¿De qué va?: Nació en Detroit… en una línea de montaje de automóviles. Pero no es un coche cualquiera. En el fondo del chasis se aloja el mismísimo diablo. Es Christine, un Plymouth Fury de 1958, rojo y blanco, cuyo único equipo "normalizado" comprende un deseo de venganza insaciable que hiela la sangre a cualquiera y destruye todo aquello que encuentra en su camino.
Reputación: La popularidad de Stephen King era tan alta a principios de los 80 que la producción de Christine arrancó antes incluso de que el libro en el que se basa fuese publicado. El productor Richard Kobritz recibió el manuscrito de Christine junto con el de Cujo, y escogió desarrollar la historia del coche diabólico porque la del perro asesino le parecía demasiado absurda. Según comenta su guionista, Bill Phillips, en el audiocomentario del DVD, la película no tenía suficiente violencia como para conseguir una calificación “R”, y tenían miedo de que nadie quisiera verla con una calificación menos restrictiva. Así que introdujo a propósito la palabra “fuck” para poder conseguir la “R”, pero acabaron siendo criticados por usarla. La cinta fue rodada en el mismo vecindario donde John Carpenter rodó años atrás La noche de Halloween (1978). El más que posible origen del nombre del coche asesino proviene de la película Christine, que se tituló en España como Amoríos, y que se estrenó en el 1958, mismo año en el que se fabricó el modelo de automóvil, el Plymouth Fury. King lo eligió porque se trataba de un coche olvidado, y no quería uno que ya tuviera una leyenda asociada a él como el Thunderbird de los 50. La película fue considerada un fiasco, tanto para los fanáticos de de Stephen King como para los de John Carpenter. Tanto las opiniones de la crítica como el resultado de la taquilla fueron bastante mediocres, aunque consiguió doblar su presupuesto de 9,7 millones de dólares en la taquilla americana recaudando 21 miillones.
Comentario: En Christine colaboraron dos de los autores del terror y el fantástico más aclamados de los años 80, cuya influencia en el género sigue vigente a día de hoy. Sin embargo, cabría esperar algo más de una película que tiene detrás a John Carpenter y Stephen King, pues, pese al talento de ambos, el terror y el asombro son tan ligeros que podría tratarse perfectamente de una fábula incluida en alguna antología de terror para jóvenes del tipo Pesadillas, que advierta de los peligros de la conducción colérica. Aún así, tiene su gracia ver la evolución del protagonista, encarnado por Keith Gordon, de pringado a psicópata, seducido por los diabólicos encantos del coche maldito y el chute de testosterona que le supone conducirlo. Christine cobra vida propia mientras la película nunca se toma demasiado en serio a sí misma ni cae en la autoparodia, lo cual hace de su visionado una experiencia curiosa y amena, especialmente indicada para auténticos nostálgicos del fantástico ochentero.
Próximo visionado:La noche de los muertos vivientes (1968)
Dir.: Dominic Savage Int.: Gemma Arterton, Dominic Cooper, Frances Barber, Marthe Keller, Jalil Jespert, ¿De qué va?: Tara es una mujer cuya vida ha pasado a estar dedicada, en exclusividad, a su marido y a sus dos hijos. Pero en realidad se siente atrapada. Le falta algo. Algo no cumplido y desconocido que le genera un vacío interior. Mientras su familia y amigos no comprenden la profundidad de su desesperación, sus ideas y sentimientos son tan abrumadores que necesita huir para encontrar un lugar donde poder volver a ser ella misma.
Reseña: Dejarse llevar suena demasiado bien… pero conlleva un riesgo. Porque de repente puedes despertarte un día y darte cuenta de que has escogido un camino en la vida que no te satisface, siendo demasiado tarde para dar marcha atrás. Es lo que le ocurre a la protagonista de La búsqueda de la felicidad (The Escape), Tara, una mujer joven casada y con dos hijos pequeños consciente de que algo no va bien. Nadie en su entorno parece percatarse de ello, pero nosotros sí, los espectadores, pues somos testigos de su incomodidad y aflicción llevando una rutina diaria dedicada exclusivamente a su familia, y todo parece indicar que seguirá siendo así en los años venideros.
Tara intenta encontrar algo que le apasione y que sea solo para ella, pero no encuentra la comprensión que desea de su marido, Mark. La película destaca en la manifestación de los sentimientos contrapuestos que experimenta la pareja protagonista ante la coyuntura en la que se encuentra su matrimonio: la vergüenza de ella por ansiar algo más de que lo tiene, la frustración de él por no ser capaz de comprender qué es lo que le está ocurriendo a su mujer. El retrato de este matrimonio está tan bien afinado gracias a un guion que no necesita que los personajes verbalicen y expliquen sus sentimientos para transmitirlos y por el trabajo de los actores. Dominic Cooper está estupendo como un hombre que ama a su mujer pero que es demasiado corto de miras para darse cuenta de que ella no siente lo mismo por él, pero La búsqueda de la felicidad es en realidad un vehículo para el lucimiento interpretativo de Gemma Arterton, una actriz a la que no se le presta toda la atención que se merece. Arterton realiza el amplio y complejo arco emocional del personaje con absoluta entrega, sensibilidad y belleza, suficiente y más para disipar cualquier duda que aún pueda haber sobre su gran talento.
La dirección de Dominic Savage acierta al dejar que toda la película recaiga en el rostro de su actriz protagonista, pero se equivoca con las imágenes de transición reiterativas y al meter una banda sonora poco inspirada y sobreutilizada. Hacia el final, el guion patina un poco sacándose situaciones de la manga para precipitar un desenlace que, por otra parte, acentúa la valentía de una propuesta capaz de tener a una madre que expresa la incapacidad que siente de amar a sus hijos pequeños sin demonizarla. Probablemente, La búsqueda de la felicidad quede sepultada ante la avalancha de estrenos potentes que se nos avecina esta temporada, pero merece ser vista y reivindicada, pese a lo genérico tanto su título original como del traducido al español.
Dir.: Luca Guadagnino Int.: Dakota Johnson, Tilda Swinton, Mia Goth, Chloë Grace Moretz, Sylvie Testud, Angela Winkler, Malgorzata Bela, Jessica Harper ¿De qué va?: La oscuridad se arremolina en un centro de danza de renombre mundial, alcanzando a la directora artística, a una ambiciosa bailarina y a un psicoterapeuta en duelo. Algunos sucumbirán a la pesadilla. Otros finalmente despertarán.
Reseña: Normalmente los remakes están concebidos a raíz de la pereza. La pereza de los estudios por buscar ideas originales para atraer a los espectadores al cine, así como el convencimiento de que estos últimos son demasiado vagos como para ver películas hechas al otro lado del mundo o antiguas. Y es que es tan triste como cierto que buena parte del público considera viejas y desdeñables a las películas hechas hace más de uno o dos años. Es probable que el remake de Suspiria (1977), una de las obras capitales del giallo, haya sido planteado en un principio como una mera modernización del cuento de terror gótico de Dario Argento, pero nadie contaba con que Luca Guadagnino acabaría al mando de él para destrozarlo a martillazos y prenderle fuego para recomponerlo a su manera.
Poco tiene que ver la Suspiria de Guadagnino con la de Argento. Ni en el plano estético ni en el argumental. Aquella era colores primarios y saturados y esta es gris y marrón. La banda sonora setentera y diabólica ha mutado en los acordes melancólicos de Thom Yorke. La academia de aquel entonces era de danza clásica y se encontraba en un bosque, la de ahora es baile contemporáneo y está situada frente al muro de Berlín. La nueva ubicación no es casual: Guadagnino ambienta la película en el año en el que se estrenó la original y repara en el tormentoso clima político que se vivía en Alemania por aquel entonces, a través de las noticias de la radio y estableciendo un paralelismo entre el país y la propia academia, donde también hay dos bandos que se disputan el control del lugar. Guadagnino quiere abarcar demasiadas cosas, se las arregla para ser sobreexplicado y confuso al mismo tiempo, dilatando el metraje hasta las dos horas y media (53 minutos más que la original), pero las imágenes resultan tan evocadoras e hipnóticas que es imposible apartar la mirada aunque estemos presenciando algo profundamente perturbador.
El cambio de estilo de danza sienta de fábula a la historia porque aquí el baile está mejor ensamblado en la historia, concebido como una invocación a la par de un exorcismo de instintos primigenios y de búsqueda y encuentro de la identidad auténtica. Como en Cisne negro (2011), la perfección se alcanza entregándose a la danza sin recelos, firmando un pacto con el diablo. De esa idea surge la que probablemente sea una de las mejores y más terroríficas escenas del año: la prueba de Susie Bannion (Dakota Johnson) para el papel protagoniza de la pieza que prepara la academia. Guadagnino da en el clavo al confiar el liderazgo del reparto femenino del film a sus dos musas, Tilda Swinton y Dakota Johnson, y aunque el afán de la primera por el transformismo puede despistar un poco, el enigmático hechizo en el que están envueltos sus personajes e interpretaciones funciona de principio a fin.
Suspiria es imperfecta, pero ahí radica su valor y belleza. Es irregular, descompensada, pero no teme caer en el exceso ni en resultar antipática al espectador. Posee un espíritu feminista nada ingenuo, pues de la misma forma que ensalza la sororidad y la maternidad como fuerzas implacables, muestra que las mujeres son capaces de hacer cosas terribles a sus congéneres, de la misma forma que no están exentas de ser corrompidas por las ansias de poder. La ambivalencia de Guadagnino da pie a múltiples interpretaciones sobre la moral que mueve a las gobernantas de esa academia de danza, pero lo que queda claro a través de la triste historia de amor y duelo del psicoterapeuta es que, si la redención no es posible, lo mejor para la culpa y la vergüenza es un cambio de dirección, aunque el pasado y los errores cometidos permanezcan manifiestos, ya sea en la pared de una casa, en el muro que separa un país o en las profundidades de una institución infernal.
Llega uno de los dos momentos del año en los que les pido su participación activa, pues hay que votar entre los actores y actrices que nos han acompañado a lo largo de los últimos 12 meses en El Otro Fanboy quiénes merecen ser elegidos como los mejores, los que más han destacado de entre sus compañeros de profesión.
La mecánica es la de todos los años, bien sencilla. Consiste en votar a través del enlace que encontrarán a continuación a un actor y a una actriz de entre los nominados. La decisión es cosa de ustedes pero un poco más abajo encontrarán el anuario que nos ha dejado el 2017, con enlaces a las entradas dedicadas a cada uno en su respectivo mes, junto con las películas que han estrenado a lo largo del año entre paréntesis. La votación se cerrará en la medianoche del próximo 30 de diciembre para acabar el año con el anuncio de los ganadores y la publicación de los resultados, descubriendo así quién sucede a los últimos ganadores, Adam Driver y Nicole Kidman (también pueden acceder al anuario y los resultados de los años anteriores al final de esta entrada).
¡Muchas gracias por participar en esta 9ª edición de elecciones al actor y a la actriz del año!
Dir.: Alfonso Cuarón Int.: Yalitza Aparicio, Marina de Tavira, Fernando Grediaga, Jorge Antonio Guerrero, Diego Cortina Autrey, Carlos Peralta, Marco Graf, Daniela Demesa, Nancy García ¿De qué va?: En los años 70, en una colonia cerca del centro de Ciudad de México, vive una familia de la alta burguesía formada por la Señora Sofía, su marido médico y sus cuatro hijos. En un segundo plano, está Cleo, una joven criada indígena cuya armónica vida se verá trastocada por acontecimientos privados y públicos.
Reseña: ¿Qué es lo primero que querríamos hacer tras viajar al espacio exterior? Probablemente, volver a casa. Al menos eso es lo que ha hecho Alfonso Cuarón, pues, tras haberse recuperado de la odisea realizada en Gravity (2013), ha vuelto a su México natal, donde no rodaba desde Y tu mamá también (2001), para su siguiente película, Roma. Definida por su director como una carta de amor para las mujeres que lo criaron, la cinta muestra la crisis que atraviesa una familia burguesa desde el punto de vista de una de sus criadas, Cleo, quien también tiene que lidiar con sus propios problemas. Mientras, de forma paralela, la ciudad también pasa por tiempos convulsos, pero Cuarón apenas ofrece una contextualización, pues solo repara en el ambiente político cuando impacta de alguna manera en la vida de Cleo y de la familia para la que trabaja. Lo importante en Roma no es la crisis en sí misma, sino en cómo se sale fortalecido de ella.
Probablemente no exista película rodada en blanco y negro más cálida que ésta. La dirección de fotografía a cargo del propio Cuarón impregna a la película de una luminosidad que la convierte en una serie de postales en movimiento, con vida propia. Apenas se aprecia la completa ausencia de banda sonora, pues los sonidos ambientales y urbanos están perfectamente medidos, como en la escena en la que una triste despedida es irrumpida por una banda musical que pasa por la calle, o en la tensa escena en la playa que se produce casi al final: nunca el sonido de las olas rompiendo en la orilla había sonado tan fuerte ni implacable. La falta de música extradiegética también contribuye a que el drama hable y respire por sí solo, de tal forma que ni cae en el melodrama ni se torna distante, logrando un equilibrio emocional complicadísimo.
Roma es una historia mínima contada a gran escala y sin sacrificar su carácter intimista. Casi todas las secuencias son resueltas con planos fijos cercanos de los personajes o largos travellings, paralelos o circulares, que los retratan en la distancia, en un entorno que se impulsa a su propio ritmo. Pero la maquinaria no serviría de nadie si no contase con un corazón palpitante que llegara donde la técnica no alcanza, y Cuarón ha tenido el buen ojo de recaer esa responsabilidad en Yalitza Aparicio. La actriz debutante aporta una naturalidad y ternura inmensas a Cleo, a través de la cual, Cuarón homenajea a la que fue su nana cuando era pequeño, y que, como se deja ver en una divertida escena, es una mujer que está en completa armonía consigo misma, y por eso se convierte en un pilar tan fuerte en la familia para la que trabaja.
A fin de cuentas, Roma es una película sobre la fuerza de la maternidad ante la desigualdad entre hombres y mujeres en el mundo en general y en México en particular. Sobre cómo los hombres pueden abandonar a las mujeres y sus responsabilidades cuando quieran y cómo éstas tienen que levantarse por sí mismas y sacar adelante a todos los que dependen de ellas. Es muy emocionante el viaje que realiza la matriarca, interpretada por Marina de Tavira, y la forma tan inteligente y sutil que tiene Cuarón de representarlo a través del coche familiar. Resulta tan fácil abordar el film con grandilocuencia como derribarlo si uno acerca a él con la idea preconcebida de que el gran cine debe ser ensordecedor, fastuoso y arrebatador. La historia que cuenta Roma es sencilla y su tempo tranquilo y sereno, pero sus hallazgos son tan genuinos, fascinantes y atemporales, que solo puede tratarse de la obra de una persona que comprende y habla el lenguaje cinematográfico como pocos; una obra que está llamada a convertirse en un clásico moderno.
Dir.: David Yates Int.: Eddie Redmayne, Katherine Waterston, Dan Fogler, Alison Sudol, Ezra Miller, Claudia Kim, Zoë Kravitz, Callum Turner, Jude Law, Johnny Depp ¿De qué va?: Grindelwald, el mago tenebroso, ha escapado y, lo que es peor, está reuniendo a un grupo de devotos seguidores, que no sospechan sus verdaderas intenciones: alzar a los magos por encima de las criaturas no mágicas. En un esfuerzo por frustrar sus planes, Albus Dumbledore recluta a su antiguo estudiante Newt Scamander, quien accede a prestar su ayuda, sin conocer los peligros que le aguardan.
Reseña: Hace dos años, Animales fantásticos y dónde encontrarlos fue presentada como una estupenda vía para apuntalar la inevitable explotación del sello Harry Potter tras terminar de adaptar al cine la saga literaria de J.K. Rowling: una precuela que expandía el universo mágico a través de una nueva trama, nuevos y carismáticos personajes, nuevo escenario y nuevo contexto histórico, pero el mismo espíritu aventurero y fantástico que le labró el éxito a su autora. La historia quedaba cerrada pero dejaba algunas pistas y cabos sueltos para desarrollar en el segundo de los cinco episodios de los que constará esta nueva saga.
Entre el buen sabor de boca que dejó el anterior film y algunas de las novedades que ya sabíamos (¡Dumbledore! ¡París!) había interés por ver qué iba a ocurrir en Los crímenes de Grindelwald, pero esta vez la magia no ha surtido el efecto esperado. La historia gana complejidad presentando nuevos misterios y personajes, pero a su vez se ve lastrada por exceso de subtramas, confluyendo todas en una reunión final en la que se explican cosas, demasiadas, y se recolocan las piezas del tablero de cara al futuro. Tristemente, estamos ante una película de transición que rescribe el final de la anterior entrega para poder estirar la historia durante tres películas más. El escenario parisino está poco aprovechado, pues al margen de descubrir su Ministerio de Magia, resulta tan deslucido como el toque de cine de espionaje que se le pretende dar tímidamente a la película.
El cuarteto protagonista que tan bien funcionó en Animales fantásticos y dónde encontrarlos queda aquí diluido en un elenco plagado de caras nuevas que esperan tener más protagonismo en las futuras continuaciones, y eso también incluye al Dumbledore al que da vida Jude Law con suma clase y magnetismo. Lo que han hecho aquí con los dos mejores personajes de la anterior entrega, Jacob (Dan Fogler) y Queenie (Alison Sudol) no tiene perdón alguno; el primero se dedica a corretear de un lado a otro sin mucho que hacer y la evolución de la segunda resulta demasiado incoherente. Ezra Miller acaba beneficiándose de la importancia (un tanto gratuita) que ha ganado su personaje frente el manierismo de Eddie Redmayne y un Johnny Depp que como gran villano provoca demasiada indiferencia y nos hace preguntarnos la razón por la que Hollywood sigue considerándolo tan infalible pese a lo mal que le va desde Alicia en el país en el país de las maravillas (2010).
No todo es malo: resulta moderadamente entretenida, tiene suficientes elementos para satisfacer a muchos fans, y continúa con el paralelismo político-social de la anterior película. Porque Grindelwald es, al fin y al cabo, un líder (supuestamente) carismático que, a través de mentiras, adulaciones, promesas vacías y miedo, recluta adeptos incluso entre aquellos que él considera inferiores y desdeñables, beneficiado por la ineficacia de un sistema que descuida a aquellos que da por hecho tener a su lado y que no atiende a sus necesidades. La película debería haberse llamado El mitin de Grindelwald, puesto que sus crímenes de momento no son nada de otro mundo, ni mágico ni terrenal. Lo que está claro es que mucho tendrá que animarse y reconducirse la cosa en la tercera entrega para poder recuperarse de este inesperado bajón. Esperemos que David Yates y J.K hagan los deberes y se pongan las pilas.
Roma: Antes de poder verse en Netflix a partir del 14 de diciembre, el último film de Alfonso Cuarón (Gravity) se estrenará en (muy pocas) salas españolas. La película es un homenaje al matriarcado en el que se crió el director, contando la historia de una joven sirvienta que trabaja para una familia de clase media de Ciudad de México, con la agitación política que se vivió en la capital durante la década de 1970 como telón de fondo. La debutante Yalitza Aparicio y Marina de Tavira (Ingobernable) protagonizan la que probablemente sea la película con mejores críticas del año, representante de México en los Oscar y ganadora del León de Oro del último Festival de Venecia. Reseña en breve. Estreno: 5 de diciembre
Suspiria: Luca Guadagnino (Call Me by Your Name) revisiona el clásico de terror homónimo de Dario Argento con un reparto encabezado por Dakota Johnson (Malos tiempos en el Royale), Tilda Swinton (Okja), Chloë Grace Moretz (Malditos vecinos 2) y Mia Goth (El secreto de Marrowbone). La historia gira en torno a Susie Bannion, una joven americana que viaja a Berlín para estudiar danza en una prestigiosa academia, pero algo muy siniestro sucede dentro de la escuela... La película ha recibido críticas muy polarizadas que recuerdan a las cosechadas por ¡madre! hace un año. Muy pronto, la reseña. Estreno: 5 de diciembre
Ralph rompe Internet: Secuela del film de Disney estrenado en el año 2012. En esta ocasión, Ralph y su amiga Vanellope salen de los recreativos para adentrarse en el mundo inexplorado, expansivo y emocionante de Internet. Rich Moore vuelve a dirigir la cinta, esta vez acompañado del debutante Phil Johnson, mientras que Gal Gadot (Liga de la Justicia) y Taraji P. Henson (Figuras ocultas) son las principales incorporaciones vocales al elenco capitaneado por John C. Reilly, Sarah Silverman y Jane Lynch. Las críticas han sido muy positivas. Estreno: 5 de diciembre
El regreso de Ben:Peter Hedges (La extraña vida de Timothy Green) dirige este drama protagonizado por Lucas Hedges (Lady Bird) y Julia Roberts (Wonder) sobre un adolescente adicto a las drogas que regresa a casa por sorpresa en la víspera de Navidad. Su madre le da la bienvenida pero pronto descubre que la vida de su hijo está en peligro. Las críticas han sido generalmente positivas, destacando el duelo que se marcan sus dos protagonistas. Estreno: 5 de diciembre
The Escape (La búsqueda de la felicidad): Drama que gira en torno a una madre y ama de casa asfixiada por llevar una vida que no le satisface y que acabará tomando una decisión que cambiará su vida para siempre. Gemma Arterton (Su mejor historia) y Dominic Cooper (Mamma Mia: Una y otra vez) protagonizan el film dirigido por Dominic Savage (True Love). Ha obtenido críticas positivas que ensalzan especialmente el trabajo de su actriz protagonista, recibiendo una nominación al BIFA (premios otorgados al cine británico independiente). En breve, reseña. Estreno: 14 de diciembre
Un asunto de familia (Shoplifters): Ganadora de la Palma de Oro del último Festival de Cannes y representante de Japón en la próxima edición de los Oscar, el nuevo trabajo de Hirokazu Koreeda (El tercer asesinato) es la historia de una atípica familia que sobrevive a través de pequeños hurtos y que acoge a una niña abandonada, pero su felicidad se ve interrumpida cuando un accidente imprevisto revela sus secretos. Las críticas han sido fantásticas y es, junto a Cold War, la principal competidora de Roma en la categoría de mejor película de habla no inglesa en los Oscar. En breve, reseña. Estreno: 21 de diciembre
El regreso de Mary Poppins: Secuela del clásico de Disney de 1964 en el que Emily Blunt (Un lugar tranquilo) recoge el testigo de Julie Andrews encargando a la famosa niñera mágica, que regresa a la familia Banks para ayudarla a encontrar la alegría y la magia que faltan en sus vidas tras sufrir una trágica pérdida. Rob Marshall (Into the Woods) dirige el film, cuyo reparto se completa con los nombres de Lin-Manuel Miranda, Ben Whishaw (La chica danesa), Emily Mortimer (La librería), Julie Walters (Las estrellas de cine no mueren en Liverpool), Colin Firth (Mamma Mia: Una y otra vez), Meryl Streep (Los archivos del Pentágono) y Angela Lansbury (Los pingüinos del Sr. Popper). Los primeros comentarios son fantásticos, de hecho, la National Board Review la ha metido en su lista de las 10 mejores películas del año y ha sido nominada a 6 Satellite Awards. Estreno: 21 de diciembre
Spider-Man: Un nuevo universo: Película de animación que reúne a diferentes encarnaciones del trepamuros con el objetivo de detener una amenaza que afecta a todas las realidades paralelas en las que habitan. Bob Persichetti y Peter Ramsey (El origen de los guardianes) dirigen este film escrito y producido por los responsables de La LEGO película, Phil Lord y Chris Miller. En su elenco de voces destacan Chris Pine (Rey legítimo), Zoë Kravitz (Animales fantásticos: Los crímenes de Grindelwald), Hailee Steinfeld (Dando la nota 3), Nicolas Cage (Mandy), Mahershala Ali (Moonlight) y el difunto Stan Lee. Las primeras críticas están siendo muy positivas. Estreno: 21 de diciembre
Lo que esconde Silver Lake: El nuevo trabajo del director de It Follows, David Robert Michell, es un thriller noir protagonizado por un joven que decide investigar la desaparición de su misteriosa y sexy vecina, descubriendo por el camino una conspiración de lo más bizarra. Andrew Garfield (Una razón para vivir) y Riley Keough (Noche de lobos) protagonizan la película, que ha recibido una valoración bastante dispar tanto en su paso por el Festival de Cannes como por el de Sitges. Estreno: 28 de diciembre
Aquaman: Tras ser presentado en Liga de la Justicia, el superhéroe marino de DC protagoniza su aventura en solitario, en la que deberá aprender y asumir su responsabilidad como líder del reino de Atlantis. James Wan (Expediente Warren: El caso Enfield) dirige la superproducción, protagonizada por Jason Momoa, Amber Heard (La chica danesa), Patrick Wilson (El pasajero), Willem Dafoe (The Florida Project) y Nicole Kidman (El sacrificio de un siervo sagrado). Aún no hay críticas pero los primeros comentarios apuntan a que convencerá más al público que la película en la que conocimos a Aquaman. Estreno: 28 de diciembre
Tiempo después:José Luis Cuerda vuelve al territorio de la comedia absurda que tan buenos frutos le dio con la película de culto Amanece, que no es poco (1989) adaptando una novela propia ambientada en un futuro muy lejano. El mundo entero se ha visto reducido a un único edificio y a unas afueras cochambrosas en lsa que habita José María, un tipo que confía en que, con la venta de una riquísima limonada, otro mundo será posible. Blanca Suárez (El bar), Roberto Álamo (Es por tu bien), Arturo Valls (El mejor verano de mi vida), Miguel Rellán (Villaviciosa de al lado), Carlos Areces (Cuerpo de élite), Antonio de la Torre (El reino), Joaquín Reyes (Los futbolísimos) y Rául Cimas (Los del túnel) son solo algunos de los integrantes del extenso reparto de la película, presentada en el Festival de San Sebastián con disparidad de opiniones. Estreno: 28 de diciembre
