O.C: Los niños del paraíso (1945)

¿De qué va?: En el mundo teatral parisino de 1840, un célebre mimo, Baptiste Deburau, se enamora una misteriosa mujer, Garance, pero su timidez le impide tomar la iniciativa. Por su parte, Garance comienza un romance con el actor Frédéric Lemâitre, pero tras ser acusada de un crimen, la muchacha desaparece sin dejar rastro.

Reputación: Clásico del cine francés que se rodó durante 18 meses en plena ocupación alemana, lo que provocó que tanto su diseñador de producción, Alexandre Trauner, como su compositor, Joseph Kosma, ambos judíos, tuviesen que hacer su trabajo a escondidas y a través de mensajeros. Al director, Marcel Carné, se le ocurrió la idea para el film al escuchar la historia de un famoso mimo francés del siglo XIX, Jean-Gaspard Deburau, que encabezó las páginas de sucesos cuando asesinó a un borracho que le molestaba, lo que atrajo al juicio a todos los parisinos que querían escuchar su voz por primera vez. Al guionista Jacques Prévert no le convencía la idea de escribir un guion que pusiera al mismo nivel el teatro y la pantomima, dado que no le gustaba nada esta última, pero finalmente cedió cuando se le dio la oportunidad de incluir en la historia un personaje histórico que le fascinaba, Pierre François Lacenaire, apodado el ‘dandy del crimen’.

Para el rodaje se construyó el set más grande y más caro de la historia del cine francés, casi medio kilómetro de decorado que emulaba el Boulevard del Crimen, situado en el distrito teatral del París de los años 30 y 40. Teniendo en cuenta que los recursos humanos y materiales eran escasos durante la guerra, fue todo un milagro llevar a cabo una empresa de tal envergadura. La filmación se completó poco antes del 6 de junio de 1944, el día en el que se produjo el desembarco en Normandía, y Carné, habiendo planeado estrenar el film tras la liberación de Francia, mandó a hacer tres copias y las escondió en distintos lugares: en una bodega del Banco de Francia, en una caja fuerte del estudio Pathé y en una casa de la Provenza. El título de la película hace alusión a la gente que se coloca en los balcones superiores del teatro, más baratos que los que se encuentran por debajo. Fue nominada al Oscar a mejor guion original en 1946.

Reputación: Los niños del paraíso fue promocionada en Estados Unidos como la respuesta francesa a Lo que el viento se llevó (1939), aunque en realidad no tienen demasiado en común más allá de la extensa duración de ambas y de contar una historia de amor que abarca varios años. Mientras que el film americano muestra el empoderamiento de una mujer caprichosa marcada por los tiempos convulsos de su país, la película de Marcel Carné se centra en las bajas pasiones de un grupo de personajes procedentes del mundo del espectáculo parisino. A destacar su puesta en escena, la cuidada y fastuosa ambientación y el desarrollo de sus carismáticos personajes, sobre todo al producirse el salto temporal entre las dos partes en las que se divide la película. Sin embargo, tres horas de metraje es demasiado, y aunque no se hacen pesadas, las conversaciones alargadas y reiterativas acaban por resentir el interés por este romance entre un mimo triste y una ‘femme fatale’ que son sacudidos por una serie de encuentros, desencuentros y circunstancias que aumenta tanto el deseo como la distancia entre ambos.

Próximo visionado: Jasón y los argonautas (1963)

Vertiginoso ascenso, dura caída

Dir.: Bradley Cooper
Int.: Bradley Cooper, Lady Gaga, Sam Elliott, Andrew Dice Clay, Rafi Gavron, Anthony Ramon, Dave Chappelle, Ron Rifkin
¿De qué va?: Jackson Maine es un músico veterano que  descubre a una talentosa cantante llamada Ally , una joven que sueña con triunfar en el apasionante mundo del espectáculo. Será entonces cuando Jackson decida ayudar a la joven a impulsar su carrera y lanzarla al estrellato, convirtiéndose en su mentor. Entre los dos nacerá una apasionada relación amorosa que se verá enturbiada por el carácter autodestructivo de Maine.

Reseña: Con este nuevo remake, ya son cuatro ocasiones en las que Ha nacido una estrella ha sido llevada a la gran pantalla. Es como si cada generación necesitase de una versión adaptada a su tiempo de esta historia de amor marcada por el talento, la fama y la tragedia, porque pese a que la obsesión por la fama y las celebridades no haya cambiado nada, las formas de alcanzarla y venerarla resultan ahora más inmediatas e invasivas por culpa del móvil, las redes sociales e Internet. El efecto viral está presente en la versión del siglo XXI, pero se queda en la anécdota. Bradley Cooper no está tan interesado en modernizar la historia como en crear un romance atemporal y auténtico, algo que logra con creces durante la primera hora de la película.

Para su primer trabajo tras las cámaras, Bradley Cooper se ha inspirado muchísimo más en Clint Eastwood que en David O. Russell; curiosamente, el primero iba a ser el encargado de dirigir el proyecto hasta que se desvinculó de él y Cooper tomó el testigo. El protagonista de El francotirador se ha tomado muy en serio la película teniendo en cuenta todo lo que se jugaba con ella, y muestra un gusto clásico, elegante e intuitivo del que se beneficia mucho esta versión, menos glamourosa y más cercana que las versiones precedentes. La película comienza como un íntimo acercamiento a dos personas cuyos destinos se cruzan para no separarse jamás, colocándonos a los espectadores como testigos de cómo se fragua su amor. Jackson y Ally se miran a los ojos, se rozan, acarician, sonríen, charlan, improvisan canciones sentados en el bordillo de una acera…. La química entre Cooper y Lady Gaga es potentísima, y alcanza su clímax en la mejor escena de la película, aquella en la que ambos cantan por primera vez subidos a un escenario. La canción elegida se llama Shallow y es un temazo que suena a Oscar.

Después del subidón, aparece un personaje bastante odioso que ejerce de catalizador de la pareja, de sus sueños y temores, y la historia cambia de ritmo y rumbo para plasmar cómo la carrera de Ally sube como la espuma, mientras que la de Jackson se hunde en el fango y en su alcoholismo. En cuanto la pareja se distancia, la película toma derroteros más convencionales, con mucho cliché, y aunque no sea un completo desastre, no logra desprender el magnetismo de la primera parte. El personaje de Cooper gana protagonismo y él lo aprovecha para lucirse, mientras que el de Gaga se diluye, y si bien la interpretación de la cantante es francamente buena, resulta menos lucida cuanto más se asemeja a la Lady Gaga real. Tampoco es de recibo el acercamiento condescendiente a la música pop, aunque la trayectoria de Ally podría funcionar perfectamente como una analogía de la evolución musical que de Shakira sin ir más lejos. Para cuando llega el desenlace, la emotividad surte el efecto deseado retrotrayéndose a los primeros compases del film.

Bradley Cooper ha conseguido justificar la existencia de esta cuarta versión de Ha nacido una estrella. Sobre todo por iniciar una faceta como director prometedora, consolidar su talento como actor dramático, revelar el talento interpretativo de Lady Gaga (habrá que ver cómo lo desarrolla y de qué manera) y dar cabida a que Sam Elliott realice una de los trabajos secundarios más formidables y emotivos del año. ¡Si hasta da trabajo a un par de nuestras drags favoritas de Ru Paul’s Drage Race! El problema está en que su primera hora es formidable y la segunda casi que es una película distinta que se desperdicia intentando seguir el devenir argumental marcado por el referente original, el del año 37. Si hay gente que para de ver Moulin Rouge justo antes de su trágico final, sería completamente lógico detener Ha nacido una estrella a la mitad, y quedarnos con un manífico mediometraje.

7/10

Affaire del este

Dir.: Pawel Pawlikowski
Int.: Joanna Kulig, Tomasz Kot, Agata Kulesza, Borys Szyc, Cédric Kahn, Jeanne Balibar,Adam Woronowicz, Adam Ferency, Adam Szyszkowski
¿De qué va?: Polonia, años 50. En un país marcado por las heridas sufridas en la II Guerra Mundial, las nuevas autoridades comunistas promocionan la creación de un grupo de músicos que, a través del folklore local, intenta llevar algo de alegría al pueblo polaco, y de paso transmitir mensajes de alabanza sobre el Camarada Stalin. Wiktor es un pianista que forma parte de este grupo coral y que se enamora de una de sus nuevas integrantes, Zula, Juntos viven un bello romance, que irá yendo y viniendo a lo largo de más de una década.

Reseña: La concreción es una virtud infravalorada, sobre todo en el cine. Tiempo atrás, muy pocas películas pasaban de las dos horas de metraje; eso quedaba reservado a grandes acontecimientos. Ahora, cualquier producción con ínfulas grandilocuentes, o incluso sin ellas, alarga su duración más allá de los 120 minutos sin tener demasiado que contar. Por eso, sorprende que Cold War no llegue ni a los 90 minutos de duración, y que cuente tantas cosas en tan poco tiempo, con ese estilo minimalista, en blanco y negro y de formato cuadrado con el que su director, el polaco Pawel Pawlikowski, ganó el Oscar a mejor película de habla no inglesa por Ida hace ya cinco años. Lejos de parecer un intento perezoso de repetir la misma jugada, esta forma de contar una historia como si fuera a través de Polaroids en blanco y negro le sentaba tan bien a aquel viaje de autodescubrimiento de la novicia Ida como al romance a través de varias décadas de Wiktor y Zula, la pareja protagonista de Cold War.

La película sigue a sus protagonistas en un periplo circular entre Varsovia y París, entre los dos lados del muro de Berlín y entre el capitalismo y el comunismo. La música une a Wiktor y Zula para luego ser separados por las circunstancias políticas. Pero están condenados a reencontrarse, amarse y volver a separarse, atrapados en un “ni contigo ni sin ti” agravado por una distancia física y emocional que les impide asentar un hogar en el que poder ser felices. Todo está contado de una manera sencilla y sutil pero cristalina, permitiendo que se pueda seguir la historia fácilmente a pesar de las numerosas elipsis de la historia; a Pawlikowski le basta unas pocas líneas de diálogo para que nos podamos situar tras cada salto temporal y sepamos en qué punto se encuentran los personajes. Esa sutileza también se hace patente en el contexto histórico, perfectamente expuesto sin ser explicado, y en el contraste entre los dos escenarios principales donde se desarrolla el film, entre las edificaciones polacas en ruinas y sus cánticos folclóricos y la sofisticación de las calles y los bares parisinos amenizados por el jazz y otros ritmos modernos.

Cold War es, ante todo, un ejercicio de virtuosismo estético, dada la belleza de la composición de las imágenes, de la sublime fotografía en blanco y negro y de los etéreos movimientos de la cámara. Es la respuesta de la Europa del Este al gran romance clásico, con una gran historia de amor imposible bajo el foco, pero libre de los sentimentalismos y la grandilocuencia característicos de Hollywood, y ahí es donde precisamente radica su mayor vulnerabilidad: resulta tan fría, tan distante, que resulta muy complicado empatizar con la pareja protagonista pese al gran trabajo que realizan tanto Tomasz Kot como Joanna Kulig, quien por cierta empieza el film pareciéndose a Jennifer Lawrence y lo termina asemejándose más a Jessica Chastain. No creo que la principal intención de Pawlikowski sea la de emocionar a los espectadores, pero al fin y al cabo, su película me causa mucha más admiración que apasionamiento, aunque esa humildad e instinto poético con los que ha elaborado esta historia inspirada y dedicada a sus padres lo confirma como una de las voces más personales e interesantes del panorama cinematográfico europeo.

7’5/10

O.C: Aterriza como puedas (1980)

¿De qué va?: En el vuelo 2009 de la aerolínea Trans American, todos los pasajeros y la tripulación se encuentran indispuestos a causa de una intoxicación alimentaria. Ted Striker, un ex piloto de caza que tiene problemas de alcoholismo y miedo a volar, debe cooperar junto a su ex novia, azafata en el avión, para aterrizar.

Comentario: Parodia del cine de catástrofes, sobre todo de la película Suspense… hora cero (1957), cuyos derechos compró el trío de directores compuesto por Jim Abraham, David Zucker y Jerry Zucker para poder parodiarla casi palabra por palabra sin meterse en ningún problema legal. Los directores escogieron actores como Robert Stock, Lloyd Bridges, Peter Graves y Leslie Nielsen por su reputación de encarnar personajes serios y racionales; hasta esta película, ninguno había hecho comedia, por lo que la gravedad que aportaron a sus papeles contribuyó a la eficacia de la sátira. En el caso de Nielsen, relanzó una carrera que como él mismo aseguró parecía estar destinada a roles de abuelo, protagonizando a partir de entonces numerosas comedias absurdas producidas por los responsables de Aterriza como puedas. La película costó 3,5 millones de dólares y recaudó 83 millones sólo en Estados Unidos. Fue nominada al Globo de Oro a mejor comedia y al BAFTA al mejor guion. Al principio su recibimiento fue tibio, pero con el tiempo ganó un estatus de culto que la ha colocado en los primeros puestos de numerosas listas que reúnen las mejores comedias de la historia del cine. Su éxito comercial propició una secuela que abordó el género de la ciencia ficción, pero aunque se consiguió reunir a buena parte del reparto, sus guionistas y directores prefirieron no participar en ella, al considerar que ya habían explotado suficiente los chistes sobre aeropuertos.

Comentario: La spoof movie es un género muy devaluado en la actualidad por culpa del éxito de Scary Movie (2000), que dio lugar a engendros como Date Movie (2006), Casi 300 (2008) o Disaster Movie (2008) de los que prefiero no acordarme. Los responsables de esas supuestas comedias creían que con hacer un puñado de chistes gruesos, machistas, homófobos, generalmente ofensivos, cutres y obvios ya lo tenían todo ganado, pero afortunadamente, el público empezó a reírse cada vez menos con estas películas y dejaron de ser tan rentables como en antaño. Las únicas que salvaría de la quema son las dos primeras entregas de Scary Movie y No es otra estúpida película americana (2001). El arte de la parodia es mucho más complicado de lo que parece, de ahí que Aterriza como puedas sea un extraño fenómeno, pues como comedia absurda que se ríe de las convenciones y los clichés del cine Hollywood funciona a la perfección, siendo raro el gag que falle o esté fuera de lugar. Pero lo mejor de todo es que, aunque la experiencia tanto en un avión como en un aeropuerto ya no sean lo que era, su humor, sin ser blanco ni ofensivo, sigue siendo a día de hoy igual de vigente que en el año de su estreno.

Próximo visionado: Los niños del paraíso (1945)

El simbionte que me cameló

Dir.: Ruben Fleischer
Int.: Tom Hardy, Michelle Williams, Riz Ahmed, Jenny Slate, Reid Scott, Michelle Lee, Scott Haze, Marc Brandt
¿De qué va?: Eddie Brock es un astuto periodista que está investigando una empresa sospechosa llamada Fundación Vida. Durante una visita furtiva a su sede, Brock quedará infectado por una forma de vida extraterrestre. Comenzará entonces a experimentar cambios en su cuerpo que no entiende, y escuchará una voz interior, la del simbionte Venom, que toma posesión de su cuerpo y le confiere poderes sobrehumanos.

Reseña: A todos nos gusta un buen villano. Suelen ser más interesantes, atractivos y divertidos que los aburridos héroes de turno. Hollywood es tan consciente de ello que está intentando sacar un nuevo filón, convirtiéndolos en los absolutos protagonistas de historias contadas desde su punto de vista. El problema es que Hollywood no se atreve a llevar la villanía hasta sus últimas consecuencias. O bien resultan ser unos incomprendidos (Maléfica, 2014) o unos antihéroes canallitas (Escuadrón suicida, 2016), pero al final, nunca son tan malos como se les pinta, y siempre encuentran a alguien peor contra el que pelear. Lo mismo ocurre con Venom, intento descarado de Sony de exprimir los derechos de Spider-Man ahora que los tiene que compartir con Marvel.

Puesto que la película de Ruben Fleischer (que ya nos decepcionó con Gangster Squad) ha sido un éxito de taquilla, recaudando en su primer fin de semana 200 millones de dólares, el doble de lo que costó, no sólo tendremos secuela de Venom, sino una serie de películas protagonizadas por villanos del Hombre Araña, con Jared Leto ya confirmado para dar vida al vampiro Morbius. La lástima es que el éxito les librará de hacer un ejercicio de autocrítica necesario para poder dotar a Venom de una personalidad de la que carece en su carta de presentación. Se percibe el intento de hacer una película adulta y violenta a lo Deadpool (2016), pero no puede jugar en su misma liga evitando a toda costa recibir la calificación R. Intenta ser tantas cosas a la vez que al final se queda en tierra de nadie, siguiendo una trama simplona y superficial que desaprovecha la dicotomía entre Eddie Brock y Venom.

Venom se mete con Eddie, le cae simpático y cambia de parecer tras su interacción con él. Todo esto lo sabemos única y exclusivamente porque el simbionte así lo hace saber, porque jamás vemos algún tipo de evolución en la relación entre ambos; tampoco remordimiento o conflicto interno por parte de Eddie, ni las connotaciones trágicas de ser cautivo de un ente violento que ha tomado posesión de su cuerpo. Tom Hardy se deja la piel en levantar la película, consciente de ser su principal valedor, pero se pasa de histriónico, mientras que su partenaire, Michelle Williams, está un tanto desubicada, pese al esfuerzo desde el guion por crear un personaje femenino con peso en la trama más allá de la  etiqueta de ‘interés romántico’, y que no necesita que la rescaten. Riz Ahmed es una elección astuta para dar vida al auténtico villano de la función, pero su rol no puede ser más plano y desabrido.

Si la trama es simplona y atropellada, la acción es tres cuartas partes de lo mismo, un batiburrillo de CGI en el que no se puede distinguir gran cosa. La película es entretenida, claro, pero el cine de superhéroes ha demostrado que puede ser algo más que un pasarratos clónico. Porque el principal problema de Venom no está en que no se tome demasiado en serio, sino en que no tiene nada que pueda justificar su existencia, habiendo suficiente materia prima y talento involucrado para asumir riesgos y llegar adonde ninguna otra película del mismo corte haya llegado jamás. Veremos si el Joker de Joaquin Phoenix se atreve, da pleno y abre la veda a las películas protagonizadas por villanos de verdad, no estos cuya maldad es pura fachada.

4’5/10

Magia potagia a la vieja usanza

Dir.: Eli Roth
Int.: Jack Black, Cate Blanchett, Owen Vaccaro, Kyle MacLachlan, Renée Elise Goldsberry, Sunny Suljic, Colleen Camp, Lorenza Izzo
¿De qué va?: Lewis Barnavelt es un niño huérfano que se muda a la casa de su tío. Pese a que todo parece normal, ese hogar, su tío y su vecina, esconden muchos secretos. El extraño tic-tac de un reloj resonando por las paredes de la casa inquieta al pequeño, lo que le lleva a una investigación con el objetivo de descubrir todos los misterios ocultos.

Reseña: No puede haber mejor logo para la productora Amblin Entertainment que la icónica imagen de Elliot y E.T. surcando los cielos en la bicicleta. Porque ese momento es sinónimo de aventura, fantasía, imaginación y juventud, elementos que se pueden encontrar en el grueso títulos de la compañía fundada por Steven Spielberg, como Los Goonies (1985), Regreso al futuro (1985), Parque Jurásico (1993), Casper (1995), Monster House (2006), Las aventuras de Tintín (2011) o la reciente Ready Player One (2018). La casa del reloj en la pared es la nueva aventura juvenil con el sello Amblin, el salto a la gran pantalla de la novela homónima de John Bellairs, autor que se especializó en la literatura gótica juvenil.

Afortunadamente, no nos encontramos ante el enésimo intento de lanzar una franquicia cinematográfica basada en una saga literaria juvenil; esa moda ya pasó por acumulación de fracasos. En cambio, La casa del reloj en la pared se enmarca dentro de esa nueva tendencia de revalorizar el cine de los 80 y 90, pero no a base de acumular guiños, homenajes y referencias a películas míticas; lo que adopta como propio de aquel cine es el sentido del espectáculo dirigido a toda la familia que no renuncia al terror ni a temas dramáticos por miedo a que los niños no vayan a pegar ojo por la noche. La larga experiencia de su director, Eli Roth, en el cine de terror más gore y explícito (Cabin Fever, Hostel, Green Inferno…) confiere a la película de un toque macabro que le sienta francamente bien.

Aunque la trama de la película no sea tan original como el planteamiento del misterio sugiere, los referentes que van surgiendo a lo largo del metraje son buenos: un poco del toque mágico de Harry Potter, otro tanto la ingenua picaresca de Matilda (1996), la elegante, gótica y detallista dirección artística de Una serie de catastróficas desdichas de Lemony Snicket, el vínculo de admiración mutua entre profesor y aprendiz de Steven Universe… Jack Black y Cate Blanchett conforman una extraña pero efectiva pareja de mentores; él se está especializando en este tipo de cine fantástico y familiar que cada vez se le da mejor, y ella, en fin, transmite misterio, fortaleza, sentimiento maternal y tristeza como ella sabe hacer tan bien. Ambos amparan al joven protagonista, Owen Vaccaro, tan tierno como entrañable, pero cabe señalar también lo bueno que es Sunny Suljic, visto en El sacrificio de un ciervo sagrado (2017), que aquí da vida al amigo interesado de turno.

No tengo sobrinos, pero si los tuviese, les llevaría al cine a ver La casa del reloj en la pared sin lugar a dudas. Porque es una película para todos los públicos que no trata a las familias ni a los niños como tontos, cine de palomitas y refresco altamente disfrutable, y  además reivindica las familias no convencionales y la extravagancia como modo de vida. Le falta un poco más de personalidad para trascender y convertirse en un referente del género, pero como experiencia fílmica de espíritu añejo resulta curiosa e insólita… aunque no termine de aprovechar el inquietante y molesto tic-tac de los relojes que habitan en la casa encantada en la que se ambienta la historia.

6’5/10

Itinerario de estrenos de octubre 2018

Ha nacido una estrella: Bradley Cooper (Joy) debuta en la dirección de este tercer remake del largometraje homónimo estrenado en 1937 que en un principio iba a dirigir Clint Eastwood con Beyoncé como protagonista. Finalmente ha sido Lady Gaga quien sigue los pasos de Janet Gaynor, Judy Garland y Barbra Streisand dando vida a una aspirante a artista que es descubierta por un profesional ya asentado en la industria que la ayuda a alcanzar el estrellato, enamorándose en el proceso. La película ha obtenido muy buenas críticas desde su presentación en el Festival de Venecia, siendo una gran aspirante a conseguir muchas candidaturas en la próxima edición de los Oscar, aunque ya han empezado a crecerle los detractores…
Estreno: 5 de octubre

Christopher Robin: Disney está detrás de esta adaptación en acción real del cuento de Winnie the Pooh que muestra a Christopher Robin, aquel niño que se lo pasaba pipa en el Bosque de los Cien Acres, convertido en padre de familia y ejecutivo gris, recibiendo un buen día la visita de su viejo amigo Pooh para ayudarle a reconducir su vida. Marc Foster (All I See Is You) dirige el film, que cuenta con Ewan McGregor (T2: Trainspotting) y Hayley Atwell (Agent Carter) como protagonistas de carne y hueso, y que ha tenido una acogida tibia por parte de la crítica.
Estreno: 5 de octubre

Venom: Film dirigido por Ruben Fleischer (Gangster Squad) que, si funciona bien en taquilla, inaugurará una serie de películas protagonizadas por icónicos villanos de Spider-Man. Tom Hardy (Dunkerque) da vida a Eddie Brock, un periodista que, mientras investiga a una peligrosa corporación, es invadido por un ente alienígena que le confiere increíbles superpoderes, pero que también hace que pierda el control, con consecuencias devastadoras. Michelle Williams (¡Qué guapa soy!) y Riz Ahmed (Rogue One: Una historia de Star Wars) secundan a Hardy en esta película que ha dado mucho de que hablar esta semana en las redes sociales por unas declaraciones posteriormente retractadas de su protagonista afirmando que su media hora favorita de la película había quedado fuera del montaje, así como las de Williams afirmando que está en la película por Hardy y el dinero. Las críticas han sido bastante malillas
Estreno: 5 de octubre

First Man (El primer hombre): Tras ganar el Oscar por La La Land, Damien Chazelle dirige el biopic de Neil Armstrong, centrándose en la misión de la NASA que le llevó a la Luna, y cómo el sacrificio y el precio de llevarla a cabo marcó tanto su vida familiar como a los Estados Unidos. Ryan Gosling (Blade Runner 2049), Claire Foy (Perturbada) , Jason Clarke (El escándalo Ted Kennedy), Kyle Chandler (Noche de juegos) y Corey Stoll (Café Society) conforman el reparto de una película que ha gustado bastante más en Estados Unidos que en el resto del mundo, pues aunque unos alaban su sobriedad e intimismo, otros tantos proclaman que es demasiado monótona y poco emocionante.
Estreno: 11 de octubre

La casa del reloj en la pared: Eli Roth (El justiciero) se pasa al cine familiar con esta película producida por Amblin Entertainment (E.T. el extraterrestre) sobre un niño de 10 años que, tras quedarse huérfano, se muda a la casa de su tío, en la que pronto descubrirá un mundo mágico en el que querrá participar, aunque algo tenebroso le aceche desde la sombra… Jack Black (No te preocupes, no llegará lejos a pie) y Cate Blanchett (Ocean’s 8) acompañan al joven Owen Vaccaro (Dos padres por desigual) en esta aventura juvenil con tintes de terror curiosa y atractiva, aunque le falta una pizca de personalidad para poder trascender. En breve, reseña.
Estreno: 11 de octubre

La noche de Halloween: Reboot/secuela directa del film original de John Carpenter del 78 que ignora todas las continuaciones que se han realizado desde entonces. Jamie Lee Curtis retoma el personaje Laurie Strode, quien se ha estado preparando durante décadas para el regreso de su némesis, Michael Myers, produciéndose al fin el reencuentro en, cómo no, la noche de Halloween, en la que Strode también tendrá que proteger a su hija (Judy Geer, Ant-Man y la Avispa) y a su nieta (Virginia Gardner, Goat) del asesino enmascarado. David Gordon Green (Stronger) dirige la película, que tuvo una buena acogida en el Festival de Toronto y de la que se espera que haga suficiente taquilla como para justificar futuras continuaciones.
Estreno: 26 de octubre

Bohemian Rhapsody: Biopic del cantante Freddy Mercury, que narra su etapa liderando la mítica banda Queen. Rami Malek (Mr. Robot) encarna a Mercury en este film que empezó dirigiendo Bryan Singer (X-Men: Apocalipsis) y terminó Dexter Fletcher (Eddie el Águila) cuando el primero fue despedido por su comportamiento errático en el set. La película no ha estado exenta de polémica debido a los eufemismos utilizados en la sinopsis lanzada por su productora para no decir la palabra ‘sida’, y porque en el primer avance mostrado parecía que se iba a pasar por alto la homosexualidad del cantante. No se ha proyectado en ningún festival, así que de momento nadie ha podido opinar sobre el resultado final.
Estreno: 31 de octubre