Llega uno de los dos momentos del año en los que les pido su participación activa, pues hay que votar entre los actores y actrices que nos han acompañado a lo largo de los últimos 12 meses en El Otro Fanboy quiénes merecen ser elegidos como los mejores, los que más han destacado de entre sus compañeros de profesión.
La mecánica es la de todos los años, bien sencilla. Consiste en votar a través del enlace que encontrarán a continuación a un actor y a una actriz de entre los nominados. La decisión es cosa de ustedes pero un poco más abajo encontrarán el anuario que nos ha dejado el 2017, con enlaces a las entradas dedicadas a cada uno en su respectivo mes, junto con las películas que han estrenado a lo largo del año entre paréntesis. La votación se cerrará en la medianoche del próximo 30 de diciembre para acabar el año con el anuncio de los ganadores y la publicación de los resultados, descubriendo así quién sucede a los últimos ganadores, Adam Driver y Nicole Kidman (también pueden acceder al anuario y los resultados de los años anteriores al final de esta entrada).
¡Muchas gracias por participar en esta 9ª edición de elecciones al actor y a la actriz del año!
Dir.: Alfonso Cuarón Int.: Yalitza Aparicio, Marina de Tavira, Fernando Grediaga, Jorge Antonio Guerrero, Diego Cortina Autrey, Carlos Peralta, Marco Graf, Daniela Demesa, Nancy García ¿De qué va?: En los años 70, en una colonia cerca del centro de Ciudad de México, vive una familia de la alta burguesía formada por la Señora Sofía, su marido médico y sus cuatro hijos. En un segundo plano, está Cleo, una joven criada indígena cuya armónica vida se verá trastocada por acontecimientos privados y públicos.
Reseña: ¿Qué es lo primero que querríamos hacer tras viajar al espacio exterior? Probablemente, volver a casa. Al menos eso es lo que ha hecho Alfonso Cuarón, pues, tras haberse recuperado de la odisea realizada en Gravity (2013), ha vuelto a su México natal, donde no rodaba desde Y tu mamá también (2001), para su siguiente película, Roma. Definida por su director como una carta de amor para las mujeres que lo criaron, la cinta muestra la crisis que atraviesa una familia burguesa desde el punto de vista de una de sus criadas, Cleo, quien también tiene que lidiar con sus propios problemas. Mientras, de forma paralela, la ciudad también pasa por tiempos convulsos, pero Cuarón apenas ofrece una contextualización, pues solo repara en el ambiente político cuando impacta de alguna manera en la vida de Cleo y de la familia para la que trabaja. Lo importante en Roma no es la crisis en sí misma, sino en cómo se sale fortalecido de ella.
Probablemente no exista película rodada en blanco y negro más cálida que ésta. La dirección de fotografía a cargo del propio Cuarón impregna a la película de una luminosidad que la convierte en una serie de postales en movimiento, con vida propia. Apenas se aprecia la completa ausencia de banda sonora, pues los sonidos ambientales y urbanos están perfectamente medidos, como en la escena en la que una triste despedida es irrumpida por una banda musical que pasa por la calle, o en la tensa escena en la playa que se produce casi al final: nunca el sonido de las olas rompiendo en la orilla había sonado tan fuerte ni implacable. La falta de música extradiegética también contribuye a que el drama hable y respire por sí solo, de tal forma que ni cae en el melodrama ni se torna distante, logrando un equilibrio emocional complicadísimo.
Roma es una historia mínima contada a gran escala y sin sacrificar su carácter intimista. Casi todas las secuencias son resueltas con planos fijos cercanos de los personajes o largos travellings, paralelos o circulares, que los retratan en la distancia, en un entorno que se impulsa a su propio ritmo. Pero la maquinaria no serviría de nadie si no contase con un corazón palpitante que llegara donde la técnica no alcanza, y Cuarón ha tenido el buen ojo de recaer esa responsabilidad en Yalitza Aparicio. La actriz debutante aporta una naturalidad y ternura inmensas a Cleo, a través de la cual, Cuarón homenajea a la que fue su nana cuando era pequeño, y que, como se deja ver en una divertida escena, es una mujer que está en completa armonía consigo misma, y por eso se convierte en un pilar tan fuerte en la familia para la que trabaja.
A fin de cuentas, Roma es una película sobre la fuerza de la maternidad ante la desigualdad entre hombres y mujeres en el mundo en general y en México en particular. Sobre cómo los hombres pueden abandonar a las mujeres y sus responsabilidades cuando quieran y cómo éstas tienen que levantarse por sí mismas y sacar adelante a todos los que dependen de ellas. Es muy emocionante el viaje que realiza la matriarca, interpretada por Marina de Tavira, y la forma tan inteligente y sutil que tiene Cuarón de representarlo a través del coche familiar. Resulta tan fácil abordar el film con grandilocuencia como derribarlo si uno acerca a él con la idea preconcebida de que el gran cine debe ser ensordecedor, fastuoso y arrebatador. La historia que cuenta Roma es sencilla y su tempo tranquilo y sereno, pero sus hallazgos son tan genuinos, fascinantes y atemporales, que solo puede tratarse de la obra de una persona que comprende y habla el lenguaje cinematográfico como pocos; una obra que está llamada a convertirse en un clásico moderno.
Dir.: David Yates Int.: Eddie Redmayne, Katherine Waterston, Dan Fogler, Alison Sudol, Ezra Miller, Claudia Kim, Zoë Kravitz, Callum Turner, Jude Law, Johnny Depp ¿De qué va?: Grindelwald, el mago tenebroso, ha escapado y, lo que es peor, está reuniendo a un grupo de devotos seguidores, que no sospechan sus verdaderas intenciones: alzar a los magos por encima de las criaturas no mágicas. En un esfuerzo por frustrar sus planes, Albus Dumbledore recluta a su antiguo estudiante Newt Scamander, quien accede a prestar su ayuda, sin conocer los peligros que le aguardan.
Reseña: Hace dos años, Animales fantásticos y dónde encontrarlos fue presentada como una estupenda vía para apuntalar la inevitable explotación del sello Harry Potter tras terminar de adaptar al cine la saga literaria de J.K. Rowling: una precuela que expandía el universo mágico a través de una nueva trama, nuevos y carismáticos personajes, nuevo escenario y nuevo contexto histórico, pero el mismo espíritu aventurero y fantástico que le labró el éxito a su autora. La historia quedaba cerrada pero dejaba algunas pistas y cabos sueltos para desarrollar en el segundo de los cinco episodios de los que constará esta nueva saga.
Entre el buen sabor de boca que dejó el anterior film y algunas de las novedades que ya sabíamos (¡Dumbledore! ¡París!) había interés por ver qué iba a ocurrir en Los crímenes de Grindelwald, pero esta vez la magia no ha surtido el efecto esperado. La historia gana complejidad presentando nuevos misterios y personajes, pero a su vez se ve lastrada por exceso de subtramas, confluyendo todas en una reunión final en la que se explican cosas, demasiadas, y se recolocan las piezas del tablero de cara al futuro. Tristemente, estamos ante una película de transición que rescribe el final de la anterior entrega para poder estirar la historia durante tres películas más. El escenario parisino está poco aprovechado, pues al margen de descubrir su Ministerio de Magia, resulta tan deslucido como el toque de cine de espionaje que se le pretende dar tímidamente a la película.
El cuarteto protagonista que tan bien funcionó en Animales fantásticos y dónde encontrarlos queda aquí diluido en un elenco plagado de caras nuevas que esperan tener más protagonismo en las futuras continuaciones, y eso también incluye al Dumbledore al que da vida Jude Law con suma clase y magnetismo. Lo que han hecho aquí con los dos mejores personajes de la anterior entrega, Jacob (Dan Fogler) y Queenie (Alison Sudol) no tiene perdón alguno; el primero se dedica a corretear de un lado a otro sin mucho que hacer y la evolución de la segunda resulta demasiado incoherente. Ezra Miller acaba beneficiándose de la importancia (un tanto gratuita) que ha ganado su personaje frente el manierismo de Eddie Redmayne y un Johnny Depp que como gran villano provoca demasiada indiferencia y nos hace preguntarnos la razón por la que Hollywood sigue considerándolo tan infalible pese a lo mal que le va desde Alicia en el país en el país de las maravillas (2010).
No todo es malo: resulta moderadamente entretenida, tiene suficientes elementos para satisfacer a muchos fans, y continúa con el paralelismo político-social de la anterior película. Porque Grindelwald es, al fin y al cabo, un líder (supuestamente) carismático que, a través de mentiras, adulaciones, promesas vacías y miedo, recluta adeptos incluso entre aquellos que él considera inferiores y desdeñables, beneficiado por la ineficacia de un sistema que descuida a aquellos que da por hecho tener a su lado y que no atiende a sus necesidades. La película debería haberse llamado El mitin de Grindelwald, puesto que sus crímenes de momento no son nada de otro mundo, ni mágico ni terrenal. Lo que está claro es que mucho tendrá que animarse y reconducirse la cosa en la tercera entrega para poder recuperarse de este inesperado bajón. Esperemos que David Yates y J.K hagan los deberes y se pongan las pilas.
Roma: Antes de poder verse en Netflix a partir del 14 de diciembre, el último film de Alfonso Cuarón (Gravity) se estrenará en (muy pocas) salas españolas. La película es un homenaje al matriarcado en el que se crió el director, contando la historia de una joven sirvienta que trabaja para una familia de clase media de Ciudad de México, con la agitación política que se vivió en la capital durante la década de 1970 como telón de fondo. La debutante Yalitza Aparicio y Marina de Tavira (Ingobernable) protagonizan la que probablemente sea la película con mejores críticas del año, representante de México en los Oscar y ganadora del León de Oro del último Festival de Venecia. Reseña en breve. Estreno: 5 de diciembre
Suspiria: Luca Guadagnino (Call Me by Your Name) revisiona el clásico de terror homónimo de Dario Argento con un reparto encabezado por Dakota Johnson (Malos tiempos en el Royale), Tilda Swinton (Okja), Chloë Grace Moretz (Malditos vecinos 2) y Mia Goth (El secreto de Marrowbone). La historia gira en torno a Susie Bannion, una joven americana que viaja a Berlín para estudiar danza en una prestigiosa academia, pero algo muy siniestro sucede dentro de la escuela... La película ha recibido críticas muy polarizadas que recuerdan a las cosechadas por ¡madre! hace un año. Muy pronto, la reseña. Estreno: 5 de diciembre
Ralph rompe Internet: Secuela del film de Disney estrenado en el año 2012. En esta ocasión, Ralph y su amiga Vanellope salen de los recreativos para adentrarse en el mundo inexplorado, expansivo y emocionante de Internet. Rich Moore vuelve a dirigir la cinta, esta vez acompañado del debutante Phil Johnson, mientras que Gal Gadot (Liga de la Justicia) y Taraji P. Henson (Figuras ocultas) son las principales incorporaciones vocales al elenco capitaneado por John C. Reilly, Sarah Silverman y Jane Lynch. Las críticas han sido muy positivas. Estreno: 5 de diciembre
El regreso de Ben:Peter Hedges (La extraña vida de Timothy Green) dirige este drama protagonizado por Lucas Hedges (Lady Bird) y Julia Roberts (Wonder) sobre un adolescente adicto a las drogas que regresa a casa por sorpresa en la víspera de Navidad. Su madre le da la bienvenida pero pronto descubre que la vida de su hijo está en peligro. Las críticas han sido generalmente positivas, destacando el duelo que se marcan sus dos protagonistas. Estreno: 5 de diciembre
The Escape (La búsqueda de la felicidad): Drama que gira en torno a una madre y ama de casa asfixiada por llevar una vida que no le satisface y que acabará tomando una decisión que cambiará su vida para siempre. Gemma Arterton (Su mejor historia) y Dominic Cooper (Mamma Mia: Una y otra vez) protagonizan el film dirigido por Dominic Savage (True Love). Ha obtenido críticas positivas que ensalzan especialmente el trabajo de su actriz protagonista, recibiendo una nominación al BIFA (premios otorgados al cine británico independiente). En breve, reseña. Estreno: 14 de diciembre
Un asunto de familia (Shoplifters): Ganadora de la Palma de Oro del último Festival de Cannes y representante de Japón en la próxima edición de los Oscar, el nuevo trabajo de Hirokazu Koreeda (El tercer asesinato) es la historia de una atípica familia que sobrevive a través de pequeños hurtos y que acoge a una niña abandonada, pero su felicidad se ve interrumpida cuando un accidente imprevisto revela sus secretos. Las críticas han sido fantásticas y es, junto a Cold War, la principal competidora de Roma en la categoría de mejor película de habla no inglesa en los Oscar. En breve, reseña. Estreno: 21 de diciembre
El regreso de Mary Poppins: Secuela del clásico de Disney de 1964 en el que Emily Blunt (Un lugar tranquilo) recoge el testigo de Julie Andrews encargando a la famosa niñera mágica, que regresa a la familia Banks para ayudarla a encontrar la alegría y la magia que faltan en sus vidas tras sufrir una trágica pérdida. Rob Marshall (Into the Woods) dirige el film, cuyo reparto se completa con los nombres de Lin-Manuel Miranda, Ben Whishaw (La chica danesa), Emily Mortimer (La librería), Julie Walters (Las estrellas de cine no mueren en Liverpool), Colin Firth (Mamma Mia: Una y otra vez), Meryl Streep (Los archivos del Pentágono) y Angela Lansbury (Los pingüinos del Sr. Popper). Los primeros comentarios son fantásticos, de hecho, la National Board Review la ha metido en su lista de las 10 mejores películas del año y ha sido nominada a 6 Satellite Awards. Estreno: 21 de diciembre
Spider-Man: Un nuevo universo: Película de animación que reúne a diferentes encarnaciones del trepamuros con el objetivo de detener una amenaza que afecta a todas las realidades paralelas en las que habitan. Bob Persichetti y Peter Ramsey (El origen de los guardianes) dirigen este film escrito y producido por los responsables de La LEGO película, Phil Lord y Chris Miller. En su elenco de voces destacan Chris Pine (Rey legítimo), Zoë Kravitz (Animales fantásticos: Los crímenes de Grindelwald), Hailee Steinfeld (Dando la nota 3), Nicolas Cage (Mandy), Mahershala Ali (Moonlight) y el difunto Stan Lee. Las primeras críticas están siendo muy positivas. Estreno: 21 de diciembre
Lo que esconde Silver Lake: El nuevo trabajo del director de It Follows, David Robert Michell, es un thriller noir protagonizado por un joven que decide investigar la desaparición de su misteriosa y sexy vecina, descubriendo por el camino una conspiración de lo más bizarra. Andrew Garfield (Una razón para vivir) y Riley Keough (Noche de lobos) protagonizan la película, que ha recibido una valoración bastante dispar tanto en su paso por el Festival de Cannes como por el de Sitges. Estreno: 28 de diciembre
Aquaman: Tras ser presentado en Liga de la Justicia, el superhéroe marino de DC protagoniza su aventura en solitario, en la que deberá aprender y asumir su responsabilidad como líder del reino de Atlantis. James Wan (Expediente Warren: El caso Enfield) dirige la superproducción, protagonizada por Jason Momoa, Amber Heard (La chica danesa), Patrick Wilson (El pasajero), Willem Dafoe (The Florida Project) y Nicole Kidman (El sacrificio de un siervo sagrado). Aún no hay críticas pero los primeros comentarios apuntan a que convencerá más al público que la película en la que conocimos a Aquaman. Estreno: 28 de diciembre
Tiempo después:José Luis Cuerda vuelve al territorio de la comedia absurda que tan buenos frutos le dio con la película de culto Amanece, que no es poco (1989) adaptando una novela propia ambientada en un futuro muy lejano. El mundo entero se ha visto reducido a un único edificio y a unas afueras cochambrosas en lsa que habita José María, un tipo que confía en que, con la venta de una riquísima limonada, otro mundo será posible. Blanca Suárez (El bar), Roberto Álamo (Es por tu bien), Arturo Valls (El mejor verano de mi vida), Miguel Rellán (Villaviciosa de al lado), Carlos Areces (Cuerpo de élite), Antonio de la Torre (El reino), Joaquín Reyes (Los futbolísimos) y Rául Cimas (Los del túnel) son solo algunos de los integrantes del extenso reparto de la película, presentada en el Festival de San Sebastián con disparidad de opiniones. Estreno: 28 de diciembre
Méritos: En el 2015, Ethan Hawke recibió el premio por toda su carrera en el Festival de San Sebastián, aprovechando la presencia del actor para promocionar Regresión. Poco después, confesó en un talk-show americano sus reservas por aceptar dicho galardón, porque con 45 años sentía que no había llegado el final y que aún tenía mucho más por hacer. Tres años después, el actor sigue siendo fiel a sus declaraciones manteniendo el incansable ritmo laboral que le caracteriza, y lo cierto es que el 2018 no le ha ido pero que nada mal. A comienzos de año presentó en el Festival de Sundance su tercer largometraje como director, Blaze, biopic del músico Blaze Foley, consiguiendo una respuesta mucho más positiva que con sus trabajos previos, Chelsea Walls (2001) y The Hottest State (2006). Poco después, estrenó El reverendo (First Reformed), el notable drama espiritual de Paul Schrader, y aunque su paso por los cines fue bastante discreto, ha empezado bastante bien la temporada de premios, por lo que si aguanta bien la carrera podría acabar reportándole a Hawke su tercera nominación al Oscar, la primera como actor protagonista.
Pero este mes se lo dedicamos con motivo del estreno español de Julie, desnuda, comedia romántica británica basada en una novela homónima de Nick Hornby en la que encarna a un músico desaparecido, al más puro estilo Sixto Rodríguez, que vive una entrañable historia de amor maduro junto a Rose Byrne. Para el año que viene queda pendiente el estreno del drama criminal Stockholm; The Kid, donde da vida a Pat Garrett, el sheriff que mató al infame Billy el Niño; La Vérité, el primer film de Hirokazu Koreeda (Un asunto de familia) fuera de Japón, y Adopt a Highway, el debut en la dirección del actor Logan Marshall-Green. Hawke no necesita de absurdas polémicas como aquella que propició por afirmar que películas de superhéroes como Logan no podían considerarse gran cine, (declaraciones que posteriormente matizó), porque su trabajo habla por él, y este es, salvo cuando actúa en piloto automático (rara vez), refrescante y fantástico. Ojalá muchos más años disfrutando de su omnipresencia.
Ethan Hawke a lo largo de los años
De izquierda a derecha y de arriba a abajo: Su primera película fue Exploradores (1985) de Joe Dante y co-protagonizada por River Phoenix; El club de los poetas muertos (1989) sigue siendo a día de hoy su mayor éxito comercial; con Antes del amanecer (1995) comenzó su prolífica relación profesional con Richard Linklater y su romance con Julie Delpy/Celine; protagonizó la versión moderna de la novela de Dickens Grandes esperanzas (1998) que dirigió Alfonso Cuarón; con Training Day (2001) recibió su primera candidatura al Oscar de interpretación; Antes del atardecer (2004) supuso el delicioso reencuentro con Celine en París, nominación al Oscar a mejor guion adaptado compartida por Delpy, Linklater y él; formó parte del reparto de la estupenda última película de Sidney Lumet, Antes que el diablo sepa que has muerto (2007); también ha hecho sus pinitos en el cine de terror y fantástico, como en la espeluznante Sinister (2012); en Antes del anochecer cerró la por ahora trilogía de Jesse & Celine, recibiendo otra nominación al Oscar a mejor guion adaptado; en Boyhood (2014) lo vimos crecer como padre y volvió a optar por la estatuilla dorada; con El reverendo (2018) ha recibido algunas de las mejores críticas de su carrera.
¿Sabías que…?
- Su primer trabajo como actor lo realizó en el teatro McCarter de Princetown, New Jersey, a los 12 años de edad.
- Publicó su primera novela, The Hottest State, en 1996, y dirigió su adaptación cinematográfica diez años después, en el 2006.
- Conoció a Uma Thurman durante el rodaje de Gattaca (1997), se casaron en 1998, tuvieron dos hijos y se divorciaron en el 2004.
- Puede ser considerado como el actor fetiche de Richard Linklater, al haber aparecido en ocho de sus películas: Antes del amanecer (1995), Los Newton Boys (1998), Waking Life (2001), Tape (2001), Antes del atardecer (2004), Fast Food Nation (2006), Antes del anochecer (2013) y Boyhood (2014).
- Fue la primera opción para encarnar al agente del FBI Will Graham en El dragón rojo (2002), pero rechazó el rol para tomarse un tiempo libre de hacer películas. También rechazó roles en Cuatro hermanos (2005) e Infiltrados (2006), además de haber sido considerado para el papel de Gordie en Cuenta conmigo (1986) que finalmente fue a parar a Will Wheaton.
- Algunas de sus películas favoritas son Mi vida es mi vida (1970), Alguien voló sobre el nido del cuco (1975) y Rojos (1981).
- Ha sido nominado al Oscar en cuatro ocasiones, dos como guionista y dos como intérprete.
Dir.: Steve McQueen Int.: Viola Davis, Michelle Rodríguez, Elizabeth Debicki, Cynthia Erivo, Colin Farrell, Brian Tyree Henry, Daniel Kaluuya, Liam Neeson, Carrie Coon, Jacki Weaver ¿De qué va?: Cuatro mujeres sin nada en común y con vidas muy diferentes se unirán tras el asesinato de sus maridos durante un robo. Con una millonaria deuda a sus espaldas a causa de sus parejas, tendrán que tomar las riendas de sus vidas y perpetrar un robo para comenzar una nueva vida solas.
Reseña: A Steve McQueen le gusta contar historias de personas oprimidas, ya sea por el Sistema (Hunger, 2008), por sus propios y más bajos instintos (Shame, 2011) o por una de las leyes más vergonzosas que hayan existido en la historia americana (12 años de esclavitud, 2013). Con Viudas, su primer trabajo post-Oscar y abiertamente comercial, McQueen abre un frente que ya tocó, en menor medida, a través del personaje de Lupita Nyong’o en su anterior película: la opresión femenina. Con el tiempo, el estilo de McQueen ha ganado refinamiento y accesibilidad, pero los temas siguen siendo abordados con la misma sensibilidad, honestidad e incomodidad que le han caracterizado desde sus comienzos.
Aquí, a diferencia de Ocean’s 8, el otro gran golpe femenino del año, , la planificación y ejecución del robo es lo de menos, un ‘Macguffin’ sacado de una miniserie británica del año 83 que le sirve a McQueen y a su co-guionista, Gillian Flynn (Perdida, Heridas abiertas) para indagar en la vida de cuatro mujeres desesperadas provenientes de diferentes estratos sociales de una ciudad, Chicago, podrida por la corrupción, la violencia y la pobreza. Ellas sin tener nada en común, salvo el duelo por la defunción de sus respectivos maridos, preparan un robo que es, en última instancia, un acto de rebelión hacia una sociedad patriarcal que no espera que las mujeres contraataquen cuando las deja desamparadas, arruinadas y vulnerables. El dinero es solo un medio para reclamar lo que por derecho es suyo, la esperanza de una vida mejor y autosuficiente.
Viola Davis lidera el extenso y acertado elenco de la película con su característico aplomo, y no deja pasar la ocasión para demostrar una vez más que nadie llora a moco tendido como ella. La oscarizada actriz entabla un duelo electrizante con la siempre estupenda Elizabeth Debicki; el proceso de empoderamiento de su personaje es uno de los puntos más disfrutables del conjunto. Asimismo, se agradece mucho ver a Michelle Rodríguez en un registro dramático muy solvente, dentro de una producción de envergadura y ajena a la saga A todo gas. Tras Malos tiempos en el Royale, Cynthia Erivo se confirma como una de las revelaciones del año, y también habría que destacar a un espléndido y terrorífico Daniel Kaluuya.
Aunque se podría haber rodado perfectamente en piloto automático, McQueen pone de su parte para enriquecer la historia a través de la dirección; basta con percatarse de cómo graba la secuencia de una conversación que se produce en un viaje en coche desde un barrio marginal hasta la zona más pija de la ciudad, captando cómo cambia paulatinamente el paisaje alrededor del auto. En el guion hay un poco de brocha gorda, pero también sorpresas muy del estilo de la autora de Perdida que impiden que bajemos la guardia a lo largo del film, el cual, a pesar de todo el deprimente panorama que presenta, guarda un rayo de esperanza dedicado a todas esas personas que, al igual que estas viudas, se han sentido despojadas de todo aquello que creían que les definía. Spoiler Alert: nunca es tarde para romper cadenas y descubrir que la independencia puede ser algo maravilloso.
¿De qué va?: Wilson, un miembro de la comisión de crímenes de guerra, está buscando a Franz Kindler, uno de los cerebros del holocausto, que ha desaparecido sin dejar rastro. Para encontrarlo, Wilson sigue a un antiguo camarada de Kindler hasta Harper, Connecticut, en donde este último es asesinado por Kindler antes de que Wilson pueda identificarlo. La única pista que le queda es la fascinación del criminal nazi por los relojes antiguos.
Reputación: La idea original para El extraño del productor Sam Spiegel era contratar a John Huston para dirigirla, pero cuando éste entró en el servicio militar, se le ofreció la oportunidad a Orson Welles de dirigir y protagonizar un proyecto de presupuesto y tiempo de rodaje ajustado, algo que el director estaba tan dispuesto a hacer que aceptó firmar un contrato que le ponía en muy mala situación: si no cumplía sus obligaciones contractuales, tendría que pagar 50.000 dólares al año a la productora, International Pictures, y ceder ante la misma ante cualquier disputa creativa. A su favor, cobraría 2.000 dólares a la semana durante la realización de la película, además de 50.000 al finalizarla, y cabría la posibilidad de firmar un contrato por cuatro películas en las que tendría total libertad creativa, algo de lo que finalmente se retractó la productora, quizás porque creían que la película iba a ser un fracaso. Al editor Ernest J. Nims se le concedió la libertad de cortar cualquier secuencia que considerara innecesaria, así que, para disgusto de Welles, recortó 30 minutos de la versión final del director que se perdieron junto con los negativos originales. El copyright original de la película pertenece a The Haig Corporation, pero la película es de dominio público desde que sus productores no renovaron los derechos en 1973. Aunque el propio Orson Welles calificó El extraño como su peor trabajo, fue la única de sus películas que logró beneficios en su primer lanzamiento en cines.
Comentario: Ya quisieran muchos cineastas haber podido dirigir la que Orson Welles señala como su película menos favorita. Si bien es cierto que no alcanza la excelencia de Ciudadano Kane, Sed de mal o La dama de Shanghai, es una buena intriga intimista, sustentada en tres personajes y en la paranoia creada por colocar a un nazi en una pequeña y tranquila localidad de Estados Unidos, país que parecía estar a salvo de los horrores perpetrados por Hitler y sus acólitos. La película arrastra ciertas ingenuidades y costuras endebles del guion, como que le encarguen a un único hombre la tarea de perseguir y capturar a un criminal de guerra de tanta envergadura y tan escurridizo, pero el ajustado y ágil metraje de 95 minutos, la atmósfera noir orquestada por Welles, así como su interpretación y la de Loretta Young y Edward G. Robinson, la convierten en un thriller notable.
