28/3/14

La herencia del tío Anderson

Poster El gran hotel Budapest

Dir: Wes Anderson
Int.: Ralph Fiennes, Tony Revolori, Saoirse Ronan, F. Murray Abraham, Adrien Brody, Willen Dafoe, Jeff Goldblum, Jude Law, Edward Norton, Mathieu Amalric, Harvey Keitel, Bill Murray, Léa Seydoux, Owen Wilson, Jason Schwartzman
¿De qué va?: Gustave H. es un legendario conserje de un famoso hotel europeo de entreguerras que entabla amistad con Zero Moustafa, un joven empleado al que convierte en su protegido. Ambos se ven envueltos en el robo y la recuperación de una pintura renacentista de valor incalculable por la que se pelean los miembros de una familia adinerada.

Reseña: Wes Anderson está llegando a ese momento en el que los cineastas que tienen un estilo muy personal dejan de ser objeto de adoración de un reducido grupo de fieles para ser conocidos y apreciados por el gran público. Aquí es cuando los que sólo eran fans porque les gusta ir a contracorriente (lo que se conoce ahora como ‘postureo’) se bajan del barco para buscar otro rarito al que idolatrar, mientras que el director en cuestión debe escoger entre relajarse y ofrecer más de lo mismo o venderse a Hollywood por un buen cheque (¿les suena el caso de Michel Gondry y The Green Hornet?). En lo que respecta a Wes Anderson, todo apunta a que él seguirá a su rollo, trabajando en las historias que le gustan, con su familia de actores que cada vez se hace más grande y, sobre todo, perfeccionando su estilo.

Grand Budapest Hotel3

Si echamos un vistazo a la filmografía de Anderson de forma cronológica, resulta más que evidente que Anderson ha mejorado y evolucionado como director. Puede que Los Tenenbaums sea mejor película que Viaje a Darjeeling, pero en lo que a dirección y técnica se refiere ha habido un progreso constante. El gran hotel Budapest es la culminación de todo ese aprendizaje, una película que se descubre como una matrioska, en cuatro tiempos narrativos diferentes con sus respectivos cambios de formato, y que brilla y atrapa gracias a la fluidez que despliega en todos sus componentes: edición, reparto, planificación, encuadre, ambientación, música, guión.. Todo está cuidado hasta el mínimo detalle y colocado para que nos sintamos en la piel de la muchacha que lee el libro que contiene toda la historia, la cual mezcla las características de la novela de misterio con las del cómic de aventuras, con unas transiciones animadas que tienen tienen su origen en Fantástico Sr. Fox.

Grand Budapest Hotel

Muchos de los integrantes del extenso reparto de la película son rostros habituales en la filmografía de Anderson. La mayoría ha tenido que conformarse con una participación cercana al cameo, como es el caso de Bill Murray y Owen Wilson, pero no parece que les importa demasiado porque deben pasárselo de miedo trabajando a sus órdenes y formando parte de sus fábulas. De hecho, los tres actores con mayor peso en la trama son primerizos, aunque están tan integrados como el resto de sus compañeros. Ralph Fiennes está mucho mejor aprovechado que en la mayoría de sus trabajos, bordando el encanto, la picardía, la nobleza y la verborrea implícitos en su personaje. El desconocido Tony Revolori logra colocarse a su altura como su fiel escudero, enamorado perdidamente de una Saoirse Ronan más encantadora que nunca.

Grand Budapest Hotel

El gran hotel Budapest es Wes Anderson en estado puro pero lo suficientemente licuado como para hacer disfrutar igual tanto a sus seguidores como a los que entren por primera vez en su mundo, un mundo tan colorido, atractivo y de humor tan alineado como de costumbre y en el que se vuelve a realizar una mirada nostálgica y cariñosa al pasado, a esos momentos clave en los que descubrimos el primer amor, aprendimos a madurar y conocimos a esa persona que nos cambiaría la vida para siempre. Tan deliciosa que no dejaremos ni las migajas.

8’5/10

27/3/14

Mamá, quiero ser como tú

Poster Guillaume y los chicos a la mesa
Dir.: Guillaume Gallienne
Int.: Guillaume Gallienne, Françoise Fabian, Yves Jacques, André Marcon, Diane Kruger, Nanou García, Yvon Back, Pierre Derenne
¿De qué va?: El primer recuerdo que Guillaume tiene de su madre es de cuando tenía 4 o 5 años: llamaba a él y a sus dos hermanos a la mesa diciendo: “¡Niños, Guillaume, a cenar!”, y la última vez que habló con ella por teléfono, colgó diciendo “Cuídate, ni niña grande”. Entre estos dos momentos hubo un montón de malentendidos.

Reseña: A diferencia de España, el 2013 fue un año estupendo para el cine francés, con varias películas que consiguieron reconocimiento internacional y excelente números en taquilla. Sin embargo, pese a que para la gran mayoría el primer nombre que se nos venga a la mente sea el de Adèle, la Academia de Cine Francés prefirió encumbrar con 5 premios César, incluyendo el de mejor película, a otra cinta, mucho más cómica y ligera pero con un tema en común: la búsqueda de la identidad sexual.

Guillaume

Así, Guillaume y los chicos ¡a la mesa! parte de una obra de teatro que a su vez está basada en la vida del artífice de ambos, el cómico Guillaume Galienne, a quien de pequeño su propia familia lo trataba como a una chica y éste, en consecuencia, imitaba los gestos y la voz de su admirada madre. En las tablas, interpretaba a todos los personajes de la historia, pero en el filme tan sólo se interpreta a sí mismo, incluso en su edad adolescente, y a su madre, a la que da vida de forma hilarante pero nunca caricaturesca. La herencia teatral también se advierte a lo largo de toda la cinta, pues está narrada por el propio Galienne encima del escenario y frente a un público escondido en las sombras, como si estuviera en una de sus representaciones y todo lo que vemos sea producto de la ensoñación que nos provocan sus palabras. Su montaje recuerda a Chicago, pero si allí los personajes se trasladaban a un escenario imaginario para interpretar sus canciones, aquí ocurre justo al revés.

Guillaume3

La película funciona muy bien como comedia gracias a la expresividad facial de Galienne, a los gags que realiza a costa de españoles, ingleses y de sus propios compatriotas y a determinadas escenas como el “masaje” a cargo de Diane Kruger que convierten al protagonista en una suerte de mezcla entre Mr. Bean y Charlot. Pero a pesar de su maquinaria humorística bien engrasada, globalmente la película no va mucho más allá de la anécdota, de una historia curiosa que merece ser compartida pero que no acaba de dejar huella. Tal es así que se podría contar su premisa y desenlace en dos líneas, porque lo que va en medio es relleno, gozoso y entretenidísimo, eso sí. Si están interesados en la película, no dejen que les chafen el giro final y disfrútenla, que se ve en un suspiro y funciona igual de bien como comedia de marcado acento francés que como carta de amor a las madres, que a pesar del dicho popular no siempre llevan la razón, aunque las seguimos queriendo igual.

6’5/10

26/3/14

Ella baila sola

Poster Frances Ha

Dir.: Noah Baumbach
Int.: Greta Gerwig, Mickey Summer, Adam Driver, Michael Zegen, Michael Esper, Grace Gummer, Charlotte d’Ambroise
¿De qué va?: Frances es una joven de 27 años que a pesar de su edad ha decidido perseguir su sueño de ser bailarina en una compañía de danza en Nueva York. Vive con su amiga Sophie, y disfruta de la vida con alegría y despreocupaciones, a pesar de que desea mucho más de lo que tiene.

Reseña: Cuando salió a la luz la sorprendente noticia de que Greta Gerwig sería la protagonista y productora de How I Met Your Father, especie de spin-off de la a punto de finalizar Como conocí a vuestra madre, muchos no tenían ni idea de quién era esta muchacha, pero los que estamos más familiarizados con el cine indie americano la conocemos de sobra, puesto que con muy pocas películas en su haber se ha convertido en una musa de este ámbito. Empezó a ganar popularidad con Greenberg, en la que conoció al que es hoy en día su pareja, el director Noah Baumbach, y con el que ha concebido a Frances Ha, la película más redonda del autor de Margot y la boda hasta la fecha.

Frances Ha3

Los que hayan visto la televisiva Girls no tardarán mucho en recordar a Lena Dunham y su pandilla a los pocos minutos de empezar Frances Ha. No sólo porque ambas compartan la presencia del ascendente Adam Driver, sino porque las dos nos trasladan a las calles de la palpitante Nueva York para hablarnos de las dificultades que muchos veinteañeros tienen hoy en día para independizarse y encontrar su sitio en la sociedad, porque intentamos dedicarnos a algo que nos apasione cuando ese tipo de trabajo es el que más escasea en estos tiempos de sempiterna crisis. Y en cuanto a las relaciones sociales, nunca hemos tenido tantas facilidades para desplazarnos y comunicarnos y sin embargo cada vez nos aislamos más, y en vez de recibir postales de los amigos que están lejos tenemos que leer su blog para saber qué es de ellos.

Frances Ha4

La principal diferencia respecto a Girls y a Lena Dunham en particular, radica en que si con ella estamos siempre debatiéndonos entre la empatía y la vergüenza ajena, con Frances no hay espacio para la duda: nos enamoramos irremediablemente de ella. Puede que a Gerwig no le haya hecho falta esforzarse mucho para interpretarla pero lo mismo da, porque con su naturalidad, simpatía, desparpajo y torpeza le sobra y le basta para que conectemos al instante con ella y la sigamos sin rechistar por ese road trip que realiza saltando de una vivienda a otra, de compañero de piso a otro, mientras intenta recuperarse de la gran ruptura sentimental que sufre con su alma gemela: su amiga Sophie. En este aspecto, Gerwig perfecciona el mensaje de su anterior película, Lola Versus, sobre que un príncipe azul no resuelve todos los problemas de la vida, y va más allá al no recurrir al ámbito amoroso para desarrollar y dar una vía de escape al personaje de Frances.

Frances Ha2

En blanco y negro todo luce mejor, especialmente Nueva York, como ya nos dejó ver Woody Allen en Manhattan, y como así lo recalca Baumbach al haber rodado el filme con la misma paleta, acercándolo al tono y el estilo de la Nouvelle Vague, lo cual queda enfatizado con la utilización de parte de la banda sonora del Jules et Jim de Truffaut. Así pues, Frances Ha se revela como una encantadora fábula generacional que tan sólo acarrea unos pocos tics del cine indie americano para hablar sobre lo difícil que puede resultar hoy el día el salto entre ser un joven adulto y el abrazar la madurez con todas las consecuencias, sacrificios y responsabilidades que eso conlleva.

8/10

24/3/14

El laberinto del mal

True Detective
Creador: Nic Pizolatto
Int.: Matthew McConaughey, Woody Harrelson, Michelle Monaghan, Michael Potts, Tory Kittles, J.D. Evermored, Kevin Dunn
Emisión: 2014, HBO y Canal+
1ª temporada

Aún estamos en marzo, pero dudo que cualquier serie que esté por venir este año consiga atraer tanta atención como lo ha hecho True Detective, con permiso de la nueva temporada de Juego de tronos, que tiene unos fans muy cansinos que nunca paran de hablar de ella. Desde su propio concepto, True Detective desprende ambición por todos lados: 8 capítulos dirigidos por Cary Fukunaga, y protagonizados por Matthew McConaughey, en lo más alto de su carrera, y Woody Harrelson, al que tampoco le está yendo nada más desde hace un tiempo, encarnando a una pareja detectives de personalidades opuestas que investigan el caso de un macabro asesinato que esconde mucho más. Sin embargo, la búsqueda de la verdad es tan sólo el pretexto para que estos dos hombres realicen una bajada a los infiernos y experimenten tanto un cambio en su relación como en ellos mismos.

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La referencia cinematográfica más clara de True Detective la encontramos en Zodiac de David Fincher: investigación criminal enrevesada que se alarga en el tiempo y que no escatima en nombres de sospechosos, testimonios contradictorios y pistas falsas, ritmo minucioso y pausado y una mayor preocupación por mantener una tensión inquietante y sosegada que en ofrecer un clímax tras otro. Pero la serie creada por Nic Pizolatto bebe más de fuentes literarias que de cinematográficas, y no sólo por su estructura narrativa, más deudora de las novelas de misterio que de la celeridad propia de las películas: el espíritu de autores clásicos de terror y fantasía como Robert W. Chambers y H.P. Lovecraft sobrevuela a lo largo de toda la historia, con la introducción de elementos de sus obras, como la figura del Rey Amarillo de Chambers o la ambientación gótica y malsana de ambos que Cary Fukunaga ha conseguido plasmar a la perfección en los paisajes húmedos y decadentes de la América sureña, no en vano, ya demostró su habilidad para recrear escenarios lúgubres y sombríos en su recomendable versión de Jane Eyre, y de paso, se revela como un virtuoso de la planificación escénica al cerrar el cuarto capítulo con un largo plano secuencia que no tiene nada que envidiar a los mejores que nos ha dejado el cine y que sin duda pasará a los anales de la ficción televisiva.

True Detective3

Como ya he dicho, True Detective se sustenta en la pareja de detectives protagonista y en su choque de caracteres. McConaughey da rienda suelta a su acento texano para dar vida a un hombre marcado por la muerte de su hija, descreído, taciturno, meticuloso y con unas excéntricas e intrincadas teorías sobre el ser humano, la vida y la muerte que harán arquear la ceja de su compañero en más de una ocasión, quien por el contrario es un tipo familiar y sencillo al que sin embargo le pueden sus impulsos sexuales fuera del matrimonio, y eso que está casado con la estupenda Michelle Monaghan. La serie se centra en cómo afecta la ardua investigación del crimen en el carácter de ambos, por lo que abundan las conversaciones entre compañeros y la historia se va alternando en dos tiempos narrativos diferentes que nos muestran el pasado y el presente de los personajes, contrastando la versión oficial de los hechos con la auténtica.

True Detective4

Sin ser nada especialmente original, los crímenes paganos del Rey Amarillo dejaron suficientes pistas, guiños y detalles escabrosos para que los fans más paranoicos y entregados elucubraran diferentes teorías sobre el final de True Detective y probablemente muchos hayan quedado un tanto decepcionados ante el auténtico desenlace, tan anticlimático como el de Zodiac y bastante normalito, sin cerrar todas las incógnitas que se habían quedado en el aire, entre lo convencional y lo agridulce. Más debate debería generar la última conversación entre el dúo protagonista, que otorga un significado completamente diferente a la serie, un mensaje que no dista mucho del discurso dado por McConaughey al recoger su Oscar y que en cierta manera ofrece una luz de esperanza a la imagen putrefacta que había dado del ser humano durante toda la temporada.

True Detective5

True Detective no ha despertado en mí esa pasión desbordada que ha provocado en todos esos espectadores que la han aupado a los primeros puestos de los rankings de mejor serie televisiva y de mejor thriller en páginas como Filmaffinity o Imdb. Sí, está muy bien dirigida e interpretada, tiene atmósfera y hondura, compleja hasta cierto punto y un gusto exquisito nada más ver su cabecera, pero también peca de discursiva, de ritmo irregular, especialmente en sus primeros capítulos, y de solemnidad excesiva, pero ha cumplido con creces sus ambiciosos objetivos al poner a sus pies tanto a los espectadores como a la crítica. Ahora le tocará la lluvia de premios hasta que llegue la segunda temporada, que al estilo de American Horror Story contará una investigación policial totalmente nueva llevada a cabo por otros dos detectives interpretados por actores de renombre. Ya se ha empezado a especular con los nombres de las hermanas Rooney y Kate Mara, con las que podrían acallar esas voces que acusan a la serie de misógina, y con el del mismísimo Brad Pitt… ¿alguien da más?

13/3/14

O.C: All That Jazz (1979)

Poster All that jazz¿De qué va?: Joe Gideon es un coreógrafo y director de teatro adicto al trabajo. Está preparando la coreografía de su próximo espectáculo de Broadway al mismo tiempo que monta una película para Hollywood sobre un monologuista cómico. Gideon lleva una vida de excesos, fumando un cigarrillo tras otro, acostándose con las bailarinas que conquista, tragando multitud de pastillas y llevando un ritmo de trabajo que acaba pasándole factura.

Reputación: El director y coreógrafo Bob Fosse concibió All That Jazz inspirándose en el intenso período de trabajo que vivió cuando editaba su película Lenny al tiempo que preparaba el musical Chicago para Broadway, provocándole un ataque al corazón en 1975. Muchos de los personajes del filme están basados en personas reales del mundillo teatral de Nueva York. Por ejemplo, el personaje que interpreta John Lithgow está basado en Michael Bennett, director de Dreamgirls con el que Fosse mantuvo una larga rivalidad. El estudio no quería a Roy Scheider para el papel protagonista, sino a Warren Beatty o a otro actor que fuese más aclamado por la crítica, pero Fosse se plantó y luchó por Scheider, quien acabaría siendo nominado al Oscar por su interpretación. El presupuesto de la película pasó de los 6’5 millones de dólares previstos a los 10 millones, debido principalmente al número musical que cierra la película. Aunque el estudio, Columbia, se negó a concederle más dinero, llegó a un acuerdo con Fox para que co-financiara el proyecto a cambio de la mitad de los beneficios que produciría. El filme fue un éxito más de crítica que de público, ganando la Palma de Oro del Festival de Cannes junto a Kagemusha: La sombra del guerrero y ganando 4 Oscar de los 9 a los que aspiraba: mejor banda sonora adaptada, vestuario, dirección artística y montaje.

All that jazz
Comentario: All that Jazz es un musical bastante raro e inusual. Es Bob Fosse sin ataduras ni complejos, haciendo lo que le da la real gana después de haber tonteado con la muerte y tras haberse visto reflejado en un espejo cuya imagen proyectada decía “sí, soy un genio, he vivido como he querido pero sacrificando muchas cosas por el camino”. En la primera mitad de la película muestra cómo se monta un musical entre bambalinas, quitándole el glamour a la profesión y sin disimular los chorros de sudor de los bailarines. En la segunda, el espectáculo sufre un revés pero continúa, de forma más onírica y desequilibrada. No es de los mejores musicales de la historia ni de los más impresionantes pero es igualmente válido por su falta de inhibiciones y por ese número final que nos hace soñar a todos con una despedida del mundo igual de alegre, emotiva y pegadiza.

Próximo visionado: El manantial (1949)

12/3/14

Ellas dan el mordisco

Poster Byzantium

Dir.: Neil Jordan
Int.: Gemma Arterton, Saoirse Ronan, Sam Riley, Jonny Lee Miller, Caleb Landry Jones, Tom Hollander, Thure Lindhardt, Daniel Mays
¿De qué va?: Clara y Eleanor son dos misteriosas mujeres que ocultan un oscuro secreto que se remonta 200 años atrás. Tras abandonar el escenario de un violento crimen, llegan a un ruinoso resort costero donde Clara establece un burdel y Eleanor se enamora de un joven hemofílico.

Reseña: Con permiso de los muertos vivientes, los vampiros han sido los personajes mitológicos más influyentes de lo que llevamos de década. Sin embargo, mientras que los zombies han sido utilizados para componer metáforas sobre la naturaleza del ser humano en situaciones de supervivencia extrema (The Walking Dead, 28 días después, Amanecer de los muertos…), los chupasangres han ejercido principalmente de oscuro objeto de deseo de esas féminas que fantasean con el peligro y se pirran por los chupones en el cuello. La saga de Crepúsculo y True Blood han triunfado gracias a poner en letras e imágenes esos sueños húmedos.

Byzantium2

Pero puede que el antecedente más importante de esta tendencia de convertir a los vampiros en una mezcla de ser atormentado y modelo de Calvin Klein provenga del año 1994, cuando Entrevista con el vampiro convirtió a Brad Pitt y Tom Cruise en los seres de la noche más sexys de la historia. Su director, Neil Jordan, ha seguido en activo pero nunca ha conseguido igualar el éxito que le reportó aquel filme, aunque echando un vistazo a su filmografía parece que ésa nunca ha sido su intención. Su vuelta al género vampírico, Byzantium, no tiene aspiración de rompetaquillas, pero sí de ofrecer algo nuevo y fresco que no traicione ni suavice la esencia de Drácula y sus descendientes. Elementos tradicionales como el arte de seducción y la invitación para entrar en domicilios se mezclan con otros nuevos como la forma de extraer el alimento de los cuerpos, el ritual para convertirse en uno más del clan o las normas de inclusión de este último. Los vampiros no mueren al recibir directamente la luz del sol pero al menos no se conviertes en brillantes bolas de discoteca.

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También es agradecido y hasta cierto punto innovador que las dos mujeres protagonistas sean vampiresas, poderosas e independientes, en vez de las seducidas víctimas de turno. Las actrices encargadas de interpretarlas realizan una labor irreprochable y desprenden un gran magnetismo, cada una en un rol diferente de la naturaleza vampírica. Así, Gemma Arterton es el peligro y la sensualidad, mientras que Saoirse Ronan es la soledad y la pesadumbre. El elenco masculino se queda en un segundo plano, como opresor de la mujer o interés romántico, pues incluso los seres más solitarios y combativos necesitan algo de amor, y más cuando llevan varios siglos de vida a sus espaldas.

Byzantium

Lo peor que se puede decir de Byzantium es su irregular ritmo y que en líneas generales la trama principal sea un tanto simple para los elementos narrativos de los que dispone, pero como thriller y renovación del género de los vampiros es más que digna y vistosa; la imagen de Arterton dándose un baño de sangre podría ser perfectamente una de las más sugerentes de este año, o del anterior, si tenemos en cuenta su fecha de estreno en el resto del mundo.

7/10

10/3/14

Loca admiración por el cuerpo femenino

Poster CanibalCarlos es el sastre más prestigioso de Granada. Un hombre respetable que ha heredado el oficio de su padre. Sus pasiones son el trabajo y la comida, pero no un alimento cualquiera: carne humana, de mujeres desconocidas a las que asesina y descuartiza para guardar el sustento en su congelador. Pero un día conoce a una joven rumana por la que empieza a sentir algo diferente y todo cambia. Así es la premisa de Caníbal, filme de Manuel Martín Cuenca (La flaqueza del bolchevique) nominado a 8 Goyas de los cuales se llevó el de mejor fotografía. El filme también se presentó en el Festival de Toronto, donde recibió críticas generalmente positivas de la crítica internacional.

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El director huye de la truculencia implícita en una historia de estas características y aposta por el “sugerir antes que mostrar”. Por eso, la película está envuelta en una atmósfera de tranquilidad falsa, mientras que la ausencia de banda sonora potencia la sensación de soledad, serenidad y aislamiento que sufre el protagonista. Sin embargo, este estilo aséptico acaba jugando más en contra que a favor de la propuesta, pues el desarrollo de la trama se torna un tanto desangelada y carente de pasión para que sintamos el suficiente interés en el devenir de los acontecimientos y en el protagonista, quien sigue siendo un misterio al finalizar la película.

Canibal

Lo mejor es el notable trabajo de fotografía, alguna secuencia inspirada (la chica acosada en la playa) y las interpretaciones de Alberto de la Torre pero sobre todo de Olimpia Melinte, que cumple con nota el marrón de interpretar a dos personajes muy opuestos, casi estereotipados, y darles entidad propia a ambos más allá del cambio de peluca. Tal es así que ni me percaté de que era la misma actriz hasta que vi su nombre en los créditos de la película. Como símil autóctono de Hannibal Lecter, Caníbal tiene un pase, pero le falta magnetismo y arrebato para colocarse a su misma altura.

6/10

Poster ManiacEn las Antípodas de la contención de la que hace gala Caníbal se encuentra Maniac, remake del slasher de culto homónimo de los años 80 co-escrito y producido por Alexandre Aja, responsable de los remedos de Las colinas tienen ojos y Piraña, que traslada a nuestros días la historia de un solitario individuo que se dedica a asesinar mujeres para luego arrancar sus cabelleras y exponerlas en maniquíes en su apartamento. Un día, conoce a una atractiva fotógrafa que acude a él en busca de ayuda para una exposición, dando pie a una amistad que alterará la ya de por sí deteriorada salud mental del joven psicópata.

Maniac

Desde el prólogo de la película podemos percatarnos de que lo que vamos a ver va a ser muy bestia y que no tendrá reparos de ningún tipo, además de llevar el concepto de la narración en primera persona a un nivel superior: prácticamente toda la historia es contada y vista desde el punto de vista subjetivo del asesino, lo que provoca que los espectadores nos convirtamos en sus involuntarios cómplices y que nos sumerjamos completamente en su mente esquizofrénica Este riesgo creativo se convierte en todo un acierto, pues no sólo cumple con su intención de implicarnos totalmente en la pesadilla sino que está resuelto con brío técnico en el movimiento de la cámara y la compleja coreografía que conlleva el rodaje de cada secuencia.

Maniac2

El director, Franck Khalfoun, se toma muy en serio los orígenes del relato que está adaptando al otorgar a la película un estilo muy ochentero, valiéndose de una reconocible banda sonora electrónica y confiriendo a la ciudad anónima en la que se ambienta la historia ese aire sucio, oscuro y peligroso del cine policíaco y de suspense de la época. Elijah Wood realiza una interpretación muy loable e inquietante, apoyándose más en el trabajo de voz que en el de su cuerpo, el cual en la mayoría de las ocasiones sólo vemos a través de reflejos, mientras que Nora Arnezeder cumple como ese objeto de deseo que quizás pueda redimir a un ser tan perturbado. Maniac no es del gusto de todos los paladares debido a una violencia explícita con la que nos vemos obligados a apartar la vista de la pantalla en más de una ocasión, pero es perturbadoramente hipnótica y angustiosa. Difícilmente conseguirás borrar de tu memoria algunas de sus escenas más espeluznantes.

7’5/10

7/3/14

Razzies 2014: El triunfo de Movie 43 y After Earth

Movie 43

Desde que hace 4 años Sandra Bullock se presentara a recoger su premio a la peor actriz por Loca obsesión, tan sólo un día antes de ganar el Oscar por The Blind Side, los Razzie no han obtenido demasiada repercusión, pero esta asociación sigue año tras año premiando de forma incombustible el peor cine anual que pare Hollywood. Este año, la principal novedad ha radicado en el debut en estos galardones de Johnny Depp y Naomi Watts, nominados por sus papeles en dos de los mayores fiascos del año pasado, El llanero solitario y Diana.

Depp & Watts

Sin embargo, los galones se los han llevado finalmente otros. Aunque Niños grandes 2, protagonizada por el habitual en estos premios Adam Sandler, partía con el mayor número de nominaciones, nueve, ha sido Movie 43 la que se ha llevado el mayor número de deshonores: peor película, guión y director, concretamente los 13 que participan en la cinta, entre los que se incluyen Brett Ratner, James Gunn, Peter Farrelly y Elizabeth Banks. En el blog comentamos la película hace un tiempo (aquí), y sí, es mala, pero me pareció que tenía algunos momentos rescatables.

After Earth

Los Razzie también se han acordado del nuevo estrepitoso fracaso de M. Night Shyamalan, After Earth, otorgando los premios de peor actor de reparto y actor protagonista a Will Smith y a su insoportable hijo Jaden Smith respectivamente, además del de peor pareja en pantalla. No seré yo quien me queje, pero no deja que ser curioso el que Smith haya sido el encargado de entregar el Oscar a mejor película este año. En cuanto al resto de premiados, Tyler Perry es condecorado como la peor actriz por su enésima encarnación de la anciana Madea (en España debemos estar agradecidos porque no nos llegan sus películas), la petarda de Kim Kardashian se lleva el premio a peor actriz de reparto por otra infumable película de Perry en la que hace de ella misma y El llanero solitario se conforma con el de peor precuela, remake, plagio o secuela. A continuación tienen la lista completa de nominados y premiados:


Peor película
After Earth
Niños grandes 2
El llanero solitario
A Madea Christmas
Movie 43


Peor director
Dennis Dugan por Niños grandes 2
Tyler Perry por A Madea Christmas & Temptation: Confessions of a Marriage Counselor
M. Night Shyamalan por After Earth
Los 13 directores de Movie 43
Gore Verbinski por El llanero solitario

Peor actor protagonista
Johnny Depp por El llanero solitario
Ashton Kutcher por Jobs
Adam Sandler por Niños grandes 2
Jaden Smith por After Earth
Sylvester Stallone por Una bala en la cabeza, Plan de escape & La gran revancha

Peor actriz protagonsita
Halle Berry por The Call y Movie 43
Selena Gomez por Getaway
Lindsay Lohan por The Canyons
Tyler Perry por A Madea Christmas
Naomi Watts por Diana y Movie 43

Peor actor de reparto
Chris Brown por La batalla del año
Larry the Cable Guy por A Madea Christmas
Taylor Lautner por Niños grandes 2
Will Smith por After Earth
Nick Swardson por Niños grandes 2 y Paranormal Movie

Peor actriz de reparto
Salma Hayek por Niños grandes 2
Katherine Heigl por La gran boda
Kim Kardashian por Temptation: Confessions of a Marriage Counselor
Lady Gaga por Machete Kills
Lindsay Lohan por InAPPropriate Comedy y Scary Movie 5

Peor pareja
El reparto de Niños grandes 2
El reparto de Movie 43
Lindsay Lohan y Charlie Sheen en Scary Movie 5
Tyler Perry y Larry the Cable Guy o con su vestido con peluca en A Madea Christmas
Jaden Smith y Will Smith en After Earth

Peor guión
After Earth
Niños grandes 2
El llanero solitario
A Madea Christmas
Movie 43

Peor precuela, remake, plagio o secuela
Niños grandes 2
R3sacón
El llanero solitario
Scary Movie 5
Los pitufos 2

5/3/14

Itinerario de estrenos de marzo 2014

Estrenos_Marzo


Aún con resaca de los Oscar, en marzo nos llegan algunos títulos rezagados que tuvieron gran importancia en las sucesivas entregas de premios. Pero también tenemos estrenos que tal vez tengan una fuerte presencia en la temporada de reconocimientos del año que viene, aunque ya sabemos que la memoria de los académicos no funciona a largo plazo. Por último, tengan en cuenta que se va a celebrar otra Fiesta del Cine tras la excelente acogida de la última vez y que será entre el 31 de marzo y el 2 de abril. La entrada costará 2,90 € durante esos días, un chollazo. Aquí tienen una selección de películas con las que poder aprovechar la promoción:

Dallas Buyers Club: Jean-Marc Vallée (Café de flore) dirige esta historia basada en la historia real de Ron Woodroof, un electricista y cowboy de rodeo al que en 1985 los médicos le dieron 30 días de vida tras diagnosticarle VIH. Así fue cómo Ron se introdujo en el mundo de los medicamentos clandestinos y se acabó convirtiendo en el mayor promotor de un tratamiento no aprobado por la Sistema Sanitario americano. La cinta fue nominada a 6 Oscar de los cuales ganó 3: mejor actor protagonista para Matthew McConaughey (El lobo de Wall Street), mejor actor de reparto para Jared Leto (Las vidas posibles de Mr. Nobody) y mejor maquillaje y peluquería. Jennifer Garner (La extraña vida de Timothy Green) completa el trío protagonista de esta recomendable película.
Estreno: 14 de marzo
Reseña


Una vida en tres días (Labor Day): Para su quinta película, Jason Reitman (Young Adult) se adentra en el terreno del melodrama para adaptar la novela homónima de Joyce Maynard. La hisotira versa sobre una madre divorciada y su hijo de 13 años que acogen en su casa a un desconocido que resulta ser un fugitivo en busca y captura y con el que pasan un fin de semana que les cambiará la vida. Kate Winslet (Movie 43) y Josh Brolin (Old Boy) protagonizan el trabajo de Reitman que peores críticas ha recibido en su carrera, en general muy mediocres. De ahí su ausencia en la temporada de premios salvo por la nominación al Globo de Oro a mejor actriz dramática de Winslet.
Estreno: 14 de marzo



El gran hotel Budapest: Tras ganar el Gran Premio del Jurado en sl Festival de Cine de Berlín, llega a los cines la nueva película de Wes Anderson (Moonrise Kingdom) con su inconfundible sello de autor. El filme está ambientado en un famoso hotel europeo de entreguerras en el que su legendario conserje y un joven empleado se ven envueltos en los líos de sus huéspedes, caso del robo de una pintura renacentista de valor incalculable. Ralph Fiennes (Grandes esperanzas) y Saoirse Ronan (La huésped) encabezan el extenso reparto plagado de viejos conocidos en la filmografía de Anderson, como es el caso de Bill Murray, Tilda Swinton, Jude Law, Owen Wilson, Willem Dafoe, Edward Norton, Adrien Brody y Jason Schwartzman. Las críticas han sido fantásticas.
Estreno: 21 de marzo


Byzantium: Parecía condenada a ser una de esas películas malditas que nunca llegan a España pero por fin llegará a las salas Byzantium, lo último del cineasta Neil Jordan, quien vuelve al género de los vampiros que lo encumbró gracias a Entrevista con el vampiro. El filme gira en torno a Clara y Eleanor, dos misteriosas mujeres que ocultan un oscuro secreto que se remonta 200 años atrás y que van de un lado a otro huyendo de unos hombres que las buscan sin descanso. Un día, llegan a un ruinoso resort costero donde Clara establece un burdel y Eleanor se enamora de un joven hemofílico. Gemma Arterton (Runner, Runner), Saoirse Ronan, Sam Riley (On the Road), Johnny Lee Miller (Sombras tenebrosas) y Caleb Landry Jones (Contraband) conforman el elenco de esta película que ya pude ver y que me gustó por recuperar la dignidad perdida de los vampiros al introducir atractivas novedades y no caer en la ñoñería. Próximamente la reseña.
Estreno: 21 de marzo


Capitán América: El soldado de invierno: El Capi vuelve para protagonizar su primera aventura en solitario en el mundo moderno. Con la ayuda de la Viuda Negra, Steve Rogers intentará destapar una conspiración que supone una gran amenaza para el planeta. Anthony y Joe Russo (Tú, yo y ahora… Dupree) dirigen mientras que Chris Evans (Los Vengadores), Scarlett Johansson (Her), Samuel L. Jackson (Robocop), Robert Redford (Cuando todo está perdido), Sebastian Stan (Sin rastro), Anthony Mackie (Runner, Runner), Cobie Smulders (¡Menudo fenómeno!) y Emily VanCamp (Revenge) integran el reparto. Al parecer, los mandamases de Marvel están tan contentos con el resultado que ya han fichado a la pareja de directores para que se encarguen de la tercera parte.
Estreno: 28 de marzo


Enemy: Tras finalizar el rodaje de la estupenda Prisioneros, Denis Villeneuve volvió a contar con Jake Gyllenhaal para rodar este thriller basado en la novela El hombre duplicado de José Saramago. La película se centra en Adam, un afable profesor de literatura de vida monótona que un día, mientras ve una película, descubre a un actor que es idéntico a él. La búsqueda de esta persona le traerá consecuencias inesperadas. Enemy se presentó en el pasado Festival de San Sebastián cosechando desconcierto y entusiasmo a partes iguales. A Gyllenhaal le acompañan en el reparto Mélanie Laurent (Ahora me ves), Isabella Rossellini (Two Lovers) y Sarah Gadon (Cosmopolis).
Estreno: 28 de marzo

3/3/14

Oscars 2014: La gravedad se impone pero no puede con la vergüenza histórica

Oscars 2014

“Esta noche solo pueden ocurrir dos cosas: O gana 12 años de esclavitud o sois todos unos racistas”. Así vaticinaba lo que iba a ocurrir anoche en los Oscar su presentadora, Ellen DeGeneres. La Academia dictó sentencia de la forma en la que estaba prevista: ensalzando la excelencia técnica de Gravity con 7 Oscars, pero dándole el premio gordo a la opción más políticamente correcta, 12 años de esclavitud. Es como si fuera indigno encumbrar la ciencia ficción por encima de la historia, y no es que tenga nada en contra de la notable película de Steve McQueen, pero es una ganadora arquetípica de los Oscar en un año en el que los académicos tenían buenas opciones para salirse de la norma.

Spike JonzePoco riesgo a la hora de conceder las estatuillas puesto que todos los pronósticos se han cumplido: 12 años de esclavitud se alza triunfadora sin mucho bagaje, con 3 Oscars a la mejor película, guión adaptado y actriz de reparto para Lupita Nyong’o, que ahora tendrá que ponerse las pilas para que no se convierta en una de esas actrices que ganan el Oscar por su primera película y luego desaparecen. Gravity arrasa en los apartados técnicos y gana el merecidísimo galardón al mejor director para Alfonso Cuarón, convirtiéndose en el primer cineasta latinoamericano en recibirlo. Aunque creo que el Oscar que más me ha hecho ilusión ha sido el de Spike Jonze por el guión de Her, porque es mi película favorita de esta edición y porque temía que se lo fuera a llevar David O. Russell, cuya American Hustle ha sido la gran perdedora al no rascar nada de sus 10 nominaciones.

12 years a slave

Nebraska, El lobo de Wall Street y Capitán Phillips también se han ido de vacío, mientras que Dallas Buyers Club se ha llevado tres galardones gracias a sus actores, Matthew McConaughey y Jared Leto, este último dando uno de los discursos más emotivos y completos de la noche, y a su trabajo de maquillaje y peluquería low-cost de 250 dólares. A lo tonto, El gran Gatsby se ha llevado dos premios por su dirección artística y peluquería, y otro par ha ido a parar a Frozen como mejor película animada (el primer Oscar de la corta historia de esta categoría que recae en Disney) y el de mejor canción, y eso que la interpretación del Let It Go de Indina Menzel en los Oscar no estuvo a la altura de nuestras expectativas.

Ellen DeGeneres

En su anterior labor como presentadora de los Oscar, Ellen DeGeneres se puso a pasar la aspiradora en mitad de la gala. Este año ha ido más allá en su empeño de “humanizar” Hollywood sacándose fotos con los asistentes (¿publicidad descarada de una marca de teléfono?), pidiendo pizzas, repartiéndolas entre los hambrientos invitados y pidiendo dinero para pagarlas con el famoso sombrero de Pharrell Williams. No innovó con su monólogo inicial pero estuvo muy acertada haciendo chistes a costa de Liza Minelli, sobre los (no) títulos universitarios de las estrellas, de la tendencia de Jennifer Lawrence a caerse y demás. Cumplió la papeleta sobradamente.

A continuación, una serie de momentos a recordar de la gala y el palmarés:


- El tweet con más RTs de la historia viene con esta gloriosa imagen. El hermano de Lupita es el acoplado más afortunado del mundo.

Tweet


- … Pero Liza Minnelli no encontró un hueco para colarse. La pobre no pasó buena noche.

Liza Minnelli

- Benedict Cumberbatch haciendo el mejor photobomb de la Historia a U2. Imperdible.

Benedict Cumberbatch


- JLaw por los suelos, una vez más.

JLaw

- A Elsa Pataky poco le faltó para romper aguas en la alfombra roja. ¿Llevará a todos los Vengadores ahí dentro?

Elsa Pataky


- La actuación de Pharrell Williams cantando su pegadiza Happy fue el momento más movido de la noche, poniendo a bailar a Lupita, Amy Adams e incluso a Meryl Streep.

Meryl Streep


- En una noche en la que se ensalzó la figura del héroe, no sabemos muy bien a cuenta de qué, el auténtico superhombre fue el repartidor de pizzas que llegó para alimentar a las estrellas y que nos dejó imágenes tan bonitas como la de Brad Pitt ofreciéndole un trozo en un plato de plástico a Meryl Streep.

Brad Pitt


- Pink cantó Over the Rainbow como precioso homenaje a El mago de Oz  aunque ralentizó el ritmo de la gala, y dado que a Indina Menzel le pudieron los nervios en su actuación nos quedamos con la íntima y minimalista interpretación de The Moon Song a cargo de Karen O.


- Bill Murray hizo un pequeño y sentido homenaje al recientemente fallecido Harold Ramis (director de Atrapado en el tiempo), quien no se pudo incluir en el ‘In Memoriam’ a tiempo.


- Casi todas las actrices acertaron con sus trajes y looks (aunque los expertos digan que les faltó riesgo). Ahí va una selección con algunas de mis favoritas: Jessica Biel, Kristen Bell, Kate Hudson, Emma Watson, Olivia Wilde y Charlize Theron.

Actrices_Oscar

- Festín de bótox: Kim Novak, Goldie Hawn, Liza Minnelli y John Travolta (que se hizo la picha un lío al decir el nombre de Indina Menzel) demostraron que incluso en Hollywood los cirujanos plásticos no son de fiar.

Kim Novak


- El ‘In Memoriam’ terminaba con la imagen de Phillip Seymour Hoffman, poniéndonos el vello de punta. Lástima que la actuación posterior de Bette Midler no fuera nada especial.

Phillip Seymour Hoffman

 

Mejor película
12 años de esclavitud

Mejor director
Alfonso Cuarón por 
Gravity

Mejor actor protagonista
Matthew McConaughey por 
Dallas Buyers Club

Mejor actriz protagonista
Cate Blanchett por 
Blue Jasmine

Mejor actor de reparto
Jared Leto por
 Dallas Buyers Club

Mejor actriz de reparto
Lupita Nyong’o por 
12 años de esclavitud

Mejor guión original
Her

Mejor guión adaptado
12 años de esclavitud

Mejor película de habla no inglesa
La gran belleza (Italia)

Mejor montaje
Gravity

Mejor dirección de fotografía
Gravity

Mejor banda sonora original
Gravity

Mejor canción original
'Let It Go' de
 Frozen: El reino del hielo

Mejor dirección artística
El gran Gatsby

Mejor diseño de vestuario
El gran Gatsby

Mejor maquillaje
Dallas Buyers Club

Mejor sonido
Gravity

Mejor montaje de sonido
Gravity

Mejores efectos especiales
Gravity

Mejor película de animación
Frozen: El reino del hielo

Mejor película documental
A 20 pasos de la fama

Mejor corto documental
The Lady in Number 6: Music Saved My Life

Mejor corto de ficción
Helium

Mejor corto de animación
Mr. Nublot

1/3/14

Actor del mes: Aaron Paul

Aaron Paul4
Nombre completo: Aaron Paul Sturtevant

Fecha de nacimiento: 27 de agosto de 1979

Lugar de nacimiento: Emmett, Idaho (EE.UU.)

Filmografía destacada:

Fathers and Daughters (2015)
Triple Nine (2015)
Exodus (2014)
A Long Way Down (2014)
Hellion (2014)

Need for Speed (2014)
Breaking Bad (TV) (2008 – 2013)
Decoding Annie Parker (2013)
Tocando fondo (2012)
Big Love (TV) (2007 – 2011)
La última casa a la izquierda (2009)
Mission: Impossible III (2006)
Choking Man (2006)


Méritos: En unas declaraciones tomadas a pie de calle, Aaron Paul respondió que su carrera estaba acabada cuando le preguntaron sobre cómo creía que le iría tras el final de Breaking Bad. Obviamente, el actor le estaba siguiendo el juego al impertinente reportero, porque gracias al impulso que le ha dado la serie, Paul afianzará su salto a la gran pantalla a lo grande, ejerciendo de estrella protagonista en Need for Speed, adaptación cinematográfica de un videojuego que intentará convertirse en una lucrativa franquicia aprovechando el éxito de A todo gas.

Ignoramos qué tal estará Need for Speed y si se convertirá en un éxito de taquilla, pero la verdad es que Aaron Paul nos cae tan bien que así lo deseamos. Porque si Jennifer Lawrence es considerada Miss Simpatía, él debería ser el Mister. Así lo dejó ver a su paso por Almería para atender al rodaje de Exodus, la historia de Moisés revisitada por Ridley Scott. Paul, que encarna al esclavo José, aprovechó los descansos del rodaje para salir por la ciudad y de copas, invitando a chupitos, haciéndose fotos con todo aquél que se lo pidiese y declarándose amante incondicional de Almería. Las redes sociales están inundadas de momentos espontáneos con el actor, en el municipio andaluz e incluso en las puertas de su propia casa. Este año, además de en Need for Speed y Exodus, lo veremos en la comedia dramática A Long Way Down (estreno este mes en Reino Unido) y en el drama indie Hellion, presentado en el pasado Festival de Sundance. Además, ha fichado por dos películas más, por lo que podemos decir que hay vida más allá de Jesse Pinkman. Where is my money, bitch???

Need for Speed
Extras:

Tráiler de Need for Speed

Tráiler de A Long Way Down

Breve reportaje sobre Hellion

Ganando su 2º Emmy a mejor actor de reparto por Breaking Bad

El talento oculto de Aaron Paul

Concursando en El Precio Justo