía, sonido y diseño de producción. Ha pasado bastante desapercibida, pero está muy, muy bien. En breve, reseña.

Estreno: 10 de mayo

Pokémon: Detective Pikachu: Adaptación americana y cinematográfica de la saga Pokémon. Cuenta la historia de un chaval que se asocia con Detective Pikachu para descubrir el paradero de su padre, desaparecido en extrañas circunstancias en una urbe en la que conviven humanos y Pokémon. Rob Letterman (Pesadillas) dirige la película protagonizada por Justin Smith (Jurassic World: El reino caído) y Kathryn Newton (#SexPact), con Ryan Reynolds (Deadpool 2) poniéndole la voz a Pikachu. No se han publicado críticas pero tiene pinta de que, no solo puede estar bastante bien, sino de que va a ser uno de los taquillazos del año.

Estreno: 10 de mayo

Casi imposible (Long Shot): Comedia romántica con connotaciones políticas sobre un hombre que consigue trabajo escribiéndole los discursos a la que fue el primer gran amor de su vida y que ahora aspirar a presidir los Estados Unidos. Dirige Jonathan Levine (Descontroladas) con Seth Rogen (The Disaster Artist) y Charlize Theron (Tully) conformando la estelar pareja protagonista. Las críticas americanas han sido muy positivas, destacando la química de sus estrellas y lo divertido que resulta el film.

Estreno: 17 de mayo

La viuda (Greta): Neil Jordan (Byzantium) dirige este thriller psicológico que gira en torno a una joven que un día encuentra en el metro un bolso extraviado, así que decide entregárselo a su propietaria, una pianista solitaria con la que iniciará una amistad que cambiará cuando salgan a la luz las verdaderas intenciones de la señora. Chloë Grace Moretz (Suspiria), Isabelle Huppert (Happy End) y Maika Monroe (Tau) conforman el trío protagonista de una película muy noventera y divertida gracias a la entrega de Huppert. En breve, reseña.

Estreno: 24 de mayo

El hijo (Brightburn): Film de terror cuya premisa es algo así como un reverso oscuro de Superman, pues se pregunta qué pasaría si un niño de otro planeta aterrizara en la Tierra y utilizase sus poderes para hacer el mal en vez del bien. James Gunn (Guardianes de la Galaxia vol. 2) produce la película, dirigida por David Yaroveski (The Hive) y protagonizada por Elizabeth Banks (¿Quién está matando a los moñecos?). De momento no  han trascendido opiniones sobre ella.

Estreno: 24 de mayo

Aladdin: Remake en acción real del clásico animado Disney del año 92, volviéndonos a contar la historia del ladronzuelo cuya vida cambia por completo cuando encuentra una lámpara mágica en la que habita un Genio que le concederá los tres deseos que le pida. Guy Ritchie (Rey Arturo: La leyenda de Excalibur) dirige la película, cuyo reparto está encabezado por Mena Massoud (Jack Ryan), Naomi Scott (Power Rangers), Will Smith (Bright), Marwan Kenzari (Asesinato en el Orient Express) y Nasim Pedrad (Scream Queens). Veremos qué tal porque el material promocional no despierta demasiada confianza…

Estreno: 24 de mayo

Rocketman: Después del gran éxito de Bohemian Rhapsody, llega el biopic de Elton John, que dirige Dexter Fletcher, el mismo que completó el rodaje del biopic de Freddy Mercury cuando Bryan Singer fue despedido. Taron Edgerton (Robin Hood) da vida al icónico cantante, e incluso se ha atrevido a cantar sus canciones, mientras que Jamie Bell (Las estrellas de cine no mueren en Liverpool), Richard Madden (Bodyguard) y Bryce Dallas Howard (Jurassic World: El reino caído) lo secundan. De momento no se han publicado reseñas.

Estreno: 31 de mayo

Actor del mes: Joaquin Phoenix

Méritos: ¿Es Joaquin Phoenix el actor más desconcertante de Hollywood? Probablemente. Pero mientras otros juegan a provocar, él siempre se limita a hacer lo que le da la real gana. Es capaz de criticar las entregas de premios para luego asistir a los Globos de Oro y reírse de las puyas que le lanzaban Tina Fey y Amy Poehler al respecto. También estuvo a punto de tirar su carrera por el retrete cuando nos hizo a creer a todos que se había retirado para convertirse en cantante de rap. Y le dijo que no a Marvel para luego irse a la competencia y encarnar a la cuarta versión cinematográfica de uno de los villanos más icónicos de la cultura popular, el Joker. Da igual lo que haga que nadie pondrá en duda que se trata de un actor como la copa de un pino, intensito como pocos, eso sí.

Como tampoco es que se prodigue mucho en la pantalla, cada estreno de Joaquin Phoenix se puede considerar un gran evento, al menos para el sector más cinéfilo, aunque el año pasado, tanto María Magdalena como No te preocupes, no llegará lejos a pie pasaron sin pena ni gloria por la cartelera. Este año la cosa cambiará con Joker, pues su primer tráiler ha levantado una gran expectación que sin duda se traducirá en un gran éxito de taquilla (Si Venom lo fue, el Joker no va a ser menos), aunque antes, hay que verlo en Los hermanos Sisters, un western dirigido por el francés Jacques Audiard (Un profeta), que se rodó en España y que co-protagoniza junto a John C. Reilly, Jake Gyllenhaal y Riz Ahmed. De momento desconocemos si Phoenix se dejará llevar por la deriva de Hollwyood dando vida al Joker en varias películas; por lo pronto, el único proyecto anunciado que le aguarda en el futuro es Far Bright Star, otro western, esta vez dirigido por su cuñado, Casey Affleck, su director y cómplice del falso documental I’m Still Here. Lo mismo acaba ganando el Oscar que se le ha resistido en tres ocasiones como que deja la actuación para dedicarse a otro tipo de arte elevado; Joaquin Phoenix es un espíritu indomable, y nosotros somos afortunados por poder ser testigos de su recorrido.

Joaquin Phoenix en 12 personajes

De izquierda a derecha y de arriba a abajo: Su primera aparición destacada en el cine fue como el amante adolescente de Nicole Kidman en Todo por un sueño (1995); Gladiator (2000) fue su primer éxito de taquilla, le granjeó fama internacional y su primera nominación al Oscar; fue el protagonista de una de las mejores y más incomprendidas obras de M. Night Shyamalan, El bosque (2004); habría ganado el Oscar por su encarnación de Johnny Cash en En la cuerda floja (2005) de no haber sido por el Truman Capote de Philip Seymour Hoffman; es el actor fetiche de James Gray, con el que trabajó en La noche es nuestra (2007) y en tres ocasiones más; entre el 2008 y el 2012 tan solo lo pudimos ver en I'm Still Here (2010), el documental que plasma la época en la que creímos que había perdido la cabeza; The Master (2012) supuso su vuelta al cine, su tercera nominación al Oscar y su primera colaboración con Paul Thomas Anderson; en Her (2013) exploró su faceta más tierna mientras se enamoraba de una IA con la voz de Scarlett Johansson; fue un detective fumeta en la psicotrópica Puro vicio (2014); por En realidad, nunca estuviste aquí (2017) ganó el premio a mejor actor del Festival de Cannes; en María Magdalena (2018) dio vida a un Jesucristo comedido y poco memorable; lo próximo será Joker (2019), en la que indagará en el origen de la locura del famoso payaso criminal.

¿Sabías que…?

- Su verdadero apellido es Bottom. Sin embargo, su familia decidió cambiarlo a Phoenix después de haber vivido varios años en Sudamérica como miembros de una secta religiosa. Cual ave fénix, sus padres decidieron empezar de nuevo en Estados Unidos bajo un nuevo apellido.

- Fue testigo de la muerte de su hermano, el también actor River Phoenix, la noche del 30 de octubre de 1993. Una sobredosis de heroína y cocaína acabó con la vida de la estrella en ascenso por fuera de un popular club nocturno, del que Johnny Depp era co-propietario. La llamada que hizo esa noche un desesperado Joaquin a los servicios de emergencia se filtró a la prensa, lo cual afectó para siempre a la relación del actor con los medios.

- Es vegano estricto y portavoz de PETA. En rodajes como los de Gladiator (2000), Quills (2000) y En la cuerda floja (2005) solicitó que sus trajes de piel fuesen fabricados con materiales sintéticos.

- Contrario a lo que se cree popularmente, la cicatriz en su labio no es el resultado ni de un accidente ni de una operación, sino una marca de nacimiento. Phoenix ha declarado en varias entrevistas que, mientras estaba embarazada de él, su madre sintió un día un dolor agudo al que responsabiliza de la marca.

- Empezó a salir con Rooney Mara durante el rodaje de María Magdalena (2018), aunque ya habían trabajando previamente en Her (2013), y repitieron poco después, en No te preocupes, no irá lejos a pie (2018).

- Fue considerado para encarnar a Norman Bates en el remake de Psicosis (1998) de Gus Van Sant. También rechazó el papel protagonista de Boogie Nights (1997), y fue muy tentado por Marvel para dar vida a Doctor Strange, pero acabó rechazando la oferta debido a la obligación por contrato de participar en varias películas del estudio.


Extras:

Tráiler de Los hermanos Sisters

Tráiler de Joker

Entrevista sobre No te preocupes, no irá lejos a pie

Recibiendo el premio a mejor actor en el Festival de Cannes por En realidad, nunca estuviste aquí

Videclip de The Moon Song (Her)

Lou

Dolor y gloria – Almodóvar veintidós

Dir.: Pedro Almodóvar

Int.: Antonio Banderas, Asier Etxeandia, Nora Navas, Leonardo Sbaraglia, Penélope Cruz, Julieta Serrano, Cecilia Roth, Raúl Arévalo
¿De qué va?: Salvador Mallo es un aclamado director de cine cuya memoria le llevará hasta su infancia, en el pueblo valenciano de Paterna en los años 60 junto a sus padres, a sus primeros amores, su primer deseo, la madre, su primer amor adulto ya en el Madrid de los 80, la escritura como única terapia, el temprano descubrimiento del cine y el vacío ante la imposibilidad de seguir rodando.

Reseña: ¿Qué ocurre cuando la musa no se aparece ante el artista? El vacío, la frustración. La inspiración llega a través de las vivencias y los referentes, cuyos huecos se rellenan a base de imaginación, pero es terrible cuando la maquinaria que pone todo eso en marcha no arranca, cuando las ideas no son lo suficientemente buenas, y el ruido externo impide que éstas se ordenen y cobren sentido. Esta situación debe resultarle muy familiar a Pedro Almodóvar, aunque no parece que el síndrome de la página en blanco le haya afectado en absoluto a la hora de crear Dolor y gloria, más bien todo lo contrario: la parálisis fruto del bloqueo creativo le ha servido de inspiración para crear la historia más personal e íntima de su filmografía.

Libre del histrionismo al que le debe gran parte de su éxito, pero sin caer en el drama gélido de Julieta (2016), Almodóvar vuelca en su álter ego de la ficción, Salvador Mallo, sus obsesiones, sus dolencias, sus pasiones y su pasado, creando un mosaico que, lejos de querer abarcarlo todo, se centra en cuestiones concretas que entremezclan un presente decaído, doloroso, con un pasado lleno de gloria, pero en el que recuerdos en torno a la niñez en el pueblo, la relación con la madre, el gran y trágico romance de toda una vida y el despertar tanto cinéfilo como sexual cobran un nuevo valor cuando se revisita con la serenidad y la melancolía propias de la edad madura, algo que se contagia a toda la narración, que tiene momentos divertidos, otros tristes, pero nunca sobrecargados, y con todo, continúa siendo profundamente almodovariana.

Visualmente la película es un caramelo, la música de Alberto Iglesias el mejor acompañamiento posible, y el reparto sale muy beneficiado de la tremenda habilidad que tiene Almodóvar en la dirección de actores. De la misma forma en la que reconozco que nunca ha sido especialmente admirador de Antonio Banderas ni de Asier Etxeandia, he de decir que ambos hacen aquí una labor realmente admirable. Banderas canaliza el espíritu de Almódovar sin manierismos, únicamente a través de gestos y detalles, mientras que Etxeandia, además de ejercer de estupendo contrapunto, goza de un monólogo que es un regalazo para el lucimiento de cualquier intérprete que se precie. Se trata de uno de los grandes pasajes de la película, junto al reencuentro, breve pero cargado de sentimientos, entre Mallo y un viejo amor (Leonardo Sbaraglia). Penélope Cruz, recuperando el espíritu castizo que se apoderó de ella en Volver (2006), y Julieta Serrano también están fantásticas encarnando a la madre del protagonista en el pasado lejano y el reciente respectivamente.

¿Es Dolor y gloria la mejor película de Almodóvar? No, pero sí creo que es lo mejor y más inspirado que ha hecho desde Volver, que para quien esto escribe sigue siendo su obra más redonda y brillante. El director manchego ha realizado un honesto ejercicio de introspección en el que poco importa que podamos discernir qué es ficción y qué no, porque el conjunto resulta auténtico y homogéneo, pues todas las tramas acaban convergiendo en su razón de ser como artista y en cómo exorciza todos sus temores, conflictos y fantasmas a través del arte cinematográfico. Más que una carta de despedida, debería tratarse de un punto de inflexión en una carrera cuyo futuro resulta tan incierto como estimulante.

8/10