30/11/14

CineEsCena 4: Sabores de la India y mal tiempo

Poster CineEsCenaAyer tenía que haber sido el último día de la 4ª edición del Festival de Cine Gastronómico CineEsCena… y digo tenía, porque el temporal de agua y viento que ha azotado las Islas Canarias este fin de semana ha provocado no sólo la suspensión de las actividades de la última jornada del festival, sino también la Gala de Clausura que se iba a celebrar la noche anterior. Una auténtica pena, para mí personalmente incluso, puesto que había estado organizando el tema de las invitaciones a la ceremonia, entre otras muchas cosas, desde hace varias semanas. En principio me enrolé en el festival como miembro del jurado popular, pero al final me picó el gusanillo de implicarme más y a pesar de la mala experiencia eslovena, decidí trabajar como voluntario para la organización del festival.

CineEsCena2

Para ser un festival tan pequeño, CineEsCena está cargado de actividades: además de la sección oficial de largometrajes, cortos y documentales a competición hay diferentes secciones, como el concurso Despertares, en la que chavales de numerosos colegios presentan cortos con una temática en común y reciben galardones tanto de un jurado oficial como de sus propios compañeros. También hay una retrospectiva a un director destacado, en esta ocasión fue el hongkonés Wong Kar-Wai, ciclos de cine canario y de cine restaurado, e incluso una maratón denominada Fuera de Carta de películas y cortos de terror y serie B con una visión bastante bizarra de la alta cocina.

Poster The LunchBoxCada año se escoge un país cuyo cine y gastronomía es el centro de  varias proyecciones y degustaciones gastronómicas; este año ese país fue la India. Por tanto, que el premio a mejor película tanto del Jurado Oficial, presidido por la actriz Carolina Bang, como el del Jurado Popular, haya ido a parar a The Lunchbox, una producción hindú, resulta algo totalmente lógico, aunque no ha sido para ir a juego con la temática de la edición, pues como secretario del jurado popular puedo afirmar que fue la película que más gustó a los miembros. El filme, dirigido por Ritesh Batra y protagonizado por Irrfan Khan (La vida de Pi) y Nimrat Kaur (Homeland) narra la relación que se establece entre una ama de casa aburrida y un solitario oficinista a través de un sistema de transporte de comida que le entrega a él por error el almuerzo que iba dirigido al marido de la primera.

Perfect Sense

El jurado popular también entregó una mención especial a la estupenda Perfect Sense (reseña) por “su original modo de retratar que la cultura del exceso que hemos construido nos está conduciendo a la completa desaparición de una vida plena”. No hubo tanto consenso en la entrega del premio a mejor cortometraje: mientras que el jurado oficial destacó como vencedor a Clóset, otorgando la mención especial a Autómatas, el popular premio a Wurst, una simpática y crítica historia animada protagonizada por una salchicha sofisticada, además de entregar una mención especial ‘ex-aequo’ a Claudiu & The Fish y Carne, puesto que ambas abordan la defensa de los derechos de los animales de forma complementaria.

Wurst

También se entregaron los correspondientes galardones en las secciones de documentales y spots publicitarios. Se suponía que ayer se iba a realizar una maratón con las ganadoras de cada categoría, pero el temporal de viento y agua también lo canceló. Espero que lo hagan otro día porque no tuve tiempo ni para ver un mísero cortometraje. Ha sido una experiencia tan bonita como intensa, con sus más y menos, como todo lo que realmente vale la pena en la vida, y espero que el Festival crezca con los años y tenga el alcance y la notoriedad que merece. El año que viene repito, no sé si otra vez entre bambalinas o como mero espectador, pero desde luego esta comilona, a pesar de su abrupto desenlace, me ha dejado con apetito para querer repetir.

Web de CineEsCena

29/11/14

Período de reclutamiento

Poster Sinsajo parte 1

Dir.: Francis Lawrence
Int.: Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Liam Hemsworth, Julianne Moore, Phillip Seymour Hoffman, Woody Harrelson, Natalie Dormer
¿De qué va?: Tras escapar de la arena de los Juegos del Hambre, Katniss Everdeen se encuentra en el Distrito 13. Bajo el liderazgo de la comandante Coin y el consejo de sus amigos, Katniss debe decidir si acepta personificar el símbolo de Sinsajo y convertirse en la cabeza visible de una rebelión que podría acabar con la tiranía que ejerce el Presidente Snow para siempre.

Reseña: Desde que a Warner se le ocurriera la brillante idea de exprimir esa gallina de huevos de oro que fue (y sigue siendo) Harry Potter en dos películas, rodadas a la vez pero estrenadas con un lapso de un año, toda franquicia basada en una saga literaria juvenil de éxito debe contar con un episodio final dividido en dos partes. ¿El motivo? El poderoso caballero Don Dinero efectivamente, aunque los directivos siempre se escuden tras la excusa de que, puesto que el último libro suele ser el más largo e importante, quieren darle la extensión y el trato adecuados. El principal problema de esta argucia es que la estructura narrativa clásica que tienen los libros adaptados, esto es, “presentación, nudo y desenlace”, queda partida en dos películas, y por tanto la narración se resiente, dando la impresión de que estamos ante una historia incompleta, especialmente en la primera parte.

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Toda esta parrafada viene a cuento por el gran problema que arrastra Los juegos del hambre: Sinsajo – Parte 1 desde su propia concepción. La primera tanda de capítulos del libro se podría resumir perfectamente en 30 minutos, puesto que gira prácticamente sobre un único tema: el poder de la propaganda y de la apelación a los sentimientos más primigenios del ser humano para incentivar la rabia, el espíritu de lucha y el miedo en las masas, y las consecuentes dudas de Katniss de si quiere convertirse en ese revulsivo que hará que los habitantes de Panem tomen las armas. Pues de eso trata básicamente una película que se extiende hasta las dos horas, con un par de tramas principales que se cierran antes de los créditos finales pero que se antojan insuficientes para provocar el gran interés y la emoción a la que aspiran.

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De poco sirve el magnetismo y el buen hacer de Jennifer Lawrence para animar el cotarro, pese a que la chica esté mejor aprovechada en papeles más cómicos y menos austeros, como los que ha interpretado bajo las órdenes de David O. Russell. Ante la poca chicha que tienen los machos alfa a los que dan vida Josh Hutcherson y Liam Hemsworth y la poca cancha que le dan a Sam Claflin (mucho más interesante que los otros dos), los fichajes de Julianne Moore y Natalie Dormer son tan agradecidos como la presencia de Elizabeth Banks, cuyo personaje, Effie, no aparecía en la novela hasta el desenlace, siendo evidente que se ha introducido para alargar la trama, aunque resulta todo un acierto gracias a que aporta un toque de humor que no le viene nada mal a un ambiente tan grave.

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Francis Lawrence demostró en En llamas que tenía mejor pulso que Gary Ross para equilibrar el espectáculo y el drama de la saga de Suzanne Collins, pero poco puede hacer ante el escaso margen de maniobra del que dispone en esta película, demasiado estática y discursiva, con sólo una escena de acción (si somos indulgentes con la definición del género) y con una recta final muy descafeinada. Entretiene, sí, y tiene alguna escena destacable, como la canción de Katniss, pero la sensación que deja es la de ser un prólogo de dos horas, un preámbulo a una batalla final que, entonces sí, podría ser el espectacular y trágico colofón que esta saga necesita para estar a la altura de su éxito.

5’5/10

20/11/14

Por amor al arte

Poster Monuments MenLa faceta como director de George Clooney nos ha dejado un puñado de buenas películas, desde aquella ópera prima tan peculiar y modesta como fue Confesiones de una mente peligrosa. Su punto álgido llegó con Buenas noches y buena suerte, por la que fue nominado al Oscar, aunque yo particularmente me quedo con la demoledora visión de la política de Los idus de marzo. Hasta ahora su película más olvidable había sido Ella es el partido, un homenaje a la screwball comedy simpática y poco más, pero ese dudoso  honor ha recaído ahora en su último estreno, Monuments Men.

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La película narra una de las pocas historias ambientadas en la 2ª Guerra Mundial que quedaban por ser trasladadas al cine: un selecto grupo de historiadores, directores de museos y expertos en arte, tanto británicos como americanos, aceptaron la misión de recuperar las obras de arte que los nazis destruyeron o, en el mejor de los casos, robaron durante la guerra para llenar las paredes de un hipotético museo a mayor gloria de Adolf Hitler, y así poder devolvérselas a sus legítimos dueños. Aquellos hombres recibieron instrucción militar pero no eran soldados al uso, así que tuvieron que valerse de su astucia y valor para evitar la destrucción de miles de años de cultura de la humanidad.

Monuments Men

A mí me parece una historia con evocación a los tiempos en los que vivimos, puesto que pone sobre la mesa la importancia que tiene la cultura para el ser humano, a pesar de que cierto gobierno no lo vea de la misma forma, quizás porque la cultura da la capacidad al ciudadano de pensar por sí mismo, y porque también me recuerda a esos conflictos que surgen cuando un grupo se manifiesta o lucha por un tema ‘x’ y siempre viene el listo de turno que les dice “¿Por qué protestas por esto cuando hay miles de niños muriéndose de hambre en África cada día”? Ese afán por juzgar en qué batallas se mete la gente también tiene su espacio en la película, ante la cuestión de si mereció la pena que esos hombres arriesgaran sus vidas, e incluso que algunos la perdiesen, por cuadros, esculturas y retablos.

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Lamentablemente, la respuesta de George Clooney ante esa pregunta es tan obvia como grandilocuente. Es evidente que su intención era la de hacer una película bélica con un alto componente de cine aventurero y de colegueo, una mezcla entre Salvar al soldado Ryan, Ocean’s Eleven e Indiana Jones, pero el cóctel le ha quedado bastante desabrido. Nunca llega a aburrir, pero las hazañas de estos Monuments Men resultan poco divertidas, intrigantes y atractivas. Incluso se permite el lujo de desaprovechar a intérpretes tan dotados y carismáticos como Cate Blanchett y Bill Murray. La primera encarna a una rebelde francesa que acaba perdiendo la dignidad por un hombre, y el segundo forma un dúo cómico con Bob Balaban al que le faltó sacarle punta. Esa es la sensación general que deja el filme, el de ser un proyecto de gran película que requería una pulida para alcanzar su propósito, pero para una tarde de domingo aburrida tampoco es mala opción.

5/10

18/11/14

Británico soltero busca

Dates

Creador: Bryan Elsley
Int.: Oona Chaplin, Will Mellor, Ben Chaplin, Gemma Chan, Sheridan Smith, Sian Breckin, Neil Maskell, Katie McGrath, Greg McHugh
Emisión: 2013 – ¿?, Channel 4 y Canal+
1 temporada

Dos personas que contactan a través de una web de perfiles se ven las caras por primera vez en una cita. Así de simple es la premisa de Dates, serie inglesa cuya primera y única temporada hasta la fecha está compuesta por 9 capítulos de 30 minutos cada uno, emitidos el año pasado. Yo la vi hace bastante tiempo pero se me había pasado comentarla por aquí. Más vale tarde que nunca, sobre todo si es para revindicar pequeñas joyitas como ésta.

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Cada capítulo de Dates está ambientado en la ciudad de Londres, en un encuentro entre dos personas que se han puesto en contacto a través de una web de citas. Algunos de ellos repiten más adelante, con gente nueva, y a otros no los volveremos a ver más. Cada historia es un microcosmos diferente dentro del entramado que supone la búsqueda del amor y las relaciones románticas en tiempos del Whatsapp, Facebook y Meetic. Unos buscan una relación estable con vistas a matrimonio con hijos, y otros, lo que surja con vistas a echar una canita al aire. De una manera u otra, los que acuden a la cita juegan a un juego consistente en seducir al oponente y saber racionar la información que se da de uno mismo, e incluso dar una imagen que poco tenga que ver con cómo son ellos en realidad, siempre y cuando las flaquezas permanezcan ocultas y el contrario caiga rendido ante sus encantos. Así, somos testigos directos de las esperanzas, las desilusiones, los malos tragos y la química que se producen en esos encuentros.

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Aunque tenga un esquema narrativo bastante teatral, lo cierto es que la serie nunca cae en el aburrimiento o la monotonía, gracias a la variedad de situaciones, el desarrollo inesperado de los acontecimientos y la riqueza de los diálogos. Aunque el nivel general de los episodios sea muy alto, hay algunos que resultan más interesantes que otros, dependiendo especialmente del carisma y atractivo de los personajes que los protagonizan. En el reparto coral de la serie hay una reina absoluta y esa es Oona Chaplin, hija de Geraldine Chaplin y por tanto nieta del gran Charlie, vista en Juego de tronos y próximamente en el especial navideño de Black Mirror. La madrileña encarna a un mujer misteriosa, seductora, engreída y altamente magnética, un auténtico bombón (envenenado). Querrás tener una cita con ella aunque sepas que todo es una ilusión, y que te mandará a la mierda más pronto que tarde.

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Lo peor de Dates es que sea de una televisión británica. Esto es así por la errática forma que tienen de producir sus series en los dominios de la reina Isabel II (los fans de Sherlock saben de lo que hablo), algo que también ha pasado en Francia con The Revenants. Ha pasado un año y aún desconocemos si Dates tendrá segunda temporada o si se quedará en un pequeño y genial experimento. Puestos a hacer remakes, ¿por qué no hacer una versión española? Mucho más interesante que hacer un remedo de Entre fantasmas, aunque si se alargaran los capítulos hasta la hora y media, como está mandado en el prime time español, me parece que estas citas perderían toda su gracia y encanto.

15/11/14

O.C: Las vacaciones del señor Hulot (1953)

Las vacaciones del señor Hulot

¿De qué va?: El encantador y tímido Monsieur Hulot toma unas vacaciones de agosto en una modesta playa turística, llegando con su viejo cacharro y rompiendo la calma del lugar para los demás veraneantes.

Reputación: Se trata de la primera aparición cinematográfica de Monsieur Hulot, el icónico personaje encarnado por Jacques Tati que apareció en filmes posteriores, también dirigidos por él, como Mi tío (1959), Playtime (1967) y Trafic (1971). El filme tuvo bastante éxito y logró vender más de 5 millones de entradas en Francia. Además, fue nominado al Oscar de mejor historia y guión (compartido con su co-guionista, Henri Marquet) y también compitió por la Palma de Oro del festival de Cannes. En la mayor parte de la película el diálogo se limita al papel de los sonidos de fondo, combinado con frecuentes tomas largas de escenas con múltiples personajes. Tati creyó que el resultado mantendría al público enfocando su atención en la cómica naturaleza humana cuando interactúa como un grupo, y también en sus propios chistes visuales meticulosamente coreografiados. Sin embargo, la película no es en ningún sentido una comedia muda, de hecho,  en la versión inglesa, Christopher Lee la dobló al completo. La cinta se rodó en la ciudad de Saint-Nazaire. Tati se enamoró de sus costas cuando estuvo en un puerto cercano junto a sus amigos, antes de la guerra, y luego decidió regresar allí para rodar la película. Como homenaje, se erigió una estatua de bronce de Monsieur Hulot mirando la playa en aquel lugar.

Las vacaciones del señor Hulot1

Comentario: Al ver a Monsieur Hulot ocasionando estragos en la playa es imposible no pensar en referencias anteriores, como Charlot, o incluso posteriores, como Mister Bean, y es que el personaje de Jacques Tati tiene un poco de ambos: comicidad física e inocente y una sutil carga crítica a la clase burguesa, en este caso, la francesa. Aunque M. Hulot sea el protagonista se trata más bien de una película coral, pues son muchos los personajes secundarios que protagonizan gags brillantes sin su presencia, como la entrañable pareja de ancianos o el dueño de hotel. Así, el filme nunca baja el listón humorístico, presentando situaciones hilarantes a través de la interacción con aquellos objetos diseñados para nuestra diversión y comodidad (el coche, la piragua, la cámara de fotos…). Lo que menos me gustó, el hilo musical, repetido hasta la saciedad, pero sin duda es una atemporal comedia entrañablemente divertida.

Próximo visionado: La dama de Shanghai (1947)

14/11/14

Los infectados patrios se hunden

Poster REC 4

Dir.: Jaume Balagueró
Int.: Manuela Velasco, Paco Manzanedo, Hector Colomé, Ismael Fritschi, Críspulo Cabezas, María Alfonsa Rosso, Mariano Venancio
¿De qué va?: Ángela Vidal, la única superviviente de la terrible infección propagada en un edificio de viviendas de Barcelona, es evacuada. Para ser examinada, es llevada a un viejo petrolero. Cuando parece que la situación está por fin controlada, vuelve a desatarse el caos y la semilla del mal renace adoptando nuevas y terribles formas.

Reseña: La cuarta y presumiblemente última parte de [REC] se ha estrenado sin el subtítulo de Apocalipsis con el que se promocionaba hasta hace nada. Quizás se lo estén reservando para entregas venideras, o tal vez sus responsables se dieron cuenta de que esta película, de apocalíptica, tiene muy poco, pues está ambientada única y exclusivamente en un buque y los acontecimientos que allí se desarrollan  no tienen que ver con el fin del mundo, sino con lo que se espera que ocurra en una peli de zombies/poseídos rutinaria y con escasa imaginación.

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Uno de los puntos fuertes de la saga [REC] es que cada entrega resulta diferente al resto. La primera jugaba con el terror puro y la telerrealidad, la segunda entraba de lleno en el terreno fantástico, la tercera rompía con el estilo found footage (metraje encontrado) de las dos anteriores para ofrecer una comedia negra  cruel y divertidísima, y ahora esta cuarta parte tira por derroteros de suspense y acción, manteniendo el ambiente claustrofóbico y el gore y añadiendo a la ecuación a una heroína a su pesar rodeada de machos cabríos. ¿Les suena de algo? Pues mejor no pensar en Alien, aunque las referencias sean más que obvias (también a La cosa) porque el filme de Jaume Balagueró saldrá perdiendo, y con dolor. [REC] 4 está exenta del costumbrismo español que compartían las anteriores entregas, y sin eso se reduce a una película de terror del montón, que ni siquiera tiene sustos ni imágenes para el recuerdo (salvo la forma en la que termina el primer ser infectado en el barco) y que encima arrastra los tópicos más sobados del cine hollywoodiense. Algunos nos los intentarán colar como homenajes a la serie B, pero si al menos tuvieran gracia como los de Arrástrame al infierno o los del remake de Posesión infernal hasta me lo podría creer.

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Otro aspecto en el que este barco hace aguas es el reparto. Hacía tiempo que no me encontraba con unos actores tan desatinados y sobreactuados. Se pasan la película gritando y recitando frases clásicas del tipo “¡Tenemos que salir aquí!” o “¡No podemos irnos de aquí sin ella!” como si padecieran fuertes dolores estomacales. El protagonista masculino, Paco Manzanedo, se pasa de intenso, es malísimo. Sólo salvaría de la quema a Hector Colomé, por ser el único en saber el significado de la palabra ‘mesura’, a Ismael Fritschi, por ser menos cargante de lo que se espera del personaje de ‘friki a bordo’, y a Manuela Velasco, más que nada por simpatía y por mi debilidad por las ‘scream-queens’, aunque al no tener el margen para la improvisación que se le dio en la primera parte pierde mucho (mucho mejor Leticia Dolera en el filme precedente).

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Como conclusión de la saga terrorífica española por excelencia, [REC] 4 es desabrida. Ni resuelve todas las incógnitas abiertas, ni resulta inquietante,  ni da la sensación de que sea un punto y final a la franquicia, dada la presencia de un irrisorio plano final que deja la ventana abierta para una hipotética quinta parte. Que hayan espectadores interesados, eso ya es otro cantar, pues esta entrega ha despertado tan poco interés como el que parece que ha tenido Balagueró a la hora de dirigirla, más como un compromiso laboral insalvable que como una oportunidad de hacer algo diferente y personal, tal y como hizo su compi Paco Plaza en [REC] 3: Génesis. Pues nada, pasemos a otra cosa.

4/10

13/11/14

Un hogar en el fin del universo

Poster Interstellar

Dir.: Christopher Nolan
Int.: Matthew McConaughey, Anne Hathaway, Jessica Chastain, Michael Caine, David Gyasi, Wes Bentley, Mackenzie Foy, Casey Affleck
¿De qué va?: Al ver que la vida en la Tierra está llegando a su fin, un grupo de exploradores se embarca en la que puede ser la misión más importante de la historia de la humanidad, emprendendiendo un viaje a través de un agujero de gusano en el que descubrirán si las estrellas pueden albergar el futuro de la raza humana.

Reseña: Christopher Nolan es pura ambición. No contento con revalorizar a Batman (y por ende, al género de superhéroes) y con bucear en el subconsciente y la mente humana tanto de forma íntima (Memento) como si se tratara de un circo de seis pistas (Origen), ha elegido las estrellas como siguiente destino y desde allá arriba se pregunta cuál es la clave de la supervivencia del ser humano y hasta dónde es capaz de llegar para conseguirla. Interstellar es el blockbuster más personal que ha rodado Nolan hasta la fecha, pero también el más presuntuoso, y quizás por ello a lo largo de las casi 3 horas que dura la película nos topamos tanto con sus grandes fortalezas como con sus grandes debilidades, ambas más manifiestas que nunca.

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El futuro que nos presenta Nolan tiene algún que otro avance tecnológico, como robots con nivel de sarcasmo ajustable, pero en líneas generales es pesimista y rudimentario, una época de recesión que coloca de nuevo la labranza y el cultivo como el sector económico fundamental, a pesar de que el planeta se está volviendo cada vez un lugar mucho más hostil en el que vivir. De ahí que un grupo de exploradores se lance al espacio en busca de una esperanza para la humanidad tan remota como la galaxia a la que se dirigen. Interstellar cuenta con dos vertientes, la sentimental y la fantástica, que se entrelazan a través del dilema del protagonista, que en un momento dado debe elegir entre la raza humana y su familia, y que alcanza su punto cumbre a mitad de película, en la escena en la que nuestro héroe intergaláctico es por fin plenamente consciente de las consecuencias de su partida.

Interstellar

Ese momento, tan íntimo como desgarrador y aupado por la fuerza de las interpretaciones de Matthew McConaughey y Jessica Chastain, es la muestra perfecta de lo mucho que puede hacer Nolan con pocos recursos. Hay otras escenas que también demuestran que es todo un hombre orquesta al ejercer un control perfecto de la dirección de actores, los efectos especiales, el montaje y la banda sonora (Hans Zimmer de nuevo dando lo mejor de sí) para elaborar secuencias bellas, espectaculares y técnicamente perfectas. Nolan tiene sus referencias, con Kubrick figurando como primero de la lista, y consigue sumergirnos en un viaje único, atractivo y potente… hasta que llega su último acto, en el que realiza un triple salto mortal con tirabuzón y doble piruleta en el que las explicaciones largas, confusas y excesivamente técnicas (uno de los eternos problemas de Nolan) dadas hasta entonces convergen en un momento propio de La dimensión desconocida en el que es mejor no buscar una explicación lógica y entendible  si uno no quiere terminar con dolor de cabeza.

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Lo mejor para resolver las incógnitas es atajar con un “Lo hizo un mago” como en aquel episodio de Halloween de Los Simpsons con Xena, la princesa guerrera, porque  parece que lo que de verdad le importaba a Nolan era cuadrarlo todo para hacerle una concesión al gran público con un desenlace al que le hace falta algo de acritud y que se siente bastante apresurado, lo cual resulta irónico teniendo en cuenta el abultado metraje de la película. En definitiva, Interstellar es un esfuerzo loable, una bella y ambiciosa epopeya que se lanza al espacio sin perder de vista el planeta Tierra, ni su corazón, pero quiere abarcar tanto y quiere llegar tan lejos que termino descolgándome, y pierdo la conexión, la empatía y el estado de asombro perpetuo que sí consiguió en mí una película igual de espectacular o incluso más, y que también hablaba de la supervivencia del ser humano en el espacio, pero de una forma mucho más simple, ajustada y efectiva. No hace falta que les diga el título ¿verdad? Aún así, vale la pena embarcarse en este otro viaje espacial, aunque los mareos terminen haciendo acto de presencia.

7’5/10

10/11/14

Vamos a portarnos mal

Poster Relatos salvajes

Dir.: Damián Szifrón
Int.: Ricardo Darín, Leonardo Sbaraglia, Erica Rivas, Rita Cortese, Óscar Martínez, Dario Grandinetti, Julieta Zylberberg, María Onetto
¿De qué va?: Seis historias protagonizadas por personajes que se ven empujados hacia el abismo y cruzan la delgada línea que separa la civilización de la barbarie: una traición amorosa, el retorno de un pasado reprimido o la violencia contenida en un acto cotidiano son algunos de los detonantes que los impulsan al vértigo de perder los estribos, al innegable placer de perder el control.

Reseña: Desde la guardería se nos enseña a ser educados, a respetar a los demás, a resolver los conflictos de manera civilizada… en definitiva, a ser buenas personas. Pero en muchas ocasiones, actuamos correctamente y el mundo no responde en consecuencia. Hay veces en las que encadenamos una desgracia tras otra, y otras en las que podríamos inmolarnos por la impotencia que sentimos de no poder remediarlo. Ahí es cuando sale el animal primitivo que reside en el interior de cada uno de nosotros, y explotamos, nos volvemos completamente locos. Lo normal es que cuando se nos pase el cabreo nos sintamos avergonzados y pidamos perdón pero… el placer que hemos sentido al descargar toda la rabia que teníamos contenida no nos lo quita nadie.

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De eso va Relatos salvajes, película compuesta por seis historias independientes que nos plantean situaciones familiares, ya sea por experiencia propia, cercana o conocida por la literatura, el cine o la televisión, en la que los protagonistas se olvidan del raciocinio y actúan ateniendo a sus instintos más primarios, provocando reacciones al límite y excesivas. De la naturaleza trágica de todas ellas surge un sentido del humor muy negro, que nos provoca sonoras carcajadas al tiempo que nos convierte en cómplices, porque a todos también nos habría gustado actuar de la misma manera, sin pensar en la consecuencias, en algún que otro momento de nuestras vidas.

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El mayor hándicap de las películas de historias cruzadas o de microrelatos, como es este caso, es que siempre hay irregularidad en cuanto a la calidad y el interés de las mismas. Afortunadamente, esto no ocurre aquí, pues desde el descacharrante prólogo, toda una declaración de intenciones de lo que está por llegar, hasta el último, y para el que esto escribe, mejor episodio, el de la boda, el nivel se mantiene muy alto gracias al perspicaz libreto de su responsable, Damián Szifrón, quien masca las tragedias de forma lenta pero segura, y de su estupendo y coral elenco, del que destacaría especialmente a Érica Rivas, Leonardo Sbaraglia, Rita Cortese y Ricardo Darín. Si tengo que escoger el relato que menos me ha gustado, ese sería el penúltimo, porque me parece el menos divertido, no así innecesario puesto que aporta al conjunto temas interesantes  sobre la naturaleza humana, como el arte de echar balones fuera o el sacar tajada de la desesperación ajena. Todas las historias gozan de algo en particular que ofrecer.

Relatos salvajes

Tiene mucho sentido que Relatos salvajes se ambiente en Argentina, dado el carácter visceral y exaltado con el que siempre se le ha relacionado a los que son naturales de allí, aunque también podría haberse rodado en España, donde últimamente vivimos un clima de indignación colectiva por el que ya no dejamos pasar ni una, o en cualquier otra parte del mundo, porque todos hemos fantaseado alguna vez con lo que vemos en la pantalla. Por eso, bien podríamos decir que estamos ante la película que ha hecho un retrato más exacto de la sociedad en tiempo de crisis, porque deja claro que ante tanta presión tenemos que estallar por algún lado, y las consecuencias pueden ser tan terribles como hilarantes.

8/10

6/11/14

16 obreros sin piedad

Poster Dos dias una noche

Dir.: Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne
Int.: Marion Cotillard, Fabrizio Rongione, Catherine Salée, Batiste Sornin, Pili Groyne, Simon Caudry, Alain Eloy, Myriem Akeddiou
¿De qué va?: Sandra se reincorpora al trabajo tras una baja por enfermedad, pero recibe la noticia de que ha sido despedida. Su única oportunidad de conservar su empleo es hablar con todos sus compañeros a lo largo de un fin de semana para tratar de convencerlos de que renuncien a sus respectivas primas de 1.000 euros para que ella pueda quedarse.

Reseña: La clase obrera es sufridora por definición a lo largo de toda la historia del ser humano, y el siglo XXI no es una excepción. La recesión económica ha sido la excusa perfecta para que la clase política y empresarial pueda hacer y deshacer a su antojo desde su privilegiada posición, mientras los trabajadores se ven obligados a trabajar bajo unas condiciones laborales pésimas. En este clima intranquilo en el que vivimos desde hace ya unos cuantos años, los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne han realizado una película que podría haber sido fácilmente un panfleto tan burdo como las primeras líneas de este párrafo (lo siento, lo mío no es comentar política ni economía),pero afortunadamente se han decantado por profundizar en el problema para conseguir algo mucho más complicado: honestidad.

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A lo largo de un fin de semana, Sandra debe convencer a sus compañeros de trabajo de que renuncien a 1.000 euros de prima para que ella pueda conservar su puesto de trabajo. Cada uno tiene sus razones para votar a su favor o en su contra, todas son igual de válidas, y en ningún momento se les enjuicia, pese a que algunos respondan con malas maneras. La historia se presta a una narrativa monótona, pero los Dardenne la despliegan de tal manera que nunca cae en la monotonía, gracias a una serie de mecanismos sacados del thriller que encajan perfectamente con el espíritu de drama social del filme. Pero Sandra no sólo tiene que enfrentarse a sus compañeros, sino también a sí misma, pues debe de superar su vergüenza y la sombra de una enfermedad si quiere conservar su puesto de trabajo y poder cuidar así de su familia.

Dos dias una noche

Marion Cotillard se despoja de todo el glamour que conlleva su imagen de “actriz parisina” para dar vida a una mujer normal y corriente que tiene que sacar fuerzas de sus mismas entrañas para seguir adelante, con el inestimable apoyo de su marido (Fabrizio Rongione). A lo largo de su periplo encuentra esperanza, la pierde, se hunde, se repone y suda como una condenada y nos la creemos a pie juntillas porque es una actriz formidable, y generosa, porque se integra perfectamente con sus compañeros de reparto, la mayoría no profesionales, mirándolos de tú a tú, sin las ínfulas propias de la estrella de cine que utiliza la película como vehículo para su lucimiento personal, y eso que la cámara la está enfocando a ella y a su belleza al natural el 97% del tiempo.

Dos dias una noche2

Los Dardenne no quieren adornos para su trama, aunque hay algunos recursos de guión, muy pocos, que pueden ser considerados un tanto facilones para acentuar el drama, pero el chantaje emocional nunca asoma, ni siquiera cuando Sandra trata de convencer a sus compañeros de que la apoyen. Más allá de todo el desánimo que se respira en el aire hay cabida para cierto optimismo  en las muestras de solidaridad y compañerismo y ante el convencimiento de que alcanzar la meta no es tan importante como la forma en la que recorremos el camino, siempre con la cabeza bien alta. Eso es lo que prevalece de Dos días, una noche, una fábula moral (no moralista), que podría haber sido tendenciosa, machacona y populista, pero que ha preferido ser sutil, humilde y humana, y eso, amigos, es algo muy raro de ver hoy en día.

8/10

4/11/14

Madurez a la fuerza

Poster Ojala estuviera aqui

Dir.: Zach Braff
Int.: Zach Braff, Kate Hudson, Joey King, Mandy Patinkin, Josh Gad, Pierce Gagnon, Ashley Greene, Jim Parsons, Alexander Chaplin
¿De qué va?: Aidan Bloom es un joven padre de familia cuyo sueño de ganarse la vida como actor ha provocado que sea su mujer la que lo mantenga a él y a sus dos hijos. Cuando se entera de que su padre está arruinado y gravemente enfermo, Aidan se ve obligado a educar a sus hijos en casa e intenta mediar en la distante relación entre su hermano y su progenitor.

Reseña: Hace diez años, Zach Braff aprovechó su popularidad recién adquirida gracias a la serie Scrubs para presentar su primera película como director, guionista y protagonista: Garden State (Algo en común). Se trataba de una estupenda historia sobre la crisis de identidad a los veintitantos con una no menos encantadora Natalie Portman y una banda sonora perfecta. Para mí fue uno de los mejores estrenos del año 2004 y de hecho figura en el top 20 de mis películas favoritas de siempre. Todo apuntaba a que Braff tenía por delante una prometedora carrera cinematográfica, pero tras finalizar Scrubs, el éxito de su ópera prima no le reportó la financiación para su siguiente trabajo…. hasta ahora, y es que gracias a una campaña de crowdfunding en Kickstarter (no exenta de polémica) ha conseguido sacar adelante por fin una nueva película, titulada Ojalá estuviera aquí.

Ojala estuviera aqui

Braff ha crecido y con él la crisis de los 20 se ha convertido en la de los 30. Las dudas existenciales que le atormentaban en Garden State como el “quién soy” o “qué quiero hacer en la vida” se convierten en un “¿de verdad he madurado o no estoy siendo realista con la vida que llevo?”. Su personaje, Adam, se ve en la tesitura de tener que renunciar a su sueño de ser actor cuando los que le habían asegurado una situación económica estable, su padre y su esposa, ya no están por la labor de que encadene fracasos con cada casting al que acude, al tiempo que descubre nuevos placeres gracias al acercamiento a sus dos hijos. El dilema acerca de seguir o renunciar a los sueños no es un mal planteamiento, pero Braff no consigue sacarle todo el provecho porque la película bascula entre momentos de sinceridad y emoción genuina con otros cuya emoción y ganas de gustar al público resulta tan buscado y forzado que no funciona.

Ojala estuviera aqui3

Para ser una película que se financió a través de Internet en busca de independencia creativa y para esquivar las imposiciones de los estudios, el proyecto de Braff es muy poco arriesgado. Su máxima pretensión es agradar al público y que termine de ver la película con una sonrisa en la cara y el corazón contento a pesar de los picos dramáticos, y puede que lo consiga, pero de forma mucho más superficial de lo que pretende. Tiene escenas muy buenas, como el diálogo en el hospital entre Kate Hudson, felizmente recuperada de unas películas que la desaprovechaban completamente, y Mandy Patinkin, o la mayoría de momentos en los que intervienen la joven Joey King y Josh Gad, pero la sensación general que deja es que la película es una serie de conversaciones, no muy interesantes, en las que se vislumbra que Zach Braff está encantadísimo de conocerse a sí mismo. Además, no me creo para nada que esa familia esté pasando por serios apuros económicos, por muy estropeada que esté su piscina.

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Nadie le podrá reprochar a Braff que tiene un gusto exquisito a la hora de confeccionar playlists de rock indie para animar sus películas, pero sí que se le nota un gusto excesivo por las escenas preciosistas a cámara lenta, y si son con sus personajes caminando de frente a la cámara, al estilo de Armaggedon, mejor que mejor. Yo no puse dinero para la película pero sí que me alegré de que consiguiera la financiación porque me parecía que Braff era un tipo que tenía una peculiar forma de contar las cosas, cómica, un poco friki y sincera. No he cambiado de parecer, pero sí creo que se ha confiado demasiado y que para su siguiente película le vendría bien que no se lo creyera tanto y que no se preocupara tanto en agradar. Y yo me pregunto, ¿estarán contentos los que pusieron su dinero con el resultado final?

5’5/10

2/11/14

Itinerario de estrenos de noviembre 2014

Estrenos_Noviembre

Arrancamos el mes con la noticia del récord que ha obtenido la nueva edición de la Fiesta del Cine: 2.196.101 espectadores en tres días, un 15% más que hace seis meses y un 28% más que el año pasado. Esto demuestra, más que nada, que el público español se mueve más por el ‘efecto evento’ de esta promoción, o del fenómeno boca a boca de Ocho apellidos vascos, que por una simple afición por el cine, y es que ‘Los miércoles al cine’ es una oferta similar presente cada semana pero sin la misma repercusión mediática que la Fiesta. A pesar del IVA, quien quiere ir al cine puede encontrar fácilmente fórmulas para disfrutar de una película a precios razonables. Este mes no hay muchos estrenos importantes pero sí dos que tienen ese efecto llamada del que les hablaba antes:

Interstellar: La primera y muy esperada película post-Batman de Christopher Nolan es una odisea espacial que llegó a sus manos después de que Steven Spielberg descartara dirigirla. Narra las aventuras de un grupo de exploradores que hacen uso de un agujero de gusano recientemente descubierto para superar las limitaciones de los viajes espaciales tripulados y poder así hallar la salvación de la raza humana. Matthew McConaughey (Dallas Buyers Club), Anne Hathaway (Los Miserables), Jessica Chastain (La desaparición de Eleanor Rigby) y Michael Caine (Ahora me ves…) encabezan el reparto de un filme cuyas primeras críticas han sido positivas pero no tan espectaculares como se preveían, aunque seguro que arrasará en taquilla igual.
Estreno: 7 de noviembre

 

The Skeleton Twins: Dramedia independiente dirigida por Craig Johnson en la que dos antiguas estrellas de Saturday Night Live, Kristen Wiig y Bill Hader, encarnan a dos gemelos, Maggie y Milo, que tras muchos años de distanciamiento deciden reunirse para plantearse por qué sus vidas han ido tan mal. Mientras que ella debe reanalizar sus tendencias autodestructivas y su matrimonio con su dulce pero inmaduro marido, él debe superar que le rompieran el corazón mucho tiempo atrás.  Ty Burrell (El tour de los Muppets), Luke Wilson (Un funeral de muerte) y Boyd Holbrook (Caminando entre las tumbas) secundan a la pareja protagonista en esta pequeña película que ha obtenido críticas muy positivas, especialmente dirigidas a sus actores.
Estreno: 14 de noviembre


Los juegos del hambre: Sinsajo. Parte 1: Como marca la tradición de Hollywood, la saga de Los juegos del hambre se despedirá con una última película dividida en dos. La primera nos llega ahora, vuelve a estar dirigida por el director de En llamas, Francis Lawrence, y al reparto habitual encabezado por Jennifer Lawrence, Josh Hutcheron, Liam Hemsworth, Woody Harrelson y Donald Sutherland hay que sumar las incorporaciones de Julianne Moore (Non-Stop) y Natalie Dormer (Juego de tronos). En esta ocasión, nos encontramos a Katniss Everdeen en el Distrito 13 decidiendo el papel que jugará en la resistencia contra el Capitolio, al tiempo que idea un plan para rescatar a Peeta. La película aún no ha sido proyectada en ninguna parte, pero al margen de las críticas que pueda recibir, es de esperar que sea uno de los estrenos más taquilleros del año.
Estreno: 21 de noviembre


Los pingüinos de Madagascar: Spin-off de la saga de Madagascar protagonizada por los pingüinos, que también gozan de una serie de televisión desde el año 2008. Para su primera aventura cinematográfica en solitario, Skipper, Kowalski, Rico y Cabo se alían con otro grupo de espías, conocido como Viento Norte, para luchar contra un malvado pulpo que quiere acabar con todos los pingüinos del mundo. Está dirigida por Simon J. Smith (Bee Movie) y Eric Darnell (Madagascar 3: De marcha por Europa) y en su versión original cuenta con las voces de Benedict Cumberbatch (12 años de esclavitud) y John Malkovich (Memorias de un zombie adolescente). Aún no hay reseñas, pero el metraje que se presentó en el pasado Festival de Cannes dejó buen sabor de boca.
Estreno: 28 de noviembre

1/11/14

Actriz del mes: Jennifer Garner

Jennifer Garner6
Nombre completo: Jennifer Anne Garner

Fecha de nacimiento: 17 de abril de 1972

Lugar de nacimiento: Houston, Texas (EE.UU.)

Filmografía destacada:

Danny Collins (2015)

Hombres, mujeres y niños (2014)
Alexander y el día terrible, horrible, espantoso, horroroso (2014)
Draft Day (2014)
Dallas Buyers Club (2013)
La extraña vida de Timothy Green (2012)
Butter (2011)
Arthur, el soltero de oro (2011)
Historias de San Valentín (2010)
Increíble pero falso (2009)
Los fantasmas de mis ex novias (2009)
Juno (2007)
La sombra del reino (2007)
Las vueltas de la vida (2007)
Alias (TV) (2001 – 2006)
Elektra (2005)
El sueño de mi vida (2004)
Daredevil (2003)
Atrápame si puedes (2002)
Pearl Harbor (2001)
Colega, ¿dónde está mi coche? (2000)
Mr. Magoo (1998)


Méritos: La carrera cinematográfica de Jennifer Garner ha pasado por tres etapas diferentes, condicionadas por los papeles que Hollywood le ha ofrecido cada vez. En la primera fue heroína de acción gracias a la serie que la dio a conocer, Alias, y que le valió convertirse en la superheroína Elektra en la gran pantalla; en la segunda, fue la protagonista de numerosas y bastante olvidables comedias románticas, y en la tercera, en plena y envidiable madurez, sólo le proponen papeles de madre, algo que sin duda viene marcado por la imagen familiar que proyecta su matrimonio junto a Ben Affleck, con el que tiene tres retoños.

El pacto que ha mantenido con Affleck de que no pueden trabajar de forma simultánea la ha perjudicado (laboralmente) a ella, dado el empuje que ha recibido la carrera, tanto como director como intérprete, de él, pero en este último año hemos tenido la suerte de tenerla muy presente. Tras ejercer de catalizador moral en Dallas Buyers Club, entre noviembre y diciembre la veremos ejerciendo de madre, pero eso sí, de índole muy diferente. En Alexander y el día terrible, horrible, espantoso, horroroso debe sobrevivir a una jornada en la que la mala suerte se ha cebado con todo su clan, mientras que en Hombres, mujeres y niños, segunda colaboración con el director Jason Reitman tras Juno, encarna a una matriarca obsesionada con los peligros que acarrea el móvil, internet y las redes sociales para su hija. No sabemos a qué madre se parecerá más en la vida real, pero esperemos que esquive el encasillamiento y que Ben Affleck se tome unas merecidas vacaciones para disfrutar de ella un poco más.

Jennifer Garner

Extras:

Tráiler de Alexander y el día terrible, horrible, espantoso, horroroso

Tráiler de Hombres, mujeres y niños

Entrevista sobre Dallas Buyers Club

Recogiendo el Globo de Oro a mejor actriz de serie dramática por Alias

Cortometraje ‘Serena’

Sesame Street: Galoshes