O.C: Todo en un día (1986)

¿De qué va?: Ferris Bueller es un joven de 17 años especialista en saltarse las clases del instituto sin que le pillen. Ferris aprovecha la confianza que sus padres tienen depositada en él para preparar un último día de diversión antes de la graduación junto a su mejor amigo y su novia. No obstante, tanto el director de su instituto como su hermana están dispuestos a desenmascararlo y desbaratar sus planes.

Reputación: John Hughes se inspiró en sus propios años de instituto para escribir el guion de Todo en un día (Ferris Bueller’s Day Off), sobre todo en su amigo Bert Bueller, quien al parecer era tan rebelde como el protagonista de la cinta. Actores como Jim Carrey, Johnny Depp, Tom Cruise, Robert Downey Jr. y Michael J. Fox fueron considerados para encarnar al protagonista, pero al final el elegido fue Matthew Broderick, quien en realidad ya era el favorito de Hughes mientras escribía el libreto, trabajo que apenas le llevó 6 días en completar. Con un presupuesto de 6 millones de dólares, la película llegó a recaudar 70, alzándose como la décima película más taquillera de 1986. Se pensó en rodar una secuela durante varios años, con Ferris en la universidad o trabajando en algún sitio, pero la idea fue finalmente desechada. Broderick sentía que la película no necesitaba una secuela, pues versaba sobre un período de tiempo y un lugar específicos que a todos nos gustaría revisitar pero que no necesitaba una actualización. El año pasado, para celebrar el 30º aniversario del estreno de la película, un grupo de fans organizó el Ferris Fest en Chicago, con la proyección de la película, una ronda de preguntas y respuestas con algunos de los actores, la visita a los lugares donde se rodó o la recreación del número musical en el que el protagonista cantaba el Twist and Shout de The Beatles.

Comentario: Probablemente, no haya existido director que entienda mejor lo que implica ser un adolescente en Estados Unidos que John Hughes. Aunque haya llovido mucho desde que se estrenasen sus clásicos juveniles y ahora la edad del pavo gire en torno a los móviles, los selfies, las redes sociales y demás (¿el baile de graduación seguirá vigente?), lo cierto es que ese espíritu rebelde y vivaz que recorre la película de principio a fin es algo atemporal, aunque puede funcionar más entre los adultos nostálgicos que añoren los últimos días de instituto, cuando todo parecía posible y el mundo parecía estar arrodillado ante nuestros pies, que en los adolescentes que se encuentren en ese momento preciso de la vida que no sabrán apreciar hasta que experimenten ese fastidio conocido como “madurez”. Todo en un día no es tan icónica como El club de los cinco pero se queda cerca, siendo como todas las comedias juveniles de John Hughes un retrato divertido, honesto y con un cariño inmenso hacia sus personajes sobre la alegría de vivir y el desconcierto propios de los años de instituto.

Próximo visionado: Lawrence de Arabia (1962)

El muerto y ser feliz

Dir.: Daniel Kwan, Daniel Scheinert
Int.: Paul Dano, Daniel Radcliffe, Mary Elizabeth Winstead
¿De qué va?: Hank es un náufrago atrapado en una isla desierta que un día se topa con un cadáver en la orilla que le ayudará a volver a casa, y con el entablará una extraña amistad.

Reseña: ¿Siguen haciendo gracia los chistes de pedos cuando uno se hace mayor? Recuerdo haber llorado de la risa en la escena aquella de El profesor chiflado (1996) en la que la cena familiar del protagonista se acaba convirtiendo en una orquesta de pedos, pero puede que llegue un momento de la vida en el que las flatulencias dejan de ser tan infaliblemente graciosas para cumplir otro tipo de funciones, como la de marcar el momento en el que se ha alcanzado el nivel máximo de intimidad con la pareja. Todos nos tiramos pedos, pero éstos siguen siendo sinónimos de guarro, zafio y simplón, y quizás por eso se produjo una desbandada de espectadores en la proyección de Swiss Army Man en el Festival de Sundance; básicamente porque, nada más comenzar la película, un náufrago crea una lancha a motor con un cadáver pedorro…

La verdad sea dicha, un comienzo así no inspira demasiada confianza en lo que está por llegar. Sin embargo, la ópera prima de la pareja de cineastas conocida como The Daniels es algo más que la bizarra mezcla de Náufrago (2000) y Este muerto está muy vivo (1989) que promete ser; el náufrago, Hank, emprende el camino de vuelta a casa con la ayuda del cadáver, Manny, quien va recobrando las funciones psicomotrices de su cuerpo conforme descubre lo que implica estar vivo a través de los recuerdos de Hank y de los teatrillos que monta éste para que los experimente como si estuviera allí. Todo muy del sello ‘indie-cool’ de Sundance, todo muy excéntrico, pero si se consigue superar el recelo inicial, se obtiene a cambio una comedia agridulce profundamente original, entrañable, vitalista y humanista en la que los pedos empiezan dando asco y terminan emocionando. Tal cual.

Swiss Army Man no es sólo una de las historias de supervivencia más extrañas con la que nos podemos topar, sino también una de las buddy movies más cálidas y tiernas que jamás se hayan hecho. El ‘bromance’ que se forja entre Hank y Manny es el auténtico motor de la película, estimulado por la química y las excelentes interpretaciones de Paul Dano y Daniel Radcliffe; este último, por cierto, realiza el trabajo más meritorio y memorable de su carrera ‘post-Harry Potter’ clavando al muerto en sus expresiones faciales, movimientos y voz conforme recupera la vida. La banda sonora, en la que también participa la pareja protagonista, es asimismo algo digno de elogio de esta película que, cuando parece que no puede molar más, tiene a Mary Elizabeth Winstead como representación del idealismo romántico y meta de la odisea. Así pues, lo que parecía una comedia absurda sin mucho fuste, acaba revelándose como un viaje único e irrepetible hacia la felicidad vital que viene a confirmar lo que nos decía el refrán: mejor pedorrear que reventar.

8/10

Alma en pena cautiva

Dir: Olivier Assayas
Int.: Kristen Stewart, Lars Eidinger, Sigrid Bouaziz, Anders Danielsen Lie, Ty Olwin, Nora von Waldstätten, Audrey Bonnet, Pascar Rambert
¿De qué va?: Maureen es una joven que trabaja como personal shopper de una celebridad en París. Aunque el trabajo no le gusta, rechaza la idea de abandonar la ciudad hasta que pueda contactar con el espíritu de Lewis, su hermano gemelo fallecido. Mientras espera a que Lewis se manifieste, Maureen empieza a recibir extraños mensajes de móvil anónimos.

Reseña: Hoy en día, los únicos que permanecen escépticos ante el talento interpretativo de Kristen Stewart son los que no han visto sus películas desde que concluyó la saga de Crepúsculo. De lo contrario, sabrían que aquella aparente estrella desganada se ha convertido en una de las actrices más interesantes del panorama cinematográfico, gracias a su buen tino a la hora de escoger proyectos,  lo cual la ha conducido, entre otros logros, a coronarse como la primera actriz estadounidense en ganar un César (el Goya del cine francés). Lo hizo por Viaje a Sils María, en la que estableció un vínculo tan potente con su director, Olivier Assayas, que ambos han vuelto a repetir en Personal Shoppert, una obra tan desconcertante e imperfecta como seductora.

A Assayas le gusta jugar con las expectativas del espectador y hacerlo rabiar. Ya lo hizo con el desenlace del personaje de Stewart en Viaje a Sils María y lo vuelve a hacer en su segunda colaboración con la joven actriz. En su primer tramo, Personal Shopper parece una versión europea de Entre fantasmas, aquella serie a mayor gloria de Jennifer Love Hewitt en la que ésta hablaba con espíritus mientras lucía modelitos. Aquí, la protagonista, Maureen, espera a que su hermano le mande una señal de que existe el Más Allá mientras se dedica a elegir vestidos para una celebrity siempre ausente. Poco después de que la trama alcance un bochornoso clímax esotérico, la película cambia de tercio para mutar en un psico-thriller donde Maureen construye una sorprendente relación personal con un acosador anónimo que le escribe mensajes de texto. Ambas partes de la historia, tan aparentemente incompatibles, acaban conectando a través de la exploración del luto y la búsqueda del bienestar con la identidad propia que se realiza a través del personaje de Maureen, y es el magnetismo que desprende la interpretación de Stewart lo que hace que el film se mantenga a flote incluso cuando bordea el absurdo.

Kristen Stewart no es Meryl Streep, ni falta que le hace. Conoce sus limitaciones y ha aprendido a jugar con ellas, a tensarlas hasta descubrir nuevos recovecos. Su apariencia andrógina, su timidez, sus ojeras perpetuas y su mirada desencantada aportan autenticidad tanto a la aflicción que siente Maureen ante la ausencia de su hermano como a la excitación que le reporta el peligro del vínculo que establece con el extraño que la empuja a salir de su zona de confort, a reconocerse a sí misma en ese mundo el que, paradójicamente, no se reconoce. Si bien es fácil sentir en el desenlace que Assayas nos ha intentado tomar el pelo y que sus giros de guion son tan sutiles como un elefante entrando en una cacharrería, la sensación que permanece es la de haber sido testigos del íntimo, enigmático y sugestivo proceso de liberación de una ‘rara avis’ que consigue escapar de la bandada en la que ha estado atrapada para encontrar la paz consigo misma.

7/10

La extraña que hay en mí

Dir.: Rupert Sanders
Int.: Scarlett Johansson, Pilou Asbæk, Michael Pitt, Juliette Binoche, Takeshi Kitano, Chin Han, Michael Wincott
¿De qué va?: Major es un híbrido de cyborg y humano femenino único en su especie que forma parte de la Sección 9, un grupo operativo de élite que lucha contra el ciberterrorismo y los crímenes tecnológicos. Su última misión, consistente en dar con el paradero de un peligroso y misterioso hacker, provocará que Major se cuestione todo lo que creía conocer sobre su existencia.

Reseña: Que un anime como el de Ghost in the Shell, influencia confesa de múltiples cineastas dedicados a la ciencia ficción, caso de las Wachowski y su Matrix, fuese versionado por Hollywood, era una mera cuestión de tiempo. La duda estaba en si la adaptación seguiría el mismo proceso de simplificación por el que ha pasado cualquier material extranjero que cae en las manos de las majors, o si por el contrario se atreverían a conservar la complejidad temática y discursiva de la película animada de 1995. Tal vez alguien con tanto peso en la industria como Christopher Nolan, o con el prestigio que se está labrando Denis Villeneuve, habría conseguido imponer un enfoque más arriesgado, pero tratándose de un recién llegado como Rupert Sanders (Blancanieves y la leyenda del cazador) teníamos que habernos imaginado que el resultado no iba a ser todo lo inspirado que cabría esperar.

Lo que está claro es que lo que le gustó a los americanos del anime fue su apartado visual. El film de Sanders recrea con brío las escenas más icónicas de aquél, insertándolas en una trama muy diferente, en la que la disertación sobre la toma de conciencia de la máquina es reemplazada por una historia de conspiraciones, engaños y venganza que nos suena demasiado familiar. La trama se sigue con interés y sus diálogos sólo producen rubor en contadas ocasiones, especialmente cuando se empeñan en dejar claro lo que significa “el fantasma del caparazón” del título. Y aunque intenta ponerse filosófica respecto a la simbiosis entre humanismo y robótica, nunca alcanza ni por asomo las cotas de abstracción reflexiva y conceptual de su referente, algo que no estaría tan mal si no fuera porque la alternativa que ofrece no aporta nada al imaginario de la ciencia ficción robótica, sobre todo estrenándose poco después de la emisión de la televisiva Westworld, la cual, lejos de ser perfecta, sí está mejor enfocada a la hora de indagar en la consciencia y el alma de los autómatas.

No obstante, la película está lejos de ser un desastre porque, en primer lugar, pese a la poca chicha que tiene el guion, Sanders no tiene problemas en trasladar la iconografía visual del anime de forma intacta, añadiendo algunos elementos llamativos como las geishas robóticas pero abusando de los planos generales de su Tokio futurista, y en segundo porque, debates sobre el whitewashing aparte, Scarlett Johansson conduce la película con holgada seguridad y destreza; no en vano, ya tiene experiencia tanto como heroína de acción como con personajes que experimentan una disonancia entre su ser físico y su ser emocional  (Her, Under the Skin, Lucy…). El resto del elenco se mueve entre el enorme empeño que le pone Pilou Asbæk, pese a lo infrautilizado que está su personaje, y el cómodo piloto automático en el que se coloca Takeshi Kitano.

En definitiva, Ghost in the Shell es una adaptación tan digna en la superficie como pobre en el interior. No era necesario transcribir toda la intrincada verborrea del anime, pero sí capturar algo por lo que se convirtió en un referente de la ciencia ficción contemporánea, más allá del puñado de imágenes molonas que se han recreado aquí de forma espectacular, eso sí. Probablemente, el golpetazo que se ha dado la película en la taquilla, junto con la polémica que ha generado, hará que Hollywood se piense dos veces buscar otra vez inspiración en la animación de la Tierra del Sol Naciente. Los fanáticos de Akira están de enhorabuena.

6/10

El espacio continúa insonorizado

Dir.: Daniel Espinosa
Int.: Jake Gyllenhaal, Rebecca Ferguson, Ryan Reynolds, Hiroyuki Sanada, Ariyon Bakare, Olga Dihovichnaya
¿De qué va?: La tripulación de la Estación Espacial Internacional está a punto de llevar a cabo uno de los mayores descubrimientos de la historia de la humanidad: la primera prueba de vida extraterrestre en Marte. Al comenzar a conducir sus investigaciones, sus métodos acabarán teniendo consecuencias inesperadas, y esa forma de vida probará ser mucho más inteligente de lo que nunca se habría esperado.

Reseña: Mientras algunos aún no nos hemos recuperado de La llegada y el hermoso primer contacto entre el ser humano y los extraterrestres que el film de Denis Villeneuve planteaba, la maquinaria de Hollywood vuelve a las andadas retomando los horrores que nos podemos encontrar en el misterioso espacio exterior. Life es lo que parece y pretende: un thriller espacial en el que un heterogéneo grupo de astronautas se enfrenta a un bicharraco letal e inteligente en los claustrofóbicos y antigravitacoinales pasillos de una nave/estación espacial. Si les resulta familiar no se preocupen, a todos los implicados en su realización seguro que también.

Sin embargo, lejos de evidenciar complejo de inferioridad y camuflar sus referentes, el director Daniel Espinosa centra sus esfuerzos en mantener una tensión y un ritmo constantes que da poca tregua al espectador, con algunos momentos bastante inspirados y desasosegantes. Incluso el orden el que se van produciendo las bajas entre la cosmopolita tripulación no es todo lo previsible que cabría esperar, aunque sus caracteres están definidos de forma bastante esquemática y convencional, exceptuando el hastío del personaje de Jake Gyllenhaal respecto su planeta de procedencia. La reflexión acerca de la torpe curiosidad del ser humano por descubrir lo que se escapa de su dominio y comprensión y su propensión a la violencia sólo sirve para rellenar algunos de los huecos entre los ‘set pieces’ de acción y terror en los que se compone la película, rodados con una cámara que se mueve con soltura y brío por los diferentes recovecos de la estación espacial en los que se ambienta la historia.

Sin intención alguna de romper moldes, Life (Vida) resulta ser un entretenimiento competente cuyo mayor hándicap reside en su ausencia de personalidad, algo que sabe compensar con el buen oficio de su director, reparto y equipo técnico, con mención especia a la partitura compuesta por Jon Ekstrand. Su desenlace es especialmente contundente, pero no compensa la sensación de que nos encontramos ante el telonero de la gran estrella que todos queremos ver; la nueva entrega de cierta saga de alienígenas que llegará el mes que viene a los cines y que ensombrecerá la supuesta impresión que pueda haber dejado Life entre los fans de la ciencia ficción espacial.

6/10

Metamorfoseando al niño interior

Dir.: Dean Israelite
Int.: Dacre Montgomery, Naomi Scott, RJ Cyler, Ludi Lin, Becky G, Elizabeth Banks, Bryan Cranston, Bill Hader
¿De qué va?: La vida de cinco adolescentes cambia completamente cuando entran en contacto con un extraño objeto que les confiere poderes sobrehumanos. De la noche a la mañana, deben adaptarse a su nueva condición de superhéroes y aprender a trabajar en equipo para saber a su pequeña ciudad, Angel Grove, y al mundo entero de una implacable amenaza alienígena.

Reseña: De pequeño tenía una gran obsesión, y esa obsesión se llamaba Power Rangers. Mi fanatismo llegaba hasta tal punto que no sólo coleccionaba aquellos míticos muñecos de cabeza intercambiable y los juegos que salían para la Mega Drive, también fui dos veces al cine a ver la película, me tiraba a la piscina al grito de “¡Power Ranger!” e intenté convencer a mis padres en vano de que me llamasen Rocky, como el segundo Ranger rojo. No tuvo que pasar demasiado tiempo para que, revisionando un capítulo al azar de la serie, me diese cuenta de que aquello que me parecía tan espectacular de niño resultaba ser en realidad  bastante cutre y ridículo. Sin embargo, en honor a aquel crío que flipaba con las aventuras de esos superhéroes adolescentes, el estreno del reboot cinematográfico de la serie merecía ser una cita obligada, y lo cierto es que el film de Dean Israelite ha conseguido cuanto menos que vuelva a sentir el entusiasmo pueril de antaño.

Antes de continuar, conviene definir las expectativas a partir de la base: es muy complicado elaborar una historia coherente y madura que sea fiel a la mitología de la serie. Para ello habría que partir de una perspectiva diferente, como la de aquel cortometraje que causó gran sensación en la red hace un par de años. Por tanto, este reboot es, en esencia, un reinicio de los Power Rangers que recupera algunos de los elementos más distintivos de la serie original norteamericana, como los nombres de los protagonistas de la primera generación, pero con un enfoque algo más moderno y acorde con los nuevos tiempos de corrección política, de ahí que el chico afroamericano ya no sea el Ranger negro ni el integrante asiático el amarillo. La película se toma su tiempo en presentar a sus héroes y en definir sus personalidades con El club de los cinco como referente constante, y aunque sus conflictos son un tanto vagos y tratados de forma superficial, se agradece que no sean los adolescentes chulos, resabidos y forzosamente molones que frecuentan este tipo de películas.

El principal problema del film es que tiene un público objetivo muy limitado: los fans de la serie de 1993, cuya magia se extinguió tras dos temporadas. Mientras que la chavalada actual la podrá encontrar demasiado ingenua y los neófitos adultos encontrarán poco que pueda ser de su interés, los que disfrutamos en su día y no nos avergonzamos de ello vibraremos con cada guiño a la serie, con Elizabeth Banks pasándoselo pipa dando vida a la pérfida Rita Repulsa, con Bryan Cranston dando vida a un Zordon más severo que el original y con los Dinozords en acción. La película tampoco se libra de la sensación de ser el episodio piloto de una serie, debido en buena parte a que el entrenamiento de los Rangers dura demasiado para el poco tiempo que pasan después con sus armaduras enfrentándose a los masillas, en ese Angel Grove que recuerda bastante al Sunnydale de Buffy, cazavampiros.

Así pues, Power Rangers se corona como un gran placer culpable bastante más decente de lo que cabía esperar. No depara grandes sorpresas, ni para lo bueno ni para lo malo, y tiene demasiados caprichos de guion que pasar por alto, pero es lo suficientemente lúdica y fresca como para que los que se vean obligados a verla por sus amigos más frikis no se aburran demasiado. Tampoco se toma demasiado en serio a sí misma, gozando de un sentido del humor autoconsciente y atinado. Más que suficiente para dar pie a una continuación que, cómo no, sólo tendrá luz verde si ésta hace buenos números en la taquilla. Desafortunadamente, dudo que hayamos tantos fans en activo de los Power Rangers hoy en día.

6’5/10

Itinerario de estrenos de abril 2017

 

Power Rangers: Remake cinematográfico de la serie que marcó mi infancia y la de otros muchos nacidos a finales de los 80, basada a su vez en la japonesa Super Sentai Series. Como en antaño, la historia versa sobre cinco chavales predestinados a convertirse en guerreros dotados de un gran poder, y en los únicos héroes capaces de salvar al planeta de una malvada alienígena llamada Rita Repulsa. Dean Israelite (Project Almanac) dirige el film protagonizado por Dacre Montgomery (Stranger Things), Naomi Scott (Los 33), CJ Ryder (Yo, él y Raquel), Ludi Lin, Becky G., Elizabeth Banks (Los juegos del hambre: Sinsajo - Parte 2) y Bryan Cranston (¿Tenía que ser él?). En la taquilla no le está yendo nada mal y las críticas no están siendo todo lo destructivas que cabría esperar, así que puede que los Power Rangers hayan vuelto para quedarse.
Estreno: 7 de abril

Life: Thriller espacial que gira en torno a la Estación Espacial Internacional, donde sus seis tripulantes investigan un ser vivo que podría haber sido la causa de la extinción de vida en Marte, y que ahora amenaza con hacer lo mismo en la Tierra si consigue llegar hasta aquí. Daniel Espinosa (El niño 44) dirige la película con Jake Gyllenhaal (Animales nocturnos), Rebecca Ferguson (Florence Foster Jenkins), Ryan Reynolds (Criminal), Hiroyuki Sanada (Mr. Holmes), Ariyon Bakare (Rogue One) y Olga Dihovichnaya enfrentándose al bicho del espacio. La crítica ha sido bastante unánime a la hora de señalar la escasa originalidad de la propuesta, pero sigue siendo un entretenimiento palomitero bastante competente.
Estreno: 7 de abril

 

Lo tuyo y tú: Nuevo film del incombustible director surcoreano Hong Sang-soo (Ahora sí, antes no), al que hemos cogido cariño rápidamente en esta página. El cineasta ganó el premio al mejor director en el último Festival de San Sebastián por esta cinta que cuenta la historia de un pintor que discute con su novia tras descubrir que se ha tomado unas copas con otro hombre, provocando que ella se marche de casa. Al día siguiente, mientras el pintor la busca por las calles, su novia (o una chica idéntica a ella) tiene citas con diferentes hombres. La película ha recibido muy buenas críticas, y el director ya tiene dos nuevas películas preparadas para el 2017: La cámera de Claire, donde repite con Isabelle Huppert tras la deliciosa En otro país, y On the Beach at Night Alone.
Estreno: 12 de abril

Negación: Recreación de la batalla judicial entre la historiadora norteamericana Deborah E. Lipstadt y el periodista David Irving a raíz de la querella que presentó éste contra la primera por difamación, pues Deborah le había atacado en un libro que había publicado por negar la existencia del Holocausto. Dirige Mick Jackson (Temple Grandin) con un trío protagonista formado por Rachel Weisz (La luz entre los océanos), Tom Wilkinson (Snowden) y Timothy Spall (Mr. Turner). A pesar de su perfil de aspirante a premios, la película se tuvo que conformar con una única nominación al Bafta a mejor film británico, con críticas bastante tibias.
Estreno: 12 de abril
 

Guardianes de la galaxia Vol. 2: Secuela de una de las películas más divertidas, irreverentes y sorprendentes de la factoría Marvel. El equipo de la primera entrega, comandado por el director James Gunn y con un reparto encabezado por Chris Pratt, Zoe Saldana, Dave Bautista y las voces de Vin Diesel y Bradley Cooper, vuelve a la carga para una nueva aventura espacial en la que se verán obligados a salvar otra vez la galaxia reclutando para el equipo a viejos rivales. Kurt Russell (Los odiosos ocho), Elizabeth Debicki (El infiltrado) y Pom Klementieff (Les Kaïra) son los principales fichajes.
Estreno: 28 de abril

Actriz del mes: Scarlett Johansson

Méritos: Algunos se sintieron un tanto defraudados cuando vieron que, tras debutar en papales de chica inadaptada en Ghost World (2001) y Lost in Translation (2003), Scarlett Johansson desarrolló su carrera optando por películas más convencionales y comerciales. En realidad, lo que ocurre es que Scarlett siempre ha hecho lo que ha querido, sin miedo a las consecuencias, y en muchas ocasiones ha ido dos pasos por delante del resto. Internet se llenó de memes jactándose de su caída y poco después descubrimos que se trataba de una escena grabada con cámara oculta para Under the Skin, película que incomprensiblemente aún no ha llegado en España y en la que Scarlett demuestra que aún sigue siendo aquella chica rarita que no se acaba de encontrar cómoda en su propia piel.

Esa valentía que la caracteriza le ha permitido dar un potente discurso feminista pocos días después de la victoria presidencial de Donald Trump, parodiar a su hija Ivanka en uno de los mejores sketches de la temporada de Saturday Night Live (ver el apartado de extras) o protagonizar la versión norteamericana de Ghost in the Shell, a pesar de la esperable lluvia de críticas por el ‘whitewashing’ de Hollywood, esto es, la costumbre de fichar a intérpretes norteamericanos para personajes de otras etnias. Esperemos que el inminente fracaso comercial de la película no eche al traste los planes para esa película en solitario de la Viuda Negra que Marvel nos debe desde hace años y que podría ser el broche de oro perfecto para la salida de la actriz de la franquicia. Por lo pronto, Scarlett pondrá a prueba su vis cómica con Rough Night, seria aspirante a comedia del verano de 2017 para la que se ha rodeado de talentos de comicidad contrastada como Kate McKinnon e Ilana Glazer. Y a partir de ahí, quién sabe, pero tengo la certeza de que Scarlett Johansson es de esos seres tan especiales que, aunque todo a su alrededor se esté desmoronando, siempre caen de pie.

Scarlett en 12 personajes

De izquierda a derecha y de arriba a abajo: Con su primer película de envergadura, El hombre que susurraba a los caballos (1998), logró eclipsar al mismísimo Robert Redford; vivió una particular crisis post-instituto en Ghost World (2001); se perdió y encontró junto a Bill Murray en Lost in Translation (2003) al tiempo que todos nos enamoramos de su Charlotte; comenzó a ser la musa de Woody Allen en Match Point (2005) y nunca ha estado más sensual y vulnerable de cuerpo presente; con Scoop (2006) demostró que ni la comedia ni el papel de pringada se le resiste; fue una Janet Leigh muy convincente en la poco convincente Hitchcock (2012); en Don Jon (2013) clavó el papel de choni poligonera; desnuda en cuerpo y alma para la inclasificable Under the Skin (2013); en Her (2013) su voz nos robó el corazón para luego rompérnoslo en mil pedazos, pero dejando los trozos para que lo pudiésemos reconstruir; en Lucy (2014) probó que es sobrehumana y conquistó la taquilla coronándose como la heroína de acción definitiva; de todos los peinados que ha lucido como Viuda Negra, nos quedamos con el de Capitán América: Civil War (2016), aunque ha sido El soldado de invierno (2014) donde se ha lucido más; nos aterrorizó como la voz de la serpierte Kaa en El libro de la selva (2016) y grabó una versión muy sensual de Trust in Me.

 

¿Sabías que…?

- Su primer trabajado remunerado, sin acreditar, fue con 8 años en un sketch para el Late Night con Conan O’Brien en su primer año de emisión. En los créditos de El hombre que susurraba a los caballos (1998) fue presentada como debutante, aunque había participado previamente en siete películas.

- Su película favorita es la comedia Tía y mamá (1958).

- En el año 2010, ganó un premio Tony a la mejor interpretación femenina por su debut en Broadway, en la obra A View from the Bridge de Arthur Miller.

- Thumbsucker (2005), Tú a Londres y yo a California (1998), Los 4 fantásticos (2005), Mission: Imposible III (2006), V de Vendetta (2005), Elizabethtown (2005), Superman Returns (2006), Gravity (2013) y Begin Again (2014) son algunas de las películas en las que pudo haber participado pero que, por un motivo u otro, no acabó haciendo.

- Hizo la audición para conseguir el papel de Lisbeth Salander en la versión americana de Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres (2011), pero lo perdió por ser considerada demasiado atractiva para encarnarlo. Rooney Mara fue contratada en su lugar.

- Cobró 400.00 dólares por Iron Man 2 (2010), 6 millones de dólares por Los Vengadores (2012) y 20 por su secuela, Vengadores: La era de Ultrón (2015), gracias a la negociación conjunta del elenco liderada por Robert Downey Jr. En Ghost in the Shell su sueldo ha sido de 10 millones de dólares.

- En el año 2016 fue coronada como la estrella más taquillera de Hollywood y tiene el récord en cuanto a actrices se refiere, gracias en buena parte a su participación en las películas de Marvel.

Extras:

Tráiler de Ghost in the Shell

Tráiler de Rough Night

Entrevista sobre Ghost in the Shell

Complicit – SNL

Sugar For Sugar – Bizzare Love Triangle