18/5/17

El explorador quimérico

Poster Z la ciudad perdida

Dir.: James Gray
Int.: Charlie Hunnam, Robert Pattinson, Sienna Miller, Tom Holland, Edward Ashley, Angus Macfadyen, Ian McDiarmid, Clive Francis
¿De qué va?: En el año 1925, el explorador británico Percy Fawcett es enviado a la selva boliviana para delimitar la frontera del país con Brasil y ayudar al Gobierno británico a preservar sus intereses en el negocio del caucho. Una vez ahí, Percy se interesa por  las historias que hablan de una ciudad antigua construida de oro escondida en la jungla. Dar con ella se acabará convirtiendo en una obsesión.

Reseña: Todos tenemos una meta que alcanzar. Es lo que nos mueve, nos da la vida y nos la hace más miserable cuando nos damos cuenta de que nunca estará a nuestro alcance. Todos los protagonistas de la semi-desconocida filmografía de James Gray la tienen: la promesa de una vida mejor (El sueño de Ellis), estar con la mujer soñada (Two Lovers), una vida tranquila al margen de problemas (La noche es nuestra)… Sin embargo, todos, o bien fracasan en el intento, o bien lo consiguen pagando un precio que tal vez no les termine de compensar. Por tanto, y aunque a priori no lo parezca, la figura histórica de Percy Fawcett y su incansable búsqueda de una ciudad de oro escondida en el Amazonas encaja perfectamente con la galería de soñadores con mala fortuna del cine de Gray, quien tras empezar la carrera en el noir y seguir por derroteros melodramáticos, llega al terreno del cine de aventuras sin perder un ápice de esa templanza clásica que lo ha caracterizado siempre y que lo ha encumbrado como el director más infravalorado de lo que llevamos de siglo.

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Percy Fawcett llega por primera vez al Amazonas y se siente entre extrañado y atraído por esa selva frondosa y húmeda, pero, al igual que le ocurrió a Lawrence de Arabia en el desierto, termina haciéndola suya, su hábitat natural, aunque también sienta cierta culpa por dejar atrás, en Inglaterra, a su mujer y a sus hijos, con el constante temor de repetir los errores que su padre cometió con él. En los tres viajes que Percy realiza al Amazonas, Gray consigue esquivar la monotonía estructurándolos de tal forma que son como una inmersión cada vez más profunda en la obcecación del protagonista, quien se acerca a los aborígenes no desde la prepotencia de la superioridad blanca, sino desde el respeto y la curiosidad. Las expediciones no están exentas de peligros en forma de enfermedades, flechas, animales peligrosos y provisiones escasas, pero el realismo, la austeridad y, sobre todo, las contradictorias y pasionales pulsiones del protagonista imperan en una película con una atmósfera logradamente fantasmagórica y evocadora; de poco que te dejes atrapar por ella, acabarás tan embelesado como su protagonista.

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Charlie Hunnam no parecía el actor ideal para una película así (sustituye al inicialmente previsto Benedict Cumberbatch) pero lo cierto es que la lidera con templanza, carisma y empatía, manifestando de forma transparente el conflicto interior de su personaje. A su lado, un Robert Pattinson cada vez más camaleónico y Sienna Miller en el mejor personaje de “mujer de” con el que le ha tocado lidiar en los últimos años, demostrando una vez más que se le subestima demasiado. Nina es más que un mero símbolo del calor del hogar, es una mujer que termina por asumir que está adelantada a su tiempo, y dado que ella misma ha sido contagiada por las ansias de su marido por viajar y llegar hasta donde nadie había llegado antes, no está dispuesta a ser quien impida a sus seres queridos que intenten alcanzar esos sueños que ella se resignó a abandonar. De hecho, tan clave es el personaje de Miller para la narración, que Gray le dedica el poético, alegórico y devastador plano con el que cierra su película más ambiciosa hasta la fecha.

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Sin embargo, esa ambición no ha hecho que Gray traicione su forma de concebir el cine, y por ello Z, la ciudad perdida le parecerá anticuada y aburrida a muchos espectadores, porque es un filme que retrotrae a otra época, cuando no existía el apresuramiento que conlleva la era tecnológica en la que estamos inmersos. Esta película está hecha para recrearse en ella, en sus sonidos, luces, sombras, colores e imágenes, y para contagiarse del espíritu aventurero, curioso, vehemente y culto que caracteriza a su protagonista. Porque todos tenemos nuestro particular Z que alcanzar.

9/10

8/5/17

Negocio feliz

Poster El fundador

Dir.: John Lee Hancock
Int.: Michael Keaton, Nick Offerman, John Carroll Lynch, Laura Dern, Linda Cardellini, Patrick Wilson, B.J. Novak, Laura Denham
¿De qué va?: En los años 50, un vendedor de Illinois llamado Ray Kroc queda impresionado con el sistema de cadena de producción de una hamburguesería propiedad de los hermanos Richard y Maurice McDonald, así que decide invertir en él y convertirlo en una franquicia. Con el tiempo, Ray se hace con el poder de la empresa relegando a sus legítimos propietarios de ella.

Reseña: Una de las primeras rutinas que llevé a cabo desde mi más tierna infancia consistía en obligar a mis padres a que me llevasen cada domingo al McDonald’s para poder conseguir el regalo que venía en el Happy Meal. La comida era lo de menos, yo lo que quería era el juguete, y como siempre he sido un poco repelente con el tema alimentario, mi padre tenía que pedirme una hamburguesa que sólo trajera la carne y el pan. A mí me llamaba la atención que la preparación de esa hamburguesa tan básica llevase más tiempo que aquellas que traían de todo, pero eso es porque mi cabeza aún no había asimilado el concepto de cadena de producción que propició el éxito de McDonald’s desde sus comienzos; es más, puede que no lo haya entendido del todo hasta ahora.

El fundador

En la mejor escena de El fundador, los hermanos McDonalds buscan la mejor y más rápida fórmula para servir hamburguesas en una cancha de deporte, trazando con tiza la disposición de la cocina y dirigiendo los movimientos de sus empleados como si se tratase de una compleja coreografía de baile. Los hermanos le cuentan la clave de su éxito a Ray Krock, que tiene lo que les faltaba a ellos para triunfar por todo lo alto: ambición empresarial. Esta es la historia de un hombre que toma una idea brillante y la hace suya, la exprime, la prostituye y la tergiversa hasta tal punto que asume de forma natural que todo ha sido obra de él. Una fábula que expone que en la sociedad de capitalismo salvaje en la que vivimos lo importante no son las ideas, sino la forma en la que éstas se mercantilizan.

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Ahora bien, el director John Lee Hancock ha rodado la película como si fuera una película sobre el sueño americano más, es decir, con un estilo amable, luminoso y acompañado de una música muy suave (y machacona), lo cual puede interpretarse de dos formas: o bien se ha rodado así para contrastar los valores de esfuerzo, dedicación y trabajo del American way of life con las tretas sucias y sibilinas de su supuesto héroe, o bien Hancock no tiene demasiada imaginación y se ha decantando por dirigirla igual que las más amables y blandas Al encuentro de Mr. Banks (2013) y The Blind Side (2009). De una forma u otra, lo cierto es que le falta la garra para que este satírico biopic, aun siendo tremendamente interesante y revelador, sea todo lo rotundo que podría haber sido con semejante material, una garra que sí posee Michael Keaton dando vida al oportunista/comadreja al que le debemos dar las gracias por esa comida basura que nos salva la vida y nos sabe mejor tras una intensa noche de fiesta.

7/10

6/5/17

La familia espacial bien, gracias

Poster Guardianes de la galaxia vol. 2

Dir.: James Gunn
Int.: Chris Pratt, Zoe Saldana, Dave Bautista, Vin Diesel, Bradley Cooper, Kurt Russell, Michael Rooker, Karen Gillan, Pom Klementieff, Elizabeth Debicki, Sean Gunn
¿De qué va?: Los Guardianes de la Galaxia continúan con sus aventuras por los confines del cosmos mientras aprenden a funcionar como una familia e intentan resolver el misterio de los verdaderos orígenes de Peter Quill, también conocido como Star-Lord.

Reseña: Muchos la pronosticaban como el primer gran fracaso de Marvel, pero la realidad fue muy diferente: Guardianes de la Galaxia recaudó 773 millones de dólares en todo el mundo y es a día de hoy la quinta película más taquillera del universo cinematográfico de la conocida como Casa de las Ideas. Es justo atribuir buena parte del mérito a su director, James Gunn, que supo articular una película sumamente divertida, carismática y libre dentro del apretado corsé de Marvel, además de hacer que medio mundo se encariñara con un árbol humanoide que sólo sabe decir su nombre y confiar en la incipiente madera de estrella de Chris Pratt cuando aún era un actor de comedia rechoncho. Normal que no hubiese alternativa a la vuelta de Gunn como director de la secuela, pese al reto que suponía para éste ofrecer una secuela a la altura de su predecesora, lidiando además con algo que no tenía en aquella ocasión: la presión de las expectativas.

Guardians Of The Galaxy Vol. 2

L to R: Nebula (Karen Gillan), Gamora (Zoe Saldana), Star-Lord/Peter Quill (Chris Pratt), Groot (voiced by Vin Diesel), Rocket (voiced by Bradley Cooper) and Drax (Dave Bautista)

Ph: Film Frame

©Marvel Studios 2017

Guardianes de la Galaxia Vol. 2. es íntegramente continuista en el tono, la estética, los personajes y la acción, o dicho en otras palabras: es una ‘space opera’ con múltiples referencias a la cultura pop de los 80 (algunas ciertamente impagables),  un colorido radicalmente opuesto a la oscuridad del cine de superhéroes “serio”, al ritmo de una cuidada y muy selectiva banda sonora de clásicos musicales, con personajes profundamente entrañables y escenas de acción alocadas de herencia ‘cartoon’. Esta secuela procura ser más grande y espectacular, al tiempo que indaga en los conflictos personales de los protagonistas que quedaron sin resolver en el anterior film, como la identidad del padre de Peter Quill, la enemistad entre Gamora y su hermana díscola, Nébula, o los problemas derivados del carácter asocial de Rocket, todo ello perfectamente enmarcado en la tesis general de la película: hemos formado una familia, pero tenemos que aprender a funcionar como tal.

Guardians Of The Galaxy Vol. 2..L to R: Rocket (Voiced by Bradley Cooper) and Groot (Voiced by Vin Diesel)..Ph: Film Frame..©Marvel Studios 2017

La dinámica y las subtramas funcionan tan bien que se podría haber prescindido perfectamente de la presencia del villano de turno y la consecuente lucha por salvar a la galaxia, y aunque algunos puedan considerar esa parte demasiado absurda, al menos no resulta tan inane como otras muchas películas del género superheroico. Por su parte, el reparto vuelve a funcionar como un reloj, y aunque es cierto que el auténtico roba-planos es el “no-se-puede-ser-más-adorable” Little Groot, todos los personajes, tanto los viejos conocidos como las nuevas incorporaciones, gozan de sus propios gags y sus momentos de lucimiento personal, evitando que ninguno quede en la sombra, si bien convendría destacar lo sorprendentemente divertido que es Dave Bautista y el especial vínculo que establece con el personaje de Mantis (Pom Klementieff).

Guardians Of The Galaxy Vol. 2

L to R: Drax (Dave Bautista) and Mantis (Pom Klementieff)

Ph: Film Frame

©Marvel Studios 2017

Este volumen 2 de Guardianes de la Galaxia demuestra que James Gunn entiende a la perfección tanto la forma en la que trasladar el cómic a la gran pantalla como las demandas del público. Compensa la ausencia del factor sorpresa de la original con escenas, gags y revelaciones elaboradamente creativas, y la película resulta intrínsecamente cómica pero deliberadamente dramática cuando necesita serlo para que la maquinaria empática funcione y enganchar emocionalmente al espectador. Gunn antepone los personajes y sus relaciones a la acción, a los villanos y a los planes globalizadores de Marvel, y esa es la razón por la que nos hemos encariñado tanto  y tan rápido con esta panda de marginados espaciales condenados a entenderse y a salvar la galaxia a su pesar.

8/10

2/5/17

Itinerario de estrenos de mayo 2017

Estrenos_Mayo


Z: La ciudad perdida:
Film de aventuras de corte clásico basado en la historia real de Percy Fawcett, un explorador británico que a principios del siglo XX se empeñó en encontrar una legendaria civilización escondida en el Amazonas. Dirige James Gray (El sueño de Ellis), produce Brad Pitt y encabezan el reparto Charlie Hunnam (La cumbre escarlata), Robert Pattinson (Life), Tom Holland (Capitán América: Civil War) y Sienna Miller (Vivir de noche). Ha tenido muy buenas críticas.
Estreno: 5 de mayo


El círculo: Adaptación cinematográfica de la novela homónima de Dave Eggers que versa sobre una muchacha que entra a trabajar en la empresa de internet más importante del mundo, la cual venera hasta que empieza a darse cuenta de que el innovador sistema operativo que ha desarrollado esconde un reverso muy tenebroso. James Ponsoldt (The End of the Tour) dirige la película, protagonizada por Emma Watson (La bella y la bestia) y Tom Hanks (Sully), con John Boyega (Star Wars: El despertar de la fuerza), Karren Gillan (Guardianes de la galaxia Vol. 2), Ellar Coltrane (Boyhood) y el recientemente fallecido Bill Paxton (Nightcrawler) en roles secundarios. La película se estrenó en Estados Unidos el fin de semana pasado con una respuesta de público y crítica bastante decepcionante.
Estreno: 5 de mayo


Alien: Covenant:
Secuela de Prometheus que vuelve a ser dirigida por Ridley Scott y que gira en torno a la tripulación de una nave colonial y al paraíso inexplorado que descubren en un remoto lugar de la galaxia, aunque pronto se darán cuenta de que no están solos, convirtiéndose su misión en una lucha por la supervivencia en un ambiente hostil y peligroso. Katherine Waterston (Animales fantásticos y dónde encontrarlos), Michael Fassbender (Assassin’s Creed), Demian Bichir (Los odiosos ocho), Carmen Ejogo (Selma), Billy Crudup (Jackie) y Danny McBride (Aloha) encabezan el reparto de esta película que promete parecerse más a Alien, el octavo pasajero, dar más repuestas sobre el origen de los bicharracos y complacer a aquellos que no quedaron especialmente satisfechos con Prometheus.
Estreno: 12 de mayo


Personal Shopper: Segunda colaboración del director galo Olivier Assayas y Kristen Stewart tras Viaje a Sils María, que le valió a esta última el César a la mejor actriz de reparto de 2014. En esta ocasión, Stewart encarna a Maureen, una joven que trabaja como ‘personal shopper’ de una celebridad en París, algo que detesta pero que le permite quedarse en la ciudad hasta que reciba una señal del espíritu de su hermano gemelo, recientemente fallecido, que le demuestre la existencia de un Más Allá. Assayas ganó el premio a mejor director ‘ex aequo’ en el Festival de Cannes del año pasado, aunque la película ha despertado sensaciones muy polarizadas.
Estreno: 19 de mayo
Reseña


El caso Sloane: Thriller judicial que se centra en la figura de Elizabeth Sloane, una estratega política que decide plantarle cara al lobby armamentístico estadounidense abogando por una ley de control de armas. Sin embargo, para ella la causa es lo de menos, pues lo importante es ganar a cualquier precio. John Madden (El nuevo exótico Hotel Marigold) dirige el film, cuyo guion firmado por el debutante Jonathan Perera formó parte de la Black List de los mejores libretos de Hollywood sin producir. Jessica Chastain (Las crónicas de Blancanieves: El cazador y la reina del hielo) fue nominada al Globo de Oro a mejor actriz dramática por su interpretación, respaldada por un reparto que incluye a Mark Strong (Asesino contrainteligente), Gugu Mbatha-Raw (La bella y la bestia), Alison Pill (Snowpiercer), Jake Lacy (Carol), Michael Stuhlbarg (La llegada) y John Lithgow (The Crown). Cosechó buenas críticas, pero no demasiado entusiastas.
Estreno: 19 de mayo

1/5/17

Actor del mes: Charlie Hunnam

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Nombre completo:
Charles Matthew Hunnam

Fecha de nacimiento: 10 de abril de 1980

Lugar de nacimiento: Newcastle, Inglaterra (Reino Unido)

Filmografía destacada:

Papillon (2017)
King Arthur: Legend of the Sword (2017)

Z, la ciudad perdida (2017)
La cumbre escarlata (2015)
Hijos de la anarquía (Serie de TV) (2008 – 2014)
Pacific Rim (2013)
La huida (2012)
Frankie Go Boom (2012)
The Ledge (2011)
Hijos de los hombres (2006)
Hooligans (2005)
Cold Mountain (2003)
La leyenda de Nicholas Nickleby (2002)
La desaparición de Embry (2002)


Méritos:
Fue el elegido para dar vida al macho alfa de la saga de 50 sombras de Grey, pero para alegría de todas las fans que no le acababan de ver en el personaje, decidió apearse a tres semanas del comienzo del rodaje alegando razones personales y una agenda demasiado apretada. Así fue como Charlie Hunnam perdió la oportunidad de un lanzamiento directo al estrellato cinematográfico tras darse a conocer  en la pequeña pantalla liderando a los Hijos de la Anarquía durante siete años. Sin embargo, Hollywood no iba a dejar pasar la oportunidad de poner a prueba a uno de los actores más atractivos de la última cantera británica, de ahí que lo vayamos a tener esta temporada por partida doble en sendas películas de aventuras de estilo radicalmente opuesto.

Empezando por el enfoque clásico, llegará en primer lugar a los cines Z. La ciudad perdida, el nuevo trabajo del siempre interesante James Grey (Two Lovers, La noche es nuestra), en la que Hunnam da vida al explorador Percy Fawcett, que dedicó los últimos años de su vida a buscar una ciudad perdida en el Amazonas. En segundo lugar, y con un toque mucho más moderno, el próximo mes de agosto nos volveremos a encontrar al actor en los cines españoles como protagonista de Rey Arturo: La leyenda de Excalibur, una nueva e hiperbolizada versión del mito de la mano de Guy Ritchie (Sherlock Holmes) que aspira a ser el comienzo de una lucrativa franquicia, siempre y cuando dé la talla en taquilla. Así es como Charlie Hunnam aspira a convertirse en el héroe de la cosecha cinematográfica de 2017 y triunfar donde otros se quedaron cortos (te miramos a ti, Taylor Kitsch), con una nueva versión de Papillon guardada en la recámara y sin miedo a que lo comparen con el protagonista de la original, nada menos que Steve McQueen. Todo un valiente merecedor de empuñar  la Excalibur, y con la actitud y el porte necesarios para abrirse camino en la gran pantalla.

The Lost City of Z


Extras:


Tráiler de Z. La ciudad perdida

Tráiler de King Arthur: Legend of the Sword

Entrevista sobre Sons of Anarchy

Entrevista sobre Pacific Rim

Entrenamiento para King Arthur

28/4/17

O.C: Todo en un día (1986)

Poster Todo en un dia

¿De qué va?: Ferris Bueller es un joven de 17 años especialista en saltarse las clases del instituto sin que le pillen. Ferris aprovecha la confianza que sus padres tienen depositada en él para preparar un último día de diversión antes de la graduación junto a su mejor amigo y su novia. No obstante, tanto el director de su instituto como su hermana están dispuestos a desenmascararlo y desbaratar sus planes.

Reputación: John Hughes se inspiró en sus propios años de instituto para escribir el guion de Todo en un día (Ferris Bueller’s Day Off), sobre todo en su amigo Bert Bueller, quien al parecer era tan rebelde como el protagonista de la cinta. Actores como Jim Carrey, Johnny Depp, Tom Cruise, Robert Downey Jr. y Michael J. Fox fueron considerados para encarnar al protagonista, pero al final el elegido fue Matthew Broderick, quien en realidad ya era el favorito de Hughes mientras escribía el libreto, trabajo que apenas le llevó 6 días en completar. Con un presupuesto de 6 millones de dólares, la película llegó a recaudar 70, alzándose como la décima película más taquillera de 1986. Se pensó en rodar una secuela durante varios años, con Ferris en la universidad o trabajando en algún sitio, pero la idea fue finalmente desechada. Broderick sentía que la película no necesitaba una secuela, pues versaba sobre un período de tiempo y un lugar específicos que a todos nos gustaría revisitar pero que no necesitaba una actualización. El año pasado, para celebrar el 30º aniversario del estreno de la película, un grupo de fans organizó el Ferris Fest en Chicago, con la proyección de la película, una ronda de preguntas y respuestas con algunos de los actores, la visita a los lugares donde se rodó o la recreación del número musical en el que el protagonista cantaba el Twist and Shout de The Beatles.

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Comentario: Probablemente, no haya existido director que entienda mejor lo que implica ser un adolescente en Estados Unidos que John Hughes. Aunque haya llovido mucho desde que se estrenasen sus clásicos juveniles y ahora la edad del pavo gire en torno a los móviles, los selfies, las redes sociales y demás (¿el baile de graduación seguirá vigente?), lo cierto es que ese espíritu rebelde y vivaz que recorre la película de principio a fin es algo atemporal, aunque puede funcionar más entre los adultos nostálgicos que añoren los últimos días de instituto, cuando todo parecía posible y el mundo parecía estar arrodillado ante nuestros pies, que en los adolescentes que se encuentren en ese momento preciso de la vida que no sabrán apreciar hasta que experimenten ese fastidio conocido como “madurez”. Todo en un día no es tan icónica como El club de los cinco pero se queda cerca, siendo como todas las comedias juveniles de John Hughes un retrato divertido, honesto y con un cariño inmenso hacia sus personajes sobre la alegría de vivir y el desconcierto propios de los años de instituto.

Próximo visionado: Lawrence de Arabia (1962)

26/4/17

El muerto y ser feliz

Poster Swiss Army Man

Dir.: Daniel Kwan, Daniel Scheinert
Int.: Paul Dano, Daniel Radcliffe, Mary Elizabeth Winstead
¿De qué va?: Hank es un náufrago atrapado en una isla desierta que un día se topa con un cadáver en la orilla que le ayudará a volver a casa, y con el entablará una extraña amistad.

Reseña: ¿Siguen haciendo gracia los chistes de pedos cuando uno se hace mayor? Recuerdo haber llorado de la risa en la escena aquella de El profesor chiflado (1996) en la que la cena familiar del protagonista se acaba convirtiendo en una orquesta de pedos, pero puede que llegue un momento de la vida en el que las flatulencias dejan de ser tan infaliblemente graciosas para cumplir otro tipo de funciones, como la de marcar el momento en el que se ha alcanzado el nivel máximo de intimidad con la pareja. Todos nos tiramos pedos, pero éstos siguen siendo sinónimos de guarro, zafio y simplón, y quizás por eso se produjo una desbandada de espectadores en la proyección de Swiss Army Man en el Festival de Sundance; básicamente porque, nada más comenzar la película, un náufrago crea una lancha a motor con un cadáver pedorro…

Swiss Army Man

La verdad sea dicha, un comienzo así no inspira demasiada confianza en lo que está por llegar. Sin embargo, la ópera prima de la pareja de cineastas conocida como The Daniels es algo más que la bizarra mezcla de Náufrago (2000) y Este muerto está muy vivo (1989) que promete ser; el náufrago, Hank, emprende el camino de vuelta a casa con la ayuda del cadáver, Manny, quien va recobrando las funciones psicomotrices de su cuerpo conforme descubre lo que implica estar vivo a través de los recuerdos de Hank y de los teatrillos que monta éste para que los experimente como si estuviera allí. Todo muy del sello ‘indie-cool’ de Sundance, todo muy excéntrico, pero si se consigue superar el recelo inicial, se obtiene a cambio una comedia agridulce profundamente original, entrañable, vitalista y humanista en la que los pedos empiezan dando asco y terminan emocionando. Tal cual.

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Swiss Army Man no es sólo una de las historias de supervivencia más extrañas con la que nos podemos topar, sino también una de las buddy movies más cálidas y tiernas que jamás se hayan hecho. El ‘bromance’ que se forja entre Hank y Manny es el auténtico motor de la película, estimulado por la química y las excelentes interpretaciones de Paul Dano y Daniel Radcliffe; este último, por cierto, realiza el trabajo más meritorio y memorable de su carrera ‘post-Harry Potter’ clavando al muerto en sus expresiones faciales, movimientos y voz conforme recupera la vida. La banda sonora, en la que también participa la pareja protagonista, es asimismo algo digno de elogio de esta película que, cuando parece que no puede molar más, tiene a Mary Elizabeth Winstead como representación del idealismo romántico y meta de la odisea. Así pues, lo que parecía una comedia absurda sin mucho fuste, acaba revelándose como un viaje único e irrepetible hacia la felicidad vital que viene a confirmar lo que nos decía el refrán: mejor pedorrear que reventar.

8/10

24/4/17

Alma en pena cautiva

Poster Personal Shooper

Dir: Olivier Assayas
Int.: Kristen Stewart, Lars Eidinger, Sigrid Bouaziz, Anders Danielsen Lie, Ty Olwin, Nora von Waldstätten, Audrey Bonnet, Pascar Rambert
¿De qué va?: Maureen es una joven que trabaja como personal shopper de una celebridad en París. Aunque el trabajo no le gusta, rechaza la idea de abandonar la ciudad hasta que pueda contactar con el espíritu de Lewis, su hermano gemelo fallecido. Mientras espera a que Lewis se manifieste, Maureen empieza a recibir extraños mensajes de móvil anónimos.

Reseña: Hoy en día, los únicos que permanecen escépticos ante el talento interpretativo de Kristen Stewart son los que no han visto sus películas desde que concluyó la saga de Crepúsculo. De lo contrario, sabrían que aquella aparente estrella desganada se ha convertido en una de las actrices más interesantes del panorama cinematográfico, gracias a su buen tino a la hora de escoger proyectos,  lo cual la ha conducido, entre otros logros, a coronarse como la primera actriz estadounidense en ganar un César (el Goya del cine francés). Lo hizo por Viaje a Sils María, en la que estableció un vínculo tan potente con su director, Olivier Assayas, que ambos han vuelto a repetir en Personal Shoppert, una obra tan desconcertante e imperfecta como seductora.

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A Assayas le gusta jugar con las expectativas del espectador y hacerlo rabiar. Ya lo hizo con el desenlace del personaje de Stewart en Viaje a Sils María y lo vuelve a hacer en su segunda colaboración con la joven actriz. En su primer tramo, Personal Shopper parece una versión europea de Entre fantasmas, aquella serie a mayor gloria de Jennifer Love Hewitt en la que ésta hablaba con espíritus mientras lucía modelitos. Aquí, la protagonista, Maureen, espera a que su hermano le mande una señal de que existe el Más Allá mientras se dedica a elegir vestidos para una celebrity siempre ausente. Poco después de que la trama alcance un bochornoso clímax esotérico, la película cambia de tercio para mutar en un psico-thriller donde Maureen construye una sorprendente relación personal con un acosador anónimo que le escribe mensajes de texto. Ambas partes de la historia, tan aparentemente incompatibles, acaban conectando a través de la exploración del luto y la búsqueda del bienestar con la identidad propia que se realiza a través del personaje de Maureen, y es el magnetismo que desprende la interpretación de Stewart lo que hace que el film se mantenga a flote incluso cuando bordea el absurdo.

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Kristen Stewart no es Meryl Streep, ni falta que le hace. Conoce sus limitaciones y ha aprendido a jugar con ellas, a tensarlas hasta descubrir nuevos recovecos. Su apariencia andrógina, su timidez, sus ojeras perpetuas y su mirada desencantada aportan autenticidad tanto a la aflicción que siente Maureen ante la ausencia de su hermano como a la excitación que le reporta el peligro del vínculo que establece con el extraño que la empuja a salir de su zona de confort, a reconocerse a sí misma en ese mundo el que, paradójicamente, no se reconoce. Si bien es fácil sentir en el desenlace que Assayas nos ha intentado tomar el pelo y que sus giros de guion son tan sutiles como un elefante entrando en una cacharrería, la sensación que permanece es la de haber sido testigos del íntimo, enigmático y sugestivo proceso de liberación de una ‘rara avis’ que consigue escapar de la bandada en la que ha estado atrapada para encontrar la paz consigo misma.

7/10

19/4/17

La extraña que hay en mí

Poster Ghost in the Shell

Dir.: Rupert Sanders
Int.: Scarlett Johansson, Pilou Asbæk, Michael Pitt, Juliette Binoche, Takeshi Kitano, Chin Han, Michael Wincott
¿De qué va?: Major es un híbrido de cyborg y humano femenino único en su especie que forma parte de la Sección 9, un grupo operativo de élite que lucha contra el ciberterrorismo y los crímenes tecnológicos. Su última misión, consistente en dar con el paradero de un peligroso y misterioso hacker, provocará que Major se cuestione todo lo que creía conocer sobre su existencia.

Reseña: Que un anime como el de Ghost in the Shell, influencia confesa de múltiples cineastas dedicados a la ciencia ficción, caso de las Wachowski y su Matrix, fuese versionado por Hollywood, era una mera cuestión de tiempo. La duda estaba en si la adaptación seguiría el mismo proceso de simplificación por el que ha pasado cualquier material extranjero que cae en las manos de las majors, o si por el contrario se atreverían a conservar la complejidad temática y discursiva de la película animada de 1995. Tal vez alguien con tanto peso en la industria como Christopher Nolan, o con el prestigio que se está labrando Denis Villeneuve, habría conseguido imponer un enfoque más arriesgado, pero tratándose de un recién llegado como Rupert Sanders (Blancanieves y la leyenda del cazador) teníamos que habernos imaginado que el resultado no iba a ser todo lo inspirado que cabría esperar.

GHOST IN THE SHELL

Lo que está claro es que lo que le gustó a los americanos del anime fue su apartado visual. El film de Sanders recrea con brío las escenas más icónicas de aquél, insertándolas en una trama muy diferente, en la que la disertación sobre la toma de conciencia de la máquina es reemplazada por una historia de conspiraciones, engaños y venganza que nos suena demasiado familiar. La trama se sigue con interés y sus diálogos sólo producen rubor en contadas ocasiones, especialmente cuando se empeñan en dejar claro lo que significa “el fantasma del caparazón” del título. Y aunque intenta ponerse filosófica respecto a la simbiosis entre humanismo y robótica, nunca alcanza ni por asomo las cotas de abstracción reflexiva y conceptual de su referente, algo que no estaría tan mal si no fuera porque la alternativa que ofrece no aporta nada al imaginario de la ciencia ficción robótica, sobre todo estrenándose poco después de la emisión de la televisiva Westworld, la cual, lejos de ser perfecta, sí está mejor enfocada a la hora de indagar en la consciencia y el alma de los autómatas.

GHOST IN THE SHELL

No obstante, la película está lejos de ser un desastre porque, en primer lugar, pese a la poca chicha que tiene el guion, Sanders no tiene problemas en trasladar la iconografía visual del anime de forma intacta, añadiendo algunos elementos llamativos como las geishas robóticas pero abusando de los planos generales de su Tokio futurista, y en segundo porque, debates sobre el whitewashing aparte, Scarlett Johansson conduce la película con holgada seguridad y destreza; no en vano, ya tiene experiencia tanto como heroína de acción como con personajes que experimentan una disonancia entre su ser físico y su ser emocional  (Her, Under the Skin, Lucy…). El resto del elenco se mueve entre el enorme empeño que le pone Pilou Asbæk, pese a lo infrautilizado que está su personaje, y el cómodo piloto automático en el que se coloca Takeshi Kitano.

GHOST IN THE SHELL

En definitiva, Ghost in the Shell es una adaptación tan digna en la superficie como pobre en el interior. No era necesario transcribir toda la intrincada verborrea del anime, pero sí capturar algo por lo que se convirtió en un referente de la ciencia ficción contemporánea, más allá del puñado de imágenes molonas que se han recreado aquí de forma espectacular, eso sí. Probablemente, el golpetazo que se ha dado la película en la taquilla, junto con la polémica que ha generado, hará que Hollywood se piense dos veces buscar otra vez inspiración en la animación de la Tierra del Sol Naciente. Los fanáticos de Akira están de enhorabuena.

6/10

18/4/17

El espacio continúa insonorizado

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Dir.: Daniel Espinosa
Int.: Jake Gyllenhaal, Rebecca Ferguson, Ryan Reynolds, Hiroyuki Sanada, Ariyon Bakare, Olga Dihovichnaya
¿De qué va?: La tripulación de la Estación Espacial Internacional está a punto de llevar a cabo uno de los mayores descubrimientos de la historia de la humanidad: la primera prueba de vida extraterrestre en Marte. Al comenzar a conducir sus investigaciones, sus métodos acabarán teniendo consecuencias inesperadas, y esa forma de vida probará ser mucho más inteligente de lo que nunca se habría esperado.

Reseña: Mientras algunos aún no nos hemos recuperado de La llegada y el hermoso primer contacto entre el ser humano y los extraterrestres que el film de Denis Villeneuve planteaba, la maquinaria de Hollywood vuelve a las andadas retomando los horrores que nos podemos encontrar en el misterioso espacio exterior. Life es lo que parece y pretende: un thriller espacial en el que un heterogéneo grupo de astronautas se enfrenta a un bicharraco letal e inteligente en los claustrofóbicos y antigravitacoinales pasillos de una nave/estación espacial. Si les resulta familiar no se preocupen, a todos los implicados en su realización seguro que también.

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Sin embargo, lejos de evidenciar complejo de inferioridad y camuflar sus referentes, el director Daniel Espinosa centra sus esfuerzos en mantener una tensión y un ritmo constantes que da poca tregua al espectador, con algunos momentos bastante inspirados y desasosegantes. Incluso el orden el que se van produciendo las bajas entre la cosmopolita tripulación no es todo lo previsible que cabría esperar, aunque sus caracteres están definidos de forma bastante esquemática y convencional, exceptuando el hastío del personaje de Jake Gyllenhaal respecto su planeta de procedencia. La reflexión acerca de la torpe curiosidad del ser humano por descubrir lo que se escapa de su dominio y comprensión y su propensión a la violencia sólo sirve para rellenar algunos de los huecos entre los ‘set pieces’ de acción y terror en los que se compone la película, rodados con una cámara que se mueve con soltura y brío por los diferentes recovecos de la estación espacial en los que se ambienta la historia.

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Sin intención alguna de romper moldes, Life (Vida) resulta ser un entretenimiento competente cuyo mayor hándicap reside en su ausencia de personalidad, algo que sabe compensar con el buen oficio de su director, reparto y equipo técnico, con mención especia a la partitura compuesta por Jon Ekstrand. Su desenlace es especialmente contundente, pero no compensa la sensación de que nos encontramos ante el telonero de la gran estrella que todos queremos ver; la nueva entrega de cierta saga de alienígenas que llegará el mes que viene a los cines y que ensombrecerá la supuesta impresión que pueda haber dejado Life entre los fans de la ciencia ficción espacial.

6/10

13/4/17

Metamorfoseando al niño interior

Poster Power Rangers

Dir.: Dean Israelite
Int.: Dacre Montgomery, Naomi Scott, RJ Cyler, Ludi Lin, Becky G, Elizabeth Banks, Bryan Cranston, Bill Hader
¿De qué va?: La vida de cinco adolescentes cambia completamente cuando entran en contacto con un extraño objeto que les confiere poderes sobrehumanos. De la noche a la mañana, deben adaptarse a su nueva condición de superhéroes y aprender a trabajar en equipo para saber a su pequeña ciudad, Angel Grove, y al mundo entero de una implacable amenaza alienígena.

Reseña: De pequeño tenía una gran obsesión, y esa obsesión se llamaba Power Rangers. Mi fanatismo llegaba hasta tal punto que no sólo coleccionaba aquellos míticos muñecos de cabeza intercambiable y los juegos que salían para la Mega Drive, también fui dos veces al cine a ver la película, me tiraba a la piscina al grito de “¡Power Ranger!” e intenté convencer a mis padres en vano de que me llamasen Rocky, como el segundo Ranger rojo. No tuvo que pasar demasiado tiempo para que, revisionando un capítulo al azar de la serie, me diese cuenta de que aquello que me parecía tan espectacular de niño resultaba ser en realidad  bastante cutre y ridículo. Sin embargo, en honor a aquel crío que flipaba con las aventuras de esos superhéroes adolescentes, el estreno del reboot cinematográfico de la serie merecía ser una cita obligada, y lo cierto es que el film de Dean Israelite ha conseguido cuanto menos que vuelva a sentir el entusiasmo pueril de antaño.

Power Rangers2

Antes de continuar, conviene definir las expectativas a partir de la base: es muy complicado elaborar una historia coherente y madura que sea fiel a la mitología de la serie. Para ello habría que partir de una perspectiva diferente, como la de aquel cortometraje que causó gran sensación en la red hace un par de años. Por tanto, este reboot es, en esencia, un reinicio de los Power Rangers que recupera algunos de los elementos más distintivos de la serie original norteamericana, como los nombres de los protagonistas de la primera generación, pero con un enfoque algo más moderno y acorde con los nuevos tiempos de corrección política, de ahí que el chico afroamericano ya no sea el Ranger negro ni el integrante asiático el amarillo. La película se toma su tiempo en presentar a sus héroes y en definir sus personalidades con El club de los cinco como referente constante, y aunque sus conflictos son un tanto vagos y tratados de forma superficial, se agradece que no sean los adolescentes chulos, resabidos y forzosamente molones que frecuentan este tipo de películas.

From L to R: Naomi Scott as "Kimberly",  RJ Cyler as "Billy" and Dacre Montgomery as "Jason" in SABAN'S POWER RANGERS. Photo by Kimberley French.

El principal problema del film es que tiene un público objetivo muy limitado: los fans de la serie de 1993, cuya magia se extinguió tras dos temporadas. Mientras que la chavalada actual la podrá encontrar demasiado ingenua y los neófitos adultos encontrarán poco que pueda ser de su interés, los que disfrutamos en su día y no nos avergonzamos de ello vibraremos con cada guiño a la serie, con Elizabeth Banks pasándoselo pipa dando vida a la pérfida Rita Repulsa, con Bryan Cranston dando vida a un Zordon más severo que el original y con los Dinozords en acción. La película tampoco se libra de la sensación de ser el episodio piloto de una serie, debido en buena parte a que el entrenamiento de los Rangers dura demasiado para el poco tiempo que pasan después con sus armaduras enfrentándose a los masillas, en ese Angel Grove que recuerda bastante al Sunnydale de Buffy, cazavampiros.

Trini (Becky G) in den Fängen von Rita Repulsa (Elizabeth Banks)

Así pues, Power Rangers se corona como un gran placer culpable bastante más decente de lo que cabía esperar. No depara grandes sorpresas, ni para lo bueno ni para lo malo, y tiene demasiados caprichos de guion que pasar por alto, pero es lo suficientemente lúdica y fresca como para que los que se vean obligados a verla por sus amigos más frikis no se aburran demasiado. Tampoco se toma demasiado en serio a sí misma, gozando de un sentido del humor autoconsciente y atinado. Más que suficiente para dar pie a una continuación que, cómo no, sólo tendrá luz verde si ésta hace buenos números en la taquilla. Desafortunadamente, dudo que hayamos tantos fans en activo de los Power Rangers hoy en día.

6’5/10

9/4/17

Itinerario de estrenos de abril 2017

Estrenos_Abril2017

 

Power Rangers: Remake cinematográfico de la serie que marcó mi infancia y la de otros muchos nacidos a finales de los 80, basada a su vez en la japonesa Super Sentai Series. Como en antaño, la historia versa sobre cinco chavales predestinados a convertirse en guerreros dotados de un gran poder, y en los únicos héroes capaces de salvar al planeta de una malvada alienígena llamada Rita Repulsa. Dean Israelite (Project Almanac) dirige el film protagonizado por Dacre Montgomery (Stranger Things), Naomi Scott (Los 33), CJ Ryder (Yo, él y Raquel), Ludi Lin, Becky G., Elizabeth Banks (Los juegos del hambre: Sinsajo - Parte 2) y Bryan Cranston (¿Tenía que ser él?). En la taquilla no le está yendo nada mal y las críticas no están siendo todo lo destructivas que cabría esperar, así que puede que los Power Rangers hayan vuelto para quedarse.
Estreno: 7 de abril


Life: Thriller espacial que gira en torno a la Estación Espacial Internacional, donde sus seis tripulantes investigan un ser vivo que podría haber sido la causa de la extinción de vida en Marte, y que ahora amenaza con hacer lo mismo en la Tierra si consigue llegar hasta aquí. Daniel Espinosa (El niño 44) dirige la película con Jake Gyllenhaal (Animales nocturnos), Rebecca Ferguson (Florence Foster Jenkins), Ryan Reynolds (Criminal), Hiroyuki Sanada (Mr. Holmes), Ariyon Bakare (Rogue One) y Olga Dihovichnaya enfrentándose al bicho del espacio. La crítica ha sido bastante unánime a la hora de señalar la escasa originalidad de la propuesta, pero sigue siendo un entretenimiento palomitero bastante competente.
Estreno: 7 de abril

 

Lo tuyo y tú: Nuevo film del incombustible director surcoreano Hong Sang-soo (Ahora sí, antes no), al que hemos cogido cariño rápidamente en esta página. El cineasta ganó el premio al mejor director en el último Festival de San Sebastián por esta cinta que cuenta la historia de un pintor que discute con su novia tras descubrir que se ha tomado unas copas con otro hombre, provocando que ella se marche de casa. Al día siguiente, mientras el pintor la busca por las calles, su novia (o una chica idéntica a ella) tiene citas con diferentes hombres. La película ha recibido muy buenas críticas, y el director ya tiene dos nuevas películas preparadas para el 2017: La cámera de Claire, donde repite con Isabelle Huppert tras la deliciosa En otro país, y On the Beach at Night Alone.
Estreno: 12 de abril


Negación: Recreación de la batalla judicial entre la historiadora norteamericana Deborah E. Lipstadt y el periodista David Irving a raíz de la querella que presentó éste contra la primera por difamación, pues Deborah le había atacado en un libro que había publicado por negar la existencia del Holocausto. Dirige Mick Jackson (Temple Grandin) con un trío protagonista formado por Rachel Weisz (La luz entre los océanos), Tom Wilkinson (Snowden) y Timothy Spall (Mr. Turner). A pesar de su perfil de aspirante a premios, la película se tuvo que conformar con una única nominación al Bafta a mejor film británico, con críticas bastante tibias.
Estreno: 12 de abril
 


Guardianes de la galaxia Vol. 2:
Secuela de una de las películas más divertidas, irreverentes y sorprendentes de la factoría Marvel. El equipo de la primera entrega, comandado por el director James Gunn y con un reparto encabezado por Chris Pratt, Zoe Saldana, Dave Bautista y las voces de Vin Diesel y Bradley Cooper, vuelve a la carga para una nueva aventura espacial en la que se verán obligados a salvar otra vez la galaxia reclutando para el equipo a viejos rivales. Kurt Russell (Los odiosos ocho), Elizabeth Debicki (El infiltrado) y Pom Klementieff (Les Kaïra) son los principales fichajes.
Estreno: 28 de abril

7/4/17

Actriz del mes: Scarlett Johansson

Scarlett Johansson


Méritos: Algunos se sintieron un tanto defraudados cuando vieron que, tras debutar en papales de chica inadaptada en Ghost World (2001) y Lost in Translation (2003), Scarlett Johansson desarrolló su carrera optando por películas más convencionales y comerciales. En realidad, lo que ocurre es que Scarlett siempre ha hecho lo que ha querido, sin miedo a las consecuencias, y en muchas ocasiones ha ido dos pasos por delante del resto. Internet se llenó de memes jactándose de su caída y poco después descubrimos que se trataba de una escena grabada con cámara oculta para Under the Skin, película que incomprensiblemente aún no ha llegado en España y en la que Scarlett demuestra que aún sigue siendo aquella chica rarita que no se acaba de encontrar cómoda en su propia piel.

Esa valentía que la caracteriza le ha permitido dar un potente discurso feminista pocos días después de la victoria presidencial de Donald Trump, parodiar a su hija Ivanka en uno de los mejores sketches de la temporada de Saturday Night Live (ver el apartado de extras) o protagonizar la versión norteamericana de Ghost in the Shell, a pesar de la esperable lluvia de críticas por el ‘whitewashing’ de Hollywood, esto es, la costumbre de fichar a intérpretes norteamericanos para personajes de otras etnias. Esperemos que el inminente fracaso comercial de la película no eche al traste los planes para esa película en solitario de la Viuda Negra que Marvel nos debe desde hace años y que podría ser el broche de oro perfecto para la salida de la actriz de la franquicia. Por lo pronto, Scarlett pondrá a prueba su vis cómica con Rough Night, seria aspirante a comedia del verano de 2017 para la que se ha rodeado de talentos de comicidad contrastada como Kate McKinnon e Ilana Glazer. Y a partir de ahí, quién sabe, pero tengo la certeza de que Scarlett Johansson es de esos seres tan especiales que, aunque todo a su alrededor se esté desmoronando, siempre caen de pie.

Ghost in the shell


Scarlett en 12 personajes

Scarlett_Johansson

De izquierda a derecha y de arriba a abajo: Con su primer película de envergadura, El hombre que susurraba a los caballos (1998), logró eclipsar al mismísimo Robert Redford; vivió una particular crisis post-instituto en Ghost World (2001); se perdió y encontró junto a Bill Murray en Lost in Translation (2003) al tiempo que todos nos enamoramos de su Charlotte; comenzó a ser la musa de Woody Allen en Match Point (2005) y nunca ha estado más sensual y vulnerable de cuerpo presente; con Scoop (2006) demostró que ni la comedia ni el papel de pringada se le resiste; fue una Janet Leigh muy convincente en la poco convincente Hitchcock (2012); en Don Jon (2013) clavó el papel de choni poligonera; desnuda en cuerpo y alma para la inclasificable Under the Skin (2013); en Her (2013) su voz nos robó el corazón para luego rompérnoslo en mil pedazos, pero dejando los trozos para que lo pudiésemos reconstruir; en Lucy (2014) probó que es sobrehumana y conquistó la taquilla coronándose como la heroína de acción definitiva; de todos los peinados que ha lucido como Viuda Negra, nos quedamos con el de Capitán América: Civil War (2016), aunque ha sido El soldado de invierno (2014) donde se ha lucido más; nos aterrorizó como la voz de la serpierte Kaa en El libro de la selva (2016) y grabó una versión muy sensual de Trust in Me.

 

¿Sabías que…?

- Su primer trabajado remunerado, sin acreditar, fue con 8 años en un sketch para el Late Night con Conan O’Brien en su primer año de emisión. En los créditos de El hombre que susurraba a los caballos (1998) fue presentada como debutante, aunque había participado previamente en siete películas.

- Su película favorita es la comedia Tía y mamá (1958).

- En el año 2010, ganó un premio Tony a la mejor interpretación femenina por su debut en Broadway, en la obra A View from the Bridge de Arthur Miller.

- Thumbsucker (2005), Tú a Londres y yo a California (1998), Los 4 fantásticos (2005), Mission: Imposible III (2006), V de Vendetta (2005), Elizabethtown (2005), Superman Returns (2006), Gravity (2013) y Begin Again (2014) son algunas de las películas en las que pudo haber participado pero que, por un motivo u otro, no acabó haciendo.

- Hizo la audición para conseguir el papel de Lisbeth Salander en la versión americana de Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres (2011), pero lo perdió por ser considerada demasiado atractiva para encarnarlo. Rooney Mara fue contratada en su lugar.

- Cobró 400.00 dólares por Iron Man 2 (2010), 6 millones de dólares por Los Vengadores (2012) y 20 por su secuela, Vengadores: La era de Ultrón (2015), gracias a la negociación conjunta del elenco liderada por Robert Downey Jr. En Ghost in the Shell su sueldo ha sido de 10 millones de dólares.

- En el año 2016 fue coronada como la estrella más taquillera de Hollywood y tiene el récord en cuanto a actrices se refiere, gracias en buena parte a su participación en las películas de Marvel.

Extras:

Tráiler de Ghost in the Shell

Tráiler de Rough Night

Entrevista sobre Ghost in the Shell

Complicit – SNL

Sugar For Sugar – Bizzare Love Triangle

28/3/17

Habla con ellas

Poster 20th century women

Dir.: Mike Mills
Int.: Annette Bening, Elle Fanning, Greta Gerwig, Lucas Jade Zumann, Billy Crudup, Alia Shawkat, Laura Wiggins, John Billingsley, Casey Burke
¿De qué va?: Dorothea Fields es una enérgica mujer soltera de 55 años cuya mayor preocupación es la educación de su hijo adolescente, Jamie. Ante la imposibilidad de controlarlo, Dorothea solicita la ayuda de Abbie, una artista punk de espíritu libre que vive en una habitación de su casa, y Julie, la vecina y mejor amiga de Jamie.

Reseña: Mike Mills se inspiró en su propia vida para escribir la historia de su anterior película, Beginners (2010). En ella, el director y guionista cuenta cómo el padre del protagonista sale del armario poco después de morir su madre, dando comienzo a una breve pero plena vida acorde con lo que él siempre había querido ser. La madre apenas salía en un par de flashbacks, lo suficiente como para poder tener una ligera pero nítida impresión de cómo era esa mujer que interactuaba con el arte en los museos y que dejaba a su hijo menor de edad conducir por ella. Con su tercer trabajo como director, Mills salda la cuenta pendiente dedicando la película esta vez a la figura de su madre, y por extensión, a la de todas las mujeres que intervinieron en su aprendizaje y crecimiento emocional, no sólo en el suyo, sino en el de cualquiera de nosotros.

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20th Century Women es prima hermana de Beginners, en el sentido en el que también recurre a la voz en off nostálgica y a imágenes de archivo capaces de captar el sentir de una época, además de estar completamente envuelta por un halo de melancolía tierna y agridulce. Ambientada cuando los 70 estaban a punto de ser cosa del pasado para dar paso a los 80, los personajes de la historia se ven condicionados por vivir en una época de cambios, de reivindicación de libertades y toma de conciencia del empoderamiento femenino, representado en las tres generaciones de mujeres que rodean a un chaval que se encuentra en el momento preciso en el que debe decidir en qué adulto se quiere convertir. En primer lugar está su madre (Annette Bening), quien acepta con resignación que ha llegado el momento en el que hay ciertos temas que su hijo (Lucas Jade Zumann) no quiere compartir con ella, y que quizás no sea tan liberal y moderna como le gustaría creer.

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En segundo lugar, la artista punk (Greta Gerwig) que sigue un poco perdida en la vida pese a que ésta le ha dado una segunda oportunidad, y que quizás se esfuerce demasiado en ser diferente y poco convencional. Y en tercer lugar, la joven vecina (Elle Fanning), muy avispada, plenamente consciente del efecto que crea tanto en su amigo como en todos los chicos de su edad, adelantada a su época al llevar a cabo una de las prácticas más extendidas del siglo XXI: la banalización del sexo, convirtiéndolo en algo completamente ajeno al amor. Los dos personajes masculinos de la película, el chaval y el carpintero (Billy Crudup) que vive en la casa a cambio de ayudar a restaurarla, son hombres que sí aman a las mujeres, se preocupan por ellas y se dejan guiar por su sabiduría femenina sin temor a perder su “hombría”. Los cinco intérpretes forman un conjunto poderoso, en el que Benning, Gerwig y Fanning brillan cada una con luz propia, mientras que Crudup y Zumann cumplen dándoles la réplica pero sabiendo que son ellas los pilares sobre los que se sostiene la película.

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Mills quiere abarcar demasiados temas y sensaciones, por lo que su película a veces parece demasiado dispersa y desequilibrada, y desde luego no le ha salido tan, tan redonda como Beginners. No obstante, sigue siendo un film que merece más atención que la que ha reunido (en España saldrá directa al mercado doméstico), porque es una oda a las madres, a las mujeres de nuestras vidas, a su belleza, sus virtudes, sus imperfecciones y contradicciones, el amor que transmiten, su ternura, su inteligencia, su sensibilidad y sus derechos, tanto aquellos que han conseguido tras años de lucha como aquellos que aún les queda por alcanzar…. pero que por sus ovarios lograrán.

8/10

27/3/17

O.C: Memorias del subdesarrollo (1968)

Poster Memorias del subdesarrollo¿De qué va?: Sergio es un burgués que decide quedarse en Cuba mientras toda su familia abandona el país tras el triunfo de la Revolución. En las calles de la capital, Sergio conoce a Elena, una joven con la que mantendrá un affaire que terminará trayendo consecuencias poco agradables.

Reputación: Una de las obras más aclamadas de la filmografía del director cubano Tomás Gutiérrez Alea, también conocido como Titón, basada en la novela homónima de Edmundo Desnoes, que colaboró con el cineasta en la redacción del guion. Fue la primera película hecha en Cuba después de la subida al poder de Fidel Castro que se estrenó en Estados Unidos. La Sociedad Nacional de Críticos de Nueva York quiso premiar con un galardón especial a Alea en 1973, consistente en un trofeo y 2.000 dólares, pero el gobierno cubano le retiró el visado, impidiéndole recogerlo personalmente. Es más, toda persona que se presentase a recibir el premio en nombre del cineasta podría haber sido condenado por violar la ley de comercio con el enemigo. Alea afirmó haberse inspirado tanto en el cine neorrealista como en el film Hiroshima, mon amour (1959) de Alain Resnais, para dotar al film de ese estilo tan peculiar que posee. La película se rodó completamente en entornos naturales de La Habana, con muchos planos grabados con cámara oculta, y el montaje alterna la historia con documentos históricos auténticos, como imágenes de ceremonias oficiales o de  revueltas a pie de calle que se sacaron de los noticiarios de la época.

Memorias del subdesarrollo

Comentario: Memorias del subdesarrollo es una película libre, un collage de recuerdos, pensamientos, ideas y momentos contagiados por el estado de ánimo y la voz interior de su protagonista, un tipo que, a pesar de estar en contra de la revolución y de todo lo que ello representa, decide quedarse en Cuba, siendo testigo pasivo de la transición a la que se vio sometida el país con la entrada de Fidel Castro en el gobierno. La capacidad analítica, imparcial y crítica que tiene Alea a la hora de poner en evidencia las contradicciones y los agujeros del castrismo, siendo él partidario, resulta lo más admirable del conjunto, mientras que la relación que entabla Sergio con esa muchacha ingenua y un poco desequilibrada lo más ameno de una película que se presta a un análisis concienzudo sobre las diferentes capas de ficción y realidad que intercala para materializar la incertidumbre y los claroscuros en torno al cambio de rumbo al que se sometió un país anclado en su propio espacio temporal.

Próximo visionado: Todo en un día (1986)

26/3/17

Una rosa es una rosa

Poster La bella y la bestia

Dir.: Bill Condon
Int.: Emma Watson, Dan Stevens, Luke Evans, Kevin Kline, Josh Gad, Ewan McGregor, Stanley Tucci, Audra McDonald, Guggu Mbatha-Raw, Ian McKellen, Emma Thompson
¿De qué va?: Bella es una joven hermosa, lista e independiente a la que una temible bestia hace prisionera en su misterioso castillo. A pesar de sus temores, Bella se hace amiga de los habitantes encantados de la morada y aprende a ver más allá del espantoso aspecto de la bestia, aunque hará falta algo más para romper el hechizo que tiene embrujado a todo el castillo.

Reseña: Echando un vistazo a la cartelera y a las apuestas más importantes de las majors de Hollywood para este año, resulta inevitable cuestionarse si la maquinaria cultural contemporánea es tan incapaz de producir ideas, historias y personajes icónicos que debe tirar de nostalgia para conseguir arrastrar al público a las salas. Nos quejamos de la falta de originalidad, pero a todos nos gusta ir sobre seguro, ver lo familiar, lo que sabemos que nos va a gustar, y aunque el porcentaje de novedad sea insignificante (un sombrero para la Stacy Malibú que dirían Los Simpsons) nos quedamos satisfechos porque el ser humano es animal de costumbres y tradición. Si Disney, con lo bien que le está yendo con su estudio de animación, Star Wars y Marvel, sigue sacando remakes en acción real de sus clásicos es porque le da al pueblo lo que quiere, y así será hasta que éste se canse (complicado) o hasta que no le queden películas que revisitar.

BEAUTY AND THE BEAST

Siendo La bella y la bestia una de las producciones más queridas de la factoría Disney, su remake en acción real ers cuestión de tiempo desde que el estudio se topó con el enorme éxito de la Alicia en el país de las maravillas de Tim Burton. También era previsible que Bill Condon y los guionistas tendrían menor margen de maniobra que el que tuvo Jon Favreau con la notable El libro de la selva para alterar la historia, dada la pasión talifán que despierta la película. Y si bien los cambios más sonados han sido un carácter más aguerrido por parte de la heroína y que la homosexualidad de uno de los personajes resulta ahora más que obvia, también hay nuevas canciones y detalles argumentales, como los que atañen a la madre ausente de Bella. Sin embargo, que los mejores momentos de la película sean recreaciones fidedignas de diferentes escenas de la película de animación, mientras que ninguna de los añadidos lo sea, da que pensar sobre dónde reside el verdadero mérito artístico de este remedo.

Beauty and the Beast

También es curioso que, pese a que dure algo más de media hora que su referente, transmita la impresión de que todo sucede de forma muy acelerada. Todo ocurre en cuestión de días, las relaciones que establece Bella con los habitantes del castillo se sienten forzadas, y, dependiendo del día, la distancia que separa este último de la aldea de paletos donde vive la muchacha es cuestión de minutos u horas. Bestia no impone como en antaño (y su aspecto digital podría haber sido mejor), mientras que Emma Watson alterna la corrección con el piloto automático; véase su escasa expresividad mientras un montón de objetos mágicos montan un número espectacular delante de sus narices. El trabajo vocal de Ewan McGregor, Ian McKellen, Emma Thompson y compañía es muy disfrutable, pero lo es aún más la dupla formada por Gastón y Le Fou, encarnados por Luke Evans y Josh Gad respectivamente. Además de hilarante, el número musical que ambos protagonizan es el momento de la película que mejor aúna fidelidad e innovación del conjunto.

BEAUTY AND THE BEAST

La bella y la bestia ya está haciendo las delicias de un público de todas las edades y de todos los rincones del planeta. Pero si tú, amigo lector, no te has sentido tan conmovido ni emocionado como el resto del mundo, si sospechas que la película no tiene nada que hacer frente a un revisionado de la cinta original , si te gustó más la presentación de la historia a través de vidrieras de aquella, y si te ha parecido demasiado cursi la presentación del elenco en los créditos finales, que sepas que no estás solo. Al fin y al cabo, la magia Disney no surte efecto en todo el mundo por igual, y en esta ocasión ha resultado ser más la reproducción renqueante de un viejo truco que uno nuevo que despierte emociones que no sean sinónimo de nostalgia.

6/10

22/3/17

Mi gran amigo Kong

Poster Kong

Dir.: Jordan Vogt-Roberts
Int.: Tom Hiddleston, Brie Larson, Samuel L. Jackson, John Goodman, John C. Reilly, Thomas Mann, Toby Kebbell, Jing Tian, John Ortiz, Shea Whigham
¿De qué va?: En los años 70, un grupo de exploradores y militares se reúne para viajar a una misteriosa isla del Pacífico que no aparece en los mapas, sin saber que está invadiendo los dominios de Kong, un gorila inmenso que no les recibirá con los abrazos abiertos precisamente…

Reseña: A Hollywood le cuesta mucho despedirse de sus figuras más icónicas, sobre todo cuando confían en que todavía pueden sacarle algún rendimiento económico. ¿Que el remake de King Kong de Peter Jackson no cumplió las altas expectativas de taquilla? No pasa nada, dejamos que pase un poco de tiempo y lo intentamos una vez más, sin tanto sentimiento pero con más acción. Para fortuna de los fans incondicionales, esta nueva aparición del gigantesco gorila es algo más que una mera explotación de la marca, gracias a su autoconsciencia, al buen hacer de sus responsables y a los escasos reparos que tiene de abrazar las convenciones del serie B… tanto para lo bueno como para lo malo.

Kong2

De entrada sorprende que, en vez de ambientar la historia en la actualidad o en los años 30 como el film original, se haya optado por los 70, justo después de que Estados Unidos se retirase de Vietnam. Esta elección no sólo sirve para que el director, Jordan Vogt-Roberts, homenajee Apocalypse Now en varias ocasiones y se flipe con la selección musical, sino para puntualizar el gran mal de los Estados Unidos (meterse las narices donde no les llaman, básicamente), y darle algo de trasfondo al militar al que da vida Samuel L. Jackson, un tipo que no podría soportar otra retirada indecorosa del campo de batalla. Lamentablemente, Kong: La isla calavera recae en el mismo problema que padecía el Godzilla de Gareth Edwards, que no es otro que una galería de personajes plano, plano, el cual se puede dividir en dos categorías: los héroes/supervivientes y la carnaza para los bicharracos. La película confía en el carisma natural de sus actores para que la platea pueda sentir alguna afinidad con los personajes, algo que ocurre fácilmente con Brie Larson, pero puede que no tanto con Tom Hiddleston, si tenemos en cuenta lo mal que ha manejado su imagen pública en el último año. El único que se salva es John C. Reilly, pues a pesar de entrar en escena a mitad de metraje se gana rápidamente la simpatía del personal, erigiéndose como el auténtico gancho emocional de la historia.

Kong3

Hay algo en lo que Kong sí mejora respecto a Godzilla: las dosis de entretenimiento. Vogt-Roberts rebaja la gravedad y seriedad de aquel film, va directa al grano, no tarda demasiado en mostrar a su criatura estrella en todo su esplendor, y alterna muy bien acción, comedia, suspense, truculencia y terror, ofreciendo una aventura equilibrada y deudora (en el buen sentido) del género pulp más gozoso y desvergonzado. Kong luce francamente bien y el resto de criaturas que pulula por la isla son variopintas, sorprendentes y originales. Además, la película viene cargada de imágenes de una potencia visual apabullante, quizás demasiado perfectas y calculadas, pero que consiguen su propósito, que no es otro que impedir que apartemos nuestra mirada de la pantalla y que nos asombremos con su belleza y exuberancia (fantástico trabajo de fotografía de Larry Fong).

Kong1

Si sólo se hubieran preocupado en trabajar un poco a los personajes para que no fuesen simples avatares, estaríamos hablando de una de las películas de aventuras más modélicas de la cosecha de blockbusters reciente. También habría estado bien elaborar un desenlace que no fuese tan insípido, superado ampliamente tanto por la escena que acompaña a los primeros créditos como por la que está escondida al final de éstos. Esta última no es que sea nada del otro mundo, pero alimenta el hype en torno a lo que está por llegar. En definitiva, a pesar de sus evidentes puntos débiles, Kong: La isla calavera es una reinvención digna, inteligente y muy disfrutable de la mitología del gorila más grande del mundo, que goza de una segunda oportunidad para lucirse ahora que la gritona de Ann Darrow está fuera del mapa.

7’5/10