16/11/17

Saudade do amor

Poster Porto


Dir.: Gabe Klinger
Int.: Anton Yelchin, Lucie Lucas, Paulo Calatré, Françoise Lebrun
¿De qué va?: Jake y Mati son dos extraños en la ciudad portuguesa de Oporto, donde una vez tuvieron una breve conexión. El misterio en torno a los momentos que compartieron permanece, y buscando a través de los recuerdos reviven una noche sin inhibiciones.

Reseña: Antes de marcharse de forma prematura, Anton Yelchin vivió su último romance cinematográfico en Porto, junto a una chica francesa con la que coincidió hasta en tres ocasiones antes de hablar con ella; siendo una ciudad tan pequeña, tampoco es que sea demasiado complicado... El brasileño Gabe Klinger debuta en la ficción con este film; en su haber tenía un documental, Double Play: James Benning and Richard Linklater, sobre el cineclub que fundó este último en Austin, Texas. Aunque a priori parezca lo contrario, Porto tiene pocas similitudes con Antes del amanecer (1995), más allá de versar sobre un americano y una francesa que se conocen y pasan juntos una noche en una ciudad europea. A diferencia de Jesse y Celine, Jake y Mati no pasan el tiempo hablando de todo y conociéndose, es más, jamás llegan a saber algo verdaderamente significativo el uno del otro más allá de detalles superficiales y anécdotas curiosas. Así es como funciona hoy en día, tenemos un flechazo y nos vuelve a asaltar la idea del destino, las medias naranjas y el amor idílico, para poco después volverla a abrazar el escepticismo.

Porto

Porque, tal y como le dice la madre de Mati a su hija, en algún momento tenemos la necesidad de sentir que somos deseados por alguien, aunque seamos conscientes de que estamos proyectando una imagen idílica de nosotros mismos que no se corresponde la realidad. Da igual, el hechizo acabará rompiéndose, pero mientras tanto viviremos un momento en el que estableceremos una irresistible conexión carnal con alguien que quedará grabada en el recuerdo, reviviéndose de tanto en tanto con esa saudade tan típicamente portuguesa. La película de Klinger tiene forma de romance clásico en celuloide y fondo contemporáneo, siendo plenamente consciente de las expectativas y el funcionamiento de los escarceos amorosos hoy en día. Aunque la película deba su título a la ciudad, Porto no tiene tanta presencia en la trama como cabría esperar, pero su ambiente gris, húmedo y melancólico se respira dentro de los restaurantes de colores ocres, en las calles emparedadas y en las fugaces vistas al Duero.

Porto2

El desarrollo del film evita la linealidad para presentar primero la vida de ellos dos por separado y luego terminar con la noche en la que se conocieron, empleando diferentes formatos de imagen y de textura, variando entre super 8, 16 mm. y 35 mm., para diferenciar los tiempos narrativos, contrastando la claustrofobia de sus vidas solitarias con la plenitud de los momentos en los que viven su romance, porque en ningún momento el director juzga o ridiculiza a sus personajes, al contrario, se recrea en su idealismo efímero. Por contra, los saltos temporales resultan un tanto confusos, porque la ausencia de información sobre los protagonistas impide muchas veces situarse cronológicamente, pero al menos, Klinger termina la película donde la tenía que acabar, en un falso final feliz que podríamos describir con aquello que decía el perro Arthur a Ewan McGregor en Beginners: “Sabíamos que no funcionaría, incluso antes de conocerla”. Al menos, Porto resulta una bonita despedida de Anton Yelchin, pues la última película que rodó antes de fallecer es una buena constatación del inmenso talento y candor que atesoraba el actor.

7/10

15/11/17

Respirar, vivir y amar

Poster Breathe


Dir.: Andy Serkis
Int.: Andrew Garfield, Claire Foy, Tom Hollander, Hugh Bonneville, Ed Sleepers, Ben Lloyd-Hughes, Amit Shah, Jonathan Hyde, Miranda Raison, Camilla Rutherford
¿De qué va?: A los 28 años, Robin Cavendish contrajo la polio, enfermedad que le provocó una parálisis desde el cuello hasta los pies. Contra toda recomendación médica, su mujer, Diana, le sacó del hospital, siendo el apoyo fundamental para que Robin se sobrepusiese con optimismo y sin límites ante la enfermedad.

Reseña: Me parece curioso que el grueso de la campaña de marketing de Una razón para vivir (Breathe) se centre en imágenes del protagonista erguido y profesando cariño y amor a su esposa, cuando en la película no ha pasado ni media hora y el pobre ya ha contraído la polio y se encuentra postrado en una cama. Tal vez sea porque las películas de enfermedades, aun basadas en historias más grandes que la vida, no vendan tanto como los romances de época, y si tenemos en cuenta que el poster de La teoría del todo era muy similar, podemos concluir que la culpa es de las sillas de ruedas, que no funcionan como reclamo. En cualquier caso, Breathe es una historia de amor y de enfermedad, o sobre cómo lo primero puede ser mejor medicina que cualquier prescripción médica. Es cursi, lo sé, pero es el mensaje de la película, qué quieres que les haga.

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La historia de Robin Cavendish es la del padre de uno de los productores del film, Jonathan Cavendish, y ha servido para que Andy Serkis (Gollum y César en la trilogía precuela de El planeta de los simios) presente sus credenciales como director después de que su versión de El libro de la selva se retrasase por lo complejo de la postproducción y para no verse eclipsada por la exitosa versión de Disney. Lo cierto es que Serkis demuestra buena mano y buen ojo en la composición de planos, reparando en los detalles adecuados y, básicamente, haciendo aquello que un buen director debe hacer, que es transmitir sentimientos concretos a través de las imágenes, como esa opresión que desprende el hospital donde atienden a los enfermos de polio, o la importancia vital de ese tercer protagonista de la historia, que no es otro que el respirador que acompañará a Robin durante el resto de su vida. Eso sí, el bueno de Serkis no puede evitar caer en el tópico en un irrisorio episodio acontecido en Tarragona donde los protagonistas acaban montando un campamento gitano con flamenquito y guitarras españolas a todo trapo; justo lo que necesitábamos tal y como están las cosas en España.

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Aun con la buena factura y la hermosa partitura compuesta por Nitin Sawhney, como buen biopic que se precie, la fuerza de la película radica en las interpretaciones, especialmente de su pareja protagonistas: Andrew Garfield, en uno de esos trabajos donde tiene que modular la voz y centrar todo su trabajo en la expresión facial que pirran a los que entregan premios, y Claire Foy, fantástica como sostén y cómplice de su marido, aunque habría estado bien incluir alguna escena en la que flaquease y se cuestionase, aunque sea un poco, su nueva vida. No dudo que la determinación de la Diana real fuese así de íntegra, pero esa relación es demasiado idílica tras el bache inicial. Pese a que la película se centre en el matrimonio de Robin y Diana, también se beneficia de la presencia de una cuadrilla formada por familiares y amigos de la pareja que aportan un sentimiento de camaradería y cachondeo vivaz que viene muy bien para contrarrestar el dramatismo del asunto abordado. No obstante, algunos personajes importantes desaparecen entre los saltos temporales de la trama sin dejar rastro pero evidenciando un buen descuido de guion.

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Al igual que el grueso de films de estas características, Breathe es demasiado academicista, más incluso que La teoría del todo. Pasa por todos los lugares comunes de las historias sobre superación personal, incluyendo el discurso motivador recibido con ovación y aplausos, pero lo hace con elegancia y oficio. Si la intención era hacer llegar al gran público la historia de amor entre Robin y Diana y la forma en la que contribuyeron a mejorar la vida de los enfermos, el objetivo se ha cumplido con holgura entre risas y sollozos; prueba de ello es que ,en la proyección a la que asistí, una pareja de personas mayores que estaba sentada una fila más adelante de la mía se quedó sentada durante los créditos finales mientras se abrazaba y se secaban las lágrimas. El amor duradero existe, amigos, aunque cada vez sea más raro de encontrar.

6’5/10

13/11/17

O.C: El rey de la comedia (1982)

Poster El rey de la comedia¿De qué va?: Rupert Pupkin es un aspirante a cómico que intenta alcanzar el éxito en el show business acosando a su ídolo, un célebre presentador de un programa de entrevistas nocturno que se toma muy en serio su privacidad.

Reputación: Martin Scorsese siempre ha afirmado que la mejor interpretación de Robert De Niro en una película suya está en esta comedia, aunque también afirmó que su rodaje  fue una experiencia demasiado inquietante, en buena medida debido a la amargura contenida en el guion escrito por Paul D. Zimmerman, el cual ya había rechazado dirigir anteriormente. El libreto pasó entonces a las manos de Michael Cimino, pero cuando este finalmente lo descartó, fue De Niro quien le insistió a Scorsese para que le echase otro vistazo, quien en ese momento se encontraba en Italia rodando una serie de documentales sobre santos. Finalmente lo aceptó, y el rodaje se adelantó cuatro semanas antes de lo previsto para que no coincidiera con una huelga de directores, y aun así no se pudo impedir que el presupuesto se elevase más de lo esperado.  El presentador y comediante Jerry Lewis salió de su semi-retiro cinematográfico para participar en un film alejado de las comedias absurdas que lo llevaron a la fama, y aseguró haberse quedado sorprendido por los buenos comentarios que le dedicó la prensa especializada, pues él consideraba que lo único que había hecho era interpretarse a sí mismo; de hecho, aportó cosas de su propia cosecha al film, como el momento en el que una señora le grita en la calle que ojalá sufra un cáncer al no firmarle un autógrafo. Aunque Lewis también lo pasó mal tanto con su compañero de reparto como con su director: como buen actor de método, De Niro hizo chistes anti-semitas para hacerle enfadar durante el rodaje de una escena, mientras que Scorsese le puso de los nervios al hacerle esperar tres días en su caravana antes de necesitarle de verdad. Los BAFTA fueron los únicos premios importantes en los que la cinta tuvo presencia ese año, siendo nominada en 5 categorías y llevándose el premio a mejor guion original.

El rey de la comedia

Comentario: El rey de la comedia es uno de los títulos más desconocidos de la filmografía de Martin Scorsese, es más, si no la hubiese subido Netflix a su catálogo, jamás habría reparado en su existencia. Es algo así como una versión masculina de Todo por un sueño (1995), pues ambas son comedias negras centradas en un personaje un tanto cateto pero dispuesto a cualquier cosa por alcanzar la fama y salir en televisión, que si siempre lo ha sido todo, lo era aún más en la década de los 80 y los 90, justo antes de que Internet lo cambiase todo. Tal vez haya pasado desapercibida porque carece de ese envoltorio y ese atractivo tan contundente que tiene todo lo que hace el oscarizado director, pero no le falta mala baba y razón en la construcción del personaje de De Niro, un tipo que es capaz de moldear la realidad forzando a que se ajuste a sus fantasías, así como al apuntar lo fácil y ridículo que resulta la creación de ídolos de masas en la sociedad moderna, convirtiendo a cualquier lunático sin talento real en estrella mediática; a estas alturas del partido, a nadie en España le pilla esto por sorpresa.

Próximo visionado: El amor llamó dos veces (1942)

11/11/17

Cenizas a las cenizas

Poster A Ghost Story


Dir.: David Lowery
Int.: Casey Affleck, Rooney Mara
¿De qué va?: Un músico muere en un accidente de coche y vuelve a la casa donde vivía junto a su mujer en forma de fantasma bajo una sábana blanca.

Reseña: Mi abuelo siempre decía aquello de “ten más miedo de los vivos que de los muertos”. Él sabía que las personas que te pueden hacer daño son las que se encuentran en el plano físico, mientras que las que ya no están… en fin, no pueden hacernos nada, salvo hacernos sufrir por su ausencia, aunque el sentimiento no perdure, al no ser nada eterno. Sobre la muerte, el duelo, el recuerdo y el olvido habla A Ghost Story, un pequeño film que dirigió en secreto David Lowery trayendo de vuelta la cómica figura del fantasma cubierto por una sábana blanca, como aquellos espectros impostores a los que se enfrentaba la pandilla de Scooby-Doo, o como el disfraz más recurrido por el grupo de amigos de Charlie Brown en Halloween, y todo para filosofar sobre algo tan poco gracioso como es el miedo a desaparecer, tanto nosotros como nuestros seres queridos.

A Ghost Story2

El film de Lowery es de esa clase de joyas que no puede ser apreciadas por todo el mundo. Lo pone muy fácil para producir el rechazo en el espectador: es lenta, contemplativa y pretenciosa. Pero si se consigue conectar con ella, resulta una de las experiencias cinematográficas más bonitas y desoladoras de los últimos años. Con un formato de imagen cuadrado con esquinas redondeadas y una paleta de colores grises, se presenta como una instantánea antigua en la que observamos a un fantasma (con Casey Affleck bajo la sábana) que, a su vez, presencia cómo transcurre la vida sin él, anclado a una realidad a la que ya no pertenece, quizás a la espera de cumplir con esa tarea pendiente que, según la sabiduría popular, impide que los espíritus consigan avanzar. El fantasma cumple con su penitencia asistiendo al duelo de su esposa, encarnada por la siempre magnética Rooney Mara, quien consigue que un plano fijo de varios minutos de ella comiéndose una tarta, y asimismo, su dolor, sea una de las imágenes más icónicas y tristes de la cosecha cinematográfica de este año.

A Ghost Story1

El fantasma conocerá a otro alma en pena también a la espera de algo que tal vez nunca vaya a suceder, mientras la vida continúa su curso a su alrededor, y cuando parece que la ausencia de diálogos dictaminará el desarrollo de la película, de repente Lowery se saca de la manga un monólogo tremendo acerca de lo que implica nuestro paso por el mundo, de lo que permanece y lo que se va, del recuerdo y del olvido, del legado que dejamos y del que nos gustaría dejar. Ciertamente, es un recurso facilón que se saca de debajo de la manga para evidenciar con palabras de qué va toda la cuestión, pero está tan bien escrito y resulta tan fascinante que acaba siendo todo un acierto, y en vez de desentonar, se mimetiza con una narración episódica y circular, pero rica en contenido y plagada de poéticas imágenes tan luminosas como lúgubres. Repito, la fábula de este fantasma triste no es para todo el mundo, requiere un pelín de esfuerzo, pero a cambio, nos atrapa y seduce pese a que nos recuerde lo insignificante y efímero de nuestras existencias… así como lo hermosas que también pueden llegar a ser.

8’5/10

8/11/17

Trueno de oro

Poster Thor Ragnarok


Dir.: Taika Waititi
Int.: Chris Hemsworth, Tom Hiddleston, Cate Blanchett, Mark Ruffalo, Tessa Thompson, Idris Elba, Jeff Goldblum, Anthony Hopkins, Karl Urban
¿De qué va?: Asgard se encuentra en manos de una poderosa amenaza, la despiadada y todopoderosa Hela, que ha robado el trono y ha expulsado a Thor a un planeta al otro extremo de la galaxia. Sin su martillo, el Dios del Trueno se encontrará a sí mismo en una carrera contra el tiempo.

Reseña: Aunque se supone que es uno de los superhéroes más fuertes de Marvel, Thor no había encontrado su lugar en el universo cinematográfico de la factoría. Las ínfulas shakespeareanas que le inyectó Kenneth Branagh en la primera película (2011) no terminaron de cuajar, mientras que su secuela, El mundo oscuro (2016), resultó ser una aventura continuista y alimenticia que el Dios del Trueno terminó de la misma forma en la que la empezó; nada que ver con la evolución desencantada que ha experimentado el Capitán América en su respectiva trilogía. Entonces, ¿qué hacemos con Thor? Joss Whedon plantó la semilla en La era de Ultrón (2015) convirtiéndolo en el alivio cómico, y Taika Waititi la ha hecho germinar con este Ragnarok en el que, al fin, el hijo de Odín despliega todo su poder.

Thor: Ragnarok

L to R: Valkyrie (Tessa Thompson) and Thor (Chris Hemsworth)

Photo: Jasin Boland

©Marvel Studios 2017

No hay que restarle reconocimiento a James Gunn, puesto que el espíritu de Guardianes de la galaxia (2014) sobrevuela por esta colorida y alocada aventura espacial en la que Waititi ha hecho algo que fácilmente podría haber despertardo la ira de los más “talifanes”: no tomarse en serio a Thor, convirtiéndolo en un personaje cómico, juguetón y algo patoso, pese a la gravedad de los acontecimientos que le rodean, al tiempo que pierde tanto a su novia científica como dos de sus rasgos más característicos, el martillo y su melena. El director deconstruye a Thor para reconstruirlo con la complicidad de un Chris Hemsworth al que se le nota que por primera vez está cómodo y disfrutando durante el rodaje, rodeado de un elenco de personajes a cada cual más carismático y con el que el protagonista mantiene una química y una dinámica genuinas. Hemsworth y Mark Ruffalo forman el mejor dúo cómico que ha pasado por el universo Marvel, Tessa Thompson está estupenda en la que parece una respuesta cinematográfica a la televisiva Jessica Jones y Tom Hiddleston revalida a Loki como personaje indispensable en el universo Marvel, mientras que Cate Blanchett tiene en una uña más carisma y presencia que aquel duende malvado de El mundo oscuro y que cualquier otro villano de la franquicia. Y qué decir de Jeff Goldblum, que está en un plano astral por encima de todos nosotros. Aunque la mayor revelación de todas es Korg, el entrañable guerrero de piedra cuya voz proviene del propio director del film.

Thor: Ragnarok

L to R: Bruce Banner (Mark Ruffalo) and Thor (Chris Hemsworth)

Photo: Jasin Boland

©Marvel Studios 2017

Waititi consigue imprimir su característico sentido del humor, que descolocará a muchos, mientras que a los que hayan visto Lo que hacemos en las sombras (2014) y Hunt for the Wilderpeople (2016) les resultará familiar ese cóctel de comedia absurda, honestidad incómoda y chascarrillos cafres. El director también demuestra tener buena mano para la acción, y hace algo tan divertido y original como convertir el film en su tramo final en un beat ‘em up clásico, en la línea de aquellos juegos de la Super Nintendo y Mega Drive tipo Golden Axe o Streets of Rage que consistían en avanzar por un escenario lateral mientras se luchaba junto a los colegas contra una horda de enemigos que venía por todos los frentes; la partitura compuesta por Mark Mothersbaugh no hace más que reforzar esa sensación de videojuego arcade de 16 bits, y sin menoscabar la espectacularidad contenida en escenas tan alucinantes y pictóricas como la de la batalla de las valkirias.

Marvel Studios' THOR: RAGNAROK..L to R: Skurge (Karl Urban) and Hela (Cate Blanchett)..Ph: Film Frame..©Marvel Studios 2017

Le ha costado dos películas en solitario y dos colectivas pero Thor por fin ha encontrado su sitio como líder y protector del pueblo asgardiano, así como vengador con una personalidad propia que va más allá de ser un dios y tener una melena bonita. Ragnarok le da mil vueltas a sus anteriores aventuras en solitario y, tal vez no sea la mejor película de Marvel, pero sí una de las más divertidas, con ninguna pretensión más allá que la de brindar un espectáculo vistoso, desenfrenado y ocurrente que viene muy bien para liberar tensiones y prepararse para lo que se nos viene encima el año que viene con la llegada de Thanos. Ahora sí que podemos afirmar que Thor es nuestro superhéroe Marvel favorito sin que nos miren con el ceño fruncido.

8/1'0

2/11/17

Itinerario de estrenos de noviembre 2017

Estrenos_Noviembre



A Ghost Story:
Tras terminar Peter y el dragón, David Lowery rodó en secreto, en una de las localizaciones que se utilizaron para el film de Disney, este drama con toque fantástico sobre un músico que tras morir en un accidente de coche vuelve como un fantasma a la casa en la que vivía junto a su mujer. Casey Affleck (Manchester frente al mar) y Rooney Mara (Lion) protagonizan un film pausado y un poco extraño con el que, si se llega a conectar, se vive una de las experiencias cinematográficas más hermosas del año. Ha recibido buenas críticas y ganó el premio a mejor fotografía en el Festival de Sitges.
Estreno: 3 de noviembre



La batalla de los sexos: Jonathan Dayton y Valerie Faris (Pequeña Miss Sunshine, Ruby Sparks) dirigen este film que gira en torno al partido de tenis que se disputaron en 1973 la campeona del mundo Billie Jean King y el ex-campeón Bobby Riggs, después de que éste se atreviera a decir que ninguna tenista femenina podría vencer a un hombre, ni siquiera estando retirado del circuito. Emma Stone (La La Land), Steve Carell (Café Society), Andrea Riseborough (Birdman), Sarah Silverman (Mil maneras de morder el polvo), Austin Stowell (Colossal) y Elizabeth Shue (Si de verdad quieres…) conforman el elenco principal del film, que ha obtenido críticas generalmente positivas que destacan especialmente la interpretación de Stone en su reválida tras la consagración del Oscar.
Estreno: 3 de noviembre



Liga de la Justicia: Film que hará por DC lo que hizo Los Vengadores por Marvel, esto es, reunir a la élite de superhéroes de la casa: Batman, Wonder Woman, Aquaman, Flash, Cyborg y.. ¿Superman?. Zack Snyder (Batman v Superman: Amanecer de la Justicia) dirigió el film aunque Joss Whedon (Vengadores: La era de Ultrón) se encargó del rodaje de tomas adicionales y de pulir el guion y el montaje cuando el primero se apeó por asuntos personales. Ben Affleck (Vivir de noche), Gal Gadot (Wonder Woman), Ezra Miller (Animales fantásticos y dónde encontrarlos), Jason Momoa (Frontera), Henry Cavill (Castillo de arena), J.K. Simmons (El muñeco de nieve), Jeremy Irons (Su mejor historia) y Amy Adams (Animales nocturnos) encabezan el reparto.
Estreno: 17 de noviembre.



Una razón para vivir (Breathe): Basada en la historia real de Robin Cavendish, quien vio como su vida dio un giro radical cuando la polio le deja paralizado. Contra toda recomendación médica, su esposa le saca del hospital y le alienta a sobreponerse a la enfermedad y a llevar una vida plena. Con su versión de El libro de la selva en ‘stand by’, Andy Serkis (La guerra del planeta de los simios) debuta en la dirección con este drama que posee todas las armas para conducir a sus protagonistas, Andrew Garfield (Hasta el último hombre) y Claire Foy (The Crown), por la senda directa hacia el Oscar.
Estreno: 17 de noviembre


Tierra de Dios (God’s Own Country): Aclamado film británico independiente que supone el debut en la dirección en largo de Francis Lee y que cuenta la historia de un joven granjero de Yorkshire cuya visión de la vida cambia de forma radical cuando llega al pueblo un inmigrante rumano con el que establece un vínculo especial. Josh O’Connor y Alec Secareanu protagonizan el film, que ha cosechado críticas fantásticas por todos los festivales en los que se ha presentado, además de 11 nominaciones a los premios del cine británico independiente, los BIFA, incluyendo mejor película.
Estreno: 24 de noviembre



Asesinato en el Orient Express: Nueva adaptación cinematográfica de la aclamada novela de Agatha Christie en la que el detective Hercules Poirot investiga un asesinato cometido en el trayecto del legendario convoy, en el que todos sus pasajeros son sospechosos. Kenneth Branagh (Jack Ryan: Operación sombra) dirige y protagoniza el film, para el que ha reunido a un elenco de primera clase: Penélope Cruz (La reina de España), Michelle Pfeiffer (madre!), Willem Dafoe (Death Note), Judi Dench (Victoria y Abdul), Johnny Depp (Piratas del Caribe: La venganza de Salazar), Josh Gad (La bella y la bestia) y Daisy Ridley (Star Wars: El despertar de la fuerza).
Estreno: 24 de noviembre



Tierra firme: Nuevo trabajo del director de la estupenda 10.000 km, Carlos Marques-Marcet, para el que ha vuelto a contar con la pareja protagonista de su ópera prima: Natalia Tena y David Verdaguer. Oona Chaplin (Proyecto Lázaro) completa el triángulo protagonista del film, que versa acerca de una pareja de chicas que vive de forma despreocupada en un barco en los canales de Londres, aunque existe una desavenencia importante entre ellas: una quiere ser madre y la otra no. Cuando llega de visita el mejor amigo de una de ellas, el plan de tener descendencia empieza a cobrar forma. La película inaugurará el Festival de Sevilla mañana mismo, 3 de noviembre.
Estreno: 28 de noviembre

1/11/17

Actriz del mes: Emma Stone

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Méritos: Su risa mientras canta City of Stars. Sus lágrimas cuando decide darse por vencida y volver a casa de sus padres. Su voz quebrada al final de Audition. Son detalles y fragmentos, casi imperceptibles, de ese derroche de empatía que es Emma Stone, y que le han valido ese Oscar a mejor actriz que ya merecía hace unos años, en la categoría de reparto, por su trabajo en Birdman. Porque si La La Land fue el híbrido perfecto entre el musical de Hollywood dorado y la respuesta de la Nouvelle Vague, Emma Stone consiguió aunar el desparpajo y la vitalidad de Debbie Reynolds con la sensualidad y la melancolía de Catherine Deneuve. El éxito arrollador del film de Damien Chazelle debería marcar un punto de inflexión en la carrera de la actriz, y por lo pronto ha conseguido arrebatar a Jennifer Lawrence el primer puesto en el ranking de las actrices mejor pagadas del mundo, con 22,1 millones de dólares percibidos durante el último año fiscal.

Además, su nombre vuelve a sonar en las quinielas de las candidaturas de los Oscar gracias a su encarnación de la tenista Billie Jean King en La batalla de los sexos, film que recrea el mediático partido que King disputó frente al polemista Bobby Rigs. Y si bien su fichaje para dar vida a Cruella de Vil en un film centrado en la carismática villana Disney suena a la clásica jugada que realiza cualquier actriz para rentabilizar un reciente Oscar,también veremos a Emma próximamente en The Favourite, el primer drama de época del siempre desafiante y turbador Yorgos Lanthimos (Langosta), además de en uno de los platos fuertes que nos tiene preparados Netfix para la próxima temporada: Maniac, serie en la que se reencontrará con Jonah Hill, con quien empezó su carrera en cine, en Supersalidos, hace ya diez años, que se dice pronto. Una década en la que Emma Stone ha pasado de ser la chica enrollada del instituto a una de las actrices que más resplandece en la ciudad de las estrellas.

Batalla de los sexos



5 películas para enamorarse de Emma Stone


5. Easy A - Rumores y mentiras (Will Gluck, 2010)

Aunque ya había empezado a destacar en films como Supersalidos, Bienvenidos a Zombieland o aquel placer culpable llamado Una conejita en el campus, fue en esta comedia de instituto más inteligente que la media en la que Emma, además de gozar de su primer protagonismo absoluto, presentó sus credenciales para convertirse en la nueva sensación de Hollywood, y sin tener que buscar validación como la nueva novia de América. El difunto John Hughes le hubiese dado su aprobación sin titubear.

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4. Magic in the Moonlight - Magia a la luz de la luna (Woody Allen, 2014)

Aunque su colaboración por partida doble con Woody Allen no dio lugar a un resultado tan brillante como el conseguido por el cineasta neoyorquino con Scarlett Johansson, Emma Stone aprobó con nota como chica Allen, no tanto por Irrational Man, en la que le pesaba que su personaje fuese  un poco bastante repelente, como por Magia a la luz luna, en la que lucía todo su encanto como una astuta vidente de pacotilla por la cual merece la pena perder el juicio y la razón.

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3. Birdman (Alejandro González Iñárritu, 2014)

No ganó la estatuilla dorada pero sí una hecha de piezas de lego que le hizo mucha ilusión por esta película en la que Stone demostró que con su pelo rubio natural sigue siendo igual de magnética y buena actriz que con ese pelirrojo que le sienta tan bien. La escena en la que le canta las cuarenta a su padre ya era merecedora de la nominación, pero lo primero que nos viene a la cabeza al pensar en ella en Birdman es ese precioso plano final en el que mira con sus ojazos al cielo y su risa se funde con un enigmático fundido a negro.

Birdman


2. Criadas y señoras (Tate Taylor, 2011)

“You broke her heart!” le espeta Skeeter a su madre entre lágrimas tras revelarle ésta lo que le ocurrió a la mujer que la crio y a la que la joven quería como a una segunda madre. Sin dejar de lado su vena cómica, Emma Stone encaró en Criadas y señoras su primer papel dramático de peso, y aunque Victoria Spencer, Viola Davis y Jessica Chastain acapararon buena parte de las atenciones y los premios, nadie se atrevería a decir que Stone desentonó en uno de los elencos más potentes que se recuerdan, y además, mayoritariamente femenino. Skeeter lloró por el cruel final de la vida de su Constatine, y nosotros también al contagiarnos de su dolor.

The Help


1. La La Land (Damien Chazelle, 2016)

Emma no ha sido la novia de América pero, mucho mejor, sí la de Ryan Gosling. Asentó las bases de su química conjunta en la exquisita y entrañable comedia romántica Crazy, Stupid, Love, para luego prolongarla en la fallida Gangster Squad y llevarla al cénit en este musical retro-moderno por el que hasta los más escépticos acabaron convencidos del “duende” que posee Emma Stone, y sin necesidad de lucir un repertorio de mohines: le bastó con burlarse de Gosling y hacer un poco el ganso para conquistarnos a todos por igual.

La La Land


Extras:

Tráiler de La batalla de los sexos

Entrevista sobre La La Land

Ganando el Oscar a mejor actriz por La La Land

73 preguntas a Emma Stone

Anna – Will Butler

I Will Survive – W Magazine