31/8/17

10 años de blanchismo

10 años


“Bienvenidos a mi blog. Hasta que no aprenda a exprimir las posibilidades que se me ofrecen no habrá mucho, pero con un poco de tiempo espero sentirme como en casa.”

Con estas palabras comencé hace una década a escribir lo que en aquel entonces se llamaba “Blog de un Grinch Cinéfilo”, explicando como buenamente supe hacer por aquel entonces quién era yo y de qué iba a hablar en ese pequeño rincón de Internet. Volviendo a leer esas líneas siento que me estaba disculpando de antemano diciendo cosas como “no estoy rico y no me puedo permitir ver todas las películas que se estrenan y no me las bajo porque ando escaso de memoria en el ordenador”, o que no me consideraba un “máster en la materia”. Diez años y 2134 entradas después, el Grinch ha pasado a ser Blanch, el otro fanboy, y aunque ahora sí que haya un trozo de papel que diga que poseo un máster en cinematografía, aún siento esas ganas locas que sentí en el 2007 de formar parte de la comunidad cinéfila, de aprender viendo cine y escribiendo sobre él, y tal vez sea por eso que este blog aún esté en activo a día de hoy, aunque ya no tenga el tiempo libre que me otorgaba mi vida de estudiante y ocasional trabajador a tiempo parcial para dedicárselo a él.

En este cumpleaños tan especial quiero agradecer a todos aquellos que han dedicado aunque sea un minuto de su vida a leer lo que escribo aquí, a todos aquellos seguidores que se fueron, a los que permanecen y a los recién llegados, porque siempre es de recibo saber que, dedicándole tiempo a esto, no sólo vuelco todo lo que me transmite e inspira la ficción cinematográfica y televisiva, sino que puedo hacer que alguien pueda descubrir una película o serie que desconocía, o descubrirle una interpretación del film de la que no se había percatado durante el visionado, o generar un sano debate. A todos, infinitas gracias, pero sobre todo a tres personas en particular que han sido los mayores apoyos que ha recibido este blog en distintas épocas de los últimos años: al Cachetón, porque siempre será el primer seguidor, el primer consejero, el primer apoyo y el que daba vida y color a este blog con sus comentarios; a Chechu, que elevó este blog con su rincón a cotas de calidad literaria a las que jamás hubiese podido aspirar, todo un honor y un orgullo haberle dado cobijo durante ese tiempo; y por último, a Luis Ogando, que siempre está ahí, incluso a horas intempestivas, para darme ideas y opinar sobre cosas tan absurdas como los títulos de las reseñas, y que siempre tiene palabras bonitas con las que animar a un servidor a seguir escribiendo.

Gracias también a las personas que han nutrido mi cinefilia a lo largo de estos años: Woody Allen, Sofia Coppola, Spike Jonze, Wes Anderson, Darren Aronofsky, Nicole Kidman, Julianne Moore, Angelina Jolie, Jake Gyllenhaal, Natalie Portman, Kirsten Dunst, Keira Knightley, Ryan Gosling, James Gray, Marion Cotillard, Jonás Trueba, Hong Sang-soo, Isabelle Huppert, Meryl Streep, Michael Fassbender, Jessica Chastain, Ewan McGregor, Kate Winslet, Clive Owen, Amy Adams, Denis Villeneuve, Charlize Theron, Tom Hardy, Scarlett Johansson, Raúl Arévalo, Carey Mulligan, Gemma Arterton, Sienna Miller, Wong Kar-wai, David Fincher, Joe Wright, Mark Ruffalo, Anne Hathaway, Mike Mills, Rooney Mara, Cate Blanchett, Joaquin Phoenix, Emma Stone, Jennifer Lawrence, Christopher Nolan, Rachel Weisz y muchísimos más que nutren con su trabajo esa amalgama de pasión cinéfila conocida como blanchismo.

Mi actual situación laboral me impide dedicarle todo el tiempo que me gustaría al blog, de ahí que, si quería seguir con él, tuviese que sacrificar algunas de sus secciones para quedarme con lo esencial y su principal razón de ser: reseñas de estrenos y clásicos. No siempre ha sido fácil, no siempre he tenido ganas de escribir, y dudo mucho que dentro de diez años siga escribiendo por aquí, aunque quién sabe… ¡cuando comencé tampoco pensaba que iba a aguantar tanto! Pronto tendremos nuevas crónicas de festivales del amigo Carlos Rodríguez y seguiremos haciendo lo que más nos gusta hacer, que no es otra cosa que vivir, hablar, escribir y sentir por y para el Séptimo Arte. Gracias a todos de corazón por esta década de cine.

Tean Years

30/8/17

O.C: 2001: Una odisea en el espacio (1968)

Poster 2001 Odisea en el espacio¿De qué va?: Hace millones de años, antes de la aparición del homo sapiens, los primates descubren un monolito que los conduce a un estado de inteligencia superior. Millones de años después, otro monolito enterrado en la Luna llama la atención de los científicos, mientras que tiempo más tarde, una inteligencia artificial denominada HAL 9000 controla todos los sistemas de una nave espacial tripulada con una misión de la NASA.

Reputación: Adaptación cinematográfica del cuento El centinela escrito por Arthur C. Clarke, quien también colaboró en la redacción del guion junto a Stanley Kubrick, el cual contó con la colaboración de múltiples expertos, como ingenieros de la NASA, para que el film fuese más verídico. El director también pensó en añadir extraterrestres en el desenlace, y llegó a tener algunos bocetos de cómo iba a ser su aspecto, pero al final decidió descartar la idea. Como ocurrió con la gran mayoría de rodajes de Kubrick, no se cumplieron los plazos ni las previsiones del estudio cuando se anunció el proyecto: el rodaje arrancó cuatro meses después de lo esperado; los actores contratados fueron desconocidos, pese a haberse dicho que se contaría con estrellas de Hollywood; el título original, Viaje más allá de las estrellas, se cambió por el 2001: Una odisea en el espacio que todos conocemos, y el presupuesto se encareció debido a los efectos especiales, revolucionarios para la época y ganadores del Oscar. Por suerte para la Metro, la película acabó generando buenos resultados de taquilla pese a las malas reacciones que generó en un principio. Cuenta la leyenda que Kubrick quiso utilizar un ordenador de la marca IBM para que apareciera en la película, pero la compañía le denegó el permiso, por lo que el director utilizó las letras anteriores a sus siglas, HAL, para bautizar a la maquiavélica inteligencia artificial de la historia. Sin embargo, Arthur C. Clarke intentó desmentir la leyenda urbana alegando que las siglas correspondían a Heuristic ALgorithm, pero muchos prefirieron quedarse con el mito.

2001 Odisea en el Espacio

Comentario: Todos los clásicos que he comentado en esta sección podrían dividirse en tres grupos: los que me gustan, los que me parecen un pestiño (pocos) y aquellos a los que reconozco sus méritos pero que no son para mí. 2001: Una odisea en el espacio entraría en este último saco. Le reconozco la enorme, desorbitada influencia que ha tenido en el posterior cine de ciencia ficción en particular y en el Séptimo Arte en general, su cuidada estética, su rigor científico, la perfecta composición de los planos y del movimiento y el tan embriagador como perturbador uso de la música. Ahora bien, veo que intenta ser más grande que la vida, y sin poner en duda que el significado de la existencia humana, de su inteligencia y de su evolución se encuentra intrínseco entre sus fotogramas, no me maravilla como le ha ocurrido a otros tantos. Pero jamás diré que no sea buena, ni le restaré el mérito que conlleva, ni pensaré que sea un error o mera casualidad que el personaje más humano y empático de la película sea HAL 9000, protagonista de la mejor trama de la cinta y muestra de que las máquinas, como fruto de la inteligencia de los seres humanos, acarrean y asimilan sus mismas virtudes y sus mismos defectos. A qué lado corresponde más aquello que conocemos como humanidad, lo dejamos a libre interpretación.

Próximo visionado: Cristal oscuro (1982)

25/8/17

A los monstruos no mirar

Poster Negacion

Dir.: Mick Jackson
Int.: Rachel Weisz, Tom Wilkinson, Timothy Spall, Andrew Scott, Jack Lowden, Caren Pistorius, Alex Jennings, Harriet Walter
¿De qué va?: En 1996, la historiadora estadounidense Deborah Lipstadt es denunciada por difamación por el historiador británico David Irving, tras publicar un libro en el que tacha a éste de mentiroso por negar el exterminio de judíos en Auschwitz y afirmar que Hitler fue la mayor fuerza unificadora de Europa. 

Reseña: En circunstancias normales, la idea de un historiador afirmando que el Holocausto no es más que una patraña nos parecería una locura. Pero estamos en el 2017 y tenemos a un señor dirigiendo una de las mayores potencias mundiales tras ganar una carrera presidencial en la que soltó mil y un burradas, así que ya nada nos puede pillar desprevenidos a estas alturas. Negación recrea un juicio llevado a cabo hace veinte años que se convirtió en un acontecimiento mediático al estar en juego mucho más que un delito de difamación: la ratificación del sufrimiento y la muerte de más de seis millones de personas. Es triste tener que demostrar ante un tribunal algo así, pero la forma en la que Deborah Lipstadt y sus abogados lo llevaron a cabo bien merece ser contada y escuchada.

Negacion

No obstante, en términos de logros cinematográficos Negación resulta bastante justita: narración convencional y academicista orquestada bajo una dirección discreta y meramente funcional, que no estorba pero tampoco hace algo más que colocar la cámara frente a sus actores y dejar que hagan su magia, y aunque esto ocurra por descontado, no será una de las películas ni de las interpretaciones que despuntarán en las carreras de Rachel Weisz, Tom Wilkinson y Timothy Spall. Entonces, ¿qué es lo que hace que esta historia sea tan pertinente en los tiempos que corren? Pues que en realidad se trate de una lección sobre cómo hacer frente a los haters, aquellos aficionados a soltar bilis allá por donde van, sobre todo los que se escudan en el anonimato que les otorga la red. Porque Negación basa su discurso en algo tan anticinematográfico como es la evasión del conflicto, de la misma forma que los abogados de Lipstadt optaron por evitar las declaraciones públicas y no entrar al trapo ante las provocaciones de David Irving, quien, ojo al dato, decidió representarse a sí mismo en el juicio sin haber estudiado ni un cursillo de derecho. Para que se hagan una idea de qué tipo de personaje estamos hablando.

Negacion2

Lo que cuenta Negación no es tan interesante por el juicio en sí y su evidente resolución como por la forma en la que se desacreditó a Irving, con pruebas y datos fehacientes, sin rebajarse a su mismo nivel, y sin necesidad de sentar a ninguno de los supervivientes en el estrado para defender el haber pasado por un auténtico infierno. Por ello, la película es tan recomendable para los aficionados a las discusiones dialécticas propias de las películas y series judiciales como para aquellos que tengan problemas en lidiar con polemistas y amargados: darles la réplica es alimentar su ego y su mala baba;  hay torres que caen por su propio peso, aunque en algunos casos vayan a tardar unos cuatro años en derrumbarse… con suerte.

6’5/10

24/8/17

Salvaje y lejano invierno

Poster Wind River

Dir.: Taylor Sheridan
Int.: Jeremy Renner, Elizabeth Olsen, Graham Greene, Gil Birmingham, Jon Bernthal, Julia Jones, Kelsey Asbille, Teo Briones, Tantoo Cardinal
¿De qué va?: Una joven agente del FBI se alía con un veterano rastreador local para investigar un asesinato ocurrido en una reserva de nativos americanos.

Reseña:  Tras una larga carrera como actor secundario televisivo, Taylor Sheridan consiguió al fin despuntar, pero en su faceta de guionista, con Sicario (2015) y Comanchería (2016), películas que ofrecen una mirada visceral y certera de  la América más recóndita, la primera enmarcada dentro de la lucha contra el narcotráfico en la frontera con México, y la segunda, un thriller de atracos sobre aquella gente de las zonas rurales olvidada por la administración Obama que contribuyó, y mucho, en la victoria presidencial de Donald Trump. Sheridan ha decidido encargarse él mismo de la dirección de su tercer libreto, una ópera prima entre comillas debido a que ya rodó una película de terror de bajo presupuesto en 2011, Vile, de la que reniega hasta el punto de que fue eliminada temporalmente de su filmografía en Imdb. Trabajo novel o no, Wind River es un thriller tan sólido y original como los anteriores escritos por Sheridan, con los que pueden establecerse ciertos paralelismos.

Wind River2

Con Sicario comparte el protagonismo de una joven inexperta que se ve superada por unas circunstancias que le son ajenas y primitivas, un punto de vista que funciona al facilitar la inmersión y personificación del espectador en la trama. Si el film de Denis Villeneuve transcurría en un escenario árido, yermo y peligroso, el de Wind River es gélido, blanco, pero igual de hostil. Nos adentramos en el páramo nevado de Wyoming con la misma sensación de extrañeza e inquietud con la que entramos en Juárez en aquella secuencia magistral de Sicario, o con la que seguíamos las andadas de aquellos hermanos atracadores de bancos a la vieja usanza de Comanchería. Aquí lo importante no es descubrir la identidad del asesino, de hecho, el caso se resuelve de manera sencilla y sin enredar demasiado, sino el de explorar los recovecos, físicos y morales, de un lugar tan olvidado como una reserva india, regido por la vieja norma de la supremaía del más fuerte, además de sacar a relucir ciertos asuntos indignantes como la cultura de la violación o las fisuras del sistema legislativo, policial y judicial de Estados Unidos.

Wind River

La película cuenta además con una pareja protagonista con gancho, beneficiada tanto por la cuidada forma en la que se pulen los arquetipos sobreutilizados de los que parten (el experto taciturno, la joven e impulsiva novata) como por las interpretaciones ajustadas y sensibles impartidas por Jeremy Renner y Elizabeth Olsen. El trabajo en la dirección de Sheridan es más que correcto pero funciona siempre al servicio del guion, pues rara vez aporta algo que ya no estuviese implícito en este último. Y aunque peque de algún que otro error de principiante, como la utilización de canciones en momentos en los que no es nada necesario, el resultado es más que notable, un thriller, no tan policiaco como humanista, que transmite sentimientos veraces de tristeza, impotencia y desazón por un mundo implacable en el que el carácter se forja a golpes, el sentimiento de duelo y culpabilidad jamás logra consuelo y los supervivientes natos no siempre consiguen superar las adversidades.

8/10

19/8/17

La espía que me pateó el trasero

Poster Atomica

Dir.: David Leitch
Int.: Charlize Theron, James McAvoy, Sofia Boutella, Eddie Marsan, John Goodman, Toby Jones, Bill Skarsgård, Til Schweiger
¿De qué va?: Lorraine Broughton es una espía de alto nivel del MI6 que se traslada a Berlín poco antes de la caída del muro con el objetivo de encontrar una lista que contiene la lista con los nombres de todos los informadores de las agencias de inteligencia del mundo occidental. Lorraine deberá formar equipo con el jefe de la sección de la capital alemana, David Percival, desatando todo su arsenal de habilidades para impedir que se produzca una Tercera Guerra Mundial.

Reseña: La dupla de directores formada por Chad Stahelski y David Leitch consiguió aunar en John Wick (2014) la acción visceral y física de Jason Bourne con el efectismo y desparrame de las películas clónicas de Jason Statham, dando como resultado una de los films más efectivos y mejor rodados del cine de acción de la última década. Tras el éxito cosechado, ambos han decidido probar suerte por separado, dirigiendo el primero la continuación de aquella, John Wick: Pacto de sangre (2017), y el segundo una revisión de la misma en clave femenina y retro. Atómica se inspira en la novela gráfica The Coldest City de Antony Johnston para conformar un thriller de espías de la vieja escuela en el que nadie es lo que parece, ni siquiera su protagonista. Lo único de lo que podemos estar seguros es de la mala suerte que correrán aquellos que se atrevan a cruzarse en su camino.

Atomic Blonde (2017)

Leitch exprime todo el jugo que se le puede sacar al contexto del Berlín de finales de los 80 con una ambientación entre ruinosa y polvorienta, gris y fluorescente, acompañada de una banda sonora llena de hits de la época y covers modernos integrados perfectamente en la acción. La trama, de premisa sencilla, va enredándose más y más conforme pasan los minutos hasta dar dos o tres piruetas finales demasiado confusas, de complejidad sólo aparente y sacadas de debajo de la manga. Tampoco ayuda que se tome excesivamente en serio, con unas gotas de humor demasiado esporádicas. No obstante, la película goza de dos grandes virtudes que son las que nos mantienen enganchados sin que los mareos argumentales nos pasen gran factura: Charlize Theron (muy bien secundada por James McAvoy), y las escenas de acción. Consagrada en Mad Max: Furia en la carretera como una de las reinas del género, la oscarizada actriz demuestra una vez más que no tiene reparos en maltratar su belleza natural mostrándose magullada, ensangrentada y apaleada, verosímil tanto al dar golpes como al recibirlos, y exhibiendo una apariencia fría, inteligente y misteriosa que no está exenta de sufrir perturbaciones cuando, por mucho que se esfuerce, es incapaz de proteger a aquellos que la necesitan. Charlize ha sido y siempre será una rubia atómica por méritos propios.

Atomic Blonde (2017)

El otro gran aliciente del film, la acción, continúa el estilo imaginativo y perfectamente coreografiado y plasmado por la cámara de John Wick, alcanzando su clímax en un largo plano secuencia en el que la banda sonora está compuesta esencialmente por golpes, disparos y gritos de dolor. La pelea en el rellano de un bloque de viviendas es tan portentosa, asombrosa, dolorosa y desmesurada que será aquello por lo que Atómica será recordada en el futuro. Quién tiene la dichosa lista de nombres o a qué bando pertenece realmente cada personaje es lo de menos, porque el auténtico deleite e interés de la película reside en ver a su heroína demostrando que los moratones no van reñidos con ser y lucir espectacular.

6’5/10


13/8/17

Todas las canciones hablan de Baby

Poster Baby Driver

Dir.: Edgar Wright
Int.: Ansel Elgort, Kevin Spacey, Lily James, Eliza González, Jon Hamm, Jamie Foxx, Jon Bernthal, CJ Jones
¿De qué va?: Baby, un joven y talentoso conductor especializado en fugas, depende del ritmo de su banda sonora personal para ser el mejor en lo suyo. Cuando conoce a la chica de sus sueños, Baby ve la oportunidad perfecta para abandonar su vida criminal y empezar una nueva vida. Pero tras años trabajando fielmente para un jefe del crimen, deberá dar la cara cuando un malogrado golpe amenaza todo aquello que le importa.

Reseña: Hace apenas unas semanas, un portavoz de Apple contó que tanto el iPod Shuffle como el iPod Nano dejarán de ser comercializados por la compañía, corriendo la misma suerte del modelo Classic hace unos años. Los reproductores de música portátiles están siendo reemplazados por móviles que ya son más utilizados para cualquier cosa que para cumplir su función primigenia: llamar a alguien. Nadie había pedido un tributo al iPod, pero Edgar Wright se lo ha hecho en su última película, Baby Driver, que ejerce de homenaje tanto a los mp3 y sucesores como al subgénero de atracos de regusto más clásico,, con todo el estilo que caracteriza al director de la trilogía del corneto y de Scott Pilgrim contra el mundo.

Baby Driver3

Quien haya ido por la calle escuchando música (por los auriculares, no como los trogloditas que van con un altavoz pensando que nos están haciendo a todos un favor por obligarnos a oír su m****** de música) y haya experimentado esa ilusión/deseo de protagonizar su propio videoclip verá su sueño hecho realidad a través del protagonista de esta historia, un chaval que tiene en su colección de Ipods diferentes playlists para cada situación, así como para paliar el pitido constante que padece en su oído y para ser el mejor en su trabajo, que no es otro que conductor de huidas de atracos. No es sólo que la larga selección musical de la película sea nutrida, heterogénea (jazz, rock, r&b, blues..) y repleta de joyas atemporales y escondidas, sino que los temas resultan curiosos y nada obvios acompañantes para cada situación y  están perfectamente integrados en la narración, formando junto con los efectos sonoros, la cámara, el montaje y la coreografía de la acción un conjunto perfectamente rítmico y sí, guay, pero sin resultar nunca forzado. Nada está colocado al azar y todo fluye en perfecta armonía.

Baby Driver

Afortunadamente, la película resulta más imprevisible de lo que cabría esperar: la narración depara un buen puñado de sorpresas a partir del momento en el que todo empieza a venirse abajo para los personajes, mientras que Baby no es el hierático héroe en la línea del Ryan Gosling de Drive que se dejaba entrever en los avances; más bien es un chaval con una afición por la música un tanto curiosa y que se maneja con maestría ante el volante, pero que sonríe, siente, padece y que cobra vida con desenvoltura y empatía gracias a Ansel Elgort. La cinta también cuenta con un par de trabajos estelares por parte de Jon Hamm y Kevin Spacey, pero es una lástima que no le saque más partido a la escueta cuota femenina, reducida al recuerdo de la difunta y angelical madre, la chica soñada dulce como el almíbar (Lily James) y la latina cachonda (Eliza González). Lo de Wright nunca ha sido la representación femenina, pero ya va siendo hora de corregir ese punto débil de sus guiones.

Baby Driver2

Si el grueso de películas que se cocinan en Hollywood son comida basura de digestión rápida, Baby Driver es una hamburguesa gourmet, hecha con ingredientes cuidadosamente seleccionados, esmero y dedicación. Sí, no deja de ser un trozo de carne dentro de un pan, pero sabe tan bien que te da igual que hayas podido ganar algún kilo mientras la devorabas, porque sabes que pasará mucho tiempo hasta que vuelvas a probar algo así. Podría continuar con las metáforas culinarias, pero creo que la idea ya ha quedado bastante clara. Baby Driver mola y merece ser guardada como aquella playlist de canciones que rescatamos para rememorarla y disfrutarla de tanto en tanto. ¡Tequila!

8/10


8/8/17

O.C: El secreto de vivir (1936)

¿De qué va?: En los años de la Gran Depresión, un ingenuo joven de provincias llamado Longfellow Deeds viaja a Nueva York para hacerse cargo de una herencia de veinte millones de dólares que le ha dejado su tío. Allí conocerá a una encantadora muchacha de la que se enamora, ignorando que también es la periodista encargada de seguir sus pasos y ridiculizarlo en artículos de prensa.

Reputación: Originalmente, Frank Capra iba a rodar Horizontes lejanos (1937) tras terminar Estrictamente confidencial (1934), pero su estrella protagonista, Ronald Colman, no pudo acabar otros compromisos a tiempo, así que el director decidió hacer El secreto de vivir (Mr. Deeds Goes to Town) mientras tanto. Desde el principio, Capra estaba convencido de que Gary Cooper sería perfecto para el papel de Longfellow Deeds, así que el rodaje tuvo que esperar 6 meses a que el actor estuviese disponible, lo cual le costó a la producción un extra de 100.000 dólares. Carole Lombard iba a asumir el rol estelar femenino, pero se echó atrás tres días antes del comienzo de rodaje para trabajar en Al servicio de las damas (1936), provocando que el rodaje arrancase sin actriz protagonista. Jean Arthur fue escogida como su sustituta después de que Capra convenciese a uno de los jefazos del estudio de que era la elección ideal tras hacerle escuchar su voz sin visualizar su rostro. La película fue un éxito ganador del Oscar a mejor director y nominado en las categorías de película, actor protagonista, guion y sonido. Columbia y Capra tuvieron la intención de rodar una secuela, en la que también contarían con Gary Cooper y Jean Arthur como protagonistas, titulada Mr. Deeds Goes to Washington, y basada en la historia The Gentleman from Wyoming de Lewis R. Foster. Finalmente se descartó la idea pero el relato sirvió de base para Caballero de espada, también con Capra y Arthur pero con James Stewart como actor principal. Sí que se hizo un remake, Mr. Deeds (2002), protagonizado por Adams Sandler y Winona Ryder, con el dudoso honor de haber sido nominado a tres premios Razzie.

Mr. Deeds Goes to Town

Comentario: Clasiquísimo cine clásico (valga la redundancia) y máximo exponente de la magia “made in Capra”. Un tipo más bueno que el pan demuestra que es más perspicaz de lo que parece cuando diversos buitres intentan que la fortuna que ha heredado de su tío sea destinada a fines poco honestos… pero también resulta que el amor le ciega, impidiéndole ver que la muchacha a la que corteja está tomando nota de cada uno de sus movimientos para vender más periódicos mofándose de su peculiar actitud. Ya en los años 30 el mundo era un lugar donde la honestidad y la bondad eran recibidas con recelo, pero no hay mejor remedio que una película de Capra, con su impecable labor en la puesta de escena y dirección de actores, para volver a tener fe en la humanidad, sobre todo si termina en un juicio donde se determina si alguien sólo puede ser generoso y tener conciencia social padeciendo una enfermedad psicológica. Al igual que Deeds, Capra era optimista y honrado pero no tenía ni un pelo de tonto.

Próximo visionado: 2001: Una odisea del espacio (1968)

4/8/17

Itinerario de estrenos de agosto 2017

Estrenos_Agosto


Atómica (Atomic Blonde): Adaptación cinematográfica de la novela gráfica The Coldest City de Antony Johnston dirigida por uno de los directores de John Wick, David Leitch. Charlize Theron (Fast & Furious 8) da vida a Lorreine Broughton, una espía que reparte estopa a diestro y siniestro mientras intenta encontrar una lista con los nombres de todos los agentes del MI6 que trabajaban encubiertos en el Berlín oriental, poco antes de la caída del muro. James McAvoy (Múltiple), Sofia Boutella (La momia), John Goodman (Kong: La isla Calavera), Eddie Marsan (Su mejor historia) y Toby Jones (Morgan) acompañan a la actriz sudafricana en esta película de acción definida como el “John Wick femenino” y que ha recibido críticas mayoritariamente positivas, aunque el desarrollo de su historia no haya sido lo más destacado ni mucho menos.
Estreno: 4 de agosto.


La seducción (The Beguiled): Remake de El seductor, película de 1964 protagonizada por Clint Eastwood, a su vez se basaba en una novela de Thomas Cullinan, y que fue descrita como “pesadilla misógina”. Ahora, Sofia Coppola (The Bling Ring) ha decidido volver a contar desde el punto de vista femenino esta historia sobre un soldado confederado herido que es rescatado por las mujeres que residen en una escuela para señoritas del sur. Si bien al principio es recibido con recelo, poco a poco el muchacho empezará a conquistar el corazón de todas y cada una de ellas, enrareciendo el ambiente de la escuela por culpa de los celos. Colin Farrell (Animales fantásticos y dónde encontrarlos), Nicole Kidman (Big Little Lies), Kirsten Dunst (Figuras ocultas), Elle Fanning (20th Century Women) y Angourie Rice (Spider-Man: Homecoming) protagonizan el film, objeto de muy buenas críticas por parte de la prensa especializada y ganador de la Palma de Oro del Festival de Cannes a la mejor dirección, primera vez en 50 años que una mujer gana dicho galardón y la segunda en los 70 de vida del festival.
Estreno: 18 de agosto.

2/8/17

Actriz del mes: Nicole Kidman

Nicole Kidman17


Méritos: El pasado 20 de junio Nicole Kidman cumplió 50 años, justo en uno de los momentos más dulces de su carrera: cuarta nominación al Oscar, segunda al Emmy y premio especial en la 70ª edición del Festival de Cannes, donde fue la indiscutible reina al presentar con éxito tres largometrajes y una serie. Y sin embargo, sigo teniendo la impresión de que lo primero que nos viene a la cabeza cuando la vemos en pantalla es si se habrá hecho algo en la cara o no. Porque somos producto de una sociedad que se obsesiona con el canon de belleza establecido y que destroza sin piedad a aquellos (sobre todo aquellas) que fallan intentando ajustarse a él el máximo tiempo posible para poder seguir trabajando. La clave no está en ser natural, sino en operarse bien y que no se note.

Dejando a un lado el cansino tema del botox, es momento de celebrar la carrera de esta actriz australiana que siempre ha estado por encima de los escándalos y las polémicas que la rodeaban. Kidman es una jabata que no ha parado de trabajar desde que comenzó su carrera hace 34 años, siendo encumbrada como la mejor actriz del mundo a principios de los años 2000 para poco después ser dada por perdida por muchos entre películas olvidables, fracasos de taquilla y aquello de lo que hablamos en el primer párrafo. Sin fracaso ni riesgo hay éxito, de ahí que cuando Nicole se equivoca con sus proyectos el golpe duele, pero cuando acierta nos recuerda lo grande que puede llegar a ser. Aún conmocionados por su descarnada y quebradiza interpretación en Big Little Lies (tendría el Emmy garantizado si no fuera por la fortísima competencia que hay en su categoría este año), llega a la cartelera española dando vida a la directiva de una escuela para señoritas sureñas de La seducción, el nuevo film de Sofia Coppola, quien declaró haber escogido a Nicole para el papel porque la disfruta más en papeles retorcidos. Por suerte para ella y para todos nosotros la volveremos a ver antes de que acabe el año explorando una vez más su lado tenebroso en El asesinato de un ciervo sagrado, lo nuevo del griego más maquiavélico, Yorgos Lanthimos. Y para el año que viene, se atreverá a ejercer de matriarca de Aquaman, demostrando que ni las profundidades del océano se le resisten. God Save the Queen.

The Beguiled_Nicole Kidman



Lo mejor de lo mejor de Nicole Kidman

6. To Die For – Todo por un sueño (Gust Van Sant, 1995)

Con Suzanne Stone empezó todo y nació la promesa de que Nicole Kidman era más lista que el hambre y podía ser mucho más que la esposa pelirroja a la sombra de Tom Cruise. La actriz asimiló la ambición de su personaje pero no tuvo que seducir a unos adolescentes para asesinar a su marido y así lanzar su carrera al estrellato; bastó con separarse de él y empezar a llevar tacones otra vez. Suzanne es una astuta cabeza hueca obsesionada con la televisión cuando presentar el tiempo en el noticiario lo era todo, y un más que probable referente para las “divinas” de Chicas malas, y por eso nos gusta tanto.

To Die For


5. The OthersLos otros (Alejandro Amenábar, 2001)

Cuando aún era raro que una estrella se moviera de Hollywood para trabajar en una producción y con un director foráneos, más aún si este último era un desconocido, Nicole Kidman se puso a las órdenes de Alejandro Aménabar en un film de terror gótico que a día de hoy sigue siendo la película española más taquillera de la historia con 209 millones de dólares recaudados. Nicole dotó de fuerza, severidad y angustia a Grace, que pese a hacer todo lo posible por proteger a sus hijos tras la marcha de su marido a la guerra no fue capaz de protegerlos de sí misma. Escenas como el primer plano del grito con el que arranca el film o el de las sábanas son ya icónicos del cine español y de la carrera de Kidman.

The Others


4. Dogville (Lars Von Trier, 2003)

Dicen las malas lenguas que Nicole Kidman acabó tan harta del rodaje de Dogville que se negó a continuar con la trilogía que tenía pensada de antemano Lars Von Trier, conocido por torturar a sus actrices. Cierto o no, Kidman brilla con luz propia en un escenario exento de cualquier elemento que pueda distraer de la narración y de ella misma, pasando de víctima de la doble moralidad cristiana a verdugo sin piedad de aquellos corderos que acabaron revelándose como lobos corrompidos por el poder. Una genialidad de escenografía y de mala leche por parte del amigo Von Trier en la que la australiana volvió a demostrar que nadie sabe sufrir como ella.

Dogville


3. Birth - Reencarnación (Jonathan Glazer, 2004)

Si hay una película que merece ser reivindicada más que ninguna en la extensa carrera de Nicole Kidman, ésa es Reencarnación. Tras rodearse de una absurda polémica debido a la escena en la que actriz comparte una bañera con un menor de edad, la película recibió críticas muy polarizadas, aunque su protagonista salió indemne de todas ellas. Con un nada casual look a lo Mia Farrow en La semilla del diablo, Nicole convenció a propios y extraños de que una mujer podía convencerse a sí misma de que un niño era la reencarnación de su difunto marido. Ese interminable primer plano en el que Anna decide creer durante una visita a la ópera o el dolorosamente bello y melancólico final en la playa son dos de los momentos culmen de una de las películas más incomprendidas e infravaloradas del siglo XXI.

Birth


2. The Hours – Las horas (Stephen Daldry, 2002)

Es una elección obvia pero no por ello menos necesaria. Nicole hizo algo más que camuflarse bajo una nariz postiza y aprender a escribir con la mano derecha para dar vida a Virginia Woolf; se mimetizó en ella y supo transmitir toda la inteligencia, la frustración y el carácter que sabemos que tuvo la escritora gracias a sus obras y a las biografías sobre su figura. Si bien todas las actrices de la película están para ponerles un altar, como detonante y matriz de la historia, Kidman estuvo más que a la altura de las circunstancias y por ello ganó todos los premios habidos y por haber de aquel año.

The Hours


1. Moulin Rouge! (Baz Luhrman, 2001)

Moulin Rouge siempre será una de las experiencias más alucinantes que he vivido en una sala de cine, y Satine aglutina todas las virtudes de Nicole Kidman como actriz: tan dotada para la comedia como para el drama, tan payasa como sexy, se deja la piel en la interpretación hasta tal punto que sufrió una torsión en el tobillo que le afectó en los rodajes posteriores y le impidió trabajar en La habitación del pánico. Pero sobre todo, Nicole nos robó el corazón como una ambiciosa cortesana que pone en riesgo su ansiada carrera como actriz por un amor idílico y único, y así nos lo hizo creer con cada verso cantado y sentido en la película. Pase lo que pase, el Moulin Rouge fue y siempre será Nicole Kidman.

Moulin Roge


Extras:

Tráiler de La seducción

Actors on Actors: Nicole Kidman y Ewan McGregor

Nicole Kidman sobre Big Little Lies: Close Up With THR

73 Questions with Nicole Kidman – Vogue

Keith Urban & Nicole Kidman: The Fighter