24/4/17

Alma en pena cautiva

Poster Personal Shooper

Dir: Olivier Assayas
Int.: Kristen Stewart, Lars Eidinger, Sigrid Bouaziz, Anders Danielsen Lie, Ty Olwin, Nora von Waldstätten, Audrey Bonnet, Pascar Rambert
¿De qué va?: Maureen es una joven que trabaja como personal shopper de una celebridad en París. Aunque el trabajo no le gusta, rechaza la idea de abandonar la ciudad hasta que pueda contactar con el espíritu de Lewis, su hermano gemelo fallecido. Mientras espera a que Lewis se manifieste, Maureen empieza a recibir extraños mensajes de móvil anónimos.

Reseña: Hoy en día, los únicos que permanecen escépticos ante el talento interpretativo de Kristen Stewart son los que no han visto sus películas desde que concluyó la saga de Crepúsculo. De lo contrario, sabrían que aquella aparente estrella desganada se ha convertido en una de las actrices más interesantes del panorama cinematográfico, gracias a su buen tino a la hora de escoger proyectos,  lo cual la ha conducido, entre otros logros, a coronarse como la primera actriz estadounidense en ganar un César (el Goya del cine francés). Lo hizo por Viaje a Sils María, en la que estableció un vínculo tan potente con su director, Olivier Assayas, que ambos han vuelto a repetir en Personal Shoppert, una obra tan desconcertante e imperfecta como seductora.

Personal Shopper1

A Assayas le gusta jugar con las expectativas del espectador y hacerlo rabiar. Ya lo hizo con el desenlace del personaje de Stewart en Viaje a Sils María y lo vuelve a hacer en su segunda colaboración con la joven actriz. En su primer tramo, Personal Shopper parece una versión europea de Entre fantasmas, aquella serie a mayor gloria de Jennifer Love Hewitt en la que ésta hablaba con espíritus mientras lucía modelitos. Aquí, la protagonista, Maureen, espera a que su hermano le mande una señal de que existe el Más Allá mientras se dedica a elegir vestidos para una celebrity siempre ausente. Poco después de que la trama alcance un bochornoso clímax esotérico, la película cambia de tercio para mutar en un psico-thriller donde Maureen construye una sorprendente relación personal con un acosador anónimo que le escribe mensajes de texto. Ambas partes de la historia, tan aparentemente incompatibles, acaban conectando a través de la exploración del luto y la búsqueda del bienestar con la identidad propia que se realiza a través del personaje de Maureen, y es el magnetismo que desprende la interpretación de Stewart lo que hace que el film se mantenga a flote incluso cuando bordea el absurdo.

Personal Shopper3

Kristen Stewart no es Meryl Streep, ni falta que le hace. Conoce sus limitaciones y ha aprendido a jugar con ellas, a tensarlas hasta descubrir nuevos recovecos. Su apariencia andrógina, su timidez, sus ojeras perpetuas y su mirada desencantada aportan autenticidad tanto a la aflicción que siente Maureen ante la ausencia de su hermano como a la excitación que le reporta el peligro del vínculo que establece con el extraño que la empuja a salir de su zona de confort, a reconocerse a sí misma en ese mundo el que, paradójicamente, no se reconoce. Si bien es fácil sentir en el desenlace que Assayas nos ha intentado tomar el pelo y que sus giros de guion son tan sutiles como un elefante entrando en una cacharrería, la sensación que permanece es la de haber sido testigos del íntimo, enigmático y sugestivo proceso de liberación de una ‘rara avis’ que consigue escapar de la bandada en la que ha estado atrapada para encontrar la paz consigo misma.

7/10

19/4/17

La extraña que hay en mí

Poster Ghost in the Shell

Dir.: Rupert Sanders
Int.: Scarlett Johansson, Pilou Asbæk, Michael Pitt, Juliette Binoche, Takeshi Kitano, Chin Han, Michael Wincott
¿De qué va?: Major es un híbrido de cyborg y humano femenino único en su especie que forma parte de la Sección 9, un grupo operativo de élite que lucha contra el ciberterrorismo y los crímenes tecnológicos. Su última misión, consistente en dar con el paradero de un peligroso y misterioso hacker, provocará que Major se cuestione todo lo que creía conocer sobre su existencia.

Reseña: Que un anime como el de Ghost in the Shell, influencia confesa de múltiples cineastas dedicados a la ciencia ficción, caso de las Wachowski y su Matrix, fuese versionado por Hollywood, era una mera cuestión de tiempo. La duda estaba en si la adaptación seguiría el mismo proceso de simplificación por el que ha pasado cualquier material extranjero que cae en las manos de las majors, o si por el contrario se atreverían a conservar la complejidad temática y discursiva de la película animada de 1995. Tal vez alguien con tanto peso en la industria como Christopher Nolan, o con el prestigio que se está labrando Denis Villeneuve, habría conseguido imponer un enfoque más arriesgado, pero tratándose de un recién llegado como Rupert Sanders (Blancanieves y la leyenda del cazador) teníamos que habernos imaginado que el resultado no iba a ser todo lo inspirado que cabría esperar.

GHOST IN THE SHELL

Lo que está claro es que lo que le gustó a los americanos del anime fue su apartado visual. El film de Sanders recrea con brío las escenas más icónicas de aquél, insertándolas en una trama muy diferente, en la que la disertación sobre la toma de conciencia de la máquina es reemplazada por una historia de conspiraciones, engaños y venganza que nos suena demasiado familiar. La trama se sigue con interés y sus diálogos sólo producen rubor en contadas ocasiones, especialmente cuando se empeñan en dejar claro lo que significa “el fantasma del caparazón” del título. Y aunque intenta ponerse filosófica respecto a la simbiosis entre humanismo y robótica, nunca alcanza ni por asomo las cotas de abstracción reflexiva y conceptual de su referente, algo que no estaría tan mal si no fuera porque la alternativa que ofrece no aporta nada al imaginario de la ciencia ficción robótica, sobre todo estrenándose poco después de la emisión de la televisiva Westworld, la cual, lejos de ser perfecta, sí está mejor enfocada a la hora de indagar en la consciencia y el alma de los autómatas.

GHOST IN THE SHELL

No obstante, la película está lejos de ser un desastre porque, en primer lugar, pese a la poca chicha que tiene el guion, Sanders no tiene problemas en trasladar la iconografía visual del anime de forma intacta, añadiendo algunos elementos llamativos como las geishas robóticas pero abusando de los planos generales de su Tokio futurista, y en segundo porque, debates sobre el whitewashing aparte, Scarlett Johansson conduce la película con holgada seguridad y destreza; no en vano, ya tiene experiencia tanto como heroína de acción como con personajes que experimentan una disonancia entre su ser físico y su ser emocional  (Her, Under the Skin, Lucy…). El resto del elenco se mueve entre el enorme empeño que le pone Pilou Asbæk, pese a lo infrautilizado que está su personaje, y el cómodo piloto automático en el que se coloca Takeshi Kitano.

GHOST IN THE SHELL

En definitiva, Ghost in the Shell es una adaptación tan digna en la superficie como pobre en el interior. No era necesario transcribir toda la intrincada verborrea del anime, pero sí capturar algo por lo que se convirtió en un referente de la ciencia ficción contemporánea, más allá del puñado de imágenes molonas que se han recreado aquí de forma espectacular, eso sí. Probablemente, el golpetazo que se ha dado la película en la taquilla, junto con la polémica que ha generado, hará que Hollywood se piense dos veces buscar otra vez inspiración en la animación de la Tierra del Sol Naciente. Los fanáticos de Akira están de enhorabuena.

6/10

18/4/17

El espacio continúa insonorizado

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Dir.: Daniel Espinosa
Int.: Jake Gyllenhaal, Rebecca Ferguson, Ryan Reynolds, Hiroyuki Sanada, Ariyon Bakare, Olga Dihovichnaya
¿De qué va?: La tripulación de la Estación Espacial Internacional está a punto de llevar a cabo uno de los mayores descubrimientos de la historia de la humanidad: la primera prueba de vida extraterrestre en Marte. Al comenzar a conducir sus investigaciones, sus métodos acabarán teniendo consecuencias inesperadas, y esa forma de vida probará ser mucho más inteligente de lo que nunca se habría esperado.

Reseña: Mientras algunos aún no nos hemos recuperado de La llegada y el hermoso primer contacto entre el ser humano y los extraterrestres que el film de Denis Villeneuve planteaba, la maquinaria de Hollywood vuelve a las andadas retomando los horrores que nos podemos encontrar en el misterioso espacio exterior. Life es lo que parece y pretende: un thriller espacial en el que un heterogéneo grupo de astronautas se enfrenta a un bicharraco letal e inteligente en los claustrofóbicos y antigravitacoinales pasillos de una nave/estación espacial. Si les resulta familiar no se preocupen, a todos los implicados en su realización seguro que también.

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Sin embargo, lejos de evidenciar complejo de inferioridad y camuflar sus referentes, el director Daniel Espinosa centra sus esfuerzos en mantener una tensión y un ritmo constantes que da poca tregua al espectador, con algunos momentos bastante inspirados y desasosegantes. Incluso el orden el que se van produciendo las bajas entre la cosmopolita tripulación no es todo lo previsible que cabría esperar, aunque sus caracteres están definidos de forma bastante esquemática y convencional, exceptuando el hastío del personaje de Jake Gyllenhaal respecto su planeta de procedencia. La reflexión acerca de la torpe curiosidad del ser humano por descubrir lo que se escapa de su dominio y comprensión y su propensión a la violencia sólo sirve para rellenar algunos de los huecos entre los ‘set pieces’ de acción y terror en los que se compone la película, rodados con una cámara que se mueve con soltura y brío por los diferentes recovecos de la estación espacial en los que se ambienta la historia.

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Sin intención alguna de romper moldes, Life (Vida) resulta ser un entretenimiento competente cuyo mayor hándicap reside en su ausencia de personalidad, algo que sabe compensar con el buen oficio de su director, reparto y equipo técnico, con mención especia a la partitura compuesta por Jon Ekstrand. Su desenlace es especialmente contundente, pero no compensa la sensación de que nos encontramos ante el telonero de la gran estrella que todos queremos ver; la nueva entrega de cierta saga de alienígenas que llegará el mes que viene a los cines y que ensombrecerá la supuesta impresión que pueda haber dejado Life entre los fans de la ciencia ficción espacial.

6/10

13/4/17

Metamorfoseando al niño interior

Poster Power Rangers

Dir.: Dean Israelite
Int.: Dacre Montgomery, Naomi Scott, RJ Cyler, Ludi Lin, Becky G, Elizabeth Banks, Bryan Cranston, Bill Hader
¿De qué va?: La vida de cinco adolescentes cambia completamente cuando entran en contacto con un extraño objeto que les confiere poderes sobrehumanos. De la noche a la mañana, deben adaptarse a su nueva condición de superhéroes y aprender a trabajar en equipo para saber a su pequeña ciudad, Angel Grove, y al mundo entero de una implacable amenaza alienígena.

Reseña: De pequeño tenía una gran obsesión, y esa obsesión se llamaba Power Rangers. Mi fanatismo llegaba hasta tal punto que no sólo coleccionaba aquellos míticos muñecos de cabeza intercambiable y los juegos que salían para la Mega Drive, también fui dos veces al cine a ver la película, me tiraba a la piscina al grito de “¡Power Ranger!” e intenté convencer a mis padres en vano de que me llamasen Rocky, como el segundo Ranger rojo. No tuvo que pasar demasiado tiempo para que, revisionando un capítulo al azar de la serie, me diese cuenta de que aquello que me parecía tan espectacular de niño resultaba ser en realidad  bastante cutre y ridículo. Sin embargo, en honor a aquel crío que flipaba con las aventuras de esos superhéroes adolescentes, el estreno del reboot cinematográfico de la serie merecía ser una cita obligada, y lo cierto es que el film de Dean Israelite ha conseguido cuanto menos que vuelva a sentir el entusiasmo pueril de antaño.

Power Rangers2

Antes de continuar, conviene definir las expectativas a partir de la base: es muy complicado elaborar una historia coherente y madura que sea fiel a la mitología de la serie. Para ello habría que partir de una perspectiva diferente, como la de aquel cortometraje que causó gran sensación en la red hace un par de años. Por tanto, este reboot es, en esencia, un reinicio de los Power Rangers que recupera algunos de los elementos más distintivos de la serie original norteamericana, como los nombres de los protagonistas de la primera generación, pero con un enfoque algo más moderno y acorde con los nuevos tiempos de corrección política, de ahí que el chico afroamericano ya no sea el Ranger negro ni el integrante asiático el amarillo. La película se toma su tiempo en presentar a sus héroes y en definir sus personalidades con El club de los cinco como referente constante, y aunque sus conflictos son un tanto vagos y tratados de forma superficial, se agradece que no sean los adolescentes chulos, resabidos y forzosamente molones que frecuentan este tipo de películas.

From L to R: Naomi Scott as "Kimberly",  RJ Cyler as "Billy" and Dacre Montgomery as "Jason" in SABAN'S POWER RANGERS. Photo by Kimberley French.

El principal problema del film es que tiene un público objetivo muy limitado: los fans de la serie de 1993, cuya magia se extinguió tras dos temporadas. Mientras que la chavalada actual la podrá encontrar demasiado ingenua y los neófitos adultos encontrarán poco que pueda ser de su interés, los que disfrutamos en su día y no nos avergonzamos de ello vibraremos con cada guiño a la serie, con Elizabeth Banks pasándoselo pipa dando vida a la pérfida Rita Repulsa, con Bryan Cranston dando vida a un Zordon más severo que el original y con los Dinozords en acción. La película tampoco se libra de la sensación de ser el episodio piloto de una serie, debido en buena parte a que el entrenamiento de los Rangers dura demasiado para el poco tiempo que pasan después con sus armaduras enfrentándose a los masillas, en ese Angel Grove que recuerda bastante al Sunnydale de Buffy, cazavampiros.

Trini (Becky G) in den Fängen von Rita Repulsa (Elizabeth Banks)

Así pues, Power Rangers se corona como un gran placer culpable bastante más decente de lo que cabía esperar. No depara grandes sorpresas, ni para lo bueno ni para lo malo, y tiene demasiados caprichos de guion que pasar por alto, pero es lo suficientemente lúdica y fresca como para que los que se vean obligados a verla por sus amigos más frikis no se aburran demasiado. Tampoco se toma demasiado en serio a sí misma, gozando de un sentido del humor autoconsciente y atinado. Más que suficiente para dar pie a una continuación que, cómo no, sólo tendrá luz verde si ésta hace buenos números en la taquilla. Desafortunadamente, dudo que hayamos tantos fans en activo de los Power Rangers hoy en día.

6’5/10

9/4/17

Itinerario de estrenos de abril 2017

Estrenos_Abril2017

 

Power Rangers: Remake cinematográfico de la serie que marcó mi infancia y la de otros muchos nacidos a finales de los 80, basada a su vez en la japonesa Super Sentai Series. Como en antaño, la historia versa sobre cinco chavales predestinados a convertirse en guerreros dotados de un gran poder, y en los únicos héroes capaces de salvar al planeta de una malvada alienígena llamada Rita Repulsa. Dean Israelite (Project Almanac) dirige el film protagonizado por Dacre Montgomery (Stranger Things), Naomi Scott (Los 33), CJ Ryder (Yo, él y Raquel), Ludi Lin, Becky G., Elizabeth Banks (Los juegos del hambre: Sinsajo - Parte 2) y Bryan Cranston (¿Tenía que ser él?). En la taquilla no le está yendo nada mal y las críticas no están siendo todo lo destructivas que cabría esperar, así que puede que los Power Rangers hayan vuelto para quedarse.
Estreno: 7 de abril


Life: Thriller espacial que gira en torno a la Estación Espacial Internacional, donde sus seis tripulantes investigan un ser vivo que podría haber sido la causa de la extinción de vida en Marte, y que ahora amenaza con hacer lo mismo en la Tierra si consigue llegar hasta aquí. Daniel Espinosa (El niño 44) dirige la película con Jake Gyllenhaal (Animales nocturnos), Rebecca Ferguson (Florence Foster Jenkins), Ryan Reynolds (Criminal), Hiroyuki Sanada (Mr. Holmes), Ariyon Bakare (Rogue One) y Olga Dihovichnaya enfrentándose al bicho del espacio. La crítica ha sido bastante unánime a la hora de señalar la escasa originalidad de la propuesta, pero sigue siendo un entretenimiento palomitero bastante competente.
Estreno: 7 de abril

 

Lo tuyo y tú: Nuevo film del incombustible director surcoreano Hong Sang-soo (Ahora sí, antes no), al que hemos cogido cariño rápidamente en esta página. El cineasta ganó el premio al mejor director en el último Festival de San Sebastián por esta cinta que cuenta la historia de un pintor que discute con su novia tras descubrir que se ha tomado unas copas con otro hombre, provocando que ella se marche de casa. Al día siguiente, mientras el pintor la busca por las calles, su novia (o una chica idéntica a ella) tiene citas con diferentes hombres. La película ha recibido muy buenas críticas, y el director ya tiene dos nuevas películas preparadas para el 2017: La cámera de Claire, donde repite con Isabelle Huppert tras la deliciosa En otro país, y On the Beach at Night Alone.
Estreno: 12 de abril


Negación: Recreación de la batalla judicial entre la historiadora norteamericana Deborah E. Lipstadt y el periodista David Irving a raíz de la querella que presentó éste contra la primera por difamación, pues Deborah le había atacado en un libro que había publicado por negar la existencia del Holocausto. Dirige Mick Jackson (Temple Grandin) con un trío protagonista formado por Rachel Weisz (La luz entre los océanos), Tom Wilkinson (Snowden) y Timothy Spall (Mr. Turner). A pesar de su perfil de aspirante a premios, la película se tuvo que conformar con una única nominación al Bafta a mejor film británico, con críticas bastante tibias.
Estreno: 12 de abril
 


Guardianes de la galaxia Vol. 2:
Secuela de una de las películas más divertidas, irreverentes y sorprendentes de la factoría Marvel. El equipo de la primera entrega, comandado por el director James Gunn y con un reparto encabezado por Chris Pratt, Zoe Saldana, Dave Bautista y las voces de Vin Diesel y Bradley Cooper, vuelve a la carga para una nueva aventura espacial en la que se verán obligados a salvar otra vez la galaxia reclutando para el equipo a viejos rivales. Kurt Russell (Los odiosos ocho), Elizabeth Debicki (El infiltrado) y Pom Klementieff (Les Kaïra) son los principales fichajes.
Estreno: 28 de abril

7/4/17

Actriz del mes: Scarlett Johansson

Scarlett Johansson


Méritos: Algunos se sintieron un tanto defraudados cuando vieron que, tras debutar en papales de chica inadaptada en Ghost World (2001) y Lost in Translation (2003), Scarlett Johansson desarrolló su carrera optando por películas más convencionales y comerciales. En realidad, lo que ocurre es que Scarlett siempre ha hecho lo que ha querido, sin miedo a las consecuencias, y en muchas ocasiones ha ido dos pasos por delante del resto. Internet se llenó de memes jactándose de su caída y poco después descubrimos que se trataba de una escena grabada con cámara oculta para Under the Skin, película que incomprensiblemente aún no ha llegado en España y en la que Scarlett demuestra que aún sigue siendo aquella chica rarita que no se acaba de encontrar cómoda en su propia piel.

Esa valentía que la caracteriza le ha permitido dar un potente discurso feminista pocos días después de la victoria presidencial de Donald Trump, parodiar a su hija Ivanka en uno de los mejores sketches de la temporada de Saturday Night Live (ver el apartado de extras) o protagonizar la versión norteamericana de Ghost in the Shell, a pesar de la esperable lluvia de críticas por el ‘whitewashing’ de Hollywood, esto es, la costumbre de fichar a intérpretes norteamericanos para personajes de otras etnias. Esperemos que el inminente fracaso comercial de la película no eche al traste los planes para esa película en solitario de la Viuda Negra que Marvel nos debe desde hace años y que podría ser el broche de oro perfecto para la salida de la actriz de la franquicia. Por lo pronto, Scarlett pondrá a prueba su vis cómica con Rough Night, seria aspirante a comedia del verano de 2017 para la que se ha rodeado de talentos de comicidad contrastada como Kate McKinnon e Ilana Glazer. Y a partir de ahí, quién sabe, pero tengo la certeza de que Scarlett Johansson es de esos seres tan especiales que, aunque todo a su alrededor se esté desmoronando, siempre caen de pie.

Ghost in the shell


Scarlett en 12 personajes

Scarlett_Johansson

De izquierda a derecha y de arriba a abajo: Con su primer película de envergadura, El hombre que susurraba a los caballos (1998), logró eclipsar al mismísimo Robert Redford; vivió una particular crisis post-instituto en Ghost World (2001); se perdió y encontró junto a Bill Murray en Lost in Translation (2003) al tiempo que todos nos enamoramos de su Charlotte; comenzó a ser la musa de Woody Allen en Match Point (2005) y nunca ha estado más sensual y vulnerable de cuerpo presente; con Scoop (2006) demostró que ni la comedia ni el papel de pringada se le resiste; fue una Janet Leigh muy convincente en la poco convincente Hitchcock (2012); en Don Jon (2013) clavó el papel de choni poligonera; desnuda en cuerpo y alma para la inclasificable Under the Skin (2013); en Her (2013) su voz nos robó el corazón para luego rompérnoslo en mil pedazos, pero dejando los trozos para que lo pudiésemos reconstruir; en Lucy (2014) probó que es sobrehumana y conquistó la taquilla coronándose como la heroína de acción definitiva; de todos los peinados que ha lucido como Viuda Negra, nos quedamos con el de Capitán América: Civil War (2016), aunque ha sido El soldado de invierno (2014) donde se ha lucido más; nos aterrorizó como la voz de la serpierte Kaa en El libro de la selva (2016) y grabó una versión muy sensual de Trust in Me.

 

¿Sabías que…?

- Su primer trabajado remunerado, sin acreditar, fue con 8 años en un sketch para el Late Night con Conan O’Brien en su primer año de emisión. En los créditos de El hombre que susurraba a los caballos (1998) fue presentada como debutante, aunque había participado previamente en siete películas.

- Su película favorita es la comedia Tía y mamá (1958).

- En el año 2010, ganó un premio Tony a la mejor interpretación femenina por su debut en Broadway, en la obra A View from the Bridge de Arthur Miller.

- Thumbsucker (2005), Tú a Londres y yo a California (1998), Los 4 fantásticos (2005), Mission: Imposible III (2006), V de Vendetta (2005), Elizabethtown (2005), Superman Returns (2006), Gravity (2013) y Begin Again (2014) son algunas de las películas en las que pudo haber participado pero que, por un motivo u otro, no acabó haciendo.

- Hizo la audición para conseguir el papel de Lisbeth Salander en la versión americana de Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres (2011), pero lo perdió por ser considerada demasiado atractiva para encarnarlo. Rooney Mara fue contratada en su lugar.

- Cobró 400.00 dólares por Iron Man 2 (2010), 6 millones de dólares por Los Vengadores (2012) y 20 por su secuela, Vengadores: La era de Ultrón (2015), gracias a la negociación conjunta del elenco liderada por Robert Downey Jr. En Ghost in the Shell su sueldo ha sido de 10 millones de dólares.

- En el año 2016 fue coronada como la estrella más taquillera de Hollywood y tiene el récord en cuanto a actrices se refiere, gracias en buena parte a su participación en las películas de Marvel.

Extras:

Tráiler de Ghost in the Shell

Tráiler de Rough Night

Entrevista sobre Ghost in the Shell

Complicit – SNL

Sugar For Sugar – Bizzare Love Triangle

28/3/17

Habla con ellas

Poster 20th century women

Dir.: Mike Mills
Int.: Annette Bening, Elle Fanning, Greta Gerwig, Lucas Jade Zumann, Billy Crudup, Alia Shawkat, Laura Wiggins, John Billingsley, Casey Burke
¿De qué va?: Dorothea Fields es una enérgica mujer soltera de 55 años cuya mayor preocupación es la educación de su hijo adolescente, Jamie. Ante la imposibilidad de controlarlo, Dorothea solicita la ayuda de Abbie, una artista punk de espíritu libre que vive en una habitación de su casa, y Julie, la vecina y mejor amiga de Jamie.

Reseña: Mike Mills se inspiró en su propia vida para escribir la historia de su anterior película, Beginners (2010). En ella, el director y guionista cuenta cómo el padre del protagonista sale del armario poco después de morir su madre, dando comienzo a una breve pero plena vida acorde con lo que él siempre había querido ser. La madre apenas salía en un par de flashbacks, lo suficiente como para poder tener una ligera pero nítida impresión de cómo era esa mujer que interactuaba con el arte en los museos y que dejaba a su hijo menor de edad conducir por ella. Con su tercer trabajo como director, Mills salda la cuenta pendiente dedicando la película esta vez a la figura de su madre, y por extensión, a la de todas las mujeres que intervinieron en su aprendizaje y crecimiento emocional, no sólo en el suyo, sino en el de cualquiera de nosotros.

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20th Century Women es prima hermana de Beginners, en el sentido en el que también recurre a la voz en off nostálgica y a imágenes de archivo capaces de captar el sentir de una época, además de estar completamente envuelta por un halo de melancolía tierna y agridulce. Ambientada cuando los 70 estaban a punto de ser cosa del pasado para dar paso a los 80, los personajes de la historia se ven condicionados por vivir en una época de cambios, de reivindicación de libertades y toma de conciencia del empoderamiento femenino, representado en las tres generaciones de mujeres que rodean a un chaval que se encuentra en el momento preciso en el que debe decidir en qué adulto se quiere convertir. En primer lugar está su madre (Annette Bening), quien acepta con resignación que ha llegado el momento en el que hay ciertos temas que su hijo (Lucas Jade Zumann) no quiere compartir con ella, y que quizás no sea tan liberal y moderna como le gustaría creer.

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En segundo lugar, la artista punk (Greta Gerwig) que sigue un poco perdida en la vida pese a que ésta le ha dado una segunda oportunidad, y que quizás se esfuerce demasiado en ser diferente y poco convencional. Y en tercer lugar, la joven vecina (Elle Fanning), muy avispada, plenamente consciente del efecto que crea tanto en su amigo como en todos los chicos de su edad, adelantada a su época al llevar a cabo una de las prácticas más extendidas del siglo XXI: la banalización del sexo, convirtiéndolo en algo completamente ajeno al amor. Los dos personajes masculinos de la película, el chaval y el carpintero (Billy Crudup) que vive en la casa a cambio de ayudar a restaurarla, son hombres que sí aman a las mujeres, se preocupan por ellas y se dejan guiar por su sabiduría femenina sin temor a perder su “hombría”. Los cinco intérpretes forman un conjunto poderoso, en el que Benning, Gerwig y Fanning brillan cada una con luz propia, mientras que Crudup y Zumann cumplen dándoles la réplica pero sabiendo que son ellas los pilares sobre los que se sostiene la película.

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Mills quiere abarcar demasiados temas y sensaciones, por lo que su película a veces parece demasiado dispersa y desequilibrada, y desde luego no le ha salido tan, tan redonda como Beginners. No obstante, sigue siendo un film que merece más atención que la que ha reunido (en España saldrá directa al mercado doméstico), porque es una oda a las madres, a las mujeres de nuestras vidas, a su belleza, sus virtudes, sus imperfecciones y contradicciones, el amor que transmiten, su ternura, su inteligencia, su sensibilidad y sus derechos, tanto aquellos que han conseguido tras años de lucha como aquellos que aún les queda por alcanzar…. pero que por sus ovarios lograrán.

8/10

27/3/17

O.C: Memorias del subdesarrollo (1968)

Poster Memorias del subdesarrollo¿De qué va?: Sergio es un burgués que decide quedarse en Cuba mientras toda su familia abandona el país tras el triunfo de la Revolución. En las calles de la capital, Sergio conoce a Elena, una joven con la que mantendrá un affaire que terminará trayendo consecuencias poco agradables.

Reputación: Una de las obras más aclamadas de la filmografía del director cubano Tomás Gutiérrez Alea, también conocido como Titón, basada en la novela homónima de Edmundo Desnoes, que colaboró con el cineasta en la redacción del guion. Fue la primera película hecha en Cuba después de la subida al poder de Fidel Castro que se estrenó en Estados Unidos. La Sociedad Nacional de Críticos de Nueva York quiso premiar con un galardón especial a Alea en 1973, consistente en un trofeo y 2.000 dólares, pero el gobierno cubano le retiró el visado, impidiéndole recogerlo personalmente. Es más, toda persona que se presentase a recibir el premio en nombre del cineasta podría haber sido condenado por violar la ley de comercio con el enemigo. Alea afirmó haberse inspirado tanto en el cine neorrealista como en el film Hiroshima, mon amour (1959) de Alain Resnais, para dotar al film de ese estilo tan peculiar que posee. La película se rodó completamente en entornos naturales de La Habana, con muchos planos grabados con cámara oculta, y el montaje alterna la historia con documentos históricos auténticos, como imágenes de ceremonias oficiales o de  revueltas a pie de calle que se sacaron de los noticiarios de la época.

Memorias del subdesarrollo

Comentario: Memorias del subdesarrollo es una película libre, un collage de recuerdos, pensamientos, ideas y momentos contagiados por el estado de ánimo y la voz interior de su protagonista, un tipo que, a pesar de estar en contra de la revolución y de todo lo que ello representa, decide quedarse en Cuba, siendo testigo pasivo de la transición a la que se vio sometida el país con la entrada de Fidel Castro en el gobierno. La capacidad analítica, imparcial y crítica que tiene Alea a la hora de poner en evidencia las contradicciones y los agujeros del castrismo, siendo él partidario, resulta lo más admirable del conjunto, mientras que la relación que entabla Sergio con esa muchacha ingenua y un poco desequilibrada lo más ameno de una película que se presta a un análisis concienzudo sobre las diferentes capas de ficción y realidad que intercala para materializar la incertidumbre y los claroscuros en torno al cambio de rumbo al que se sometió un país anclado en su propio espacio temporal.

Próximo visionado: Todo en un día (1986)

26/3/17

Una rosa es una rosa

Poster La bella y la bestia

Dir.: Bill Condon
Int.: Emma Watson, Dan Stevens, Luke Evans, Kevin Kline, Josh Gad, Ewan McGregor, Stanley Tucci, Audra McDonald, Guggu Mbatha-Raw, Ian McKellen, Emma Thompson
¿De qué va?: Bella es una joven hermosa, lista e independiente a la que una temible bestia hace prisionera en su misterioso castillo. A pesar de sus temores, Bella se hace amiga de los habitantes encantados de la morada y aprende a ver más allá del espantoso aspecto de la bestia, aunque hará falta algo más para romper el hechizo que tiene embrujado a todo el castillo.

Reseña: Echando un vistazo a la cartelera y a las apuestas más importantes de las majors de Hollywood para este año, resulta inevitable cuestionarse si la maquinaria cultural contemporánea es tan incapaz de producir ideas, historias y personajes icónicos que debe tirar de nostalgia para conseguir arrastrar al público a las salas. Nos quejamos de la falta de originalidad, pero a todos nos gusta ir sobre seguro, ver lo familiar, lo que sabemos que nos va a gustar, y aunque el porcentaje de novedad sea insignificante (un sombrero para la Stacy Malibú que dirían Los Simpsons) nos quedamos satisfechos porque el ser humano es animal de costumbres y tradición. Si Disney, con lo bien que le está yendo con su estudio de animación, Star Wars y Marvel, sigue sacando remakes en acción real de sus clásicos es porque le da al pueblo lo que quiere, y así será hasta que éste se canse (complicado) o hasta que no le queden películas que revisitar.

BEAUTY AND THE BEAST

Siendo La bella y la bestia una de las producciones más queridas de la factoría Disney, su remake en acción real ers cuestión de tiempo desde que el estudio se topó con el enorme éxito de la Alicia en el país de las maravillas de Tim Burton. También era previsible que Bill Condon y los guionistas tendrían menor margen de maniobra que el que tuvo Jon Favreau con la notable El libro de la selva para alterar la historia, dada la pasión talifán que despierta la película. Y si bien los cambios más sonados han sido un carácter más aguerrido por parte de la heroína y que la homosexualidad de uno de los personajes resulta ahora más que obvia, también hay nuevas canciones y detalles argumentales, como los que atañen a la madre ausente de Bella. Sin embargo, que los mejores momentos de la película sean recreaciones fidedignas de diferentes escenas de la película de animación, mientras que ninguna de los añadidos lo sea, da que pensar sobre dónde reside el verdadero mérito artístico de este remedo.

Beauty and the Beast

También es curioso que, pese a que dure algo más de media hora que su referente, transmita la impresión de que todo sucede de forma muy acelerada. Todo ocurre en cuestión de días, las relaciones que establece Bella con los habitantes del castillo se sienten forzadas, y, dependiendo del día, la distancia que separa este último de la aldea de paletos donde vive la muchacha es cuestión de minutos u horas. Bestia no impone como en antaño (y su aspecto digital podría haber sido mejor), mientras que Emma Watson alterna la corrección con el piloto automático; véase su escasa expresividad mientras un montón de objetos mágicos montan un número espectacular delante de sus narices. El trabajo vocal de Ewan McGregor, Ian McKellen, Emma Thompson y compañía es muy disfrutable, pero lo es aún más la dupla formada por Gastón y Le Fou, encarnados por Luke Evans y Josh Gad respectivamente. Además de hilarante, el número musical que ambos protagonizan es el momento de la película que mejor aúna fidelidad e innovación del conjunto.

BEAUTY AND THE BEAST

La bella y la bestia ya está haciendo las delicias de un público de todas las edades y de todos los rincones del planeta. Pero si tú, amigo lector, no te has sentido tan conmovido ni emocionado como el resto del mundo, si sospechas que la película no tiene nada que hacer frente a un revisionado de la cinta original , si te gustó más la presentación de la historia a través de vidrieras de aquella, y si te ha parecido demasiado cursi la presentación del elenco en los créditos finales, que sepas que no estás solo. Al fin y al cabo, la magia Disney no surte efecto en todo el mundo por igual, y en esta ocasión ha resultado ser más la reproducción renqueante de un viejo truco que uno nuevo que despierte emociones que no sean sinónimo de nostalgia.

6/10

22/3/17

Mi gran amigo Kong

Poster Kong

Dir.: Jordan Vogt-Roberts
Int.: Tom Hiddleston, Brie Larson, Samuel L. Jackson, John Goodman, John C. Reilly, Thomas Mann, Toby Kebbell, Jing Tian, John Ortiz, Shea Whigham
¿De qué va?: En los años 70, un grupo de exploradores y militares se reúne para viajar a una misteriosa isla del Pacífico que no aparece en los mapas, sin saber que está invadiendo los dominios de Kong, un gorila inmenso que no les recibirá con los abrazos abiertos precisamente…

Reseña: A Hollywood le cuesta mucho despedirse de sus figuras más icónicas, sobre todo cuando confían en que todavía pueden sacarle algún rendimiento económico. ¿Que el remake de King Kong de Peter Jackson no cumplió las altas expectativas de taquilla? No pasa nada, dejamos que pase un poco de tiempo y lo intentamos una vez más, sin tanto sentimiento pero con más acción. Para fortuna de los fans incondicionales, esta nueva aparición del gigantesco gorila es algo más que una mera explotación de la marca, gracias a su autoconsciencia, al buen hacer de sus responsables y a los escasos reparos que tiene de abrazar las convenciones del serie B… tanto para lo bueno como para lo malo.

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De entrada sorprende que, en vez de ambientar la historia en la actualidad o en los años 30 como el film original, se haya optado por los 70, justo después de que Estados Unidos se retirase de Vietnam. Esta elección no sólo sirve para que el director, Jordan Vogt-Roberts, homenajee Apocalypse Now en varias ocasiones y se flipe con la selección musical, sino para puntualizar el gran mal de los Estados Unidos (meterse las narices donde no les llaman, básicamente), y darle algo de trasfondo al militar al que da vida Samuel L. Jackson, un tipo que no podría soportar otra retirada indecorosa del campo de batalla. Lamentablemente, Kong: La isla calavera recae en el mismo problema que padecía el Godzilla de Gareth Edwards, que no es otro que una galería de personajes plano, plano, el cual se puede dividir en dos categorías: los héroes/supervivientes y la carnaza para los bicharracos. La película confía en el carisma natural de sus actores para que la platea pueda sentir alguna afinidad con los personajes, algo que ocurre fácilmente con Brie Larson, pero puede que no tanto con Tom Hiddleston, si tenemos en cuenta lo mal que ha manejado su imagen pública en el último año. El único que se salva es John C. Reilly, pues a pesar de entrar en escena a mitad de metraje se gana rápidamente la simpatía del personal, erigiéndose como el auténtico gancho emocional de la historia.

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Hay algo en lo que Kong sí mejora respecto a Godzilla: las dosis de entretenimiento. Vogt-Roberts rebaja la gravedad y seriedad de aquel film, va directa al grano, no tarda demasiado en mostrar a su criatura estrella en todo su esplendor, y alterna muy bien acción, comedia, suspense, truculencia y terror, ofreciendo una aventura equilibrada y deudora (en el buen sentido) del género pulp más gozoso y desvergonzado. Kong luce francamente bien y el resto de criaturas que pulula por la isla son variopintas, sorprendentes y originales. Además, la película viene cargada de imágenes de una potencia visual apabullante, quizás demasiado perfectas y calculadas, pero que consiguen su propósito, que no es otro que impedir que apartemos nuestra mirada de la pantalla y que nos asombremos con su belleza y exuberancia (fantástico trabajo de fotografía de Larry Fong).

Kong1

Si sólo se hubieran preocupado en trabajar un poco a los personajes para que no fuesen simples avatares, estaríamos hablando de una de las películas de aventuras más modélicas de la cosecha de blockbusters reciente. También habría estado bien elaborar un desenlace que no fuese tan insípido, superado ampliamente tanto por la escena que acompaña a los primeros créditos como por la que está escondida al final de éstos. Esta última no es que sea nada del otro mundo, pero alimenta el hype en torno a lo que está por llegar. En definitiva, a pesar de sus evidentes puntos débiles, Kong: La isla calavera es una reinvención digna, inteligente y muy disfrutable de la mitología del gorila más grande del mundo, que goza de una segunda oportunidad para lucirse ahora que la gritona de Ann Darrow está fuera del mapa.

7’5/10

20/3/17

Largo domingo de resaca

Poster Trainspotting2

Dir.: Danny Boyle
Int.: Ewan McGregor, Jonny Lee Miller, Robert Carlyle, Ewan Bremmer, Anjela Nedyalkova, Kelly Macdonald, Shirley Henderson, Pauline Turner, Scot Greenan
¿De qué va?: Han pasado 20 años desde que Mark Renton abandonara Escocia y la heroína. Ahora, Renton vuelve a su Edimburgo natal con el objetivo de rehacer su vida y reencontrarse con sus viejos amigos: David “Spud” Murphy y Simon “Sick Boy” Williamson. Sin embargo, Renton ignora que Begbie acaba de salir de la cárcel con fuertes deseos de venganza.

Reseña: Si algo hemos aprendido del boom de ‘revivals’ y secuelas tardías que hemos experimentados en los últimos años es que la nostalgia es un arma de doble filo. Porque al tiempo que nos reconfortamos recordando los viejos y buenos tiempos percibimos de forma más clara que nunca lo decepcionante que es nuestro presente respecto a las expectativas que nos habíamos creado, cuando éste aún era un futuro incierto pero prometedor. En T2: Trainspotting, esta agridulce melancolía se materializa en el personaje de Brenton, pues ese chaval delque nos despedimos veinte años atrás abandonando los vicios que había adquirido en Escocia para empezar una nueva y mejor vida, resulta que se ha convertido en un hombre gris, un proyecto de yuppy sin acabar, al que el pasado le pesa más que aquella gran bosa de dinero que le birló a sus colegas.

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La gran duda que se tenía en torno a esta secuela radicaba en que si se limitaría a ser un más de lo mismo o algo diferente y más maduro, acorde con la edad de los protagonistas. Pues bien, Danny Boyle se ha esforzado por alcanzar un término medio entre la repetición y la novedad, con una historia que incluye la nostalgia por aquellos frenéticos y alucinógenos 90 como parte esencial de su trama, al tiempo que hace que sus personajes lidien con conflictos y dilemas propios de los hombres en la cuarentena, como el remordimiento, las crisis de madurez, la necesidad de una estabilidad económica, el vínculo con los hijos o la importancia del legado. En cierta manera, T2: Trainspotting es desalentadora, en el sentido de que carece del espíritu juvenil y despreocupado de su precedente, lo cual, por otra parte, resulta bastante coherente.

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Aún así, la existencia de esta secuela no queda del todo justificada. La forma en la que saca a colación los temas que aborda no resulta especialmente atractiva ni rompedora, a través de un desarrollo argumental que a veces parece ir un poco a la deriva y que arrastra consigo a los protagonistas, de los cuales Robert Carlyle es el único que consigue brillar, más que nada porque su personaje, de naturaleza tan tragicómica, es el que mejor tratamiento ha recibido en esta secuela. En cambio, Renton (Ewan McGregor) era mucho más carismático cuando se drogaba, y su amistad con Sick Boy (Jonny Lee Miller) queda un poco forzada, puesto que en la primera parte apenas pasaban tiempo juntos. Tal vez el mayor problema de la película sea la experiencia que Danny Boyle ha ganado como director entre el estreno de la primera Trainspotting y su secuela; la inventiva de aquel entonces ha dado lugar a una pericia muy calculada que impide que la película tome riesgos y que algo nos sorprenda de verdad, aunque también es verdad que Boyle sigue demostrando mucho ingenio en lo que se refiere a recursos narrativos puramente visuales (la sombra de las personas ausentes, la escena del lavabo, el reencuentro entre Renton y Spud…).

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Sin tanto interés en retratar los vicios de la cultura pop como la cinta original, T2: Trainspotting es como la resaca después de una gran juerga, de esas de las que necesitas dos días para recuperarte porque ya no tienes el aguante de antaño. No estoy del todo seguro de que me haya gustado descubrir que Renton y compañía han tenido unas vidas tan anodinas como las de cualquier hijo de vecino, aunque fuese de esperar. El film también se muestra incapaz de presentar un repertorio musical que resulte tan icónico como el de su predecesora, aunque sí que consigue que terminemos el visionado dando botes recurriendo a ese Lust for Life de The Prodigy con el que cierra el círculo de este ejercicio de nostalgia y desencanto cuarentón.

6/10

13/3/17

Al pie de la acotación

Poster Fences

Dir.: Denzel Washington
Int.: Denzel Washington, Viola Davis, Stephen Henderson, Russell Hornsby, Mykelti Williamson, Jovan Adepo, Saniyya Sidney
¿De qué va?: Troy Maxon  es un trabajador del sistema de alcantarillado del Pittsburgh de los años 50 que de joven vio cómo su prometedora carrera como profesional de béisbol se truncó, dada la negativa de la liga profesional de admitir a jugadores negros. Ahora se tiene que conformar con una vida humilde, y aunque se esfuerza por ser un buen marido y padre, su frustración le corroe y amenaza con destrozar a su familia.

Reseña: La fidelidad está sobrevalorada. Me refiero en el cine, claro. Una película no tiene por qué ser estrictamente fiel a la obra en la que se basa. El proceso de adaptación entre un medio y otro puede ser más rico que la mera traslación al celuloide que muchos desean. Todo esto viene a cuento del miedo que los grandes estudios de Hollywood le tienen a los “talifanes”, a los que tienen que mantener contentos dada su capacidad para hundir una película antes de su estreno a través de su “influencia” en las redes sociales. Pero hay ocasiones en que esa literalidad en la traslación no tiene que ver con el público al que está destinado, sino con la profunda admiración que se tiene al material de origen. Si algo funciona, ¿para que cambiarlo?

FENCES

Probablemente fue eso lo que pensó Denzel Washington cuando se le ofreció la oportunidad de capitanear el salto al cine de Fences, aclamada obra teatral de August Wilson, figura clave de la dramaturgia afroamericana y que, para más inri, el doblemente oscarizado actor interpretó sobre las tablas de Broadway hace pocos años. Precisamente, esa falta de distancia que tiene Washington respecto a la obra es lo que termina por lastrar la propuesta, que es básicamente la misma pieza teatral representada en un decorado más realista. La película está tan teatralizada y es tan perezosa que los actores se mueven y se colocan como si estuvieran en el propio escenario del teatro, mientras que el ritmo se ralentiza hasta la exasperación por las larguísimas peroratas que suelta el protagonista de vez en cuando para entretener a sus colegas, con nada que aportar al conjunto. Washington se ha arriesgado tan poco que recurre al mismo reparto principal que lo acompañó en Broadway, siendo el montaje de imágenes que se suceden entre acto y acto lo único que probablemente sea nuevo respecto a su referente.

FENCES

El director y protagonista dispone de todos los elementos a su alcance para lucirse en un papel antipático y ególatra destinado a aglutinar premios. Sin embargo, Viola Davis le acaba comiendo la tostada a partir del momento en el que el conflicto estalla y su personaje también, sacando todas sus armas (voz rota, lágrimas, mocos, furia, tristeza, instinto maternal, resignación…) para robar cada escena, y esa empatía que desprende es lo que hace que la película mejore en su parte final, aunque nunca llegue a soltar el lastre de su herencia teatral. Y no es porque no trate temas suculentos e interesantes, como las consecuencias de la frustración personal, el hastío de la rutina, la envidia que puede sentir un padre de su hijo o los efectos colaterales del racismo, siendo este el gran elefante presente en cada uno de los escenarios en los que se desarrolla la historia. Pero a Fences le ha faltado alguien al que no le temblara el pulso a la hora de cortar diálogos y que aprovechase los recursos que el cine le brinda para ofrecer una interpretación diferente del texto de August Wilson, y en cambio, le ha sobrado veneración y respeto por este último

4,5/10

8/3/17

Desarmando al murciélago

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Dir.: Chris McKay
¿De qué va?: Bruce Wayne debe lidiar tanto con que Gotham City ya no necesite que vuelva a ser Batman nunca más como con la responsabilidad de criar a un niño que ha adoptado sin querer.

Reseña: Lo que más sorprendió de la ya de por sí sorprendente, imaginativa y divertidísima LEGO película fue lo robaescenas nato que resultó ser el personaje de Batman, con una vis cómica que no demostraba desde aquella mítica serie camp de los 60. Por tanto, a nadie le sorprendió que Warner decidiese rápidamente sacar un spin-off centrado en él, teniendo también en cuenta el valor lucrativo del que ha gozado siempre el Hombre Murciélago y el poco reparo que tienen en explotar al personaje. Afortunadamente, Batman: La LEGO película va más allá de ser un simple sacacuartos familiar para ofrecer una original e inventiva aventura, aunque no termine de alcanzar el inesperado nivel de calidad artística que tuvo la obra de la que parte.

LEGO BATMAN

“Pues me ha gustado más que la de Batman contra Superman”. Seguramente esa sea una de las frases más recurrentes a la salida de la proyección de esta película hecha con bloques de lego por ordenador, y todo porque tiene a raudales algo de lo que la película de Zack Snyder flaqueaba: diversión. El film vuelve a ser planteado como un gran juego de niños en el que los disparos y las explosiones son sonidos que hacemos con la boca, mientras que vemos, por primera vez, a Batman disfrutando y jactándose de ser quien es y teniendo una respuesta ingeniosa para cualquier situación. Aún así, Bruce Wayne no se libra de su resabido trauma familiar, pero éste es empleado para explorar la soledad autoimpuesta del superhéroe de una forma tremendamente hilarante, en la que incluso hay cabida para mofarse del vínculo paternofilial que mantiene con Robin y de la evolución que ha experimentado la franquicia cinematográfica a lo largo de los años. Incluso esa relación de odio y dependencia que ha mantenido siempre con el Joker es escudriñada en la cinta, siendo este último la versión más entrañable del villano que hemos llegado a conocer.

LEGO BATMAN MOVIE

Si bien la película empieza de forma genial y resulta loable que no recurra a los gags ya empleados en La LEGO película, en su recta final baja un poco el listón, cuando las risas ceden terreno a la acción y los mensajes positivos sobre la importancia de la familia y de la amistad. También es un poco decepcionante que el guion desaproveche a villanos tan carismáticos como Catwoman, Hiedra Venenosa o Dos Caras y los reduzca a meros figurantes de la trama. Aún así, Batman: La LEGO película es una notable, divertidísima y desprejuiciada incorporación a la saga cinematográfica del Hombre Murciélago, un necesario soplo de aire fresco al tratamiento cada vez más intensito y oscuro del personaje y un sano ejercicio de autoparodia afianzado por el magnífico trabajo vocal realizado por Will Arnett, quien, entre que es la voz del Batman Lego y de Bojack Horseman, merece subir a los altares de la interpretación animada, si es que eso existe.

8/10

6/3/17

La viuda de América

Poster Jackie

Dir.: Pablo Larraín
Int.: Natalie Portman, Peter Sarsgaard, Greta Gerwig, Billy Crudup, John Hurt, John Carroll Lynch, Richard E. Grant, Max Casella, Beth Grant
¿De qué va?: La vida de Jackie Kennedy cambia para siempre cuando su marido John F. Kennedy, presidente de los Estados Unidos, es asesinado en Dallas, Texas. Durante los días posteriores al suceso, la Primera Drama no sólo tiene que hacer frente a la pérdida de su marido, sino también afrontar el impacto que su muerte causa en el mundo entero.

Reseña: Los antecedentes no eran halagüeños. Los biopics de Diana de Gales y Grace de Mónaco hicieron un flaco favor a las respectivas carreras de Naomi Watts y Nicole Kidman, y fueron vilipendiados por ser demasiado adocenados e ignorar la transgresión implícita en la vida de ambos personajes. Por ello, la idea de una película biográfica de un personaje igual de aristocrático y glamuroso, Jacqueline Kennedy, no parecía especialmente tentadora. Sin embargo, Jackie no es un biopic al uso; de hecho, no debería ni considerarse como tal, porque está menos preocupado en retratar la vida de la que fuese la Primera Dama como en profundizar en el personaje y en las jugosas posibilidades temáticas y conceptuales que éste le ofrece partiendo de una doble vertiente, real e imaginada.

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Con la entrevista que concedió a la revista Time poco después de la muerte de John F. Kennedy como columna vertebral, el debut norteamericano del chileno Pablo Larraín explora la psique de Jackie a través de diferentes líneas narrativas: unas fielmente recreadas, como el tour televisivo que concedió para mostrar la redecoración que realizó en la Casa Blanca o el funeral de Kennedy, y otras que fantasean con su intimidad, como la última noche que pasó en el que fue su hogar durante casi tres años. De esta dicotomía surge un profundo análisis de la relación y el contraste entre la imagen pública y la privada, retratando a Jackie como una mujer que siempre supo transmitir a los medios y al público el mensaje adecuado para cada circunstancia, ya fuese el valor histórico de su redecoración o la transcendencia del legado de su marido; que fuese así o no era lo de menos, lo importante era orquestar el escenario de forma que el público no pudiese mirar a otro lado.

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Y si el público norteamericano era incapaz de apartar la mirada de Jackie, a nosotros nos ocurre lo mismo con Natalie Portman, que está absolutamente fantástica en la piel de la ex Primera Dama. No es sólo una cuestión de que imite a la perfección la cadencia de la voz y el lenguaje corporal, su interpretación resulta tan magnética como conmovedora a la hora de transmitir la inteligencia de Jackie, su duelo personal y el profundo terror y dolor que debió sentir durante esos días. Larraín, que es muy listo, nunca se distancia demasiado de la actriz, y planta la cámara en un primerísimo primer plano cuando la recién viuda llora y se quita la sangre y los sesos de su marido de la cara… para poco después negarse en rotundo a quitarse su icónico Channel rosa, con el fin de no restar ni un ápice de drama a lo que había ocurrido. Una vez más, la importancia de tener un control absoluto de la apariencia, aunque tras ella sólo hayan unas ganas terribles de esconderse del mundo.

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Jackie es, en definitiva, uno de los retratos femeninos más complejos, interesantes y turbios del cine reciente. Un falso biopic que se revela como una pesadilla inducida por la fantásticamente incómoda y perturbadora banda sonora compuesta por Mica Levi para la ocasión. Una película que no teme resultar antipática o incómoda, y que por ello puede ser acusada injustamente de distante y fría. Al contrario, Larraín, Portman y el guionista Noah Oppenheim nos arrastran a los convulsos días de dolor y furia de una mujer que supo mantener la compostura mientras su vida se venía abajo, moldeando la imagen de su marido hasta mitificarlo pese a sus claroscuros y a que ella nunca llegó a ser considerada algo más que un icono de moda. Y es que detrás de cada gran hombre, hay una mujer aún mayor.

9/10

5/3/17

Itinerario de estrenos de marzo 2017

Estrenos_Marzo


Kong: La isla calavera:
King Kong vuelve a la gran pantalla con este reboot inspirado en la novela ilustrada Kong: King of Skull Island de Joe DeVito. La historia se centra en un grupo de exploradores que se adentra en una misteriosa isla del Pacífico que no sale en los mapas, en busca del hermano de uno de ellos y de un suero de vital importancia, topándose por el camino con todo tipo de criaturas fantásticas y peligrosas. Jordan Vogt-Roberts (The Kings of Summer) dirige el film protagonizado por Tom Hiddleston (High-Rise), Brie Larson (La habitación), Samuel L. Jackson (xXx: Reactivated), John Goodman (Calle Cloverfield 10), John C. Reilly (Langosta) y Toby Kebbell (Un monstruo viene a verme). Hay primeras impresiones para todos los gustos, pero las positivas ganan por mayoría a las negativas.
Estreno: 10 de marzo



El fundador:
Biopic del creador de McDonald’s, Ray Kroc, quien tras conocer en los años 50 a los hermanos Richard y Maurice McDonald y su innovador sistema de cocina de hamburguesas, decidió arrebatarles la idea para iniciar un imperio de franquicias valorado hoy en día en un billón de dólares. John Lee Hancock (Al encuentro de Mr. Banks) dirige la película que protagoniza Michael Keaton (Spotlight), secundado por Laura Dern (Alma salvaje), Nick Offerman (Yo, él y Raquel), John Carroll Lynch (Jackie), Linda Cardellini (Vengadores: La era de Ultrón) y Patrick Wilson (Expediente Warren: El caso Enfield). Las críticas han sido generalmente positivas, destacando especialmente el trabajo de Keaton.
Estreno: 10 de marzo



La bella y la bestia:
Adaptación del clásico Disney homónimo que se le ha encomendado a Bill Condon (Mr. Holmes) con un elenco en el que figuran Emma Watson (Colonia), Dan Stevens (The Guest), Luke Evans (High Rise), Kevin Kline (Ricki), Josh Gad (Pixels), Ewan McGregor (T2 Trainspotting), Ian McKellen (Mr. Holmes), Emma Thompson (Bridget Jones’ Baby) y Stanely Tucci (Spotlight). La historia, pese a ser archiconocida por todos, podría seguir teniendo el suficiente gancho como para convertir el film en uno de los taquillazos del año. Las críticas de momento están siendo sorprendentemente optimistas.
Estreno: 17 de marzo



La cura del bienestar:
Ambicioso thriller psicológico orquestado por Gore Verbinski (El llanero solitario) ¡de dos horas y media! que gira al joven ejecutivo de una empresa que es enviado para traer de vuelta al CEO de su compañía , que se encuentra en un centro de retiro en un lugar remoto de los Alpes suizos. Pero al llegar allí, el chico empieza a sospechar que los tratamientos milagrosos del centro no son lo que parecen. Dane DeHaan (Life), Jason Isaacs (Infiltrado) y Mia Goth (Everest) protagonizan esta película que, a juzgar por las demoledoras críticas norteamericanas, no es tan buena como promete su potente tráiler.
Estreno: 24 de marzo



Ghost in the Shell:
Adaptación cinematográfica y norteamericana del aclamado manga nipón de Masamune Shirow sobre un híbrido entre cyborg y mujer que dirige un grupo operativo de élite, Sección 9, consagrado a detener a criminales, extremistas y delincuentes informáticos. Rupert Sanders (Blancanieves y la leyenda del cazador) es su director y Scarlett Johansson (Capitán América: Civil War) su flamante protagonista, secundada por Michael Pitt (Orígenes), Juliette Binoche (Los 33), Pilou Asbæk (La gran muralla), Takeshi Kitano (Outrage 2) y Michael Wincott (Hitchcock). De momento no hay valoraciones sobre la película, pero los avances son esperanzadores.
Estreno: 31 de marzo

1/3/17

Actor del mes: Ewan McGregor

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Méritos: Si hay algo en la carrera de Ewan McGregor que destaca, tanto para bien como para mal, es la constancia. Ha participado en grandes éxitos comerciales, fracasos estrepitosos, joyas indie, películas inanes, como protagonista, como secundario de lujo… Pero su carrera nunca se ve afectada en ningún aspecto, quizás porque los estudios y los directores confían más en él por la seguridad que da como actor que por el valor que pueda tener en la taquilla. El actor escocés ha llegado a un punto en el que puede sobrevivir a cualquier fiasco, incluso al que ha supuesto su debut detrás de las cámaras, American Pastoral, la adaptación cinematográfica de la aclamada novela de Philip Roth, que también protagonizó, cuyas malas críticas provocaron la cancelación de su estreno comercial en España hasta nuevo aviso.

Por suerte para él, ya nadie se acuerda de la película, y en la cartelera patria van a coincidir este mes tres películas en las que encarna a tres personajes icónicos, cada uno en su ámbito: en T2 Trainspotting recupera a uno de los personajes más importantes de su carrera, el yonqui Renton, ahora rehabilitado y… ¿reformado?; en La Bella y la Bestia da vida a un personaje tan querido de la película de Disney como es Lumiere, mientras que en Últimos días en el desierto da vida al mismísimo Jesús de Nazaret ¿Acaso existe un personaje más mítico que éste? Obi Wan Kenobi para los frikis, al que también encarnó en tres películas. Y para el mes que viene, más y probablemente mejor: el 27 de abril empezará a emitirse la tercera temporada de Fargo, donde McGregor tendrá un doble papel dando vida a dos gemelos, un vehículo de lucimiento perfecto que ya aprovecharon Billy Bob Thornton y Kirsten Dunst en temporadas precedentes y que podría propiciar el ver al protagonista de Moulin Rouge recogiendo galardones por primera vez en su carrera. Porque ya va siendo hora de reconocer el trabajo de uno de los intérpretes más polifacéticos, carismáticos y solícitos de la industria cinematográfica mundial.

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Doce icónicas interpretaciones de Ewan Mcgregor

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De izquierda a derecha y de arriba a abajo: el colocón de Trainspotting (1995) le dio a conocer entre la cinefilia mundial; sacó a relucir su vena más trasnochada en Velvet Goldmine (1998); en Moulin Rouge (2001) enamoró a Nicole Kidman y al mundo entero entonando el Your Song de Elton John; McGregor se fue a la guerra, qué dolor, qué dolor, qué pena, en Black Hawk derribado (2001); aprobó con nota emulando a Rock Hudson en Abajo el amor (2003); fue un soñador y un romántico empedernido en una de las mejores películas de Tim Burton, Big Fish (2003); interpretó a Obi Wan Kenobi en tres películas, pero fue en Star Wars: Episodio III – La venganza de los Sith (2005) donde pudo lucirse más por culpa del desengaño que sufrió con su pupilo Anakin; fue el dulce objeto de deseo de Jim Carrey en Philip Morris ¡Te quiero! (2009); vivió el apocalipsis más romántico del cine junto a Eva Green en Perfect Sense (2011); en Beginners (2011) encarnó a un tipo de los más normal que era pura y gozosa melancolía; no lo pasó tan mal como Naomi Watts pero sufrió de lo lindo por su familia en Lo imposible (2012); aunque La venganza de Jane (2016) fue un fracaso, él se lo pasó pipa dando vida al villano de la función.

¿Sabías que…?

- Fue compañero de piso de Jude Law cuando llegó por primera vez a Los Angeles en busca de trabajo como actor. A día de hoy siguen siendo amigos cercanos.

- Tras trabajar juntos en Tumba abierta (1994), Trainspotting (1996) y Una historia diferente (1997), Danny Boyle y McGregor se retiraron la palabra cuando éste se enfadó tras ver que el rol protagonista de La playa (2000) era para Leonardo DiCaprio y no para él. Sin embargo, ambos hicieron las paces en el 2015, de ahí que hayan podido volver a colaborar para la secuela de Trainspotting.

- Se embarcó en un viaje en motocicleta por todo el mundo en el año 2004 junto a su amigo y compañero de profesión Charley Boorman, que quedó capturado en una miniserie documental, Long Way Round.

- Fue considerado para el rol de Will Turner en Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra (2003), que al final fue a parar a Orlando Bloom. También fue tentado para protagonizar Un niño grande (2002) y el remake de Alfie (2004) que acabaría protagonizando su amigo Jude Law.

- Rechazó el papel protagonista de Matrix (1999) por el del joven Obi Wan Kenobi en La amenaza fantasma (1999), de la misma manera que terminó por no aceptar un papel en Ocean’s Eleven (2001) al decantarse por Black Hawk derribado (2001).

- Fue el primer intérprete extranjero en estar nominado en la categoría de mejor actor de reparto de los Goya por Lo Imposible, cuyo rodaje tuvo que cancelarse unos días cuando un extra de la película algo trastornado se dedicó a dejarle amenazas de muerte en el camerino. El tipo declaró que, a pesar de que describía en las notas cómo apuñalaba al actor, se trataba únicamente de poesía.

 

Extras:

Tráiler de T2: Trainspotting

Tráiler de La bella y la bestia

Tráiler de Últimos días en el desierto

Entrevista sobre American Pastoral

Catfish and the Bottlemen – Hourglass

Ceremonia de entrega Premio Donostia Ewan McGregor