15/2/18

La subversión de los inadaptados

Poster La forma del agua


Dir.: Guillermo del Toro
Int.: Sally Hawkins, Michael Shannon, Richard Jenkins, Octavia Spencer, Michael Stuhlbarg, Doug Jones, David Hewlett, Nick Searcy
¿De qué va?: Elisa es una empleada de limpieza muda que trabaja en un laboratorio secreto en plena Guerra Fría y que cuya vida cambiará para siempre cuando descubre en el lugar un hombre-pez único que es sometido a crueles experimentos. Elisa empieza entonces a sentir simpatía por ese extraño ser y se establece una fuerte conexión entre ambos.

Reseña: Los auténticos monstruos no son seres que se salen de la norma, sino aquellos individuos que precisamente se esconden dentro de la normalidad y la apariencia para sembrar el odio, la violencia y el miedo. Sobre esta teoría se basa prácticamente toda la filmografía de Guillermo del Toro, siendo El laberinto del fauno (2006) la película en la que mejor había encajado hasta ahora narrativa, contexto histórico e imaginario fantástico. Pero ahora llega La forma del agua como seria aspirante a convertirse en la obra cumbre del mexicano, una puesta al día de La cosa del pantano (1982) y una revisión del mito de La bella y la bestia con un siempre necesario mensaje de tolerancia.

Shape of Water3

Los placeres de La forma del agua residen en los detalles: la minuciosa puesta en escena, la ambientación sesentera, la pormenorizada fotografía, la banda sonora de cuento de Alexandre Desplat, la morfología del hombre-pez, o que pueda ser cándida y bonita sin resultar ingenua y boba, lo cual se refleja perfectamente al no encubrir la sexualidad de Elisa, la protagonista. No resulta tan placentero lo que está trazado con brocha gorda, como el villano, encarnado por, quién si no, Michael Shannon. Del Toro le da contexto y motivaciones, pero sigue siendo un malo malísimo que parece sacado de un clásico Disney. Pero tiene que estar, porque el personaje de Shannon representa a esa clase de malvado que ha permanecido en la sombra hasta ahora: el hombre blanco normativo que trata a las mujeres como seres inferiores y cuya solución para todos los problemas reside en apresar, atacar, colocar barreras e infundir terror.

Shape of Water

En el lado opuesto se encuentran los héroes anónimos de esta historia: una muda, un homosexual, una negra y un inmigrante ruso. Las etiquetas no son casuales. Del Toro coloca a una serie de marginados por la sociedad como valientes motores del cambio y de la lucha contra la opresión y la injusticia, otorgando asimismo a cada uno de ellos un poco de trama personal que enriquece al conjunto y beneficia la empatía con el espectador. Y si normalmente Octavia Spencer, Richard Jenkins y Michael Stuhlbarg son secundarios de lujo, contribuyendo siempre a que la película en la que participen sea mejor, aquí no van a ser menos y los tres están excepcionales en roles que parecen sencillos, aunque en realidad no lo sean; no todo el mundo tiene un don para hacer su trabajo con naturalidad, saber cuál es su función en un conjunto y ajustarse a ello. Mención aparte merece Sally Hawkins, en una interpretación libre de inhibiciones y honesta, que alterna dulzura y determinación con absoluta armonía y belleza, capaz de expresar un amplio abanico emociones sin pronunciar palabra alguna, al igual que su partenaire, Doug Jones, el hombre detrás de la criatura de la que se enamora Elisa.

Shape of Water2

Si bien La forma del agua está llamada a convertirse en una película con un gran impacto cultural y social y en uno de los romances cinematográficos más destacados del siglo XXI, habrá que ver qué tal le sienta el paso del tiempo. Si bien al terminar la proyección uno sale irremediablemente conquistado por esta fábula y enamorado del amor, de la magia del celuloide, de las salas vacías de los cines de ciudad que sobreviven al streaming, del agua, de los monstruos que se dejan querer y de la solidaridad, no sé hasta qué punto puede perdurar esa sensación. Tengo la impresión de que el embrujo de la película se agota rápido, reduciéndose en el recuerdo a la etiqueta de “una película bonita”, pero ojalá que no sea así, porque no nos podemos permitir que películas como esta, que mezclan ciencia ficción, romance y defensa multicultural con tanto cariño, pasen fácilmente al olvido.

8/10

10/2/18

O.C: Érase una vez en América (1984)

Poster Once Upon a Time¿De qué va?: En el comienzo del siglo XX, David Aaronson, un pobre chaval judío, conoce en los suburbios de Manhattan a Max, otro joven de origen hebreo dispuesto a llegar lejos por cualquier método. Entre ellos nace una gran amistad y, con otros colegas, forman una banda que prospera rápidamente, llegando a convertirse, en tiempos de la Ley Seca, en unos importantes mafiosos.

Reputación: Última parte de la conocida como trilogía de América de Sergio Leone, precedida por Hasta que llegó su hora (1968) y ¡Agáchate, maldito! (1971). La idea para el film surgió a partir de la novela The Hoods de Harry Grey, pues a Leone le pareció fantástica que se tratase de la autobiografía de un gánster, y se obsesionó con conocer al autor. Durante un viaje a Nueva York para trabajar en el marketing de Hasta que llegó su hora, Leone por fin tuvo la oportunidad de conocer a Grey, y tras confirmar que este era Noodles, el protagonista de la novela, decidió llevar su historia al cine. Más de 15 años después, presentó la película en el Festival de Cannes. El proceso de creación del film no estuvo exento de problemas, como  dificultades para obtener financiación y los derechos del libro, cambio de productor a mitad de la preproducción, un guion trabajado hasta por siete guionistas o un arduo proceso de casting; curiosamente, antes de Robert De Niro, se le ofreció el papel principal a Jack Nicholson y Al Pacino, pero lo rechazaron al no querer hacer más papeles de gánster.

Once Upon a Time in America2

Pero lo peor de todo fue que para el estreno americano, Ladd Company mutiló el montaje, pasando de 229 minutos a 144 y ordenando cronológicamente la historia, suprimiendo los flashbacks. El director recurrió a los tribunales pero no pudo impedir el estreno de la versión del estudio, que fue un rotundo fracaso en taquilla. El montaje aprobado por Leone se estrenó en Europa y en el Festival de Nueva York de 1984, pero el que él realizó de 270 minutos permanece inédito a día de hoy. Con esta película, Sergio Leone obtuvo por primera vez el reconocimiento más allá de Europa al ser nominado al Globo de Oro a mejor director, y también obtuvo 5 nominaciones a los BAFTA, ganando el de mejor vestuario y banda sonora original.

Once Upon a Time in America


Comentario: Qué pereza me dan las historias de gánsteres y traficantes, por muy de moda que estén ahora y por muchos clásicos merecedores de visionado que versen sobre ellos. Sin embargo, tolero Érase una vez en América y sus más de tres horas de metraje porque, en realidad, la profesión criminal de los protagonistas es solo una pieza más del mosaico que supone el film, en el que se habla de la amistad, de arrepentimientos, de la nostalgia, de almas corrompidas, ajustes de cuentas, remordimientos, el paso del tiempo y de la perversión del sueño americano. Es grandilocuente, sí, pero tiene numerosos alicientes por los que se lo puede permitir; entre ellos la dirección artística y la banda sonora de Ennio Morricone, ambas magníficas, así como el descubrimiento de una jovencísima Jennifer Connelly en el único personaje femenino de peso en una historia que, como otras tantas películas del género, reduce a las mujeres a objeto de deseo y trofeo masculino. Porque aquí lo primordial es la camaradería entre hombres, pero también lo frágil que puede llegar a ser esta cuando factores como el dinero, el poder o las susodichas mujeres entran en la ecuación, aunque siempre quede el recuerdo de aquella época de la niñez en la que todo era mucho más honesto y sencillo.

Próximo visionado: Jennie (1948)

9/2/18

Dependencias

Poster El hilo invisible


Dir.: Paul Thomas Anderson
Int.: Daniel Dany-Lewis, Lesley Manville, Vicky Krieps
¿De qué va?: En el Londres de los años 50, el modista Reynolds Woodcock y su hermana Cyril son el centro de la moda británica con más glamour. Las mujeres pasan por la vida de Reynolds sin dejar huella, hasta que conoce a una camarera, la joven y temperamental Alma, que acabará convirtiéndose en su musa y amante. Sin embargo, la perfectamente estructurada vida de Reynolds se verá alterada por la llegada de Alma, y eso es algo que el modista no había contemplado.

Reseña: Esto que voy a decir puede ir en contra del dictamen cinéfilo, pero me da igual: me gustaba más el Paul Thomas Anderson de los 90, el de Boogie Nights (1997) y Magnolia (1999), que el de Pozos de ambición (2007) y The Master (2012). Aquellas frenéticas y excesivas películas de sus comienzos despertaban muchas más sensaciones en mí que sus trabajos de madurez, que pueden estar mejor filmados y escritos pero me producen más frío que calor. Su último film, El hilo invisible, continúa la senda gélida de su cine, tras la excepción de la psicotrópica, pero también un pelín desangelada, Puro vicio (2014), aunque es probable que nos encontremos ante la mejor conjunción entre el refinamiento formal del Anderson maduro y la locura argumental del joven… Aunque pensándolo bien, ninguno de los personajes de su filmografía podría considerase normal o mundano.

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La primera mitad de El hilo invisible se desarrolla siguiendo los cánones del romance gótico: Reynolds, un caballero solitario y huraño, se queda prendado de Alma, una humilde plebeya, y decide llevarla a su mansión, donde la convertirá en su musa y amante. La chica queda deslumbrada ante el mundo de alta costura en la que le introduce su enamorado, pero pronto empezará a percatarse de que de ella se espera un determinado comportamiento dócil que no está dispuesta a asumir. Aquí es donde Anderson introduce el primer giro moderno a la premisa clásica de la que ha partido, la insumisión de la “chica florero” desde el primer momento. Reynolds es un señor con un cúmulo de manías y supersticiones, como todos cuando nos vamos haciendo mayores, y no está dispuesto a ceder ante ellos con la llegada de Alma. ¿Por qué debería hacerlo si jamás lo hizo con todas las que estuvieron antes que ella? El modista deja mensajes ocultos entre las costuras de los vestidos que confecciona, intentando dejar algo imperceptible de él en esas mujeres que viste, pero no acepta bajo ningún concepto que nadie haga lo mismo con él, aquejado de una relación truncada con su madre que nunca ha logrado superar.

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Cuando parece que la relación entre Reynolds y Alma no da más de sí,  Anderson revitaliza la narración con otro giro que parte del rechazo de ella a correr el mismo destino que sus predecesoras, mutando la dependencia entre el artista y su musa a la aún más compleja que se establece en una relación romántica, plateando cuestiones sobre la naturaleza del amor, cómo se genera y qué función desempeña en la vida de una pareja. Anderson expone que la alquimia del amor sigue siendo algo inexplicable, que puede producirse de las formas más inesperadas e incomprensibles, pero retorcidamente eficaces. Es fácil rememorar Rebeca (1940), por esos intentos de la recién llegada de introducirse en una casa y un mundo que le son completamente ajenos, pero sobre todo por la presencia de la hermana de Reynolds (magnífica Lesley Manville) que actúa como ama de llaves de su torturada alma, siendo la única capaz de no sentirse acomplejada o inhibida frente a él hasta la irrupción de Alma. Con todo, también me recuerda bastante a Secretary (2002) a la hora de explorar dinámicas poco convencionales en una relación.

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Daniel Day-Lewis se despide (¿definitivamente?) del cine con una interpretación antipática y arrogante que le viene como anillo al dedo, aunque cuando más destaca es en los momentos en los que exterioriza la vulnerabilidad de su personaje, así como aquellos en los que expresa amor y felicidad frente a una actriz desconocida, Vicky Krieps, que aparece en la historia de forma apocopada y torpe para a continuación ganar presencia y protagonismo de forma gradual, comiéndole la tostada (con mantequilla) a su reputado ‘partenaire’. El hilo invisible está bellamente filmada y fotografiada, como cabía esperar de Paul Thomas Anderson, además de estar acompañada por una banda sonora de Jony Greenwood y una dirección de vestuario cautivadoras, pero lo que de verdad convierte esta película en un inesperado placer son las numerosas capas y lecturas que posee una historia que a priori parecía aburrida y sosita. En absoluto. Anderson ya ha dejado atrás el nervio narrativo de sus primeras obras, pero ha llegado a un punto en el que es capaz de combinar clasicismo con modernidad y dar lugar una obra superior a la suma de ambas partes.

8/10


5/2/18

Prensa sin mordaza

Poster The Post


Dir.: Steven Spielberg
Int.: Meryl Streep, Tom Hanks, Sarah Paulson, Bob Odenkirk, Tracy Letts, Bruce Greenwood, Matthew Rhys, Alison Brie, Carrie Coon, Jesse Plemons
¿De qué va?: En junio de 1971, la primera mujer editora del Washington Post, Katherine Graham, y el director Ben Bradlee tuvieron que tomar la complicada decisión de si publicar o no los documentos filtrados que revelaban que la Casa Blanca había estado mintiendo a los americanos sobre la Guerra de Vietnam durante varios años, con amenaza de pena de cárcel por parte de la Administración Nixon.

Reseña: Steven Spielberg es especialmente venerado por ser uno de los directores clave en la formulación del cine norteamericano comercial de los años 70 en adelante, pero también tiene una faceta política y comprometida importante que es la que, al fin y al cabo, le ha granjeado el respeto y la admiración de la Academia de Cine sin cortapisas, porque por muy icónicas que sean Tiburón  (1975), E.T. El extraterrestre (1982) o la trilogía de Indiana Jones, la película que lo consagró de forma definitiva fue La lista de Schindler (1993). Aún con todo, decir que el cine “liviano” de Spielberg está libre de carga política y social resulta absurdo, pero el caso es que, en lo que se realizaba la costosa posproducción de su próximo blockbuster, Ready Player One, el director sacó tiempo para rodar otra película totalmente diferente que incluso ha llegado a estrenarse antes.

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¿Y por qué las prisas? Pues porque Spielberg, que no tiene ni un pelo de tonto (y seguramente ni de republicano), ha visto que hay un más que evidente paralelismo entre la guerra que se libró entre el presidente Nixon y la prensa americana en los albores del caso Watergate con la que se está librando ahora entre Trump y los medios, a quienes el primero llegó a definir como “el enemigo del pueblo americano”. Así pues, Los archivos del Pentágono es exactamente lo que se espera de ella: una película narrada con maestría en la que se ensalza el poder y la importancia de la prensa libre. Un poco lo mismo que contaba Spotlight hace un par de años pero centrándose más en quiénes que en el qué. Si en la oscarizada película periodística los reporteros eran prácticamente trabajadores anónimos al servicio de una investigación pormenorizada, en el film de Spielberg se cargan las tintas en el heroísmo de aquellos individuos que se enfrentan a las esferas de poder por la defensa de unos valores que se olvidan cuando entran en juego factores externos pero decisivos, como la rentabilidad del negocio, los intereses políticos o la presión judicial.

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Spielberg no sólo aprovecha la ocasión para dar un paso al frente contra la administración Trump, sino también para rodar la que seguramente sea la película con la presencia y voz femenina más potente de una filmografía en la que escasean las mujeres protagonistas. Porque la decisión de publicar o no la información de los documentos filtrados acaba dependiendo de una señora que hasta entonces había intentado en vano imponerse en un negocio conducido íntegramente por hombres, reconocida por ser una excelente anfitriona de fiestas pero minusvalorada al considerar que su trabajo de editora le viene grande y le ha tocado simplemente por una cuestión de herencia. Alabar a esta alturas la labor de Meryl Streep ya resulta algo rutinario, pero hay que hacerlo, porque la última vez que estuvo tan bien fue en La duda, y de eso ya ha pasado una década; tal vez tenga algo que ver también que los directores con los que ha trabajado durante estos años no están a la altura de Spielberg, ni mucho menos. Streep brilla, sobre todo cuando su personaje se debate entre hacer un salto de fe o no, y forma una dupla fantástica con Tom Hanks, cuya ausencia en las nominaciones a los Oscar resulta verdaderamente inexplicable. La película también sale reforzada de un amplio elenco de secundarios, la mayoría de lo mejorcito que nos podemos encontrar en el panorama televisivo actual: Sarah Paulson, Carrie Coon, Matthew Rhys, Alison Brie, Bob Odenkirk, Jesse Plemons… Aunque todos sean roles de apoyo, da gusto verlos en una producción de esta envergadura.

The Post


Los archivos del Pentágono se toma su tiempo en asentar el contexto, el conflicto y el posicionamiento de cada personaje principal, pero una vez están colocadas todas las piezas en el tablero, la película toma al fin el vuelo y alcanza esas cotas épicas que solo Spielberg es capaz de lograr. Algunos aspectos chirrían, como esas apariciones guiñolescas de Nixon al teléfono, o lo poco destacable que resulta la película a nivel técnico y visual más allá del don que tiene su director para colocar la cámara en el ángulo exacto para enfatizar la narración, pero esto es, al fin y al cabo, cine adulto con dos dedos de frente y de regusto clásico, aquel que alimenta el espíritu progresista y defiende a capa y espada sus ideales por muy anticuados o ingenuos que parezcan. Quedémonos con eso y no con esa triste verdad de que la historia siempre se repite, al demostrarse la torpeza que tienen los norteamericanos a la hora de elegir a sus líderes.

8/10

2/2/18

Itinerario de estrenos de febrero 2018

Estrenos_Febrero


Cavernícola (Early Man): Nueva producción del estudio de animación de plastilina Aardman (La oveja Shaun, Wallace & Gromit), que cuenta la historia de Dug, que debe salvar a su tribu de la llegada del malvado Lord Nooth y su ciudad de la Edad de Bronce. De paso, Dug inventará el fútbol en el proceso, y sin darse cuenta de cómo. La versión original del film cuenta con las voces de Tom Hiddleston (Thor: Ragnarok), Maisie Williams (Juego de tronos) y de Eddie Redmayne (Animales fantásticos y dónde encontrarlos). Como es habitual con las películas de estudio, ha obtenido buenas valoraciones.
Estreno: 2 de febrero



El hilo invisible: En el reciente anuncio de las nominaciones a los Oscar, Paul Thomas Anderson (Puro vicio) dio la campanada al obtener seis candidaturas por su nuevo trabajo, protagonizado por un Daniel Day-Lewis (Lincoln) que se retira del mundo de la interpretación, siento ésta su (supuesta) última película. Vicky Krieps (El joven Karl Marx) y Lesley Manville (Mr. Turner) secundan al actor en este relato ambientado en el Londres de la posguerra de 1950, centrado en un famoso modista que convierte a una humilde camarera en su musa y amante, alterando irremediablemente su calculada vida. Mejor película, director, actor protagonista, actriz de reparto, banda sonora, y vestuario son las categorías en las que aspira a ganar estatuillas doradas. Las criticas han sido, cómo no, excelentes.
Estreno: 2 de febrero



The Florida Project: Nuevo film del cineasta independiente Sean Baker (Tangerine) centrado en una niña de 6 años y en sus amigos, quienes pasan un verano en un pequeño motel muy próximo a Disneyworld, mientras sus padres y el resto de adultos que les rodean sufren aún los efectos de la crisis. Willem Dafoe (Asesinato en el Orient Express) podría ganar el Oscar a mejor actor de reparto por su interpretación en esta película, que ha obtenido críticas estupendas y diferentes menciones desde su triunfal presentación en el último Festival de Cannes.
Estreno: 2 de febrero


La forma del agua: El último trabajo de Guillermo del Toro (La cumbre escarlata) ha ganado el León de Oro en el Festival de Venecia, los Globos de Oro a mejor director y mejor banda sonora, el premio a mejor película del Sindicato de Productores y es la película más nominada a los Oscar de este año con 13 nominaciones. Cuenta la historia de Elisa, una joven muda que trabaja como limpiadora en un laboratorio en 1963, en plena Guerra Fría, y que establecerá un vínculo especial con el hombre anfibio que se encuentra ahí recluido. Sally Hawkins (Paddington 2), Michael Shannon (Animales nocturnos), Richard Jenkins (Kong: La Isla Calavera), Octavia Spencer (Figuras ocultas) y Michael Stuhlbarg (Call Me By Your Name) conforman el reparto de esta hermosa, honesta y progresita revisión del mito de La Bella y La Bestia. En breve, reseña.
Estreno: 16 de febrero



Black Panther: Tras presentarse en sociedad en Capitán América: Civil War, el superhéroe africano de Marvel protagoniza su aventura en solitario, ambientada en su nación, Wakanda, donde su proclamación como rey se verá amenazada por la reaparición de un viejo enemigo. Chadwick Boseman encarna al protagonista, secundado por Lupita Nyong’o (La reina de Katwe), Michael B. Jordan (Creed), Danai Gurira (The Walking Dead), Angela Bassett (American Horror Story: Roanoke), Forest Whitaker (Rogue One: Una historia de Star Wars), Andy Serkis (La guerra del planeta de los simios) y Martin Freeman (Sherlock). Las primeras reacciones han sido entusiastas, algo que ya va siendo habitual con cada estreno de la casa Marvel.
Estreno: 16 de febrero




Yo, Tonya: Biopic centrado en la controvertida figura de Tonya Harding, la primera mujer estadounidense en completar un salto triple axel en competición de patinaje sobre hielo, en 1991. Pero su éxito profesional no tenía nada que ver con su turbulenta vida personal, marcada por una autoritaria y severa matriarca y un marido violento. Margot Robbie (Escuadrón suicida) protagoniza y produce este film dirigido por Craig Gillespie (La hora decisiva) y con Sebastian Stan (La suerte de los Logan) Allison Janney (Mom) y Julianne Nicholson (Agosto) completando el elenco principal. Está nominada a tres Oscars, mejor actriz protagonista, de reparto y montaje, siendo su mejor baza el segundo, puesto que Janney ya ha ganado el Globo de Oro, el Chritics Choice y el SAG. La película también ha obtenido críticas notables.
Estreno: 23 de febrero



Lady Bird: Ópera prima de la actriz y guionista Greta Gerwig (Mistress America), que se estrena con una historia de tintes autobiográficos centrada en una adolescente que se hace llamar Lady Bird, residente en California y que sueña con mudarse a Nueva York, desarrollar sus inclinaciones artísticas y encontrar su propio camino fuera de la sombra de su protectora madre. Saoirse Ronan (Brooklyn) protagoniza esta comedia dramática, secundada por Laurie Metcalt (The Big Bang Theory), Lucas Hedges (Tres anuncios a las afueras), Timothée Chalamet (Call Me By Your Name) y Tracy Letts (Los archivos del Pentágono). Ha sido una de las películas americanas con mejores críticas del año, ganó el Globo de Oro a mejor comedia y mejor actriz y está nominada a 5 Oscars: mejor película, directora, actriz protagonista y de reparto y guion original. Por cierto que Gerwig se ha convertido en la quinta mujer nominada a mejor dirección en la historia de los premios de la Academia.
Estreno: 23 de febrero



Todo el dinero del mundo: Película que se ha hecho famosa por haberse rodado escenas adicionales a pocas semanas de su estreno para reemplazar al caído en desgracia Kevin Spacey por Christopher Plummer (El último beso del káiser), el cual de paso se ha llevado una nominación al Globo de Oro y al Oscar a mejor actor de reparto por su labor. Al margen de la anécdota, se trata de un film de Ridley Scott (Alien: Covenant) protagonizado por Mark Wahlberg (Dos padres por desigual) y Michelle Williams (El gran showman) que recrea el secuestro en 1973 de John Paul Getty III, así como los desesperados esfuerzos de su madre por conseguir que el abuelo del joven, el magnate del petróleo John Paul Getty Sr, considerado uno de los hombres más ricos del mundo, pagase el rescate. A pesar de las polémicas (también se filtró que Williams recibió una insignificante suma de dinero por rodar las escena adicionales, todo lo contrario a Wahlberg) ha obtenido muy buenas críticas.
Estreno: 23 de febrero

1/2/18

Actriz del mes: Saoirse Ronan

Saoirse Ronan2


Nombre completo: Saoirse Una Ronan

Fecha de nacimiento: 12 de abril de 1994

Lugar de nacimiento: The Bronx, New York City (EE.UU.)

Filmografía destacada:

Sweetness in the Belly (2019)
Mary Queen of Scots (2018)
The Seagull (2018)
On Chesil Beach (2017)

Lady Bird (2017)
Loving Vincent (sólo voz) (2017)
Brooklyn (2015)
Stockholm, Pennsylvania (2015)
Lost River (2014)
El gran hotel Budapest (2014)
Mi vida ahora (2013)
La huésped (2013)
Byzantium (2012)
Violet & Daisy (2011)
Hanna (2011)
Camino a la libertad (2010)
The Lovely Bones (2009)
City of Ember (2008)
El último gran mago (2007)
Expiación (2007)
El novio de mi madre (2007)


Méritos: Si eres aficionado a los talk-shows americanos puede que experimentes un déjà vu sobre algo que crees haber vivido hace un par de años: ver a Saoirse Ronan recorriéndose los platós en plena campaña de los Oscar enseñando al presentador de turno cómo se pronuncia su nombre de origen irlandés. A ella no parece importarle demasiado repetirlo uno y otra vez, y por qué debería, si a sus 23 añitos aspira por tercera vez a ganar el preciado Oscar. La primera nominación  la consiguió hace una década, cuando la descubrimos como la celosa y prejuiciosa hermana pequeña de Keira Knightley en Expiación, papel a partir del cual empezó a labrarse una carrera cinematográfica entre Reino Unido y Hollywood sin prisa pero sin pausa. Obviando sus pinitos en el cine adolescente más olvidable (La huésped, Mi vida ahora), Ronan se ha labrado un sólido prestigio como actriz gracias a títulos como El gran hotel Budapest o Brooklyn, que además han contribuido a que algunos la consideran la sucesora natural de la mismísima Meryl Streep.

Tras ganar el Globo de Oro a la mejor actriz de comedia, Saoirse está más cerca que nunca de ganar la estatuilla dorada por Lady Bird, en la que encarna a un álter ego adolescente de Greta Gerwig en su aclamadísima ópera prima. Y si al final se cumplen la mayoría de los presagios y se lleva el Oscar Frances McDormand tampoco pasa nada, porque resulta evidente que la joven actriz tendrá muchísimas más oportunidades de llevárselo en el futuro. Quién sabe, tal vez sea el año que viene, dados los jugosos proyectos que estrenará en los próximos meses: On Chesil Beach, adaptación al cine de una novela del mismo autor de Expiación, Ian McEwan, una versión cinematográfica de la obra de Anton Chekhov, The Seagull, y Mary Queen of Scots, en la que dará vida a la prima de la reina Isabel I, María Estuardo. Esperemos que para la próxima campaña de los Oscar en la que participe, ya todos sepan pronunciar su nombre y no tenga que explicarlo más. Por cierto, se pronuncia ‘sirsha’… ¿no?

Lady Bird


Extras:

Tráiler de Lady Bird

Ganando el Globo de Oro a mejor actriz de comedia por Lady Bird

Ed Sheeran – Galway Girl

Intentando pronunciar nombres complicados de famosos

Enseñando a los americanos cómo hacer té

Welcome to Hell – SNL 


28/1/18

Ganadores de los OFB 2017

Mejor película
La La Land

La La Land

Moonlight > Jackie > Z, la ciudad perdida > Dunkerque > madre! >

Manchester frente al mar > Sólo el fin del mundo > Swiss Army Man > A Ghost Story



Premio especial de los seguidores

La La Land2

1º. La La Land (56,6%)
2º: Coco (40,6%)
3º: Dunkirk & madre! (31,3%)



Mejor director
Damien Chazelle por La La Land
James Gray por Z, la ciudad perdida
Barry Jenkins por Moonlight
Pablo Larraín por Jackie
Christopher Nolan por Dunkerque

Christopher Nolan


Mejor actor protagonista
Casey Affleck por Manchester frente al mar
James Franco por The Disaster Artist
Ryan Gosling por La La Land y Blade Runner 2049
James McAvoy por Múltiple
Daniel Radcliffe por Swiss Army Man

Casey Affleck_thumb[23]



Mejor actriz protagonista

Jennifer Lawrence por madre!
Natalie Portman por Jackie
Kristen Stewart por Personal Shopper
Emma Stone por La La Land
Kate Winslet por Wonder Wheel

Portma_Stone



Mejor actor de reparto

Mark Hamill por Star Wars: Los últimos Jedi
Lucas Hedges por Manchester frente al mar
Barry Keoughan por El sacrificio de un ciervo sagrado
Will Poulter por Detroit
Adam Sandler por The Meyerowitz Stories

Lucas Hedges



Mejor actriz de reparto

Viola Davis por Fences
Greta Gerwig por 20th Century Women
Naomie Harris por Moonlight
Nicole Kidman por Lion
Siena Miller por Z, la ciudad perdida

Naomie Harris_thumb[11]


Mejor guion original

Darren Aronofsky por madre!
Noah Baumbach por The Meyerowitz Stories
Damien Chazelle por La La Land
Kenneth Lonergan por Manchester frente al mar
Noah Oppenheim por Jackie

Manchester by the sea_thumb[8]




Mejor guion adaptado
Sofia Coppola por La seducción
Xavier Dolan por Sólo el fin del mundo
James Gray por Z, la ciudad perdida
Hampton Fancher y Michael Green por Blade Runner 2049
Barry Jenkins por Moonlight

Moonlight



Mejor montaje
Baby Driver
Dunkerque
Jackie
La La Land
madre!

Dunkirk2


Mejor fotografía
Hoyte van Hoytema por Dunkerque
Roger Deakins por Blade Runner 2049
James Laxton por Moonlight
Linus Sandgren por La La Land
Vittorio Storaro por Wonder Wheel

Blade Runner


Mejor diseño de producción

Blade Runner 2049
Dunkerque
La La Land
Wonder Woman
Z, la ciudad perdida

Blade Runner



Mejor vestuario

Asesinato en el Orient Express
La bella y la bestia
El gran showman
Jackie
La La Land

La La Land4


Mejor banda sonora instrumental
Nicholas Britell por Moonlight
Andy Hull y Robert McDowell por Swiss Army Man
Mica Levi por Jackie
Dunstin O’Halloran y Volker Bertelmann por Lion
Hans Zimmer por Dunkerque



Mejor compilación de canciones
Baby Driver
Coco
El gran showman
Guardianes de la Galaxia Vol. 2
La La Land


Mejor canción original
”Audition” de La La Land
”A Million Dreams” de El gran showman
”It’s Another Day of Sun” de La La Land
”Remember Me” de Coco
”This Is Me” de El gran showman


Mejores efectos visuales

Blade Runner 2049
Dunkerque
Kong: La isla calavera
La guerra del planeta de los simios
Star Wars: Los últimos Jedi

Blade Runner2


Mejor película de habla no inglesa

Crudo (Francia)
Muchos hijos, un mono y un castillo (España)
Sólo el fin del mundo (Francia)
Una mujer fantástica (Chile)
Verano 1993 (España)

Juste la fin du monde


Mejor película de animación
Batman: La LEGO película
Coco
La tortuga roja
La vida de Calabacín
Your Name

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Mejor reparto

Manchester frente al mar
The Meyerowitz Stories
Moonlight
Mudbound
Sólo el fin del mundo

Moonlight_Cast_thumb[32]



Mejor actor revelación

Lucas Hedges por Manchester frente al mar
Barry Keoughan por El sacrificio de un ciervo sagrado y Dunkerque
Sunny Pawar por Lion
Ashton Sanders por Moonlight
Fionn Whitehead por Dunkerque

Barry_Keoughan


Mejor actriz revelación
Laia Artigas por Verano 1993
Garance Marillier por Crudo
Janelle Monáe por Moonlight y Figuras ocultas
Sennia Nanua por Melanie. The Girl with All the Gifts
Daniela Vega por Una mujer extraordinaria

Garance Marillier


Mejor escena
La pelea en el rellano de Atómica
Rooney Mara se come un pastel en A Ghost Story
El prólogo de La La Land
’A Lovely Night’ de La La Land
Diana cruza las trincheras en Wonder Woman
El final de Z, la ciudad perdida



Premio especial ¿Tanto bombo para esto?
Alien Covenant
Fences
Ghost in the Shell
La Liga de la Justicia

Justice League




Recuento de premiados

La La Land: Mejor película, premio especial de los seguidores, actriz protagonista (ex aequo), vestuario, compilación de canciones, canción y escena.

Dunkerque: Mejor director, montaje y actor revelación.

Manchester frente al mar: Mejor actor protagonista, actor de reparto y guion original.

Moonlight: Mejor actriz de reparto, guion adaptado y reparto.

Blade Runner 2049: Mejor diseño de producción, fotografía y efectos visuales.

Jackie: Mejor actriz protagonista (ex aequo) y banda sonora instrumental.

Sólo el fin del mundo: Mejor película de habla no inglesa.

Coco: Mejor película de animación.

El sacrificio de un ciervo sagrado: Mejor actor revelación.

Crudo: Mejor actriz revelación.



Ediciones anteriores: 2016, 2015, 2014, 2013, 2012, 2011, 2010, 2009, 2008, 2007