4/3/21

O.C: El hombre que pudo reinar (1975)

¿De qué va?: Dos exsoldados británicos deciden autoproclamarse reyes de Kafiristán, una tierra que no ha sido pisada por un hombre blanco desde Alejandro Magno.

Reputación: El hombre que pudo reinar (The Man Who Would Be King) fue un proyecto que John Huston intentó levantar durante muchos años, habiendo quedado prendado del libro homónimo de Rudyard Kipling cuando era niño. Originalmente, Huston planeó rodarla en la década de los 50 con Clark Gable y Humphrey Bogart como protagonistas, pero la idea se fue al traste con la muerte de Gable, en 1957, a la que le sucedió poco después la de Bogart, en el 60. Burt Lancaster y Kirk Douglas fueron los siguientes candidatos, y Richard Burton y Peter O’Toole poco después. En los 70, Huston tanteó a Robert Redford y Paul Newman, pero este último le aconsejó que los papeles deberían ser encarnados por actores británicos, sacando los nombres de Michael Caine y Sean Connery a la palestra. Caine en particular se mostró entusiasmado con el papel al saber que en su momento estaba destinado para Humphrey Bogart, su actor favorito cuando era joven. El papel de Roxanne fue encarnado por la esposa de ascendencia india de Michael, Shakira Caine, después de que Huston descartarse a la primera opción, Tessa Dahl, por preferir alguien que tuviese unos rasgos que fueran similares a los de los nativos de Kafiristán. La película supuso la despedida de Huston de las grandes películas de aventuras que había rodado décadas atrás, como La reina de África (1951) o El tesoro de Sierra Madre (1948), y que ya no se hacían. Fue nominada a cuatro Oscar: mejor guion adaptado, montaje, vestuario y dirección artística.

Comentario: El hombre que pudo reinar tenía todos los ingredientes para que me gustase: John Huston en la dirección, el dúo formado por Connery y Caine, Christopher Plummer como tercera pata, una historia basada en el autor de El libro de la selva, críticas superlativas…. Pues me he llevado una gran decepción. La química de la pareja protagonista salta a la vista, pero ni la historia ni la comedia me parecen nada del otro mundo. La acción tarda en arrancar, el componente aventurero no destaca demasiado y aunque se percibe el homenaje nostálgico que realiza Huston a la época en la que tanto él como otros directores realizaron lo imposible, la magia del cine, al final me quedo con la sensación de que es, ante todo, una oda al colonialismo sin gancho. Pero una vez más, tiene pinta de que el problema es mío y no de la película en sí.

Próximo visionado: Recuerdos (1980)

2/3/21

Itinerario de estrenos de marzo 2021



Raya y el último dragón: Nuevo clásico Disney que sigue la historia de Raya, una joven de espíritu aventurero a la que se le encomienda la misión de devolver el equilibrio a su tierra encontrando al último de los dragones. Don Hall (Big Hero 6) y Carlos López Estrada (Summertime) dirigen el film, que en su versión original cuenta con las voces de Kelly Marie Tran (Star Wars: El ascenso de Skywalker) y de Awkwafina (The Farewell). Las críticas están siendo positivas, y su estreno será simultáneo en cines y Disney+ con acceso premium.
Estreno: 5 de marzo



Minari. Historia de mi familia: Film de tintes autobiográficos dirigido y escrito por Lee Isaac Chung (Abigail Harm). Se  trata de la historia de una familia coreana que a mediados de los años 80 se muda de la ciudad a una zona rural de Arkansas para cumplir el sueño del padre de abrir una granja de productos de su país natal. Steve Yeun (Burning) encabeza el elenco de una las películas más importantes de la temporada de premios actual, ganadora del premio a mejor película y el del público del Festival de Sundance del año pasado, así como del Globo de Oro a mejor película de habla no inglesa. También está nominada a 8 Critics Choice y a 6 Independent Spirit Awards. Las críticas son excelsas y merecidas, es una maravilla. En breve, reseña.
Estreno: 12 de marzo

 



Relic:
Film de terror australiano sobre una hija, una madre y una abuela que son acosadas por un presencia que parece estar tomando el control de la anciana. La directora y guionista Natalie Erika James salta del cortometraje al largo con esta producción que ha recibido críticas muy positivas y que está protagonizada por Emily Mortimer (La posesión de Mary), Bella Heathcote (Wonder Women y el profesor Marston) y Robyn Nevin (Dioses de Egipto).
Estreno: 12 de marzo

 

Nomadland: La gran favorita de la actual carrera al Oscar es el nuevo film de Chloé Zao (The Rider), que gira en torno a una mujer que, tras perderlo todo durante la recesión, se embarca en un viaje hacia el Oeste americano viviendo como nómada en una caravana. Frances McDormand (Tres anuncios en las afueras) y David Strathairn (Godzilla: Rey de los monstruos) encabezan un elenco mayormente compuesto por actores no profesionales. El palmarés que lleva acumulado da vértigo: León de Oro del Festival de Venecia, Premio del Público del Festival de Toronto, Globo de Oro al mejor drama y la mejor dirección, Gotham a la mejor película, 5 nominaciones a los Independent Spirit Awards, 6 a los Critics Choice Awards, etcétera, etcétera. Obviamente, las críticas que ha cosechado son magníficas.
Estreno: 26 de marzo

 



Godzilla vs. Kong: La trilogía norteamericana de Godzilla culmina en este crossover con Kong: La isla calavera (2017) que dirige Adam Wingard (Death Note). En el elenco repiten intérpretes vistos en Godzilla: Rey de los monstruos (2019) como Millie Bobby Brown, Kyle Chandler y Zhang Ziyi, a los que se les suman Alexander Skarsgård (El día que vendrá), Rebecca Hall (Historias del bucle), Eiza González (Bloodshot), Demian Bichir (Cielo de medianoche) y Jessica Henwick (Underwater), entre otros. ¿El argumento? Godzilla se enfrenta a King Kong en una batalla que determinará el futuro de la humanidad; no hace falta más.
Estreno: 26 de marzo

1/3/21

Actor del mes: Tom Holland



Nombre completo: Thomas Stanley Holland

Fecha de nacimiento: 1 de junio de 1996

Lugar de nacimiento: Kingston-upon-Thames, Surrey (Inglaterra)

Fecha de nacimiento:

Uncharted (2022)
Spider-Man: No Way Home (2021)
Chaos Walking (2021)

Cherry (2021)
El diablo a todas horas (2020)
Onward (solo voz) (2020)
Las aventuras del Doctor Dolittle (solo voz) (2020)
Espías con disfraz (solo voz) (2019)
Spider-Man: Lejos de casa (2019)
Vengadores: Endgame (2019)
Vengadores: Infinity War (2018)
La guerra de las corrientes (2017)
Spider-Man: Homecoming (2017)
Z, la ciudad perdida (2016)
Capitán América: Civil War (2016)
En el corazón del mar (2015)
Wolf Hall (Miniserie de TV) (2015)
Mi vida ahora (2013)
Lo imposible (2012)


Méritos: De los tres actores que han encarnado a Spider-Man en el cine, Tom Holland es el que mejor ha encajado con el personaje por ser “el amigo y vecino” que todo el mundo querría tener. A los españoles ya nos cayó bien desde que aguantó de forma estoica toda una ceremonia de los Goya sin conocer a nadie ni entender ni papa de lo que estaba sucediendo, y todo por haber sido nominado por su interpretación en Lo imposible (2012), su debut cinematográfico tras triunfar en el teatro londinense con el musical de Billy Elliot. Como pasa con cualquier extranjero que no habla español, no ganó el Goya, pero prosiguió con una carrera que le llevó a convertirse en una estrella de cine al ser elegido para ser el Hombre Araña del Universo Cinematográfico de Marvel.

Holland capeó el agotamiento del público ante un nuevo reinicio del superhéroe arácnido con su simpatía natural y lo adorable que resulta cuando suelta algún spoiler sin querer en las entrevistas. Además, se ha convertido en uno de los favoritos de Film Twitter por ser uno de los estandartes de la nueva masculinidad, la que no se corta al jugar al Fuck/Marry/Kill con sus compañeros masculinos y la que se traviste para personificar a Rihanna sin un ápice de rubor (ver apartado de extras). Actualmente, Tom Holland intenta demostrar que es un actor capaz de mucho más que de liderar las franquicias que se le empiezan a acumular: mientras rueda su tercera aventura en solitario de Spider-Man, la adaptación al cine del videojuego Uncharted entra en post-producción y se estrena en Apple+ Cherry, donde da vida a un veterano de la guerra de Irak reconvertido en atracador de bancos. Con nuestra simpatía más que ganada, es el momento de que Tom Holland se asiente como un valor de largo recorrido.


Extras:

Tráiler de Cherry

Tráiler de Chaos Walking

Lip Sync Battle – Tom Holland

Toda la verdad sobre Tom Holland – Infiltrados en Internet

Entrevista por Spider-Man: Lejos de casa

28/2/21

Hora de cotufas – 1x09 – Rodado en Tenerife


En la última década, Canarias en general y Tenerife en particular se han convertido en uno de los platós de cine predilectos de muchas producciones internacionales. Por ello, recibimos a Luis Adrián (ladrian_86) para enumerar las razones de este fenómeno cinematográfico y hacer un repaso por algunas de las películas más importantes que se han rodado en Tenerife, con estrellas de cine tan variopintas como Raquel Welch, Vin Diesel, Penélope Cruz y Matt Damon.

Disponible en ivoox y Spotify.

26/2/21

Music – Córneas quemadas


Dir.:
Sia
Int.: Kate Hudson, Maddie Ziegler, Leslie Odom Jr., Beto Calvillo, Mary Kay Place, Braeden Marcott, Juliette Lewis, Ben Schwartz, Héctor Elizondo
¿De qué va?: Music es una una joven autista que tras el fallecimiento de su abuela comienza a ser atendida por su medio hermana, Zu, un espíritu libre que vivía alejada de la familia y traficaba con drogas.

Reseña: El debut en la dirección de la cantante y compositora Sia empezó con mal pie desde su pobre y polémica defensa en Twitter ante las críticas por haber escogido a una actriz neurotípica para dar vida a una niña autista. “Esperad a ver la película” decía, y tenía razón, pues esa decisión de casting no es el mayor problema de Music, un musical que es un atentado ante el buen gusto y el sentido común. Es increíble lo mucho que desbarra la flamante nominada al Globo de Oro a mejor comedia/musical, a la altura de aquella vez en la que la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood consideró que The Tourist (2010) era una de las mejores cinco comedias de su año.


No voy a entrar a valorar si la representación que hace la película del autismo es o no veraz, pero si la comunidad autista se ha llevado las manos a la cabeza, por algo será. Aún así, tampoco hace falta estar muy informado para darse cuenta de lo problemática y ofensiva que es la forma en la que se trata el autismo en el film, pues Maddie Ziegler se limita a poner caras todo el rato, una versión exagerada de la danza interpretativa que realizaba para los videoclips de Sia. Pero es que además, parece que por ser autista el personaje de Music no tiene derecho a tener una evolución, o personalidad, ejerciendo tan solo de revulsivo redentor del personaje de Kate Hudson, así como de medio para introducirnos en un mundo onírico musical donde, supuestamente, los personajes consiguen expresar sus verdaderos sentimientos.

Pero la película no consigue levantar el vuelo ni en sus momentos musicales. Si bien algunas canciones que no están mal, la puesta en escena chillona, esquizofrénica y cutre las echa por tierra, por no hablar de un vestuario horroroso que parece un aborto de Agatha Ruiz de la Prada y Desigual, y unos intérpretes cuyas mandíbulas parecen a punto de desencajarse de tanto exceso gestual. Las canciones ni siquiera consiguen encajar con la narración y con las circunstancias de los personajes, y en su intento de ejercer de reverso luminoso de una realidad deprimente a lo Bailar en la oscuridad (2000), la película resulta tremendamente ridícula.

En definitiva, Music es una obra concebida para alimentar el ego de Sia, pero le ha salido el tiro por la culata. Su aproximación al autismo es tremendamente paternalista y condescendiente, mientras que las problemáticas que aborda (alcoholismo, violencia familiar, racismo… de todo un poco) se quedan en la superficie y son pegotes para intentar insuflar de validación e importancia social a un film que, en su empeño por transmitir buen rollo, da repelús. Que las protagonistas se llamen Music y Zu son indicios certeros de la clase de despropósito a la que nos enfrentamos, cuyo clímax final resulta tan absurdo y delirante que hay que verlo para creerlo.

2’5/10

24/2/21

O.C: Faces (1968)

¿De qué va?: Richard es un hombre de negocios de mediana edad que le dice de forma abrupta a su mujer, María, que quiere el divorcio. Mientras Richard comienza así una aventura con una mujer más joven, María disfruta de una noche en la ciudad con sus amigos en la que conoce a un muchacho.

Reputación: Mientras filmaba una parte del programa La hora de los famosos, John Cassavetes vio a Steven Spielberg curioseando por el set, como solía hacer por aquel entonces. Cassavetes se acercó a Spielberg y le preguntó a qué se quería dedicar, y cuando este último respondió que quería ser director, Cassavetes dejó que el joven dirigiera por él durante el resto de la jornada. Más adelante, invitó a Spielberg a trabajar en su nueva película como asistente de producción durante dos semanas; esa película era Faces, que fue financiada con el salario como actor de Cassavetes en cinco películas distintas. El montaje original del film rondaba las seis horas de duración; se realizaron diferentes versiones, pero todas fueron destruidas una vez se creó el montaje definitivo. En el Festival de Toronto se estrenó una versión de 183 minutos, pero se eliminaron escenas para su estreno comercial, quedándose finalmente en 130. Faces ganó el premio Pasinetti a la mejor película y el de mejor actor (John Marley) en el Festival de Venecia y fue nominada a tres Oscar: mejor actor de reparto (Seymour Cassel), actriz de reparto (Lynn Carlin) y guion original. Directores como Woody Allen y Robert Altman han reconocido la película como una de las fuentes de inspiración de sus obras.

Comentario: No sé si es que el día que me puse a ver Faces estaba muy empanado, pero me costó darme cuenta de que Gena Rowlands encarna a la amante y no a la esposa del protagonista, algo que había dado por hecho por ser quien es y por ser cabeza de cartel. Esa confusión que sentí se puede aplicar también a toda la película, con la que no conecté demasiado. Gente borracha, riéndose y gritando durante dos horas, componiendo un fresco en blanco y negro sobre el aburrimiento de la clase media norteamericana, el vacío sentimental que arrastra y el absurdo de la institución del matrimonio. Se tocan temas interesantes pero me parece todo tan caótico que no saco ninguna lectura clara aparte de las obvias y me aburro mientras pienso que Antonioni lo hizo mejor en su trilogía de la incomunicación.

Próximo visionado: El hombre que pudo reinar (1975)

22/2/21

Palmer – Tierno y calentito


Dir.: Fisher Stevens
Int.: Justin Timberlake, Ryder Allen, Juno Temple, Alisha Wainwright, June Squibb, Dean Winters, Wynn Everett
¿De qué va?: Tras 12 años en prisión, Eddie Palmer vuelve a casa para reconstruir su vida. Allí entabla una peculiar e inesperada conexión con Sam, un niño de una familia desestructurada.

Reseña: Hay películas más que suficientes para encajar en todos los estados de ánimo posibles. Igual que hay días que tenemos el cuerpo para ver cosas sesudas y contemplativas, en otros nos apetece ver un tipo de película que nos haga sentir bien y que resulte cálido y familiar, como la manta con la que nos cubrimos mientras la vemos. Pero no vale cualquier cosa, y es más complicado de lo que parece emocionar y hacer cómplice al espectador sin caer en el porno-drama y la sensiblería fácil. Pues bien, todos aquellos a los que les apetezca una peli bonita están de enhorabuena, porque el último estreno de Apple+, Palmer, es bonita como para recomendársela a tu madre con la seguridad de que le va a gustar.

Justin Timberlake encarna a un antigua estrella deportiva de instituto que acaba de cumplir una larga sentencia en prisión. El crimen que cometió es un tanto ridículo, blandito para impedir que el personaje nos cause demasiado rechazo. No pasa nada, es un detalle menor. El caso es que se va a vivir con su abuela (la siempre entrañable June Squibb), y por circunstancias de la vida, acaba pasando mucho tiempo con el hijo de la vecina “white trash” (Juno Temple clavándolo como siempre). El crío, sin embargo, juega con muñecas y es fan de un club de princesas de la tele, lo cual choca con el carácter adusto de Palmer. No hay que ser un genio para imaginar qué es lo que va a ocurrir a lo largo de la cinta, pero el camino resulta tan reconocible como reconfortante. Es sensible pero no se sobrecargan las tintas hasta el último acto, cuando ya estamos completamente comprometidos con los personajes y sus circunstancias.


La principal (y probablemente única) novedad que aporta Palmer a la temática de relaciones paternofiliales platónicas está en que el niño tenga una personalidad que desafía las convenciones de género en un entorno bastante rancio, lo cual trae consigo un mensaje de aceptación y empatía siempre necesario. Además, el pequeño Ryder Allen está estupendo y buena parte de la responsabilidad de que el film funcione se debe a que no tiene nada que ver con los niños repelentes que suelen protagonizar este tipo de historias, así como  a la relación que mantiene con un Justin Timberlake que como actor siempre ha funcionado bastante bien. Palmer es, en definitiva, una pequeña y efectiva “feel-good movie” sin trampa ni cartón que cumple con creces su objetivo de enternecer al personal.

7/10