30/6/11

O.C: El hombre que mató a Liberty Valance (1962)

Poster El hombre que disparó a Liberty Valance

¿De qué va?: Un anciano senador relata a un periodista la verdadera historia del hombre que acabó con la vida del malvado Liberty Valance. Todo empezó cuando un joven e idealista abogado llega a Shinbone, un pequeño pueblo del Oeste, para imponer la ley en esas tierras. Nada más llegar, es robado y golpeado por el temido forajido Liberty Valance, siendo rescatado por el hábil pistolero Tom Doniphon.

Reputación: Uno de los western más aclamados de la filmografía del director John Ford y del género ambientado en el Oeste en general. Para la adaptación cinematográfica de un relato corto escrito por Dorothy M. Johnson, Ford contó con la colaboración de su actor fetiche, John Wayne, y con la de James Stewart, con el que ya había trabajado en su anterior película, Dos cabalgan juntos. El hombre que disparó a Liberty Valance fue rodada cuando John Ford tenía 65 años de edad, justo cuando los western empezaron a perder el interés del público, cobrando fuerza las películas paródicas (spaguetti western). De hecho, poca repercusión obtuvo el filme en los Oscar, siendo nominada únicamente a la estatuilla al mejor vestuario de película rodada en blanco y negro.

El hombre que mató a Liberty Valance
Comentario: El hombre que mató a Liberty Valance es un señor que encaja perfectamente con la figura del (anti)héroe del western crepuscular: un hombre derrotado y abatido que está solo, no es capaz de conseguir a la chica y se encarga de hacer el trabajo sucio cuando los tiempos piden un cambio y las armas dejan paso a la diplomacia. La película se sostiene en torno a la dualidad de los dos protagonistas masculinos de la historia, el pasado y el futuro del defensor de la justicia en el salvaje Oeste. Aquí las persecuciones a caballo y los tiroteos se sustituyen por los no menos intensos duelos psicológicos de los personajes, que deambulan por la delgada línea que separa la justicia, la moralidad y el honor de lo que no lo es. Al fin y al cabo, Liberty Valance es tan sólo la excusa perfecta para hacer un reflexivo y melancólico análisis de los valores del hombre a lo largo de su historia.

Próximo visionado: La semilla del diablo (1968)

29/6/11

Pandástica sin honores

Poster Kung Fu Panda2 
Dir.: Jennifer Yuh Nelson
¿De qué va?: Po vive el sueño de su vida defendiendo el Valle de la Paz como Guerrero del Dragón junto a sus compañeros, los cinco furiosos. Pero su felicidad se verá truncada con la aparición del temible Lord Shen, que planea usar un arma secreta invencible para apoderase de China y destruir el kung fu. Po deberá hallar la paz interior si quiere impedir que el tirano se salga con la suya.

Reseña: Kung Fu Panda supuso un punto de inflexión para Dreamworks Animation, pues el estudio no había conseguido una película de un éxito tan rotundo desde Shrek, así que la secuela no se hizo esperar y ya la tenemos entre nosotros tres años después. Esta nueva entrega de las aventuras de Po cumple a rajatabla las normas de las segundas partes: hechas las presentaciones tenemos doble ración de acción, de humor, de espectacularidad… de todo, y si bien cumple con creces su función de refrescante entretenimiento para todos los públicos tampoco consigue sorprendernos con nada nuevo.

Kung Fu Panda2 
La trama principal de la película consistente en dar caza a un malvado pavo real enlaza con otra en la que se ahonda en los orígenes de Po, un misterio que en realidad no lo es tanto y que se deduce desde el comienzo de la película pese a que se resuelva casi al final. Se trata de un recurso dramático al estilo Disney, de contenido bastante pobre pero que tampoco molesta y que además introduce el elemento más original de la cinta: flashbacks en animación tradicional con una estética muy oriental para narrar la infancia de Po. Por otra parte, se echa en falta conocer un poco más a los cinco furiosos, pues tan sólo actúan como comparsas del orondo panda.

Kung Fu Panda2.3.

Kung Fu Panda 2 no desmerece a su antecesora pero tampoco la supera. El factor sorpresa se ha perdido, la calidad de los gags ha bajado un pelín (aunque esta vez se le ha dado más cancha al entrañable padre ganso de Po) y la historia ya no es tan adictiva. Lo que se ha mantenido o incluso mejorado son las coreografías de lucha y el aspecto visual, luciendo una de las ambientaciones más alucinantes y cuidadas del cine de animación actual. Veremos si suben el listón con la tercera parte para la cual ya han dejado un jugoso ‘cliffhanger’ al final de ésta.

7/10

28/6/11

El rincón de Chechu: Triste olvido

"Somos lo que somos porque fuimos lo que fuimos."

Arturo Pérez-Reverte.

Yo recuerdo cuando me sentaba en el salón a escuchar tus pasos, cuando las zapatillas rojas se movían por la cocina y yo las oía desde el sofá, sabiendo que estabas allí y que te amaba y que no me hacía falta mirarte para sentirte. También recuerdo las tardes lluviosas en que te volvías loca por la calle y me gritabas desesperada, tengo guardado bien dentro el sonido de tu voz estallando contra los cristales del portal. O esa melena rubia que se encendía en la madrugada, en el asiento de atrás del coche, cada vez que sonreías y las farolas te iluminaban media cara y dejaban la otra media en penumbra, misteriosa, llena de magia, de la bondad que siempre derrochaste.

Poster Bicicleta cuchara manzana Hoy he visto Bicicleta, cuchara, manzana y he llorado. Es tal la tristeza que siento ahora que casi no puedo escribir. A pesar de todo permítanme, una semana más, hablarles desde la emoción y no tanto desde el cine. De lo que este documental transmite y de lo que tiene detrás, del enorme drama que recoge, de la sinceridad con que trata la desgarradora realidad de perder los recuerdos.

Pasqual Maragall fue alcalde de Barcelona y presidente de la Generalitat. Un político destacado de nuestro país, un hombre público, una cara, un personaje reconocido. Hace más de dos años comunicó a los medios que se le había diagnosticado Alzheimer y que haría todo lo posible para luchar contra la enfermedad; no únicamente por él, sino por todos los que quizá vayamos detrás. Bicicleta, cuchara, manzana es un seguimiento de su vida durante ese primer año y medio de diagnósticos, de crudeza, de apoyo familiar, de miedo y de lucha, sobre todo de lucha. De la vida de un hombre consciente de que pronto olvidará todo lo que fue.

Bicicleta, cuchara, manzana2 
Desde Barcelona a Nueva York, pasando por Buenos Aires, la India o Rotterdam, Carles Bosch y su equipo han hecho un trabajo de documentación incalculable. Han viajado a distintos países punteros en la investigación del Alzheimer y han entrevistado a los más reputados científicos: origen de la enfermedad, tratamiento, futuro. Uno de los doctores se refiere en varios momentos a ese mal como una epidemia que inundará hospitales y centros especializados; otros hablan de prevención más que de tratamiento; y todos se muestran conmovedoramente involucrados en la búsqueda de un remedio. Es sobrecogedor comprobar la cantidad de personas que dedican su vida y todos sus esfuerzos a mejorar la de los demás.

Bicicleta, cuchara, manzana3 
Sin embargo no es esto lo que destaca en el documental. Es, como antes dije, la emoción que despierta ser testigo de cómo Maragall olvida nombres –bicicleta, cuchara, manzana- que acaba de escuchar hace un minuto; de cómo escribe sus memorias en un último intento de rescatar los recuerdos, de mantener vivo con palabras lo que su mente va a dejar morir; del sufrimiento y de la entrega constantes de toda su familia, especialmente de su mujer; de la dolorosa certeza de que un ser querido está dejando de ser él. Levantarse cada mañana sabiendo que tu vida se desvanece pero tu cuerpo no, y que vivirás así durante años, porque como dice el propio Maragall, ‘no se muere de Alzheimer, se muere con Alzheimer.’

Poster El hijo de la novia Por otra parte, hay una película más que me gustaría mencionar hoy: acaba de venirme a la cabeza mientras escribo. Se trata de El hijo de la novia, de Juan José Campanella y protagonizada por Ricardo Darín, y cuenta la historia de un hombre cuya madre padece Alzheimer. Su padre, Héctor Alterio, vive para ella aunque apenas lo reconozca: va a la residencia todos los días, arreglado como un chiquillo, como la primera vez que la vio; le regala flores, la besa, la mima, sigue enamorado de ella a pesar de la crueldad con que a veces lo trata por la desinhibición propia de la enfermedad -también patente en el documental español- que hace a personas mayores, dignas, admirables sólo por el tiempo que han vivido, comportarse como niños. Irónica broma del destino.

El hijo de la novia 
Pero volviendo a Bicicleta, cuchara, manzana, señalaré lo bella y triste que es la última escena, con la cámara moviéndose sobre fotos de toda una vida, sobre los recuerdos que comienzan a desvanecerse sin remedio, mientras suena Procuro olvidarte y Maragall la canta por encima: 'lo que haría por no vivir así, por no sentirme así, perdido', para acabar con su rostro despreocupado inundando la pantalla y un preciso corte a negro que destapa las lágrimas del que mira.

Bicicleta, cuchara, manzana

Antes comencé escribiendo recuerdos: son reales, todos los he vivido y todos los guardo en la memoria. Pienso en aquellos momentos y en las mujeres que los provocaron, distintas, pasadas, buenas o no, pero que me hicieron ser lo que soy y me enseñaron por encima de todo. Imagínense que llegue un día en que lo que nos ha traído hasta aquí va desapareciendo poco a poco, irremediablemente, hasta despojarnos de nuestra memoria y por tanto de nuestra identidad. Y todo lo que somos, lo que fuimos, se diluye en un mar de niebla que ya nunca nos abandona. El abrazo de una madre, las manos fuertes de un abuelo, los hijos casándose, los nietos naciendo, el primer beso de la mujer soñada. Nada más efímero que el presente y nada más bello que el pasado; por desgracia nadie sabe si morirá recordando o si morirán antes sus recuerdos, si será uno mismo el que muera o un completo desconocido. Tan duro es ese horizonte, tan triste es el verdadero olvido.

26/6/11

Tráiler de A Dangerous Method: El freudianismo según Cronenberg

A Dangerous Method

Nuestra actriz del mes, Keira Knightley, no solo está de actualidad  por el estreno de Sólo una noche, sino también por el lanzamiento del tráiler de uno de sus últimos trabajos,  una fuerte competidora de cara a la próxima temporada de películas con aspiraciones a Oscar: A Dangerous Method, el nuevo filme de David Cronenberg (Promesas del Este), pero no el último, pues actualmente se encuentra rodando Cosmopolis con Robert Pattinson como protagonista.

A Dangerous Method2

A Dangerous Method está basada en una obra de teatro que gira en torno a tres personajes: el famoso psicoanalista Sigmund Freud, su discípulo Carl Jung y Sabian Spielrein, una joven y trastornada paciente que provocará el conflicto entre los eruditos. Para encarnar a estos personajes, Cronenberg ha contado con tres actores que le garantizan estar a la altura de las circunstancias: Viggo Mortensen, en su tercera colaboración consecutiva con el director, Michael Fassbender, que recientemente nos ha dejado a todos con la mandíbula desencajada por su interpretación de Magneto en X-Men: Primera generación, y la mencionada Keira Knightley, de la cual no me cansaré de decir que en Sólo una noche está estupenda. A ellos hay que sumar a Vincent Cassel (Cisne negro) en el papel de un paciente obsesionado con el sexo.

A Dangerous Method3 
Y es que a juzgar por las imágenes del tráiler, Cronenberg no ha escatimado en escenas subidas de tono, las cuales se podrán ver por primera vez durante el Festival de Venecia que se celebrará el próximo mes de Septiembre. Sin fecha de estreno establecida para Estados Unidos, en Filmaffinity señalan que llegará a España el 25 de Noviembre… eso habrá que verlo. Mientras tanto, nos quedamos con su estupendo tráiler en versión original subtitulada y empezamos a hacer nuestras cábalas para los Oscar; por lo pronto, parece tener aspiraciones de abarcar los apartados de interpretación:

24/6/11

Pequeños actos sin consecuencias

Poster Solo una noche

Dir.: Massy Tadjedin
Int.: Keira Knightley, Sam Worthington, Guillaume Canet, Eva Mendes, Griffin Dunne, Daniel Eric Gold, Stephanie Romanov
¿De qué va?: Joanna y Michael son un matrimonio feliz, pero la situación da un vuelco cuando Joanna empieza a sospechar que hay algo entre su marido y una atractiva compañera de trabajo con la que él pasará una noche fuera de la ciudad por motivos laborales. Mientras, Joanna se reencuentra casualmente con Alex, un amor del pasado, por el cual se replanteará sus principios y las decisiones tomadas a lo largo de su vida.

Reseña: ¿Se puede estar felizmente emparejado y ser tentado al mismo tiempo? Esa es la pregunta que plantea Sólo una noche, debut en la dirección de la guionista iraní Massy Tadjedin. La infidelidad es un tema recurrente en la cinematografía mundial, pero la principal novedad de la cinta en cuestión radica en que la idea del adulterio no surge por la insatisfacción de alguno de los cónyuges, al contrario, ambos son muy felices y están enamorados, pero a lo largo de una noche separados vivirán una experiencia que pondrá al límite su relación desde dos acercamientos muy diferentes: por un lado, la atracción puramente física, y por el otro, las cenizas de un fuego que no ha terminado de consumirse.

Last Night 
De esta forma, vemos cómo evolucionan a lo largo de la noche las dos parejas, a través de sus conversaciones, de sus miradas, más directas que esquivas, y de sus gestos, más vacilantes que firmes. No son personajes demasiado profundos, incluso hay uno al que le cuesta salirse del estereotipo, pero podemos sentirnos fácilmente identificados con alguno de ellos, o incluso con diferentes aspectos de los cuatro. Directa o indirectamente, todos hemos pasado por una situación similar, y difícilmente hemos podido encontrar una respuesta sencilla, al igual que el filme, que nunca se atreve a sentenciar a los personajes ni a las decisiones que asumen.

Last Night3

Sólo una noche es una película sustentada básicamente en los actores y los diálogos, es casi como ver teatro filmado, y es en estas situaciones cuando mejor se aprecia la labor de los intérpretes al cargar con todo el peso del filme. El cuarteto protagonista sabe que tiene una oportunidad de lujo para lucirse y la aprovecha al máximo, aunque con un resultado desigual. Keira Knigtley y Guillaume Canet tienen una química enorme, consiguen que su romance frustrado e inconcluso resulte tan palpable como amargo por esa serie de circunstancias que provocan que algo que podría ser genial simplemente no llegue a ocurrir nunca. En cambio, al tándem formado por Sam Worthington y Eva Mendes le falta algo más de tensión sexual; a él no le favorece que su personaje sea el más hermético y ella acarrea con el rol más tópico y antipático de la historia, aunque a veces se le intente sacar algo de trasfondo. El único personaje de relevancia fuera del cuarteto amoroso es el que encarna Griffin Dunne, que actúa como voz de la conciencia de la primera pareja.

Last Night2 
Se nota la falta de experiencia detrás de las cámaras de la directora puesto que no le imprime un estilo particular a la cinta, que funciona y avanza gracias al reparto, a un montaje que juega con la alternancia de las historias y a la excelente banda sonora que ha compuesto el siempre estupendo Clint Mansell. Con todo, Sólo una noche no será una película que pase a a la historia, pero seduce en su melancólica contemplación de las imperfectas relaciones sentimentales. Un consejo: no la vean junto a su pareja, pues saldrán a la luz cuestiones incómodas que a veces es mejor no compartir con quien se comparte el lecho.

7’5/10

23/6/11

O.C: West Side Story (1961)

Poster West Side Story¿De qué va?: Dos bandas de jóvenes se disputan el territorio del West Side de Nueva York: los Sharks, todos ellos procedentes de Puerto Rico, y los Jets, de ascendencia anglosajona. Una noche, en un baile donde coinciden las dos pandillas, la hermana del líder de los Sharks, María, conoce a Tony, el mejor amigo del cabecilla de los Jets, surgiendo entre ellos un amor prohibido dada la fuerte enemistad entre las bandas.

Reputación: West Side Story es una adaptación moderna del clásico de William Shakespeare Romeo y Julieta con las peleas callejeras y la xenofobia como trasfondo. Se representó en el teatro por primera vez en 1957 y alcanzó el éxito tan rápidamente que la adaptación cinematográfica no se hizo esperar. Fue dirigida a cuatro manos por Robert Wise (Sonrisas y lágrimas) y Jerome Robbins, coreógrafo y creador de la obra original. La película puede presumir de ser uno de los musicales más premiados por la Academia, ganando 10 de los 11 Oscar a los que aspiraba. Perdió el de mejor guión adaptado pero en cambio se llevó los de mejor película, director, actor y actriz de reparto (George Chakiris y Rita Moreno), fotografía, dirección artística y vestuario en color, banda sonora musical, montaje y sonido. Como curiosidad cabe destacar que Rita Moreno fue la primera actriz hispana en ser nominada y en recibir el Oscar de la historia y que como la pareja protagonista, Natalie Wood y Richard Beymer, iba un poco corta en el tema de cantar y bailar, fueron doblados y sus números de baile reducidos.

West Side Story 
Comentario: He de admitir que soy muy fan de los musicales, raro es el que no me consiga enganchar, y le tenía muchas ganas a West Side Story por toda la fama que le precedía y porque se ha convertido en un icono tan popular dentro de la cultura y la cinematografía americana, pero la verdad es que me ha dejado con una sensación un tanto agridulce. Para empezar, dura demasiado, lo que funciona en el teatro no tiene por qué funcionar igual de bien en el cine, el comienzo es larguísimo y hay escenas y números que no aportan gran cosa. Otro reparo, la pareja protagonista. Normalmente las historias de amor en los musicales son empalagosas pero es que aquí es directamente intragable y me parece que el protagonista, Richard Beymer, no está a la altura del resto de sus compañeros. En cambio, el tema de la xenofobia y la inmigración está bien llevado, hay números y coreografías brillantes (America y Dance At The Gym los mejores) y Rita Moreno está fabulosa encarnando al mejor personaje de la historia. En balance me parece que está un poco sobrevalorada, y es que sin ir más lejos, Cantando bajo la lluvia le da mil vueltas.

Próximo visionado: El hombre que mató a Liberty Valance (1962)

21/6/11

El rincón de Chechu: Eterno retorno de lo mismo

En la tardiña, mi jardín se revuelve pacífico y tranquilo, con la brisa que lo acaricia y los golpes de mar que suenan lejos, con el rumor de los árboles moviéndose allá al fondo y el ambiente siempre fresco de Galicia. Estoy en mi casa de nuevo, oliendo la hierba que crece salvaje, los relojes que corren más despacio. Llevo aquí tan sólo un día y ahora escribo desde otro lugar, la ventana enfrente que no lleva los mismos cristales que aquella otra, que no me regala las mismas vistas: antes, tejados naranjas e intimidades de un patio interior salmantino; hoy, hierba verde y monte galaico bailando inalterable bajo el sol. Es complicado pensar en las distancias y en los lugares, tan distintos son los unos de los otros y tantas horas de viaje los separan; sin embargo nosotros somos los mismos, hablamos íntimamente en el mismo idioma secreto. Nunca es sencillo acostumbrarse a la vida que se ha dejado atrás, igual que nunca es fácil construir una nueva lejos de la conocida. Hoy los árboles me hablan de pasadas tardes y lecturas recientes, ahora perdidas en la inmensidad de la distancia, de estos últimos días en los que he terminado de leer Los renglones torcidos de Dios. Y parecen tan lejanas, tan remotas sus páginas y lo que me hicieron sentir como las piedras claras de Salamanca y las voces que he dejado atrás y que tanto extraño.

Tengo que hablar aquí sobre ello, no puedo permitir la indiferencia ante el inesperado descubrimiento que he hecho con esa lectura. Algunos de ustedes, los que hayan visto la película que ahora mencionaré y los que hayan leído la obra de Luca de Tena, comprenderán lo que estoy a punto de contarles. Otros leerán este artículo y quizás eso les cree la curiosidad necesaria para abordar lo desconocido, bien la novela o bien el filme. Y a muchos los dejará indiferentes ante las dos obras. Sin embargo, nadie quedará sin conocer la humilde opinión y en cierto modo atrevida protesta que lanzaré hoy. Es la magia de la palabra escrita: queda para siempre en nuestra retina, agazapada, latente, preparada para saltar a relucir el día menos pensado.

Poster Shutter IslandEs de sobra conocida la última cinta de Martin Scorsese, Shutter Island,  basada en la novela homónima de Dennis Lehane, publicada en 2003. A muchos les sorprendió e incluso les causó indignación su ninguneo en los Oscar, aunque es cierto que su temprano estreno en 2010 y la inevitable desmemoria de los académicos hacía prever que no tuviese presencia en la gala. A mí, personalmente, no me preocupó demasiado: es un buen thriller, de éstos oscuros que ahora tanto se llevan, entretenido y efectista, con buenas interpretaciones -profesional DiCaprio- y destacada dirección artística y fotografía; pero es también endémicamente tramposo además de previsible.

Ben Kingsley

El detective interpretado por Leonardo DiCaprio llega, junto a su compañero Mark Ruffalo, a un manicomio situado en la más oscura y misteriosa isla que hay frente a Boston. Resolver la desaparición de una peligrosa asesina que estaba allí recluida, su misión. Convivir con los enfermos e investigar dentro de la vida delirante y horrorosa de una institución de esas características, su reto. El psiquiátrico está dirigido por Ben Kingsley, un personaje lleno de enigmas, de una inquietante fuerza oculta que el espectador percibe en cada plano.

Leonardo DiCaprio La historia se desarrolla a partir de aquí en el manto rugoso de la locura y la ambientación terrorífica, de los entresijos de la mente enferma y los deseos desconocidos, los pensamientos indescifrables y las reacciones sorprendentes. Con semejante campo de cultivo para el efecto y la trampa, cómo no iba a caer el bueno de Martin en el error. A lo largo de toda la cinta nos va dejando pequeñas pistas, para algunos verdaderamente sutiles e indescifrables, para otros obvias desde el primer instante, que nos llevan de la mano al clímax final. Pero es que no es justo, ni muchísimo menos, con el espectador. No es legal, no aprecia al público. Lo más ruin y mediocre de un creador de historias, desde Arthur Conan Doyle a David Fincher, es mostrar al que lee o mira menos de lo que los personajes conocen. O dejar entrever el camino verdadero al mismo tiempo que se colocan pedruscos innecesarios que complican la trama. Martin Scorsese -o el guionista, quién sabe hasta qué punto respeta un director de ese calibre los libretos originales- es consciente de que sus detalles dejan demasiado clara la resolución del conflicto antes de tiempo y opta por enturbiarnos conscientemente con idioteces que ningún sentido tienen y que no están justificadas; eso sí, técnicamente perfectas y con mucho gancho, algo que todo buen consumidor tragaría sin rechistar, anzuelos envenenados que la mayoría mordería sin darse cuenta. Pero aún así, nada. Al menos conmigo y con no pocas personas que también la han visto, no funcionó. La previsibilidad del guion es demasiado explícita incluso para hacer trampa.

Shutter Island 
Hasta aquí, lo que es la película. Un thriller perfectamente ambientado, entretenido, de los que se debe nutrir el cuerpo principal de la producción cinematográfica. Un trabajo bastante notable, en definitiva, a pesar de sus engaños. Pero hace unos días me di cuenta de que la trama policíaco-psiquiátrica del escritor Lehane no era tan original y admirable como pensé en un primer momento. Hace unos días me asaltó la sospecha, después la duda, luego la decepción. Hace unos días terminé Los renglones torcidos de Dios.

Los renglones torcidos de Dios Y claro. Torcuato Luca de Tena ya abordó la locura en esa novela, además de una forma profunda y entregada, ya que fingió una enfermedad mental para vivir él mismo internado durante un tiempo, y leyó numerosos libros de psicología, y habló con muchísimos profesionales del sector. En este sentido, el valor del libro es enorme, casi inigualable. Llevar algo tan contradictorio y desconocido como la paranoia a la literatura es una empresa arriesgada y precisa, complicada y peligrosa, en la que sólo unos pocos escritores pueden tener éxito. Literariamente, en cambio, no me aportó demasiado; quitando el maravilloso trazo con el que describe a los personajes y los hace dialogar, el estilo brilla quizá por su simpleza. Además, Luca de Tena comete la imprudencia de manchar la historia con su ideología: los que la hayan leído sabrán por qué. Algo con lo que un artista debe tener extremo cuidado.

Los renglones torcidos de Dios2 
Pero esto no quita que se trate de una novela detectivesca ambientada en un manicomio, ni quita que una mujer, Alice Gould, fuerce su internamiento para investigar a un asesino que se encuentra también allí. Tampoco quita que el director, en este caso Samuel Alvar, guarde tan sospechosas similitudes con Ben Kingsley, ni quita que la protagonista tenga la misma personalidad que Leonardo DiCaprio. Tampoco que la trama se desarrolle casi de igual forma, ni que el clímax se alcance de la misma manera, ni que la resolución del conflicto y su causa sean absolutamente iguales. ¿Qué ocurre aquí, señor Lehane, señor Scorsese?

Aclaremos la situación: tenemos una novela española de 1979, admirable, concienzuda, bien elaborada; otra americana de 2003 que no he leído y una película hollywoodiense de 2010, basada en ésta última, evidentemente lastrada por ciertos vicios de que adolecen el cine y la literatura. Los personajes y la trama son exactamente los mismos. El tema es idéntico. La idea, calcada.

Shutter Island4 
Como antes comencé diciendo, las distancias y los lugares son complicados. Nos cuesta acostumbrarnos a ellos, cambian continuamente a lo largo de la vida y dejan en nosotros posos muy diferentes; nos forman, nos moldean, hacen que lloremos o que nos aburramos, que echemos de menos algo que se ha perdido o que deseemos quedarnos para siempre en un mismo sitio. Pero las personas son siempre las mismas. Pensamos de la misma forma en cualquier lugar, sentimos pasiones idénticas estemos en Salamanca o en Galicia, recordamos el mismo libro amarillento y la misma mujer que nos lo prestó, caminamos bajo el mismo sol, vemos las mismas películas, leemos los mismos libros y copiamos las mismas historias. En Estados Unidos o en España, en el lejano rumor de los años ochenta o en nuestro siglo XXI, tan falso, tan lleno de plástico, de cristal, tan atiborrado de efectos y trampas que hay que recurrir al pasado para fingir que aún ahora, en medio de todo este caos, seguimos avanzando a trompicones.

20/6/11

Tráilers de The Muppets: ¡La tropa de trapo ha vuelto!

Poster The Muppets¿Alguien echaba de menos a Los Teleñecos? Sinceramente yo no, pero la  verdad es que me hicieron pasar muy buenos ratos de pequeño hasta el punto de tener una pequeña colección de películas en VHS de la Rana Gustavo, Peggy y compañía; la de Cuento de Navidad con Michael Caine haciendo de Mr. Scrooge era mi favorita. Así que aunque al principio no me interesara demasiado la resurrección de los personajes creados por Jim Henson, fue ver las primeras imágenes de su nueva película para que un sentimiento nostálgico se apoderara de mí hasta el punto de que ya tiene mi entrada de cine asegurada.

¿Y cómo es que los Teleñecos han vuelto precisamente ahora? Pues porque Disney compró sus derechos en el 2004 para utilizarlos en diversos ámbitos como parques de atracciones o merchandising, pero también para sacar una película protagonizada por ellos, aunque no estarán solos: Jason Segel (Como conocí a vuestra madre) y Amy Adams (The Figher) les acompañarán en su aventura, en la que entre todos tendrán que encontrar la manera de obtener dinero para impedir que un malvado magnate del petróleo (Chris Cooper, The Town) derribe el antiguo teatro de los Teleñecos.

Jason Segel

Una de las cosas más divertidas de  la película será sin duda descubrir los innumerables cameos que trae consigo: Emily Blunt, Zach Galifianakis, Mila Kunis, Neil Patrick Harris, Jack Black, Danny Trejo, Woopie Goldberg, Ricky Gervais, Billy Cristal o John Krasinski son solo algunos de los famosos intérpretes que se dejarán ver en el largometraje dirigido por James Bobin y escrito por por el propio Jason Segel junto a Nicholas Stoller (Los viajes de Gulliver).

Green Lantern La campaña promocional comenzó hace unas semanas con tres teasers que parodian con mucho cachondeo las comedias románticas, Resacón en Las Vegas y Green Lantern, pero desde el pasado fin de semana ya contamos con un tráiler “serio”. Habrá gente a la que le parezca demasiado infantil o pasado de moda, pero a mí los Teleñecos me siguen molando mucho así que les deseo lo mejor en su estelar reaparición. El estreno americano será el 23 de Noviembre de este año, aunque al parecer en España tendremos que esperar hasta el 3 de Febrero de 2012…  Con lo bien que habría estado verla por Navidad. En fin, aquí tienen todos los avances que han salido hasta ahora de la película, una campaña publicitaria como Dios manda:







19/6/11

Sobre cambios en los Oscar, el arca de Noé y magos atracadores

- La Academia de las Ciencias y las Artes Cinematográficas ha anunciado esta semana importantes cambios en las normas por las que se rigen los Oscar. La más destacada es que de ahora en adelante el número de candidatas a mejor película variará entre cinco y diez nominadas, teniendo que recibir al menos un 5% de los votos de los académicos para poder entrar entre las seleccionadas. Con esto no volverá a ocurrir lo de las dos últimas ediciones, en las que hubieron películas que gozaron de una candidatura que les venía grande (¿alguien dijo The Blind Side?) para rellenar hueco, y además se generará mucho más suspense.

Oscars 
Otro cambio introducido atañe a la categoría de mejores efectos visuales, que pasará de tener siete a diez preseleccionadas, pues desde la pasada edición son cinco las películas nominadas y no tres. La categoría de mejor película de animación será un premio regular sin que una comisión deba decidir si se presenta cada año o no, bastará con que se presenten ocho candidaturas y luego dependiendo del número total de aspirantes variará el número de nominadas. Por último, ya no se podrá votar únicamente a través  del mítico sobre con papeletas sino que la Academia habilitará un sistema de voto electrónico. El 24 de Enero de 2012 veremos cómo se reflejan todos estos cambios en el anuncio de las nominaciones, y luego en la entrega de los codiciados Oscar el 26 de Febrero.


Kate Winslet - Kate Winslet (The Reader) protagonizará Labor Day, adaptación cinematográfica de la novela homónima de Joyce Maynard titulada en España Como caído del cielo. Jason Reitman (Up in the Air) dirigirá la película de cuyo guión también se encargará y en la que también se dejará ver Josh Brolin (Valor de ley). El argumento tiene que ver con un solitario niño de 13 años que tiene como única compañía a su alcohólica madre (Winslet) y a su hámster. La vida del crío cambiará cuando conoce a un misterioso individuo (Brolin) con el que aprenderá valiosas lecciones de vida. Actualmente, Reitman se encuentra enfrascado en la posproducción de su último filme, Young Adult, con Charlize Theron como protagonista.


- Ahora que Darren Aronofsky se ha desentendido de la continuación de X-Men Orígenes: Lobezno ya tiene la vista puesta en otro proyecto, uno mucho más personal: Noah, una película basada en el pasaje de la Biblia que relata la historia del Arca de Noé. Aronofsky necesita para este arriesgado proyecto unos 130 millones de presupuesto, de ahí que es probable que varios estudios se decidan a cofinanciarlo. Por otra parte, se dice que que Christian Bale (The Fighter) es el favorito del director para encarnar al protagonista y aunque ya hayan comenzado las conversaciones aún no hay un contrato en firme. Esta es una imagen procedente del concept-art del filme:

Noah


- Otro que se ha desentendido de una gran superproducción de Hollywood para afrontar trabajos más personales es David O. Russell (The Fighter), pues ya no dirigirá la adaptación cinematográfica del videojuego Uncharted. Ahora el realizador afrontará otro proyecto que tenía pendiente en su agenda, The Silver Linings Playbook, del que ya les hablé en un anterior bloque de noticias. La diferencia radica en que ya no estará protagonizada por Bradley Cooper y Anne Hathaway como se dijo en aquella ocasión, sino por el actor fetiche de O. Russell, Mark Wahlberg (The Fighter) y, probablemente, por Angelina Jolie (The Tourist), que ya ha mantenido conversaciones con el director para participar en este largometraje y, según se especula, para que él dirija la película sobre Maléfica que en un principio iba a realizar Tim Burton para la Disney y con la Jolie encarnando a la mala de La bella durmiente.

Angelina Jolie 
Volviendo a The Silver Linings Playbook, es la adaptación de una novela de Matthew Quick que versa sobre un ex profesor de Historia que abandona la institución psiquiátrica donde estaba ingresado para vivir con su madre. Su primera ocupación consistirá en reconquistar a su ex-mujer, aunque acabará enamorándose de una vecina que también sufre trastornos mentales. Por cierto, otro proyecto futuro de Angelina Jolie es la secuela de Salt, que ya ha recibido luz verde por parte del estudio tras recaudar 293 millones de dólares alrededor del globo, aunque esta vez sin Phillip Noyce encargándose de la dirección.


Jesse Eisenberg - Louis Leterrier (Furia de titanes) dirigirá Now You See Me, thriller que protagonizarán Jesse Eisenberg (La red social) y, tal vez, Jake Gyllenhaal (Código fuente). La película se centra en un equipo del FBI que intenta atrapar a un grupo formado por los mejores magos del mundo que se dedica a robar bancos mientras realizan sus espectáculos, para luego repartir el dinero obtenido entre los asistentes. Boaz Yakin (Prince of Persia: Las arenas del tiempo) y Edward Ricourt firman el guión de la cinta.


- Mark Ruffalo (Los chicos están bien) y Zoe Saldana (Avatar) protagonizarán Infinitely Polar Bear, debut en la dirección de la guionista Maya Forbes (Monstruos contra alienígenas) que producirá J.J. Abrams. La película será una versión dramática de Las locas peripecias de un Sr. mamá (Mr. Mom), una comedia del año 1983 protagonizada por Michael Keaton en la que éste encarnaba a un padre de familia que tras ser despedido de su empleo decide hacerse cargo de los niños y la casa mientras su esposa trabaja. Ahora la historia cambia un poco, pues Ruffalo interpretará a un hombre con trastorno bipolar que tras dejar de tomar su medicación se queda sin trabajo y es abandonado por su mujer (Saldana), dejándolo a solas con sus hijos.

Ruffalo & Saldana


Woody Allen - Nuevo datos sobre la película que rodará Woody Allen (Midnight in Paris) en Roma este verano. Se llamará Bop Decameron y estará compuesta por cuatro historias independientes ambientadas en la Roma actual e inspiradas en algunas historias cortas que componen El Decamerón de Giovanni Boccaccio, dos de ellas protagonizadas por americanos y las otras dos por italianos. A los ya anunciados Jesse Eisenberg, Ellen Page, Alec Baldwin y Penélope Cruz hay que sumarles a Judy Davis (María Antonieta), Roberto Benigni (La vida es bella), Riccardo Scamarcio (Tengo algo que deciros), Isabella Ferrari (Caos calmo), Sergio Rubini (Manuale d’amore 2) y al propio Allen, que no actuaba en una de sus películas desde Scoop en el 2006. El rodaje comenzará el próximo 11 de julio.


Eva Mendes- Eva Mendes (Los otros dos) y probablemente Greta Gerwig (Greenberg) serán respectivamente las parejas de Ryan Gosling y Bradley Cooper en The Place Beyond The Pines, lo nuevo de Derek Cianfrance y que a este paso se estrenará en España antes que Blue Valentine, su aclamada ópera prima. Recordemos que Gosling será un motociclista que empieza a robar bancos para cuidar a su bebé recién nacido, mientras que Cooper encarnará a un policía metido en política que se cruza en su camino. El rodaje dará comienzo el próximo mes.


Matthew Goode- En vez de Colin Firth, será Matthew Goode (Tenías que ser tú)  quien protagonice Stoker, filme que dirigirá Park Chan-wook (Old Boy) con un guión escrito por el actor Wenworth Miller (Prison Break). Mia Wasikowska y Nicole Kidman acompañarán al actor en esta historia sobre una adolescente que conoce a su misterioso tío tras el fallecimiento de su padre.


- Nuevo y sorprendente fichaje de lujo para Man of Steel: Russell Crowe (Los próximos tres días) encarnará al padre de Superman, Jor-El, al que ya interpretó Marlon Brando en la primera película que se hizo sobre el superhéroe. Falta por saber quién será Lara, la mamá, aunque se dice que también se está buscando a una actriz de relevancia para el papel. Desde luego, Zack Snyder está reuniendo a un elenco excelente para la vuelta del hombre de acero a la gran pantalla, pues ya cuenta con la participación de Henry Cavill, Amy Adams, Michael Shannon, Kevin Costner, Diane Lane, Antje Traue (Pandorum) y la del citado Crowe. El estreno se producirá en Diciembre de 2012.

Russell Crowe

18/6/11

La larga y dorada melena de Disney

100321.A01_P0000Ii_SPA-ES.inddTenía mis reservas con la última película de animación Disney sin Pixar de por medio, aunque en realidad eran tonterías, como que el diseño de los personajes me recordaba a esas películas en cadena protagonizadas por la muñeca Barbie, o que obtuviera mucho más éxito en taquilla que la ejemplar Tiana y el sapo, lo que seguramente haya provocado que el estudio se piense y mucho volver a sacar un filme en 2D. Pero como una buena amiga me dijo una vez, las películas de animación no suelen decepcionar, probablemente sea el género que menos descalabros produzca al año; y Enredados se encuentra entre lo mejorcito que ha dado la última cosecha animada.

Enredados 
Fue bastante evidente el salto de calidad que dieron las películas Disney cuando John Lasseter asumió la dirección del estudio, no hay más que comparar Chicken Little con Bolt, pero lo mejor es que han sabido subir el listón sin que el estilo Pixar haya absorbido al de Disney, al contrario, permanece la magia que ha caracterizado siempre al hogar de Mickey Mouse. Aun con su deslumbrante animación tridimensional, Enredados sigue la estela de los clásicos del estudio, tanto en la narrativa como en los personajes y en la construcción de la historia, pero modernizando un poco las situaciones y los modelos sexuales sin resultar forzosamente ‘guays’, véase por ejemplo al protagonista masculino de la historia, un ladronzuelo que construye su personalidad y reputación en base a los arquetipos heroicos que los propios cuentos Disney han perpetuado desde sus comienzos hace ya 50 años.

Enredados2 
Romance, aventuras, humor, tragedias, aprendizaje personal… la combinación de elementos clásicos que reporta Enredados, una revisión inteligente y muy divertida del cuento de Rapunzel, resulta muy atractiva y satisfactoria, tanto para los críos como para los que hemos crecido yendo cada año al cine a ver las películas con las que nos obsequiaba Disney cada año. Solo tengo un pero importante: las canciones son simplonas y ñoñas, están muy por debajo del repertorio de Tiana y el sapo pero al menos cumplen su función sin chirriar demasiado.

8/10

16/6/11

Actores de videoclip vol. 2

En épocas de sequía, cuando no hay mucho material para el blog, no hay mejor manera de alimentarlo que con listas y especiales chorras, así que se me ha ocurrido hacer una segunda entrega de un post (pueden verlo pinchando aquí) que publiqué hace un par de años sobre curiosos videoclips musicales protagonizados por actores conocidos, unos abriéndose paso a la fama a través de ellos y otros en calidad de estrella invitada. Pues nada, aquí tienen una segunda tanda algo tardía con algunos clásicos y nuevas adquisiciones. Para la próxima haremos ese repaso de cantantes metidos a actores que ya anuncié en la anterior ocasión, esta vez va en serio:


Jessica Biel / Mila Kunis – Aerosmith – Fly Away From Here / Jaded
Aerosmith es un grupo aficionado a colocar en sus videoclips a desconocidas y atractivas mozas que luego acaban convirtiéndose en famosas actrices de cine. El caso más popular es el de Liv Tyler (hija de Steven Tyler) y Alicia Silverstone por el videoclip Crazy, pero en su lista de hallazgos también encontramos a Jessica Biel y Mila Kunis, la primera en plan Afrodita A y la segunda como una versión moderna de María Antonieta.

 


Halle Berry – Limp Bizkit – Behind Blue Eyes
Más o menos cuando la carrera de Halle Berry comenzó a estancarse la actriz protagonizó Gothika, un pasable thriller con Robert Downey Jr. antes de alzarse como el rey de Hollywood y una chalada Penélope Cruz. El tema principal de la película fue una versión muy cuca del Behind Blue Eyes de The Who a cargo de Limp Bizkit, que a su vez contó con un videoclip en el que la Berry interpreta el mismo personaje que el de la película.


Angelina Jolie – Korn – Take My Time
Como ya vimos en el anterior ranking, Angelina Jolie comenzó muy joven haciendo sus pinitos como actriz en videoclips de los Rolling Stones y otros grupos.  Siendo ya una actriz famosa, oscarizada y taquillera, se dejó ver sacando su vena más heavy en el video del tema principal de la secuela de Tom Raider a cargo de Korn.


Elena Anaya – Justin Timberlake – Sexyback
Otro que tiene buen ojo para escoger a sus compañeras en los videoclips es Justin Timberlake. Antes de contar con la presencia de Scarlett Johansson para el tema What Goes Around… Comes Around se fijó en nuestra Elena Anaya, que estaba comenzando a dar el salto internacional, para el single presentación de su último disco publicado hace ya cinco años. Esto es Sexyback.


Jamie Bell y Evan Rachel Wood – Green Day – Wake Me Up When September Ends
Billy Elliot y la reina vampira de Lousiana, o lo que es lo mismo, Jamie Bell y Evan Rachel Wood, vivieron hace años un romance truncado por la guerra para ilustrar la preciosa canción Wake Me Up When September Ends de Green Day. Otro de esos videoclips presentados como mini-películas.


Jake Gyllenhaal – Vampire Weekend – Giving Up The Gun
La banda indie-rock Vampire Weekend congregó a varias caras conocidas para un torneo de tenis disputado en el videoclip de Giving Up The Gun. Sí, sale uno de los repelentes Jonas Brothers, pero mejor nos quedamos con un Jake Gyllenhaal desatado y muy deportivo.


Bruce Willis – Gorillaz – Stylo
Los miembros animados del grupo Gorillaz vivieron una persecución automovilística con un invitado de excepción: Bruce Willis. Todo para la presentación de Stylo, el primer single de su último álbum, Plastic Beach. Recuerda vagamente a Death Proof y, cómo no, a Thelma & Louise.


Kristen Bell – Yeasayer – Madder Red
He aquí el videoclip más marciano de todos. La siempre adorable Kristen Bell sufre por su mascota enferma, una especie de… testículo con patas. Lo más chocante es que consigue que nosotros también sintamos pena por ese bicho asqueroso. La culpa la tiene la banda Yeasayer, desconocida por estos lares, y su canción Madder Red. Asquéense lo que quieran, pero los que hemos sufrido la pérdida de una mascota nos sentiremos identificados.


Aaron Johnson – REM – ÜBerlin
Sería justo coronar como rey del baile a Aaron Johnson (Kick-Ass) por la flipante coreografía que se marca para el videoclip de uno de los temas del último y reciente trabajo de REM, dirigido por su esposa Sam Taylor-Wood a la que conoció durante el rodaje de Nowhere Boy, el biopic del joven John Lennon que se encuentra actualmente en las carteleras españolas. Esos pasos de baile serían ridículos si los intentáramos imitar, pero en este contexto molan y mucho.

15/6/11

O.C: Las noches de Cabiria (1957)

Poster Las noches de Cabiria

¿De qué va?: Cabiria es una prostituta que trabaja en unos de los barrios  más pobres de Roma. Sueña con el día en el que encuentre al amor verdadero que la saque de las calles y la haga feliz. Sin embargo, su ingenuidad y bondad la convierten en víctima de sucesivos vividores que se aprovechan de su ilusión, pero Cabiria jamás pierde la esperanza.

Reputación: Tres años antes de crear una de sus obras más reconocidas mundialmente, La Dolce Vita, Federico Fellini dirigió Las noches de Cabiria (Le notti di Cabiria), considerada la última película de su período neorrealista y en la que aborda la desgraciada vida de una prostituta encarnada por la esposa del realizador, Giulietta Masina. El nombre de la protagonista alude a un filme italiano del año 1914 titulado Cabiria, mientras que el propio personaje ya había aparecido brevemente interpretado por la misma actriz en una anterior película de Fellini, El jeque blanco. El filme fue un gran éxito tanto en el terreno económico como en el artístico, recogiendo entre otros premios el Oscar a la mejor película de habla no inglesa o la Palma de Oro del Festival de Cannes a la mejor actriz.

Las noches de Cabiria 
Comentario: Las noches de Cabiria deja a Pretty Woman como un cuento de hadas para niñas… que lo es (como ya dijeron en Shrek 2), pero aun sabiendo que las comparaciones son odiosas, y más en este caso, las protagonistas de ambas historias tienen varias cosas en común: son prostitutas, viven en la marginalidad de grandes ciudades y sueñan con el día en el que llegará su príncipe azul a rescatarlas… con resultados muy diferentes. La clave de que lleguemos a simpatizar tanto con Caribia reside en la interpretación de la actriz, pues conjuga a la perfección la candidez con el patetismo y la fragilidad con la acritud que caracterizan al personaje. Fellini se esmera para que todo lo que la rodea resulte perfecto (fotografía, banda sonora, secundarios…) pero la magia de la película reside plenamente en la menuda Giuletta Masina y gracias a ella nos emocionamos con ese agridulce y emotivo final.

* Un detalle ‘off-topic’: Descubrí Las noches de Cabiria gracias a un diálogo de Gossip Girl en el que mencionan que Blair Waldorf llora cada vez que ve esta película. Para que luego hablen de la banalidad de las series de adolescentes…

Próximo visionado: West Side Story (1961)

14/6/11

El rincón de Chechu: Juego de hombres

De niño, mi juego favorito consistía en lo siguiente: en el ático de la casa, forrado de madera, tirábamos un colchón justo en el centro de la habitación, mi padre se tumbaba en él y mi hermano y yo teníamos que conseguir entrar mientras él lo impedía. Nos pasábamos horas saltando como cabritos desde todos lados hacia el centro del colchón, repelidos por los brazos poderosos de mi padre, que nos enganchaba, nos levantaba en el aire y nos lanzaba hacia atrás. El pelo se nos pegaba a la frente por el sudor, las risas y golpes retumbaban en toda la casa y mi madre subía preocupada de vez en cuando para ver si nos hacíamos daño. Frecuentemente decía a mi padre: "Este juego es muy bruto, os podéis lastimar." Pero ni él ni nosotros nos lastimábamos. Eran las mejores tardes de la infancia, aquellas en el ático. Volando por el aire, saltando hacia el colchón, riendo de las caídas aparatosas que sufríamos e intentando luchar contra un hombre mucho más grande y fuerte que nosotros.

Dejamos de hacer aquello porque crecimos, y ya no era fácil pelear sin peligro porque éramos más grandes y teníamos más fuerza. Mi padre no podía medir ya sus empujones y nosotros, si saltábamos en él, quizá podíamos partirle un hueso. Así que aquel ático dejó de ser el fabuloso ring que había sido para quedarse simplemente en habitación de invitados; el colchón volvió para siempre al sofá-cama del que provenía y las tardes salieron al sol y se convirtieron en fútbol, carreras por los campos de maíz y escaladas a los árboles del monte.

Rocky Balboa 
Es inevitable que recuerde esto ahora que voy a hablarles de películas de acción. Ese cine popular y testosterónico que a tantas masas atrae y tantas estrellas catapulta, que tantas frases deja para el recuerdo y tantas poses nos hace poner delante del espejo, solos -admitámoslo sin rubor-, de la misma forma que De Niro ensayaba su "Talkin' to me?" en Taxi Driver. ¿Quién no ha dicho nunca "Yipi a yei, hijo de puta" a lo largo de su vida? ¿Qué hombre comete la osadía de negar su pasión por Rocky? ¿Cuántos de nosotros no hemos deseado ser así de jefes? Lo llevamos en nuestra naturaleza más íntima y ancestral. Lo tenemos ahí aunque seamos, por encima de todo, personas civilizadas y racionales. Fantasear con reventar a media docena de terroristas delante de nuestra novia es algo natural; desear una lucha cuerpo a cuerpo con el extraterrestre más letal jamás conocido, en medio de la selva, revolcados en barro, es lo más normal del mundo. Llevamos en nuestra alma de cazadores esa masculinidad genética que hace que el cine de acción nos mole mucho. Para qué ponernos exquisitos y para qué mentir. Admitámoslo, hombres del mundo, sin vergüenza ni miedo.

Depredador 
La primera película que me viene a la mente es Depredador. Arnold Schwarzenegger, antes de ser gobernador, fue el titán más salvaje jamás conocido en la tierra, capaz de despellejar a un toro y comérselo con sus propias manos. En esta gran cinta, que seguro todos habréis visto porque debe ser una de las más pasadas en televisión de los últimos diez años, el bueno de Swazzy forma parte de una unidad de combate -¡cómo molan las palabras ‘unidad de combate’, estaréis de acuerdo!- que viaja a la selva para cargarse a todos los guerrilleros y dejar el honor estadounidense bien alto. Sin embargo, allí van todos muriendo de forma horrible, desollados y colgados de los árboles, decapitados, etcétera. Hasta que él, el más macho del grupo, descubre que hay allí un alienígena súper peligroso que está eliminando a todo dios sin ton ni son. Entonces se pone manos a la obra y emprende una lucha salvaje y fiera que termina de forma acojonante; no diré cómo por si todavía no la han visto, pero diré que al final esa masa de músculo y cojones que es Arnold acaba utilizando la inteligencia más sutil para engañar al bicho. Mi padre es un fan irredento de esta película, con razón, y creo que todas las veces que la he visto ha sido con él. A veces, mientras miramos la pantalla maravillados ante el poder infinito de ese soldado majareta, yo lo observo de reojo y recuerdo las tardes del ático con nostalgia.

Terminator Luego también está Terminator, ya con más calidad cinematográfica -la primera y la segunda, ojo, el resto son bodrios modernos- y con Arnold en el mejor papel de su carrera. Esa máquina fría y mortal llegada del futuro para asesinar al protagonista en la primera, para salvarlo del terrorífico T-1000 en la segunda, ha calado hondo en la cultura popular y en el imaginario colectivo, al nivel de cintas tan buenas como Pulp Fiction o la mismísima saga de El padrino. Y conste que no estoy diciendo que su calidad sea similar; estoy hablando de influencia en el cine posterior y en la sociedad. ¿Cuántos carteles publicitarios, películas, anuncios, personas, han dicho "Sayonara, Baby"? ¿O cuántas veces se ha imitado la secuencia magistral de Terminator 2, con el salvaje antagonista agarrado al coche por medio de sus pinzas metálicas? Rompo una poderosa lanza desde aquí a favor de estas dos películas, que me han hecho pasar momentos inolvidables desde que tengo recuerdos. Todavía están en mi casa aquellos VHS. Y siempre los guardaré.

Bruce WillisPero cómo pasar por aquí sin acordarme de Bruce Willis y su legendaria  trilogía La jungla de cristal. No conozco una sola película en la que Bruce no inspire un profundo respeto y temor a la audiencia, bien por su cara de colgado, por sus músculos fibrosos bajo la camiseta interior blanca o por las frases que suelta a cada minuto. Primero un edificio, luego un aeropuerto, luego una ciudad entera. Nada puede con McClane. Explosiones, metralletas, cuchillos, patadas, sangre, sudor, insultos, ingenio, sagacidad verbal insuperable. El último Boy Scout es otra de sus magníficas demostraciones de que es el puto amo, para mí quizá la más exagerada y desfasada, la mejor. Un detective sin afeitar y alcohólico que se ve envuelto en una trama de agentes de fútbol americano y corrupción, que le dice a su compinche, cuando éste pregunta por su hija: "Si miras a mi hija te meto un paraguas por el culo y después lo abro." O que, cuando lo descubren espiando una reunión de los malos en el bosque y le preguntan "¿Vienes solo?", él contesta: "No, vengo con los putos niños cantores de Viena. ¿Qué pasa, sois todos gilipollas?" Juro que no puedo evitar reírme al escribir esta frase. Ya me dirán si no merece un Oscar este hombre.

Platoon Y aunque hoy esté en plan coña, recuerdo a mi padre y no puedo dejar pasar la oportunidad de hablar de otras dos películas que él ama, éstas ya serias, obras maestras: Platoon y Apocalypse Now. De la segunda qué decir, si está entre mis cinco favoritas y es considerada la joya del cine bélico. El viaje psicológico del hombre a los infiernos del terror y la sinrazón, de la violencia. La escena de la masacre en el río, cuando se cruzan con la barca de campesinos; el principio, cuando Martin Sheen está realmente drogado y entra en un delirio que lo lleva a romper el espejo de la habitación, cosa que no estaba prevista en el guion y que ocurrió porque el actor se drogó tanto que al terminar de rodar la escena tuvo un colapso y fue ingresado en el hospital; la primera aparición de Marlon Brando; los famosos helicópteros; la banda sonora; "Me encanta el olor del Napalm por la mañana." La guerra tratada desde el ángulo más oscuro y humano: qué provoca al hombre a cometer semejantes atrocidades y qué consecuencias tienen. Platoon, por otra parte, muestra a un inconmensurable Tom Berenger y a Willem Dafoe en estado de gracia, y contiene una de las escenas más escabrosas de la historia, no por mostrar desagradables entrañas o carnicerías, sino por la carga emocional. Los que la han visto sabrán cuál es, los que no, se darán cuenta nada más verla: esa prisionera en la cabaña y lo que allí ocurre.

Apocalypse Now

Hemos hablado hoy sobre cine de acción y sobre cine bélico: coñón y ligero, salvaje, serio y psicológico. Son géneros en los que hay donde elegir, desde películas estúpidas sin sentido hasta La chaqueta metálica, desde la crueldad en Senderos de gloria hasta los puñetazos en Rocky. No he podido hablar de esto sin mencionar a mi padre y sin recordar esas tardes lejanas en el ático de mi casa. Él es culpable de que me encante Terminator o Deliverance, de que me ría con Bruce Willis o me acojone con Depredador, de que viaje al fondo del horror con Martin Sheen o los ojos de Clint me atraviesen en El sargento de hierro.

El sargento de hierro 
Y es que a parte de un padre ha sido siempre un compinche: de éstos que ríe los chistes vulgares que contamos mi hermano y yo, de los que juega al baloncesto con nosotros y nos revienta con su muñeca de mantequilla, al más puro estilo Ray Allen, de los que tomaba vinos conmigo en Santiago en su descanso de la oficina y el mío de la biblioteca, de los que saben mucho de fútbol y apenas lo muestran, de los que cocinan en el jardín sin importarles tragar todo el humo de las brasas, de los que se preocupan por la familia y aportan seguridad con sólo decir una palabra. Recuerdo ahora una de esas situaciones que nunca olvidaré, mezcla de cariño y de humor, de picardía y de hombres: estábamos en el ascensor y me metí con él, algo dije sobre su pelo o sobre su edad, "qué viejo estás, papá, mírate el pelo casi blanco." Él no me respondió, pero me echó contra la pared y me inmovilizó con su brazo derecho: "Estaré viejo, chaval, pero tú ahora no te mueves." Yo me reí, pensando lo fuerte que es el jodido aún con cincuenta años, y recordé las tardes del ático y las pelis de Swazzy. Él también se rió, y cuando aflojó la concentración yo le di un rodillazo en la entrepierna. Se encogió dolorido, "¡Ay, cabroncete, qué cabrón!", y yo no podía parar de reírme, viéndolo a él reírse también en aquel ascensor azul, recordando todas las tardes antiguas y todas las películas, todas las palabras, los juegos, las coñas, esa complicidad que siempre hemos tenido y que nunca vamos a perder.