Pleamar bélica

Dir.: Christopher Nolan
Int.: Fionn Whitehead, Mark Rylance, Tom Hardy, Kenneth Branagh, Cillian Murphy, James D’Arcy, Harry Styles, Jack Lowden, Tom Glynn-Carney, Barry Keoghan, Aneurin Barnard
¿De qué va?: En plena Segunda Guerra Mundial, cientos de miles de británicos y tropas aliadas se encuentran rodeados por las fuerzas enemigas en la ciudad francesa de Dunkerque. Atrapados en la playa, con el mar cortándoles el paso, las tropas se enfrentan a una angustiosa situación que empeora a medida que el ejército alemán avanza.

Reseña: En la recientemente estrenada (y recomendable) Su mejor historia, una pareja de guionistas se inspiraba en una pequeña anécdota hinchada por la prensa sobre el rescate de soldados llevado a cabo por civiles en la costa de Dunkerque, con el objetivo de crear una película que despertase el ánimo y el optimismo de un público y una ciudadanía baja de moral. Al ambientarse en aquel episodio de la Segunda Guerra Mundial, la nueva película de Christopher Nolan, su primer film bélico, podría haber encajado perfectamente en aquel cine propagandístico si no fuera porque antes no se contaba con la tecnología que ha permitido que el director de Interstellar nos sumerja en el conflicto como ninguna otra película había conseguido hacer antes.

Por tierra, por mar y por aire. Nolan aborda el desastre y posterior milagro militarista desde tres francos diferentes, alternados en el montaje, separados en el tiempo y finalmente convergentes. Una disposición narrativa tan sencilla como compleja, pues salta de un escenario a otro y de una historia a otra con una agilidad y una homogeneidad rítmica de órdago. No hay ni un paso en falso ni margen de error en la bomba de relojería que se pone en marcha pocos minutos después de que la película arranque con un silencio absoluto y que en pocos segundos desaparecerá para no volver hasta el fundido a negro final, siendo sustituido por los ensordecedores sonidos de la batalla y por el ‘tic-tact’ que ha introducido Hans Zimmer en su fantástica partitura para recordarnos en todo momento que estamos en una agónica carrera contrarreloj contra una amenaza que permanece invisible, pero siempre incesante e implacable.

Porque Dunkerque no es una película sobre la Segunda Guerra Mundial, o sobre la lucha contra el nazismo, sino sobre una batalla en la que la victoria radica, no en el número de enemigos abatidos, sino en el de personas salvadas, así como en el heroísmo colectivo y prácticamente anónimo. El soldado junto al que llegamos a la costa francesa es un chaval que tiene un único propósito y pensamiento: volver a casa. No necesito saber si le está esperando alguien, lo que piensa del conflicto ni cualquier otra cosa porque sería morralla en busca de una conexión emocional facilona que no viene al caso. Lo mismo se puede aplicar del piloto al que da vida Tom Hardy, del general encarnado por Kenneth Branagh o del ciudadano al rescate interpretado por Mark Rylance. Todos y cada uno de ellos están completamente comprometidos con su misión particular y no hay espacio para introspecciones psicológicas más allá de algunos apuntes porque no harían otra cosa que ralentizar la maquinaria. Nolan es consciente del peligro que supone dejar el gancho emocional de su película den un puñado de personajes que son poco más que avatares, pero sale airoso confiando la labor a actores de envergadura y a unos más que eficientes intérpretes novatos, caso de Fionn Whitehead y de Harry Styles.

Los protagonistas de Dunkerque son una pieza más de la perfectamente engrasada montaña rusa cinematográfica que supone el film. Una montaña rusa técnicamente perfecta en todos los aspectos, visceral, inmersiva, armoniosa en su estruendo y horror, y que no alcanza las dos horas de metraje, una duración perfecta para mantener tensa la cuerda sin llegar romperla a y provocar en consecuencia el hartazgo del espectador. Uno termina la proyección agotado pero extasiado ante una experiencia tan trepidante e imponente, especialmente si se disfruta en IMAX. Las guerras y sus perpetradores no dejarán de ser una vergüenza para la condición humana, pero la esperanza en la generosidad de esta última, ya sea congénita o aprendida, será lo último que perdamos gracias a películas como ésta.

8’5/10

Dieciséis telarañas

Dir.: Jon Watts
Int.: Tom Holland, Michael Keaton, Robert Downey Jr., Jacob Batalon, Marisa Tomei, Laura Harrier, Zendaya, Tony Revolori, Jon Favreau, Logan Marshall-Green, Donald Glover, Michael Chernus
¿De qué va?:  Emocionado tras haber luchado junto a los Vegadores, Peter Parker regresa a su rutina junto a la tía May, pero esta vez, bajo la atenta mirada de su mentor, Tony Stark. Peter intenta llevar una vida normal como cualquier joven de su edad, pero esto se volverá una tarea imposible cuando un nuevo villano, el Buitre, se cruza en su camino, resultando ser una amenaza mucho mayor que todas a las que se había enfrentado el joven enfundado en el traje de Spiderman.

Reseña: En una escena del Spider-Man 2 de Sam Raimi, el trepamuros comentaba las incomodidades de su traje con un hombre cualquiera, montado en un ascensor que se veía obligado a coger al fallarle sus poderes. La película se centraba en los malabarismos que tenía que hacer Peter Parker para cumplir como universitario, superhéroe, repartidor de pizzas y fotógrafo al tiempo que intentaba recuperar a la chica de sus sueños, pero el pobre no daba pie con bola. Por esta y otras muchas razones, Spider-Man 2 continuaba siendo la mejor película sobre el personaje que se ha hecho… hasta que Marvel ha llegado para sembrar la duda con el primer film en el que la Casa de las Ideas participa directamente en su proceso creativo. La productora se esforzó en demostrar en Capitán América: Civil War que el nuevo Spider-Man no iba a ser más de lo mismo, pero la prueba de fuego tenía que llegar con Homecoming, la cual no sólo presenta innovaciones respecto a las anteriores películas de la saga, sino que consigue labrarse una identidad propia dentro del cada vez más saturado universo cinematográfico de Marvel.

El grueso de las novedades se puede resumir en dos palabras: pequeña escala. Peter es un chaval un poco pringado con muñecos de Star Wars en su cuarto y que pasa casi todo el tiempo con un amigo tan leal como inocente y gracioso, mientras suspira por una guapísima compañera de clase. Su vida estudiantil bebe mucho de las fuentes del cine juvenil de John Hughes, con referencia explícita a una de sus películas incluida, de tal forma que se recrea en los conflictos propios de la edad del pavo sin caer nunca en la antipatía o la estupidez. Marvel sabe que la gente ya está más que harta de las historias de orígenes, y acierta al obviar la forma en la que Peter consiguió sus poderes (exceptuando un gag a su costa) y ni siquiera se menciona en ningún momento al malogrado tío Ben. En cuanto a la faceta superhéroica, Spider-Man es más amigo y vecino que nunca, dedicándose a luchar contra criminales de poca monta hasta que se topa con el Buitre, quien no resulta ser tan insustancial como la gran mayoría de villanos de Marvel gracias, tanto al trabajo de Michael Keaton, como a que no resulte ser un villano unidimensionalmente maligno y todopoderoso, sino un tipo corriente salido de la clase obrera que roba la chatarra a los poderosos para sobrevivir.

A pesar de que los avances presagiaban una especie de ‘buddy movie’ con Spider-Man y Iron-Man, las apariciones de este último son más bien esporádicas y casi todas a través de telecomunicaciones. Robert Downey Jr. se mantiene en segundo plano y nunca le roba el protagonismo a un Tom Holland que confirma lo que ya demostró en Civil War: es el Spider-Man definitivo. Más joven, más torpe y mucho menos “reinona del drama” que sus predecesores, Holland se muestra dinámico, carismático y divertido como el trepamuros, generándonos interés por ver qué le depara el futuro y cómo evolucionará en las siguientes entregas. Jacob Batalon se revela como un fantástico escudero, mientras que Zendaya se limita a hacer una buena presentación con vistas de ganar protagonismo más adelante. En cuanto a Marisa Tomei… ¿quién no la querría tener como tía y tutora con lo guay que es?

Spider-Man: Homecoming compensa los momentos de “más de lo mismo” con una frescura juvenil inexistente en el universo Marvel hasta la fecha. Que el espectacular enfrentamiento final sea lo menos emocionante de la película que ha rodado de forma competente y cariñosa el novato John Watts dice mucho sobre sus virtudes, que radican en las situaciones cómicas, las escenas de acción donde Spidey hace uso de su labia juguetona y en aquellos momentos en los que Peter se comporta, efectivamente, como un chico de su edad llevando un traje que aún le queda un poco grande. Ha costado pero, sin desmerecer a las encarnaciones anteriores, Spider-Man ha encontrado por fin su hueco y su identidad propia en el género de superhéroe que él mismo se encargó de establecer hace 15 años. Y además, tiene la que quizás sea la mejor secuencia de créditos finales de las películas de Marvel, o al menos la que más encanto tiene, lo cual, con perdón a los Guardianes, también se podría atribuir a todo su conjunto.

8/10

La soledad del libertador

Dir.: Matt Reeves
Int.: Andy Serkis, Woody Harrelson, Steve Zahn, Karin Konoval, Amiah Miller, Terry Notary, Gabriel Chavarria, Toby Kebbell, Judy Greer
¿De qué va?: César jura no haber comenzado la guerra, pero él y su legión de simios genéticamente evolucionados se ven obligados a luchar en un conflicto a muerte contra los humanos que quedan en el mundo. Después de que su bando sufra pérdidas inimaginables a manos de un ejército de humanos comandados por un despiadado Coronel, César luchará contra sus propios y oscuros instintos y comenzará una arriesgada misión que determinará el destino de ambas especies y el futuro del planeta.

Reseña: No será una de las sagas más mediáticas de la actualidad, pero sí una de las más sólidas. La trilogía-precuela de El planeta de los simios se presentó como una explicación al mundo en el que aterrizaba Charlton Heston en la película original, pero ha acabado definiéndose como el viaje personal de César, que pasó de ser simio probeta a líder insurrecto de su especie hasta convertirse, en esta última entrega, en Mesías y precursor de una nueva nueva civilización. Si en El Origen… la gran parte del protagonismo recaía en un humano y en El Amanecer… era compartida entre un hombre y un simio, en La Guerra… todo el peso de la narración recae en César, quien se enfrente a una amenaza exterior que por muy despiadada que sea no resulta tan peligrosa como la que se está gestando en su interior, fruto de una ira y una tristeza que lo empujan a un abismo en el que ya cayeron algunos de los suyos y del que jamás podría escapar. Y por si eso fuera poco, carga sobre sus hombros y a su pesar con la responsabilidad de liderar y proteger el futuro de su tribu.

Las guerras son sucias, crueles, sanguinarias e implacables. Matt Reeves compone una atmósfera acorde a un conflicto en el que ambos bandos están cansados y han sufrido innumerables pérdidas, pero uno está tomando acciones desesperadas por miedo a la inminente desaparición, liderado por un jefe militar (Woody Harrelson en estado puro) cuyas acciones déspotas y desquiciadas son inducidas por el miedo, no sólo a la derrota, sino a la deshumanización, o al menos a lo que él considera que lo es; las comparaciones con cierto presidente polémico obsesionado con las murallas son odiosas pero inevitables. Él se aferra y atrinchera en un barco que hace aguas por todos lados, ignorando que, como ya nos dejó caer otra de las mejores películas de ciencia ficción del año, The Girl with All the Gifts, el futuro del planeta no tiene por qué estar en las manos del ser humano tal y como lo conocemos.

Pese al título y las referencias explícitas a Apocalipsis Now, la cinta de Reeves acaba emparentándose más con La gran evasión y el subgénero de fugas, y a pesar de contener secuencias realmente espectaculares, como la batalla que abre el film, con un planeo aéreo que remite directamente a pinturas bélicas, el enfoque que le ha dado Reeves es más intimista que grandilocuente (la partitura de Michael Giacchino se adapta perfectamente a cada cambio de tono), en consonancia con la fascinación que siente hacia el personaje de César, que vuelve a cobrar vida una vez más por obra y arte de un CGI cada vez más hiperrealista y por el preciso y bestial trabajo interpretativo de Andy Serkis; César ya domina el lenguaje, pero sigue comunicándose mejor a través de su inmensa expresividad facial y corporal.

Matt Reeves tiene tal control del film en su conjunto que hasta la inclusión de un desahogo cómico en forma de “Bad Ape”, que bien podría haberse convertido en un Jar Jar Binks de la vida, no consigue empañar ni eclipsar la energía crepuscular, gris y, en última instancia, esperanzadora en la que está envuelta la cinta. Pequeñas incongruencias de guion aparte, La guerra del planeta de los simios culmina la curva ascendente que ha experimentado la trilogía con cada entrega, otorgando una sensación satisfactoria de cierre pero dando margen de maniobra para que puedan desarrollarse nuevos capítulos que la enlacen con la película que dio comienzo a todo, aunque tampoco resulte estrictamente necesario; el viaje se ha completado y juro por César que ha merecido la pena.

8/10

Amigas, conocidas y asesinas fortuitas

Dir.: Lucia Aniello
Int.: Scarlett Johansson, Jillian Bell, Kate McKinnon, Zoë Kravitz, Ilana Glazer, Paul W. Downs, Ryan Coogler, Colton Haynes
¿De qué va?: Cuatro amigas de la universidad se reúnen 10 años después de graduarse para celebrar en Miami la despedida de soltera de una de ellas. Sin embargo, la juerga llega demasiado lejos cuando matan de forma accidental al stripper que han contratado para animar la noche.

Reseña: Lucia Aniello es una de las principales responsables de Broad City, serie ‘underdog’ de Comedy Central sobre dos amigas treintañeras tan íntimas que hablan por Skype mientras están sentadas en el retrete y que, a pesar de llevar una vida bastante cutre tanto en lo profesional como en lo personal, son felices teniéndose la una a la otra mientras la lían parda por Nueva York. Nunca ganará un Emmy, ni siquiera ha estado nominada a alguno, pero es una serie divertidísima basada en el carisma, el desparpajo y la química de sus dos protagonistas y co-creadoras, Ilana Glazer y Abbi Jacobson. Por todo ello, el salto a la gran pantalla de Aniello, con parte del equipo creativo y artístico de la serie, tenía toda la pinta de que podía convertirse en una de las comedias marcianas del año pero… ¡ay! Una vez más se demuestra que el aumento de presupuesto, las estrellas de cine y el gusto por no arriesgarse de los estudios acaban pesando a los autores que se han labrado una carrera en el medio televisivo ajeno a las networks, más propenso a tomar riesgos y conceder libertades creativas.

Una noche fuera de control (Rough Night) ya suena a déjà vu desde su misma sinopsis; básicamente es un cruce entre La boda de mi mejor amiga (2011) y Very Bad Things (1998) con algún que otro eco a Este muerto está muy vivo (1989). Sin embargo, la película no tiene secuencias tan gozosamente desternillantes como la primera, ni la mala leche de la segunda. Scarlett Johansson se deja querer, pero como actriz cómica carece del ‘timming’ de Kristen Wiig, y al final es Kate McKinnon, actual pilar maestro de Saturday Night Live, quien arranca las mayores risas de la función como la australiana excéntrica que se une a la fiesta sin conocer a nadie más que a la novia. El reconocible perfil de cada una de las protagonistas, sus interacciones y su camaradería son lo que más destaca de la película y lo más reconocible de la impronta de Broad City. Pero todo lo demás, no es tan malo como para aburrirse o sentir vergüenza ajena pero sí decepcionantemente adocenado.

El componente macabro de su sinopsis se diluye como un azucarillo en una resolución forzosamente complaciente que desaprovecha todo su potencial malicioso, aunque por otra parte, la película se saca de la manga una subtrama protagonizada por el novio del personaje de Johansson, encarnado por Paul W. Downs (también sacado de Broad City) que complementa bastante bien la trama principal. Pese a sus buenos momentos, Una noche fuera de control impide que se pueda decir eso de que sus actrices estén en “estado de gracia” debido a un guion cobarde y poco original que no termina de llevar el desmadre hasta sus últimas consecuencias. ¿Lo mejor? Que la cuarta temporada de Broad City se estrena el próximo 23 de agosto. Yas Queen!

5’5/10

Acordes y desamores

Dir.: Terrence Malick
Int.: Michael Fassbender, Ryan Gosling, Rooney Mara, Natalie Portman, Cate Blanchett, Holly Hunter, Bérénice Marlohe, Val Kilmer, Likkey Ly
¿De qué va?:  Faye intenta abrirse en el mundo de la música al tiempo que se siente atraída tanto por BV, un noble compositor, y  por Cook, un manipulador magnate y productor. La relación entre los tres se pone tensa cuando Cook se la juega a BV por un tema de derechos de autor y ofrece a Faye un contrato de grabación, volviéndose la situación más compleja cuando nuevos intereses románticos entran en escena.

Reseña: Las películas del Terrence Malick reciente son tan fáciles de parodiar que si no lo han hecho ya es porque el mundo le ha dado la espalda por no haber rodado una obra rotunda e incontestable desde El árbol de la vida (2011). Sus tres películas posteriores podrían resumirse en parejas guapísimas correteando y haciendo el tonto por parajes de ensueño mientras una voz en off hace descripciones vagas de los sentimientos de los personajes. To the Wonder, Knight of Cups y Song to Song forman un tríptico sobre lo mundano y lo espiritual, el amor volátil y su fin, la plenitud y el vacío, que resulta hermoso a la vista, disperso, complicado de dirigir pero capaz de despertar sensaciones muy polarizadas: una experiencia sensorial impagable para unos, un ladrillo hueco y soporífero para otros.

Resulta muy fácil criticar Song to Song quedándose en la superficie, en los evidentes puntos débiles de una propuesta diferente y no apta para todos los gustos, pero no sería justo desdeñar la que quizás sea la entrega más pulida de la trilogía de Malick. Sí, acabaremos hartos de ver imágenes de unos guapérrimos Ryan Gosling y Rooney Mara profesándose su amor por diferentes lugares, pero el triángulo amoroso que mantienen con Michael Fassbender, representante de todo lo nocivo que puede albergar el ser humano (avaricia, exceso, lujuria, egoísmo, traición…) es atractivo, y más aún cuando aparece la camarera a la que da vida una estupenda Natalie Portman, cegada y posteriormente llevada a la perdición por el carisma y los abusos del Rey Midas. Puede que al final quede la sensación de que hay muy pocos ingredientes para rellenar un plato de más de dos horas, sobre todo teniendo en cuenta lo desaprovechadas que están Cate Blanchett y Holly Hunter, pero la belleza y la carga poética contenidas de principio a fin son más que evidentes.

Lo que sí que resulta inexcusable es que una película titulada Song to Song y  ambientada en el escenario musical de Texas sea tan poco… melódica. Hay cameos de cantantes famosos y muchas canciones, pero su repertorio no posee homogeneidad, ni personalidad definida, y ni siquiera termina siendo uno de los aspectos más memorables de la propuesta; desde luego no tanto como Val Kilmer apareciendo unos pocos segundos para partir un amplificador con una motosierra eléctrica... Al final, como en toda la filmografía de Malick, prevalece el amor puro y sencillo, que es aquel que se alcanza cuando el ser humano entra en comunión con la Madre Naturaleza y se despoja de todo aquello que le sobra. Más de lo mismo, pero es el amigo Terrence finiquitando su trilogía sobre las tribulaciones románticas del siglo XXI como él siempre ha querido e ideado, con su peculiar forma de rodaje y edición, y nosotros, los que no acabamos de congeniar con su enfoque, deberíamos apartarnos en silencio y dejar que lo disfrute quien sí sepa hacerlo con plenitud.

5’5/10

Maquinaria inspiracional

Dir.: Lone Scherfig
Int.: Gemma Arterton, Sam Claflin, Bill Nighy, Jake Lacy, Jack Huston, Helen McCrory, Eddie Marsan, Richard E. Grant, Jeremy Irons, Paul Ritter
¿De qué va?: Con Londres vacío de hombres que luchan en el frente, Catrin Cole es contratada para darle un toque femenino a las películas propagandísticas de la Segunda Guerra Mundial. Su talento natural es detectado rápidamente por el productor, Tom Buckley, y juntos trabajarán para rodar una gran película que llegue a los corazones de la nación.

Reseña: Durante la Segunda Guerra Mundial, tanto la participación de las mujeres en el conflicto como la utilización del cine como herramienta propagandística tuvieron un papel más destacado que el que habían jugado previamente en la Gran Guerra. Las mujeres accedieron a puestos de trabajo que hasta aquel entonces se consideraban exclusivamente masculinos, incluso en el frente de batalla, mientras que el cine no sólo dio lugar a películas que se acabarían convirtiendo en valiosos documentos históricos, como El triunfo de la voluntad (1934), sino que sirvió para distraer e infundir esperanza a la ciudadanía entre bombardeo y bombardeo. El empoderamiento femenino y el poder evocador del cine, dos materias tan bonitas como interesantes, conforman el eje de la nueva película de Lone Scherfig, Su mejor historia (Their Finest).

Como buena producción inglesa, Su mejor historia se mantiene fiel a los estándares de la flema británica combinando comedia, drama y ternura sin caer en el exceso o en el mal gusto. Su progresión narrativa es profundamente clásica y hasta previsible, pero su verdadero potencial se encuentra en los pormenores de la historia y los detalles históricos: los intentos de mantener una vida normal mientras se vive en una amenaza constante de ser bombardeado, los entresijos de un rodaje cinematográfico artesanal, como los de antaño, el dilema entre ser fiel a los desabridos hechos reales o edulcorarlos para que sirvan a un fin mayor, o la lucha de una mujer por ser reconocida como una igual por su talento y esfuerzo son algunos de los temas que se van hilvanando en el film con sumo encanto y ligereza (que no superficialidad).  Todo se desarrolla tal y como esperamos que ocurra, pero qué bien sienta cuando lo hace de manera tan luminosa y absorbente como ocurre aquí.

Gemma Arterton sucede a Carey Mulligan (An Education) y Anne Hathaway (One Day) como heroína del cine de Scherfig, y lo hace con todo el encanto y el buen hacer que la caracteriza. La actriz lidera la película otorgando a Catrin una mezcla bien medida e irresistible de dulzura y fortaleza, al tiempo que mantiene una estupenda química con su partenaire, Sam Claflin. Merecen una mención especial los dos intérpretes que desempeñan la sección más cómica de la película: Bill Nighy, dando vida a un actor veterano de ego hinchado que se resiste a abandonar el papel de héroe de la función por uno secundario, y Jake Lacy, como un soldado americano que forma parte de la película para complacer a los norteamericanos (¿alguien dijo pulla?) pero con unas aptitudes interpretativas bastante limitadas.

La escena en la que Catrin acude al cine y ve su película, rodeada de espectadores que la están viviendo con intensidad, algunos incluso repitiendo por tercera o cuarta vez, es un vivo reflejo del candoroso homenaje feminista a la magia del cine que supone Su mejor historia. La película no posee grandes alardes técnicos ni narrativos, pero denota pasión por todo el proceso cinematográfico, empezando por una idea, siguiendo con el desarrollo y materialización de la misma hasta terminar por la proyección en salas, recordándonos a su vez que, en los malos momentos, siempre nos quedará el refugio de una sala oscura, una pantalla luminosa y un puñado de desconocidos como compañía, con el que poder abstraerse y soñar con vidas e historias ajenas, seguramente mucho más emocionantes e interesantes que las nuestras.

8/10

O.C: Golpe en la pequeña China (1986)

¿De qué va?: Jack Burton es un camionero que, en una de sus paradas en el barrio de Chinatown, San Francisco, le gana una gran cantidad de dinero a Wang Chi jugando al mahjong, pero éste le pide que le acompañe a recoger al aeropuerto a su prometida, Miao Yin, a cambio de entregarle su botín. Pero cuando la chica es secuestrada por unos gángsters chinos, Jack se verá envuelto en una gran aventura para rescatarla, teniendo que enfrentarse a Lo Pan, un mago de 2.000 años que gobierna sin piedad el mundo de los espíritus.

Reputación: El libreto original de Golpe en la pequeña China escrito por Gary Goldman y David Z. Weinstein era un cruce entre western y artes marciales ambientado en la década de 1880, y su protagonista un vaquero que tras sufrir el robo de su caballo se veía envuelto en una aventura subterránea. En 1984, el productor Paul Monash compró el guion y se lo pasó al guionista W.D. Ritcher, remodelando éste la historia al completo y situándola en la edad contemporánea. Poco después, John Carpenter fue contratado para dirigir la cinta, y tras intentar en vano que Clint Eastwood y Jack Nicholson aceptasen el rol protagonista, Kurt Russell, viejo amigo del director, se enroló en el proyecto, aunque tuvo sus reservas tras haber encadenado varios fracasos en taquilla; cuando compartió su temor con Carpenter, éste le dijo que a él le daba igual, que sólo quería que hicieran la película juntos.

Coincidiendo con el comienzo de la preproducción de la película al amparo de Fox, Paramount empezó a desarrollar El chico de oro, una de aventuras con misticismo oriental y un sospechoso parecido con la cinta de Carpenter, quien decidió darse prisa en rodar para adelantarse 5 meses al estreno de su competidora. A pesar de ello, la película no dio la talla en la taquilla, recaudando tan sólo 11 millones de dólares en Estados Unidos, habiendo costado 25. En cambio, El chico de oro, protagonizada por Eddie Murphy, se convirtió en uno de los grandes éxitos del año, con casi 80 millones conseguidos en el mismo territorio. Carpenter acusó al estudio de no haber invertido lo suficiente en la promoción, lo cual, sumado a los conflictos que tuvo a raíz del intrusismo de los productores durante el rodaje, provocó que ésta fuese la última vez en la que el realizador trabajó con grandes estudios. Golpe en la pequeña China tuvo una segunda oportunidad en el mercado doméstico, donde adquirió estatus de película de culto.

Comentario: Golpe en la pequeña China es puro y gozoso subproducto de serie B. No hay que tomársela en serio porque ni ella mismo lo hace, y tampoco hay necesidad de ello. La apropiación y desvirtuación que hace de la cultura china es un disparate inofensivo, la trama es suficientemente entretenida y aprovecha muy bien cada oportunidad que se le brinda para parodiar el género de aventuras y artes marciales sin caer en la tontería, mientras que los personajes son muy simpáticos, especialmente ese héroe por accidente al que da vida Kurt Russell, más que evidente modelo a seguir por Chris Pratt en casi todo lo que hace desde que ha dejado de ser ‘fofisano’. La nostalgia ochentera también es esto, películas que no envejecen tan bien como sí lo han hecho Los Goonies, Cuenta conmigo, Blade Runner o E.T., el extraterrestre, pero que rezuman espíritu electro pop por los cuatro costados.

Próximo visionado: El secreto de vivir (1936)

Itinerario de estrenos de julio 2017

Baby Driver: Tras apearse en el último momento de Ant-Man por diferencias creativas con Marvel, Edgar Wright (Bienvenidos al fin del mundo) se centró en rodar este film de acción que cuenta la historia de Baby, un joven conductor especializado en fugas que cuenta con su propia banda sonora musical para ejercer su trabajo. Tras conocer a la chica de sus sueños, Baby decide que es hora de comenzar una nueva vida, pero su plan se irá al traste cuando es forzado a trabajar para un jefe criminal. Ansel Elgort (La serie Divergente: Leal), Lily James (Orgullo + Prejuicio + Zombies), Jamie Foxx (Noche de venganza) , Kevin Spacey (House of Cards), Jon Hamm (Las apariencias engañan) y Jon Bernthal (El contable) encabezan el reparto de la película, que ha tenido críticas fantásticas y ha empezado con buen pie en la taquilla estadounidense.
Estreno: 7 de julio.

Llega de noche: Film de terror dirigido por Trey Edwards Shults (Krisha) que gira en torno a lo que ocurre cuando un matrimonio y su hijo adolescente acogen en su solitaria casa a una joven familia en busca de refugio, acrecentándose el pánico y la desconfianza cuando una amenaza del exterior empieza a adentrarse en la vivienda. Joel Edgerton (Loving), Carmen Ejogo (Alien: Covenant), Riley Keough (American Honey) y Christopher Abbott (Girls) protagonizan la cinta, que ha tenido en general críticas notables.
Estreno: 7 de julio.

Su mejor historia: Adaptación cinematográfica de la novela Their Finest Hour and a Half de Lissa Evans, se centra en Catrin Cole, una mujer que empieza a trabajar como guionista de aquellas películas que se rodaron durante la Segunda Guerra Mundial para levantar el ánimo de la ciudadanía británica, aunque la minusvaloración de las mujeres y los continuos bombardeos no se lo pondrán nada fácil. Lone Scherfig (One Day) dirige esta dramedia de época protagonizada por el trío conformado por Gemma Arterton(Melanie: The Girl with All the Gifts), Sam Claflin (Antes de ti) y Bill Nighy (El nuevo exótico Hotel Marigold). Críticas muy positivas para una película que se revela como un candoroso homenaje feminista a la magia del cine.
Estreno: 14 de julio.

La guerra del planeta de los simios: Tercera entrega de la saga-precuela de El planeta de los simios, en la que César se enfrentará a un brutal humano, conocido como el Coronel, en una batalla que pondrá en juego el futuro de ambas especies y el del mismo planeta. Tras encargarse de la secuela, Matt Reeves vuelve a repetir sentado en la silla de director, mientras que Andy Serkis sigue prestando sus movimientos al mono protagonista y Woody Harrelson (Ahora me ves 2) encarna a su némesis humano. Las primeras críticas son igual de positivas que las de las películas precedentes, incluso puede que más.
Estreno: 14 de julio.

Dunkerque: El nuevo film de Christopher Nolan (Interstellar) cuenta la historia de cómo, en 1940, más de 400.000 soldados aliados fueron evacuados desde las costas francesas a Gran Bretaña ante el avance de las tropas nazis. Tom Hardy (El renacido), Mark Rylance (Mi amigo el gigante), Kenneth Branagh (Jack Ryan: Operación Sombra), Cillian Murphy (En el corazón del mar) y el cantante Harry Styles son las caras más conocidas del reparto de la cinta, que como todo lo que hace su director ha generado grandes expectativas.
Estreno: 21 de julio.

Una noche fuera de control: Comedia para adultos sobre cinco amigas de la universidad que se reúnen en Miami para celebrar la despedida de soltera de una de ellas, aunque la juerga se les irá de las manos cuando matan de manera accidental al stripper que han contratado. Lucia Aniello, una de las responsables de la muy recomendable comedia televisiva Broad City, se estrena en la gran pantalla arropada de un más que atractivo quinteto de actrices: Scarlett Johannson (Ghost in the Shell), Jillian Bell (Fiesta de empresa), Zoë Kravitz (Big Little Lies), Kate McKinnon (De-mentes criminales) e Ilana Glazer (Broad City). La película ha tenido críticas regulares y una taquilla flojita, y es que aunque no está del todo mal, palidece en comparación con otras comedias de temática similar, como Very Bad Things o La boda de mi mejor amiga.
Estreno: 21 de julio.

Spider-Man: Homecoming: Primera aventura del tercer Hombre Araña cinematográfico, tras cerrar un acuerdo entre Sony y Marvel para que el personaje formara parte del universo cinematográfico de esta última compañía. Tras ayudar a los Vengadores, Peter Parker intentará llevar una vida normal mientras recibe los consejos de su mentor, Tony Stark, y se enfrenta a un villano, el Buitre, que amenazará todo lo que el joven considera importante en su vida. Jon Watts (Coche policial) dirige la película, protagonizada por Tom Holland (Z: La ciudad perdida), Robert Downey Jr. (Capitán América: Civil War), Michael Keaton (El fundador), Marisa Tomei (La gran apuesta) y Zendaya (K.C. Agente especial). Las primeras opiniones sobre el film han sido muy buenas, aunque habitualmente lo son con las películas de Marvel, lo cual siempre hace sospechar a los más escépticos.
Estreno: 28 de julio.

Actor del mes: Michael Keaton

Nombre completo: Michael John Douglas

Fecha de nacimiento: 5 de septiembre de 1951

Lugar de nacimiento: Coraopolis, Pennsylvania (EE.UU.)

Filmografía destacada:

Dumbo (2018)
American Assassin (2017)

Spider-Man: Homecoming (2017)
El fundador (2016)
Spotlight (2015)
Birdman (2014)
Need for Speed (2014)
RoboCop (2014)
Los otros dos (2010)
Toy Story 3 (sólo voz) (2010)
Recién graduada (2009)
Herbie: A tope (2005)
Game 6 (2005)
White Noise: Más allá (2005)
Una hija diferente (2004)
Camino hacia la gloria (2000)
Jack Frost (1998)
Medidas desesperadas (1998)
Jackie Brown (1997)
Mis dobles, mi mujer y yo (1996)
Sin palabras (1994)
The Paper (Detrás de la noticia) (1994)
Mi vida (1993)
Mucho ruido y pocas nueces (1993)
Batman vuelve (1992)
De repente, un extraño (1990)
Batman (1989)
Una pandilla de lunáticos (1989)
Bitelchús (1988)
Pisa a fondo (1986)
Johnny peligroso (1984)
Las locas peripecias de un señor mamá (1983)
Turno de noche (1982)

Méritos: En Hollywood sólo hay una cosa que les guste más que construir una estrella: derribarla. Por eso son muy raros los casos exitosos de ‘comebacks’ en la Meca del Cine, también porque no todos consiguen remontar su carrera tras obtener esa oportunidad de oro que les devuelve a la primera línea; que se lo pregunten si no al pobre Mickey Rourke… Afortunadamente, parece que ese no va a ser el caso de Michael Keaton, un actor que lo fue todo en la década de los 90 pero al que no le sentó nada bien el cambio de siglo. En los años 2000, sus apariciones en el cine se resumen en comedias en las que ejerció de padre de actrices de moda en aquel entonces, como Lindsay Lohan, Katie Holmes o Alexis Bledel.

Pero cuando su carrera ya parecía más que muerta y sepultada, Alejandro González Iñárritu le dio el protagonista de Birdman, y Keaton fue más allá de los evidentes paralelismos entre su personaje y su vida hasta rozar el Oscara mejor actor con la punta de los dedos. La cámara del Kodak Theatre captó el triste momento en el que se volvió a guardar el discurso de agradecimiento en la chaqueta mientras su rival, Eddie Redmayne, subía a recoger la estatuilla dorada, para minutos después celebrar la victoria de su film en la categoría reina de la noche; una proeza que volvería a repetir al año siguiente con Spotlight, confirmándose así que ha regresado para quedarse. Este mes veremos a Keaton encarnando al villano del nuevo Spider-Man, el Buitre, en una suerte de triple voltereta metacinematográfica, y próximamente volverá a ejercer de villano. haciéndole la vida imposible a Dumbo en la nueva versión del clásico Disney que prepara Tim Burton. No es la reunión que esperábamos entre el actor y el director que lo lanzó al estrellato, y aunque cada vez parece menos probable que la secuela del Bitechús vaya a materializarse, ya ha quedado sobradamente demostrado que con Michael Keaton nunca hay que dar nada por sentado.

Extras:

Tráiler de Spider-Man: Homecoming

Tráiler de American Assassin

Entrevista sobre El fundador

Entrevista sobre Spotlight

Ganando el Globo de Oro a mejor actor de comedia por Birdman