La vida en instantáneas

Dir.: Agnès Varda, JR
¿De qué va?: La cineasta Àgnes Varda y el fotógrafo JR recorren las calles de Francia en la furgoneta en la que trabaja el segundo, embarcándose en una aventura en la que captan rostros y lugares que son plasmados en intervenciones gráficas realizadas en edificios, calles y tejados de los lugares que visitan.

Reseña: Ella es una directora de 89 años considerada la abuela de la Nouvelle Vague, con una respetada filmografía a sus espaldas. Él, un artista callejero y fotógrafo de 35 años que toma instantáneas en blanco y negro para luego ser ampliadas y pegadas en grandes muros de las ciudades. De ambos surge una colaboración y una curiosa amistad que da lugar a Caras y lugares (Visages villages) un documental que recoge el viaje por las carreteras de Francia que realizó la pareja, recalando en diferentes lugares donde la interacción con el entorno y con las personas que allí habitaban les sirvió de inspiración para extender la obra de JR fuera de las grandes urbes.

No es necesario que la película avance mucho para percatarse de la profunda emoción que hay contenida en ella; una de las primeras personas que conoce la pareja en su viaje es la última habitante de un barrio obrero que va a ser demolido; su historia y su reacción al descubrir la forma en la que la han retratado Varda y JR son puro sentimiento, sencillo, cristalino y humilde. Todos los encuentros y microrelatos de los que se compone la película están compuestos de retazos de costumbrismo, realidad social, humor, arte y optimismo, siendo la amistad entre Varda y JR tan entrañable, única y auténtica que nos sentimos unos privilegiados por poder acompañarles en su viaje y ser testigos de los frutos artísticos de su colaboración. En cierta manera, y tal como creían los indígenas, su cámara fotográfica roba las almas de aquellos a los que retrata, pero para rendirles tributo y plasmar su esencia e impacto en el hábitat que les rodea.

Pero no todas las obras de arte están hechas para perdurar, pues algunas de ellas son efímeras, y  no por ello desmerecen el esfuerzo de haberlas realizado. El documental está impregnado de la mirada melancólica de Varda en la última etapa de su vida, y trae consigo algunas reflexiones amargas sobre la pérdida y el implacable transcurrir del tiempo, como la que sale a colación de la vieja amistad que tiene la cineasta con Jean-Luc Godard. Por todo ello, Caras y lugares es una de las experiencias fílmicas más gratificantes del año, de humanismo insondable y alimento vigorizante para el espíritu. Una honesta celebración de la vida, la amistad, el arte, las zonas rurales y de su gente, tan genuina y cautivadora como los murales creados a lo largo este inolvidable viaje por carretera.

9/10

Saber, ganar y madurar

Dir.: John Francis Daley, Jonathan Goldstein
Int.: Jason Bateman, Rachel McAdams, Kyle Chandler, Jesse Plemons, Billy Magnussen, Sharon Horgan, Lamorne Morris, Kylie Bunbury
¿De qué va?: Max y Annie son una pareja que forman parte de un grupo de amigos que queda todas las semanas para una noche de juegos organizada por uno de ellos. En una de esas noches Brooks, el carismático hermano de Max, organiza un misterioso juego en el que sus amigos deberán resolver un secuestro que dará paso a una noche caótica que los acabará introduciendo en una situación de vida o muerte.

Reseña: Lo peor que le puede pasar a alguien a quien le gustan los juegos no es perder, sino no encontrar a alguien con quien poder jugar. Cualquiera al que le gusten los videojuegos puede echar partidas online con amigos y desconocidos en la distancia, pero con los tradicionales juegos de mesa es más complicado reunir a los amigos para sentarse alrededor de un tablero, y es que muchas personas pierden la afición por ellos con el paso de los años. Es algo comúnmente aceptado por la sociedad, madurar implica dejar atrás los juegos…. aunque en realidad aportan más sabiduría de lo que parece.

Noche de juegos es una comedia en la que un grupo de aficionados a este tipo de diversión casera acaban implicados sin darse cuenta en una intriga de la vida real por la que sus vidas podrían correr peligro, pero en la que podrán aplicar todas las habilidades y conocimientos que han adquirido tras tantas partidas jugadas para salir airosos. Esto se produce en situaciones, la gran mayoría hilarantes, que son guiños a juegos tan míticos como Jenga, Quién es quién, Simon dice u Operación, siendo este último el que da pie a la mejor secuencia del film. Afortunadamente, no estamos ante el enésimo caso de comedia americana con gran premisa y desarrollo desaprovechado, pues funciona la mar de bien gracias a un ritmo constante, una galería de personajes muy simpáticos, un buen puñado de gags de todo tipo (escatológicos, físicos, de referencias culturales, humor negro…) y giros de guion muy, muy locos.

La pareja de directores formada por John Francis Daley y Jonathan Goldstein maneja de forma inteligente todos los recursos que están a su disposición y, dado su buen oficio tras las cámaras, especialmente en un elaborado plano secuencia al estilo Tarantino, se entiende que hayan sido los elegidos para dirigir la película de The Flash. En cuanto al reparto, Jason Bateman demuestra una vez más su destreza para liderar este tipo de comedias, pero el verdadero gustazo está en ver a gente como Rachel McAdams, Kyle Chandler o Jesse Plemons, tan poco dados al género, sacar su vis más divertida. La primera en particular está espléndida y termina eclipsando a su partenaire, aunque no hay puntos débiles en el grupo de amigos protagonista, y ninguna de sus subtramas se queda descolgada.

Sí que es cierto que los conflictos que definen el arco argumental de cada pareja no resultan especialmente originales, pues ya los hemos visto en muchas comedias sobre “Peter Panes” y son de resolución previsible, pero se compensa con el cariño que acabas sintiendo por todos ellos y con los derroteros que toma la trama principal, una especie de Con la muerte en los talones en la que unas personas normales y corrientes acaban envueltas en una situación que les supera, sin demasiada pericia pero muy motivados. Así pues, Noche de juegos acaba siendo una auténtica revelación y una de las comedias el año, un pasatiempo tan estupendo como esos juegos que a priori parecen un rollo, pero que, una vez te metes de lleno, te lo pasas tan bien que te da pena que terminen… como el parchís. Cómo lo echo de menos.

8/10

O.C: El seductor (1971)

¿De qué va?: Durante la Guerra Civil norteamericana, un soldado yanqui malherido es rescatado por una jovencita de una escuela de señoritas del sur del país. Al principio todas las mujeres están aterrorizadas, pero cuando el hombre empieza a recuperarse, una a una las irá conquistando a todas, y así el ambiente se va enrareciendo a causa de los celos.

Reputación: Adaptación cinematográfica de la novela A Painted Devil de Thomas P. Cullinan y tercera colaboración de las cinco que realizaron el director Don Siegel y el actor Clint Eastwood; las otras cuatro fueron La jungla humana (1968), Dos mulas y una mujer (1970), Harry el sucio (1971) y Fuga de Alcatraz (1979). Siegel llegó a asegurar tanto que esta era su película favorita de todas las que hizo como que su mal paso por la taquilla se debió a una equivocada estrategia de marketing por parte del estudio, Universal, que la vendió como otra película de acción de Eastwood, lo que decepcionó a su audiencia fiel y provocó un mal boca a boca.  También se enfrentó al estudio para poder conservar el final original, dado que este quería suavizarlo. Durante el rodaje, Eastwood dirigió su primer film, un vistazo tras las cámaras al trabajo de su director llamado The Beguiled: The Storyteller (1971), y mantuvo un affaire con la actriz Jo Ann Harris que duró hasta tiempo después de la filmación. El año pasado, Sofia Coppola estrenó una nueva versión de la novela de Cullinan, La seducción, en la que se profundizó más en el punto de vista femenino de la historia.

Reseña: Es complicado determinar si El seductor es mejor o peor que el film de Sofia Coppola. Ambos cuentan la misma historia, siendo la diferencia más significativa la supresión en la versión más moderna del personaje de la criada negra  y de los pensamientos y flashbacks que evidencian el turbio pasado de las integrantes de la escuela de señoritas donde acaba el soldado malherido. Coppola apuesta por el misterio y la sororidad entre mujeres, mientras que Siegel destaca la enajenación mental de las mismas a causa de la soledad y la represión sexual. Y mientras que ella filma con una sobriedad impropia, él dirige con desparpajo setentero, sin disimular en absoluto los aspectos más grotescos de la trama, tomándosela en serio lo justo y suficiente de tal manera que nadie pueda ofenderse demasiado con esta denominada “pesadilla misógina”. Incluso con el reparto es complicado decantarse, porque si bien el film de Coppola sale ganando en cuanto al plantel femenino, las artes seductoras de Clint Eastwood resultan más convincentes que las de Colin Farrell. En definitiva, casi mejor que lo dejamos en tablas.

Próximo visionado: Almas de metal (1973)

Una vez más sin sentimiento

Dir: Steven S. DeKnight
Int.: John Boyega, Scott Eastwood, Cailee Spaeny, Burn Gorman, Charlie Day, Jing Tian, Rinko Kikuchi, Adria Arjona, Jin Zhang
¿De qué va?: Jake, hijo de Staker Pentecost, uno de los héroes que consiguió frenar la invasión de los Kaiju 10 años atrás, se ve obligado a entrenar a una nueva generación de pilotos de Jaegers en una época de paz que es interrumpida por una nueva amenaza que volverá a poner el peligro el futuro de la raza humana.

Reseña: Este año Guillermo del Toro ha ganado un Oscar y ahora parece que todos siempre hemos sido muy fans, pero lo cierto es que su filmografía, pese a la voluntad comercial, no siempre ha sido especialmente rentable ni venerada, y es que, antes de La forma del agua, la única película de su carrera que había recibido el beneplácito unánime de la crítica había sido El laberinto del fauno (2006). De hecho, su película más taquillera hasta la fecha es Pacific Rim (2013), la cual, paradójicamente, tuvo una acogida discreta en Estados Unidos, recaudando poco más de 100 millones de dólares para un presupuesto de casi el doble, 190; no así en China, donde cosechó tal éxito que la convirtió en una producción rentable y le garantizó esta secuela que llega cinco años después, con Guillermo del Toro cediendo la silla del director a un recién llegado, Steven S. DeKnight, para limitarse a labores de producción.

Seguramente, los más interesados en la realización de esta secuela fueron los orientales, y como gracias a ellos ha sido posible, Insurrección cuenta en su reparto con estrellas chinas como Jing Tian y desarrolla buena parte de su historia en Asia. DeKnight no se recrea tanto en la majestuosidad de los Jaeger y en la monstruosa magnitud de los Kaiju y pisa el acelerador en una trama que toca el tema del peligro de los drones no tripulados un poco por encima y que concentra el grueso de la acción en el último tramo. El problema de la visibilidad de la acción se ha corregido respecto a la primera parte, puesto que las batallas ya no se producen en noches oscuras y lluviosas, sino a plena luz del día, y aunque intenta cumplir a rajatabla con la regla no escrita sobre las secuelas, esto es, ofrecer el doble de todo, acaba prevaleciendo aquel dicho tan sabio que dice que más no siempre significa mejor.

DeKnight hizo un estupendo trabajo como showrunner de la primera temporada de Daredevil, pero aquí no consigue imponerse, prolongando un universo que le es ajeno y que nunca consigue abrazar como propio. También se echa en falta a los protagonistas del film original, pues John Boyega, por muy simpático que nos caiga, carece del nervio de Idris Elba, y Scott Eastwood parece la marca blanca de Charlie Hunnam. Burn Gorman y Charlie Day no consiguen repetir la divertida dinámica que tenían entonces, y con Rinko Kukuchi en un rol menor, quien consigue despuntar un poco es la joven y desconocida Cailee Spaeny, pero cualquier atisbo de encariñamiento que puedas sentir hacia alguno de los personajes es mera casualidad. Esta Insurrección no cuenta con la frescura ni el entusiasmo de la película de la que precede, pero entretiene como pocas y, a pesar del bajón, da una pista de los derroteros por los que podría ir la tercera parte que, al prometernos algo diferente y novedoso, nos vende desde ya la entrada del cine. Todo dependerá de que la llama de la pasión que siente China por Pacific Rim no se apague con esta secuela funcional.

6/10

Amor en el ocaso

Dir.: Paul McGuigan
Int.: Annette Bening, Jamie Bell, Julie Walters, Stephen Graham, Vanessa Redgrave, Frances Barber, Peter Turner, Leanne Best, Kenneth Cranham
¿De qué va?: El 29 de septiembre de 1981, el actor británico Peter Turner recibe una llamada inesperada: su ex amante, la ganadora del Oscar Gloria Grahame, ha sufrido un colapso en un hotel de Lancaster. Mientras ella se niega a ser atendida por los médicos, a él no le queda más remedio que ir a buscarla para llevársela a su humilde casa familiar en Liverpool. Allí, mientras cuida de ella, revivirá todo lo que les unió durante años y también lo que les separó.

Reseña: Con el tiempo, algunas estrellas de Hollywood se apagan y pasan al olvido. Es un destino cruel para aquellos acostumbrados a ser el centro de todos las atenciones, y bien sabemos por la depredadora prensa rosa/amarilla, que no todos saben llevarlo bien. No es el caso de Gloria Grahame, actriz de la edad dorada de Hollywood, ganadora del Oscar a mejor actriz de reparto por Cautivos del mal (1952), que tras dejar de recibir la llamada de la Meca del Cine, continuó trabajando en el teatro, especialmente en Inglaterra, donde conoció a un joven aspirante a actor con el que pasó los últimos años de su vida. Este chico, Peter Turner, escribió un libro de memorias sobre su relación, llamado Las estrellas de cine no mueren en Liverpool, el cual ha sido llevado al cine emparentándose con Mi semana con Marilyn (2011), pues sendas películas narran un breve período de la vida de una estrella de cine desde el punto de vista de un satélite, una persona ajena al mundillo en el que se ha curtido que descubre la faceta más personal e íntima de la misma.

Sin embargo, si el contacto de aquel chaval con la Monroe se reduce prácticamente a una anécdota, la relación entre Grahame y Turner fue sólida y transcurrió durante varios años. A través del punto de vista de él descubrimos a una mujer divertida, generosa y humilde, que compartía anécdotas curiosas de su vida en Hollywood pero que nunca se jactaba de sus logros, y que tras un historial amoroso tumultuoso, encontró en un joven y tranquilo británico lo más parecido a un alma gemela que se puede tener cuando ya estás a vueltas de todo. Desde un presente doloroso, Turner viaja al pasado a través de flashbacks que recorren toda su vida conjunta, en la que también tienen un papel fundamental los padres de él, encarnados por Julie Walters y Kenneth Cranham, cuya comprensión y cariño los convierte en la versión proletaria de los progenitores de Elio en Call Me By Your Name.

Pero lo mejor del conjunto es, sin lugar a dudas, la pareja formada por Annette Bening y Jamie Bell, cuya improbable química se fragua desde que bailan música disco juntos y culmina en escenas posteriores en la que la emoción que transmiten resulta genuina. Ambos merecían mejor suerte en la pasada temporada de premios, pero quizás no la hayan tenido porque no se encuentran del todo respaldados por una dirección y una ambientación de época muy discreta, así como un último acto orquestado de manera un tanto sentimentaloide. A pesar de ello, la película se alza como una bonita, dulce y sencilla historia de amor, nada empalagosa, que además nos hace descubrir a una estrella olvidada, Gloria Grahame, a la que se la hace un sentido homenaje (impagable su momento recogiendo el Oscar), cautivándonos de tal forma que nos deja con ganas de rescatar su filmografía.

7/10

O.C: Cabeza borradora (1977)

¿De qué va?: Henry Spencer, un joven depresivo y asustadizo, trata de sobrevivir a su entorno industrial, a su novia malhumorada y al insoportable llanto de su hijo mutante recién nacido.

Reputación: David Lynch tardó seis años en filmar su ópera prima, dado que nadie se interesó por financiar el proyecto. Aprovechó la ayuda dada por el American Film Institute de Los Ángeles, donde cursaba sus estudios de cinematografía, para sacarla adelante. Aún así, tuvo que pedir dinero a amigos y familiares para recaudar los 20.000 dólares que necesitó para terminarla, caso de su amigo de la infancia, Jack Fisk, y de su esposa, Sissy Spacek, e incluso se dedicó a vender periódicos. Lynch la denomina su “Historia de Filadelfia”, puesto que considera que vertió en ella todos los temores y la ansiedad que experimentó cuando vivía en aquella ciudad. En numerosas ocasiones, Lynch se ha negado a hablar del significado del film, para no influenciar en el punto de vista de los espectadores, así como de revelar cómo fue elaborada la criatura, aunque se rumoreó que fue construida a partir de un feto de vaca embalsamado. Aunque la película tuvo un estreno menor como “película de medianoche”, al igual que Pink Flamingos o Rocky Horror Picture Show, muchos directores de la élite de Hollywood la vieron y se quedaron impresionados, caso de Stanley Kubrick, que la tomó como referencia para rodar El resplandor (1980). También le abrió las puertas a otros proyectos, pues George Lucas le ofreció dirigir El retorno del jedi (1983), oferta que rechazó… al contrario de la que le brindó Mel Brooks de hacerse cargo de El hombre elefante (1980).

Comentario: Eraserhead es un David Lynch en bruto, si pulir. Él es más fiel a sí mismo cuanta más libertad se le otorga, como hemos podido ver en la revival de Twin Peaks, y aquí, pese a la presión ejercida por la escasez de medios, consiguió hacer la película que siempre tuvo en su cabeza, o más bien la pesadilla, pues es profundamente simbólica, grotesca, surrealista, perturbadora e indescifrable… aunque se pueda intuir que todo sea una representación del miedo a la paternidad que sintió el propio director cuando nació su hija. Con esta película, Lynch empezó a revertir y retorcer la imagen idílica de la clase media norteamericana y a desafiar la necesidad del espectador de tener que buscar una explicación racional a todo, cuando seguramente ni siquiera el propio Lynch sabrá el significado de mucho de lo que escribe; el propio actor protagonista, Jack Nance, también ha declarado en varias ocasiones no saber muy bien de qué va. Y qué más da, cuando la imaginería visual de este señor resulta tan absurda e icónica que cualquier explicación medianamente lógica no haría otra cosa que menoscabar la atracción que suscita.

Próximo visionado: El seductor (1971)

Para ustedes, jugadores

Dir.: Steven Spielberg
Int.: Tye Sheridan, Olivia Cooke, Ben Mendelsohn, Lena Waithe, Win Morisaki, Philip Zhao, Mark Rylance, Simon Pegg, T.J. Miller, Hannah John-Kamen
¿De qué va?: En el año 2045, la mayoría de la población mundial vive hacinada en torres formadas por autocaravanas y se evade en un juego de realidad virtual llamado OASIS. También es el caso de Wade Watts, un joven que se lanza a la carrera para desentrañar un rompecabezas, basado en la cultura popular de los años 80 e ideado por el difunto creador de OASIS, que concederá al ganador toda su fortuna y el control sobre su obra.

Reseña: Muchas películas han intentado reproducir sin éxito lo que se siente a los mandos de una consola. Se quedan en la pirotecnia y los continuos desafíos a la física, pero el espectador permanece impasible en la butaca, sin tomar el control de la acción como lo hace en un videojuego. La esencia del videojuego reside en la oportunidad que ofrece al jugador de convertirse en alguien radicalmente distinto, con habilidades únicas, permitiéndole explorar un entorno fantástico y protagonizar su propia historia, o dicho en otras palabras, evasión pura y dura. Ha tenido que llegar el contador de historias por excelencia, el Rey Midas de Hollywood, Steven Spielberg, para reivindicar un arte generalmente despreciado.

Con Ready Player One, Spielberg no solo rinde tributo a la experiencia que ofrece una videoconsola, sino a la cultura pop a la que él mismo ha contribuido enormemente. En cierta manera, se autohomenajea, brindando una aventura con los mismos ingredientes utilizados en el cine juvenil de los 80, en la línea de E.T., el extraterrestre: un grupo de chavales corrientes se embarca en una aventura alucinante donde se enfrentan a una poderosa y malévola corporación dirigida por adultos que ya han olvidado la integridad e inocencia de la niñez. Ya que la moda por la nostalgia hacia aquella década ha pegado fuerte, era necesario que uno de sus principales artífices aportara su visión, y Spielberg lo hace a través de la figura del creador de OASIS, la realidad virtual en la que se ambienta el grueso de la historia. Halliday, encarnado por Mark Rylance, es el fantasma de un hombre que tuvo una vida cargada de éxitos, pero también de arrepentimientos y tribulaciones a partir del momento en el que factores económicos, empresariales e interpersonales empezaron a interponerse ante su sencillo anhelo de crear mundos.

En medio de todo el barullo y los efectos digitales, Spielberg reivindica la autoría del creador de aquellas películas, videojuegos, libros, series de televisión, cómics y demás que consiguen despertar tanta pasión alrededor del mundo, a través de sentidos y sorprendentes homenajes materializados en la búsqueda del tesoro en la que se ven envueltos los jóvenes héroes, sin obviar que el villano, el ávido empresario encarnado por Ben Mendelsohn, es una parte indispensable de la ecuación, pues no deja de ser un fanboy más al que le han podido las ansias de monetizarlo todo, como cualquier ejecutivo de Hollywood que se precie. Ready Player One no deja de ser una historia sobre la lucha entre el bien y el mal, con todos los ‘tics’ del cine de Spielberg, tales como el uso y abuso de lens flares, el humor blanquísimo, la emotividad que estalla en el tercer acto o un sentido de la espectacularidad sin parangón y con una técnica pulidísima aunque el descontrol impere en la pantalla, caso de esa loquísima carrera a lo Mario Kart del principio del film.

Quizás la película no se convierta en un clásico de la cultura popular como todo aquello a lo que homenajea, tal vez porque sus héroes protagonistas, pese a ser efectivos, no son lo suficientemente singulares y carismáticos como para enamorarse de ellos; uno se acuerda más de la ingesta cantidad de detalles y guiños frikis que pueblan la película, aunque muchos sólo podrían resultar perceptibles a través de varios revisionados. En definitiva, lo que podría haber sido fácilmente un blockbuster de usar y tirar se convierte en una película con un discurso sólido y contundente que rompe una lanza a favor de cosas que normalmente no son veneradas o tomadas en serio fuera de la celebración de una Comic-Con. Esto es una exaltación del orgullo friki y de sus placeres que ni el más hater puede ser capaz de repeler.

8/10