15/5/18

O.C: Las señoritas de Rochefort (1967)

Poster Las señoritas de Rochefort¿De qué va?: Delphine y Solange Garnier, dos gemelas que se ganan la vida dando clases de música y danza, deciden marcharse a París para proseguir sus respectivas carreras profesionales y encontrar a su hombre ideal. El último fin de semana que pasan en Rochefort cambia por completo sus vidas... y las de casi toda la población, tras la llegada de un grupo de feriantes que se instala en la plaza principal.

Reputación: Homenaje al musical de la Edad de Oro de Hollywood por parte de Jacques Demy, quien antes de elegir Rochefort como el escenario de la película, consideró Avignon, Toulouse y La Rochelle entre otras localizaciones francesas. Finalmente se decantó por Rochefort debido al tamaño de su plaza principal, aunque el diseñador de producción, Bernand Evein, tuvo que mandar a repintar 40.000 metros cuadrados de las fachadas del lugar. La única interprete que no fue doblada en los números musicales fue Danielle Darrieux, que encarnaba a la matriarca de las protagonistas, Catherine Deneuve y Françoise  Dorleac, también hermanas en la vida real, pero no gemelas. Desgraciadamente, Dorleac murió a los 25 años en un accidente de tráfico, tan solo tres meses después del estreno de la película en Francia, y casi un año antes de su lanzamiento en Estados Unidos, donde recibió una nominación al Oscar a la mejor banda sonora adaptada. La cineasta Agnès Varda, esposa de Jacques Demy, hizo un cameo encarnando a una monja que visita una tienda de música, y realizó en 1993 el documental Les Demoiselles ont eu 25 ans, sobre el rodaje de la película y el impacto que causó en los habitantes de Rochefort. En 2003, el film fue adaptado para el teatro, con cuatro canciones nuevas, y salió de gira por toda Francia, además de ser una de las principales inspiraciones de Damien Chazelle para La La Land (2016).

Las señoritas de Rochefort

Comentario: Tres años después de estrenar la melancólica Los paraguas de Cherburgo, Jacques Demy presentó este alegre musical en el que la presencia de Gene Kelly no hace más que reafirmar que se trata de un cariñoso tributo al musical clásico americano, a su ingenuidad y su inmensa capacidad para hacernos soñar despiertos. Entre canciones, enredos, encuentros y desencuentros, las gemelas sueñan con mudarse a París y nosotros con recorrer las calles de esa colorida y soleada localidad en la que algunos de sus habitantes se encuentran más cerca que nunca de alcanzar por fin el amor ideal, algo que seguramente Demy creía que sólo podía existir en un musical de Hollywood, de ahí su absoluta entrega por hacer que nos olvidemos durante dos horas del mundo real, y así volver a creer en flechazos apasionados, finales felices y celebraciones del amor en forma de bailes espontáneos. Porque hay ocasiones en las que merece la pena dejar el escepticismo aparcado.

Próximo visionado: Entre tinieblas (1983)

14/5/18

Encuentros en la fase punk

Poster How to talk to girls at parties


Dir.: John Cameron Mitchell
Int.: Alex Sharp, Elle Fanning, Nicole Kidman, Ruth Wilson, Matt Lucas, Ethan Lawrence, Stephanie Hazel, Rory Nolan
¿De qué va?: En la Gran Bretaña de los 70, un tímido rockero punk adolescente llamado Enn y sus dos amigos se cuelan en una fiesta en donde conocen a un grupo de chicas extrañas y etéreas; al principio piensan que se trata de una secta, pero pronto se dan cuenta de que son en realidad de otro planeta visitando la Tierra para completar un misterioso rito.

Reseña: A principios de los años 2000, se publicó un videojuego de baile para Dreamcast y PlayStation 2 llamado Space Channel 5 en el que una reportera interestelar se enfrentaba a un extraño alienígena valiéndose de sus movimientos funky, toda una rareza que llegó a contar con un cameo virtual del mismísimo Michael Jackson y que se convirtió rápidamente en obra de culto. Simple y llanamente, era una tremenda marcianada que molaba. Algo así ocurre con How to Talk to Girls at Parties, una adaptación libre de la novela gráfica breve de Neil Gaiman que mezcla ciencia ficción colorida y retro con punk mugriento y ruidoso.

How to talk to girls at parties

Tras el despliegue de sobriedad dramático de la estupenda Rabbit Hole (2010), John Cameron Mitchell vuelve a soltarse la melena como ya hizo en el icónico musical Hedwig and the Angry Inch (2001) y con la revolución sexual de Shortbus (2006) mirando al espacio exterior, aunque esa estética futurista entre Los Supersónicos de Hannah-Barbera, la literatura pulp y una parodia porno demuestra que la ciencia ficción ni se la toma en serio ni le interesa demasiado. De hecho, la esencia de la película se encuentra en la contraposición entre el aséptico y cerebral estilo de vida de los extraterrestres y la agitada libertad de la comunidad punk que se cruza con ellos. Así, se establece el escenario de una historia de amor en la que Julieta es una extraterrestre que se rebela y se descubre a sí misma de la mano de un Romeo atolondrado e inconformista.

How to talk to girls at parties2

La pareja protagonista, encarnada por Alex Sharp y Elle Fanning, resulta tremendamente entrañable y encantadora, y es gracias a ellos en buena medida que la película se mantiene en pie incluso cuando a su director se le va demasiado la pinza; mención especial merece una Nicole Kidman pletórica como reina punk, demostrando una vez más que es una camaleónica fuerza de la naturaleza sin miedo a nada, ni siquiera a hacer el ridículo. Porque How to Talk to Girls At Parties puede ser por momentos demasiado absurda y psicotrópica, y por lo general no tan hilarante como cree ser, pero como sincero tributo al movimiento punk, a las bandas que lo definieron, a su espíritu contestatario y de denuncia y, en definitiva, a la ruptura que supuso de todas las normas sociales prestablecidas, tiene todo el sentido del mundo... y del espacio exterior también.

6’5/10

10/5/18

Conjura del silencio

Poster Un lugar tranquilo


Dir.: John Krasinski
Int.: John Krasinski, Emily Blunt, Millicent Simmons, Noah Jupe, Cade Woodward, Leon Russom
¿De qué va?: Evelyn y Lee Abbott son una pareja con tres hijos que vive en una granja aislada de toda civilización. Esta familia ha sobrevivido durante meses en un mundo invadido y amenazado por mortales criaturas que se guían por el sonido para cazar. En este contexto en el que una palabra puede significar la muerte, la familia Abbott vive silenciosamente, andan descalzos y se comunican por medio del lenguaje de señas.

Reseña: El sonido, y la ausencia de él, ha sido un elemento primordial en el género de terror: el viento que sopla, crujidos, gritos, sonidos inhumanos o el silencio que anticipa el susto de turno con su consecuente brinco en la butaca, son algunos de los recursos clásicos para mantener en vilo y hacer sudar al personal, pero pocas veces había sido tan protagonista como en Un lugar tranquilo, película con la que John Krasinski reclama un estatus de estrella que se le había resistido hasta ahora. El actor, al que próximamente veremos dando vida a Jack Ryan en una serie para Amazon, dirige y protagoniza esta pequeña cinta de terror con tintes de serie B que ha tenido un éxito ensordecedor gracias a su atractiva premisa: una familia debe vivir en completo silencio para no llamar la atención de unas misteriosas criaturas que atrapan a sus presas a través del ruido que estas generan.

A QUIET PLACE

El prólogo presenta el apocalíptico contexto y las normas por las que se va a regir la historia, además de dar un golpe de efecto brutal que define el conflicto emocional de los integrantes de esta familia. Krasinski se esmera asentar una puesta de escena cuidadosa que expone con detalle el día a día de los protagonistas y las diferentes localizaciones en los que se desarrolla la trama, de forma que cuando el infierno se desata tenemos una noción perfecta del terreno de juego. Resulta igualmente loable la urgencia y la tensión que se produce cuando un ruido rompe con el sonido imperante, contagiándonos rápidamente la necesidad de salir pitando y escondernos antes de que los monstruos nos atrapen en cuestión de segundos. No obstante, conviene aclarar que el drama familiar pesa más que el terror, concentrándose este último en el tercer acto de la historia.

A QUIET PLACE

Porque al fin y al cabo, el film gira en torno a la responsabilidad paterna de proteger a los hijos, de enseñarles a sobrevivir, y del terror, la ira y la desolación que produce fallar en el intento. John Krasinski y Emily Blunt, pareja y padres en la vida real, exteriorizan estos miedos y el amor que profesan tanto el uno hacia el otro como a sus vástagos con gran solvencia; destaca especialmente lo magnífica que está Blunt en las escenas más escalofriantes, sobre todo la de la bañera, y su hija mayor, encarnada por Millicent Simmons, joven actriz sorda que ya despuntó hace poco en Wonderstruck y que aquí se afianza como un valor en alza.

A QUIET PLACE

Un lugar tranquilo es una película eficaz cuyo mayor mérito reside en el encantamiento que ejerce sobre los espectadores, sometiéndolos a todos (salvo por algún que otro maleducado) a la norma implícita en la historia de no hacer ruido alguno, y que ojalá se extendiese para el resto de películas exhibidas en los cines… Sin embargo, no es la quintaesencia del género de terror como algunos han llegado a aclamar. La atmósfera silenciosa no resulta siempre inquietante, y los resortes utilizados para estremecer al espectador no son especialmente novedosos. Lo rompedor hubiera sido la ausencia absoluta de música extradiegética, pues la banda sonora compuesta por Marco Beltrami, sin estar mal, va a la contra de la esencia de la película, haciéndola más convencional de lo que podría haber sido. A pesar de ello, es una estupenda demostración de que se pueden utilizar otros recursos más allá del 3D para brindar una experiencia cinematográfica única e inmersiva.

7/10

9/5/18

O.C: Almas de metal (1973)

Poster Westworld¿De qué va?: En un futuro lejano, la alta tecnología ha permitido la construcción de un parque de atracciones para adultos, llamado Delos, que cuenta con androides como figurantes que casi no pueden distinguirse de los seres humanos. Dos colegas, Peter y John, llegan de vacaciones a Delos con la intención de vivir aventuras que nunca olvidarán. En una de las atracciones del Lejano Oeste destaca el pistolero, un robot programado para mantener duelos en los que él, en general, suele recibir la peor parte, pero, de pronto, su mecanismo comienza a fallar…

Reputación: Debut cinematográfico como director de Michael Crichton, autor de diversas novelas que fueron llevadas a la gran pantalla como La amenaza de Andrómeda (1971)  o Parque Jurásico (1993). Crichton tuvo la idea para el film tras un viaje a Disneyland, al quedar impresionado con los animatrónicos de la atracción de Piratas del Caribe, y decidió escribir un guion en vez de una novela por considerar la historia demasiado visual para el medio literario. Esta fue la primera película en incorporar imágenes generadas por ordenador en dos dimensiones, concretamente aquellas escenas en las que se muestra el punto de vista del pistolero. Cuando se perfeccionó la técnica que produciría el efecto visual, eran necesarias ocho horas para producir cada diez segundos de dicho metraje. Curiosamente, la primera película en emplear imágenes generadas por ordenador en tres dimensiones fue su secuela, Futureworld, estrenada sólo tres años más tarde, en 1976, y que volvió a contar con la participación de uno de sus protagonistas, Yul Bryner, no así la de Crichton.

Westworld

El pistolero robótico al que da vida Bryner es en realidad una sátira de Larabee Adams, el personaje al que dio vida en Los siete magníficos (1960), y su naturaleza indestructible sirvió de inspiración tanto para el Michael Myers de La noche de Halloween (1978) como para Terminator (1984). Mucho antes de que se lanzara el ambicioso reboot en forma de serie de televisión para la HBO, en 1980, se estrenó en la CBS una serie inspirada en el universo creado por Crichton llamada Beyond Wesworld, pero apenas contó una temporada de cinco episodios, y tras el estreno de Terminator 3: La rebelión de las máquinas (2003), Arnold Schwarzenegger anunció un remake en el que estaría implicado gran parte del equipo técnico de la cinta y en el que él asumiría el rol de Bryner, pero como ya sabemos, jamás llegó a materializarse.

Westworld2

Comentario: Almas de metal no es tan compleja ni densa como la serie de televisión que ha surgido a raíz de ella. Mientras que la serie de HBO se centra en los anfitriones robóticos del parque temático y en su conflicto de identidad, aquí seguimos los pasos de dos colegas que se lo pasan pipa hasta que un fallo del sistema convierte el lugar en una pesadilla mortal, y a uno de los robots en una máquina de matar indestructible que les perseguirá incansablemente cual Terminator, su reconocido descendiente directo. La película, entre el western y la ciencia ficción, resulta tan sencillita como efectiva, limitándose a mostrar los peligros de la tecnología avanzada y de jugar a ser Dios; la escasez de medios con la que se hizo no permite aprovechar más el potencial de la historia de Crichton, algo que sí se ha hecho, con sus más y menos, en su reinvención televisiva, que al menos suple la carencia de personajes femeninos de la película con dos mujeres, Dolores (Evan Rachel Wood) y Maeve (Thandie Newton), que serían capaces de reducir al pistolero de Bryner en un amasijo de cables y chips en cuestión de segundos.

Próximo visionado: Las señoritas de Rochefort (1967)

7/5/18

Haiku canino

Poster Isla de perros

Dir.: Wes Anderson
¿De qué va?: En un futuro no muy lejano, en Japón, un brote de gripe canina se propaga por la ciudad de Megasaki. Por por eso, el Mayor Kabayashi dicta una orden de emergencia decretando la expulsión de los perros, que van a parar a isla vertedero. Allí, un grupo de perros alfa, encabezados por Chief, han perdido toda esperanza de volver con sus dueños… hasta que un día aparece Atari, un niño de 12 años, que llega hasta la isla pilotando un avión con el objetivo de encontrar a su perro Spots.

Reseña: “Pienso en Japón y me pregunto, ¿habré creado este país en mi cabeza?”. Así de encantada se expresaba Shoshanna en la quinta temporada de Girls, rodeada de gente con looks estrafalarios y cafés de gatos. Porque hay dos maneras de abordar una cultura ajena: manteniendo la postura curiosa pero distante del turista o abrazarla y hacerla propia. Para su noveno largometraje, el segundo de animación, Wes Anderson ha pasado un barniz oriental por ese particular microcosmos que ha construido a través de su filmografía y, lejos de quedarse en la superficie, profundiza hasta llegar a los cimientos, dando lugar a una tierna fábula que reverencia el imaginario nipón desde las entrañas, al tiempo que rinde un sentido tributo al animal mundialmente conocido como mejor amigo del hombre, el perro.

Isla de perros3

La distopía que presenta Wes Anderson no resulta demasiado descabellada pese a su aspecto animado; todos sabemos que los humanos preferimos deshacernos de nuestros problemas por la vía rápida antes que encontrar una solución. Así, esos perros abandonados a su suerte en una isla de basura son como samuráis exiliados por un pueblo ingrato tras una vida de lealtad y fidelidad inquebrantables. Y de la misma forma que un samurái no es nadie sin una misión, un can está perdido sin su dueño, de ahí que el grupo de perretes que protagoniza el film se une a la causa de un crío que llega a la isla en busca de su perro desaparecido, emprendiendo un viaje por llanuras de desechos plagadas de peligros. La narración es tan franca y transparente como es habitual en el amigo Wes, de estructura episódica y oportunas explicaciones, como la que indica al comienzo que raramente el japonés hablado en la película va a ser traducido al inglés. Aunque algunos puedan considerar que esa decisión impide poder empatizar con los personajes nipones, lo cierto es que la lengua japonesa es un elemento esencial de su cultura, y de esta manera, el japonés siempre se va a oír, sin importar en qué idioma esté doblado el film. Potencia su identidad, al tiempo que lo dota de un misterio que sólo aquellos espectadores que hablen el idioma podrán desvelar.

Isla de perros2

El nivel de detalle en los personajes y escenarios es tan, tan rico y creativo, que merece un revisionado en el que se le haga justicia, dado que la primera vez estaremos demasiado embobados por la belleza de las imágenes (permaneciendo, cómo no, la obsesión de Wes Anderson por la simetría), la ligereza con la que se mueve la cámara y se suceden los planos, y por el irremediable encanto que transmiten sus personajes, los clásicos parias alienados en continua búsqueda de lugar y propósito vital que protagonizan sus historias, con un repertorio de voces de auténtico lujo compuesto por colaboradores habituales del director (Bill Murray, Edward Norton, Jeff Goldblum, Tilda Swinton…) e incorporaciones brillantes (Bryan Cranston, Greta Gerwig, Scarlett Johansson…), con una banda sonora compuesta por otro viejo conocido, Alexandre Desplat, que aunque pueda resultar machacona en contadas ocasiones refuerza el carácter épico, entre John Ford y Akira Kurosawa, que posee el film.

Isla de perros

La película contiene unas dosis de humor negro prácticamente inauditas hasta la fecha en la carrera de Wes Anderson, pero no pierde ni un ápice de la melancolía, la ternura y el tempo cómico que siempre le ha caracterizado, siendo aquí el anclaje emocional más puro, honesto y universal que nunca al residir en la relación entre un niño y su perro. Es algo con lo que es fácil conectar tanto en Japón como en cualquier otra punta del planeta para cualquiera que pueda sentir un mínimo de cariño hacia un animal capaz de profesar un amor condicional de la manera orgánica que se evidencia en la película. No soy capaz de decir si Isla de perros es mejor o peor que la también sobresaliente Fantástico Sr. Fox (2009), pero sí que Wes Anderson continúa en su línea en plena forma, sin presentar síntomas de agotamiento, y que con su último trabajo ha creado un cándido, agridulce y conmovedor poema visual y sonoro dedicado a un animal y un legado cultural que resulta impagable.

9/10

4/5/18

Itinerario de estrenos de mayo 2018

Estrenos_Mayo


Deadpool 2: Secuela de la película que ostenta el record de ser la más taquillera con clasificación R (de contenido para adultos) de la historia, volviendo a contar con Ryan Reynolds como el desquiciado antihéroe. También repiten Morena Baccarin, T.J. Miller y Brianna Hildebrand, y se incorporan Zazzie Beetz (Atlanta), Josh Brolin (Vengadores: Infinity War), Bill Skarsgård (It) y Julian Dennison (Hunt for the Wilderpeople), con David Letch (Atómica) sucediendo a Tim Miller en la dirección. No han trascendido detalles del argumento, aunque todo apunta a que Deadpool se aliará con el mercenario Cable y formará un grupo de mutantes para proteger a un chaval clave para el futuro de la humanidad.
Estreno: 18 de abril



Las estrellas de cine no mueren en Liverpool: Biopic en torno a la figura de la actriz ganadora del Oscar Gloria Grahame, centrado en la relación que mantuvo con Peter Turner, un joven británico aspirante a actor, en la última etapa de su vida. Paul McGuigan (Victor Frankenstein) dirige un film por el cual Annette Bening (20th Century Women) y Jamie Bell (Cuatro fantásticos) obtuvieran sendas nominaciones al BAFTA, normal teniendo en cuenta que los dos están fantásticos protagonizando esta conmovedora historia de amor.
Estreno: 18 de abril
Reseña


Borg McEnroe: Narra la rivalidad entre el campeón de Wimbledon Björn Borg y el talentoso y turbulento John McEnroe, que alcanzó su cénit en la final del torneo de Wimbledon de 1980 frente a una audiencia mundial de millones de personas. Janus Metz Pedersen (Armadillo) es el director y Sverrir Gudnasson (el próximo Michael Blomkvist de la saga Millennium), Shia LaBeouf (American Honey) y Stellan Skarsgård (Regreso a Montauk) son los protagonistas de este muy entretenido drama deportivo en el que LaBeouf se luce dando vida a McEnroe aunque la trama centre más en el tenista sueco.
Estreno: 18 de abril
Reseña


Disobedience: Tras ganar el Oscar a la mejor película de habla no inglesa por Una mujer fantástica, el chileno Sebastián Lelio debuta en el cine norteamericano con este drama centrado en la historia de amor entre dos mujeres, una de ellas casada y ambas criadas en una comunidad ortodoxa judía. Rachel Weisz (La luz entre los océanos), Rachel McAdams (Noche de juegos) y Alessandro Nivola (En realidad, nunca estuviste aquí) conforman el triángulo protagonista de esta película que se presentó en el último Festival de Toronto generando muy buenas opiniones.
Estreno: 25 de abril



Caras y lugares: Documental nominado al Oscar que muestra cómo la directora Àgnes Varda y el fotógrafo JR recorrieron las calles de Francia subidos a una furgoneta y captando rostros y lugares que fueron plasmados en intervenciones gráficas realizadas en edificios, calles y tejados de los lugares que visitaron. Esta es, sencillamente, una de las mejores experiencias cinematográficas del año, una obra de arte cándida y humanista que no se pueden perder.
Estreno: 25 de abril
Reseña



Han Solo: Una historia de Star Wars: Spin-off de la saga intergaláctica creada por George Lucas centrado en la juventud de Han Solo, en la que podremos ver su pasado como cazarrecompensas, el origen de su amistad con Chewbacca o cómo consiguió su amado Halcón Milenario. Alden Ehrenreich (¡Ave, César!) hereda el icónico personaje encarnado por Harrison Ford, secundado por Woody Harrelson (Tres anuncios en las afueras), Emilia Clarke (Juego de tronos), Donald Glover (Atlanta), Thandie Newton (Westworld), Paul Bettany (Vengadores: Infinity War) y Joonas Suotamo como Chewbacca. Ron Howard (En el corazón del mar) figura como director, aunque se sumó al proyecto a mitad del rodaje cuando Phil Lord y Christopher Miller (Infiltrados en la universidad) fueron despedidos por diferencias creativas con LucasFilm, o lo que es lo mismo, por una afición a improvisar en el set que puso muy nerviosa a la productora. Veremos qué sale de todo esto tras su premiere mundial en el marco del Festival de Cannes.
Estreno: 25 de abril

1/5/18

Actriz del mes: Rachel McAdams

RachelMcAdams


Méritos: Cuando le dedicamos un post como actriz del mes a Rachel McAdams, allá por el 2010, aseguramos que su carrera no había hecho más que comenzar. En estos ocho años que han pasado desde entonces, McAdams no es una de las estrellas más mediáticas de Hollywood, quizás por su discreción y lo poco interesada que está en ser una estrella, pero se ha ganado a pulso el respeto y la admiración de la audiencia, la crítica y la industria. En este tiempo ha trabajo a las órdenes de directores de la talla de Woody Allen, Terrence Malick, Brian De Palma y Wim Wenders, ha participado en éxitos de taquilla como Una cuestión de tiempo (2013) o Doctor Strange (2016), también en sonoros fracasos como Aloha (2015), y ante todo, ha conseguido su primera nominación al Oscar por su interpretación en Spotlight (2015), quizás una de las pocas realmente secundarios en un año en el que la categoría estaba llena de “protagonistas infiltradas” y, aunque no ganó, subió al escenario junto al equipo de la película en varias ocasiones para recoger multitud de premios, entre ellos el SAG al mejor reparto.

Con la muy recomendable comedia Noche de juegos recién estrenada en la cartelera española, a finales de mes la podremos volver a ver en Disobedience, la primera película americana del chileno Sebastián Lelio, ganador del último Oscar a la mejor película de habla no inglesa por Una mujer fantástica (2017). McAdams protagoniza junto a Rachel Weisz una historia de amor lésbica dentro de una comunidad judía ortodoxa, un papel que muchos han definido como el mejor de su carrera desde que el film se presentó en el pasado Festival de Toronto. Sin ningún proyecto cinematográfico conocido a la vista, tiene toda la pinta de que Rachel se va a centrar por un tiempo en ejercer de madre, pues a principios de abril dio a luz a un bebé que ha tenido junto a su pareja, el guionista Jamie Linden. Felicidades a la mamá primeriza, pero, poniéndonos un poco egoístas, esperamos que no la mantenga alejada de las cámaras por mucho tiempo.

Disobedience


Rachel McAdams en 12 personajes

Rachel_McAdams


De izquierda a derecha y de arriba a abajo: Muchos la descubrimos como la niñata que se intercambiaba el cuerpo con Rob Scheneider en ¡Este cuerpo no es el mío! (2002); su Regina George de Chicas malas (2004) es personaje de culto e icono de la cultura bitchy; en El diario de Noa (2004) mantuvo una química tremenda con Ryan Gosling que se trasladó a la vida real por un tiempo, e inició la moda del subgénero de adaptaciones al cine de novelas ñoñas de Nicholas Sparks; ejerció de Scream Queen para Wes Craven en el thriller Vuelo nocturno (2005); encarnó a una veterana de la guerra de Irak en el poco conocido drama Tipos con suerte (2008); en La sombra del poder (2008) demostró por primera vez sus aptitudes tanto para encarnar a periodistas con veracidad como para no achantarse al formar parte de repartos de lujo; dio vida a Irene Adler en la hiperbólica versión de Sherlock Holmes de Guy Ritchie en la película del 2009 y en su secuela del 2011; se mostró muy divertida como la caprichosa y clasista esposa de Owen Wilson en Midnight in Paris (2011); en Passion (2012), inédita en España, mantuvo una relación laboral y homo erótica con Noomi Rapace; formó parte del elenco de To the Wonder (2012), una de las películas más bonitas y peor valoradas de Terrence Malick; fue la mejor parada de las críticas mayoritariamente negativas que recibió la segunda temporada de True Detective (2015); obtuvo su primera nominación al Oscar por Spotlight (2015), dando vida a una concienzuda periodista que formó parte del equipo que destapó los casos de abusos de menores por parte de sacerdotes en Boston.


¿Sabías que…?

- Se ha teñido el cabello en numerosas ocasiones por exigencias de guion, aunque su color de pelo natural es el rubio.

- Nunca la veremos montando a caballo en una película; es alérgica y les tiene pánico. También es muy recelosa de mostrar su cuerpo desnudo en la pantalla, de hecho, despidió a su agente al descubrir que no le había advertido de que la sesión de fotos junto a Tom Ford, Scarlett Johansson y Keira Knightley para Vanity Fair exigía desnudarse, marchándose asimismo del estudio fotográfico.

- Hizo la audición para el rol de Cady en Chicas malas (2004) mientras que Lindsay Lohan aspiraba a hacerse con el de la antagonista, Regina. Finalmente, el director, Mark Waters, decidió intercambiar los roles entre ambas.

- Fue considerada para el rol femenino protagonista de diversas películas como Los 4 Fantásticos (2005), El último beso (2006), Casino Royale (2006), Iron Man (2008), El caballero oscuro (2008), Mamma mia! (2008) o El gran Gatsby (2012). En algunos casos tuvo que declinar por conflictos de agenda y en otros el trabajo fue a parar a otra compañera de profesión.

- Ha interpretado al interés romántico de alguien capaz de viajar o manipular el tiempo en hasta cuatro películas: Una cuestión de tiempo (2013), Midnight in Paris (2011), Más allá del tiempo (2009) y Doctor Strange (2016).

- Sus actrices favoritas son Joan Cusack, Juliette Lewis, Kate Winslet, Laura Dern, Renée Zellweger y Samantha Morton.


Extras

Tráiler de Disobedience

Tráiler de Noche de juegos

Entrevista sobre Spotlight

Video de la audición para El diario de Noa

Ganando el SAG a mejor reparto por Spotlight

28/4/18

Marvelgeddon

Poster Avengers Infinity War

Dir.: Joe Russo, Anthony Russo
Int.: Robert Downey Jr., Chris Evans, Chris Hemsworth, Mark Ruffalo, Chris Pratt, Scarlett Johansson, Benedict Cumberbatch, Tom Holland, Chadwick Boseman, Elizabeth Olsen, Paul Bettany, Josh Brolin, Don Cheadle, Zoe Saldana, Anthony Mackie
¿De qué va?: Un nuevo peligro acecha procedente de las sombras del cosmos. Thanos, el infame tirano intergaláctico, tiene como objetivo reunir las seis Gemas del Infinito, artefactos de poder inimaginable, y usarlas para imponer su perversa voluntad a toda la existencia. Los Vengadores y sus aliados tendrán que luchar contra el mayor villano al que se han enfrentado nunca, y evitar que se haga con el control de la galaxia.

Reseña: Una de las series clave de mi infancia/adolescencia fue Dragon Ball: historia apasionante, personajes carismáticos a más no poder, batallas brutales… Pero lo que más me chirriaba es que en cada temporada se enfrentaban al villano más poderoso de la galaxia. Que si primero fue Freezer, luego Célula, Boo Boo… No había una escala de poder entre ellos, y teníamos que tener confianza ciega en que el villano de turno, no el anterior, era el más poderoso, temible y vil del cosmos. En el universo cinematográfico de Marvel no ha ocurrido tal cosa: desde los créditos finales de Los Vengadores (2012) ya nos han mostrado que hay un maestro titiritero en las sombras, un ‘final boss’, cuya entrada marcaría la batalla decisiva de estos héroes. Seis años desde el primer vistazo a Thanos no parece demasiado tiempo, pero en realidad son 12 películas las que han marcado el camino hasta esta guerra infinita que marca, o debería marcar, un antes y un después en la franquicia.

Infinity_War2

Después de romper al bueno de Joss Whedon con el rodaje de Vengadores: La era de Ultrón (2015), Marvel ha confiado el devenir de la saga a los hermanos Joe y Anthony Russo, que despuntaron con una de las entregas más sólidas hasta la fecha, Capitán América: El Soldado de Invierno (2014), y demostraron que no les temblaba el pulso al reunir a muchos superhéroes en la pantalla en su continuación, Civil War (2016). Y a pesar de lo que se pueda interpretar por el poster de la película, la reunión completa de la cuadrilla nunca se llega a producir en Infinity War, lo que permite que la historia avance a través de tramas paralelas, protagonizadas por diversas formaciones de superhéroes que, eso sí, dan pie a interacciones nunca vistas y muy disfrutables para regocijo del fan, y todo funciona partiendo de la idea de que ya conocemos a estos personajes, de que les tenemos cariño, que nos importan… y que vamos a sufrir por ello, porque el principal mérito de Infinity War es algo que no se había conseguido en la franquicia hasta la fecha: la sensación de que cualquier cosa puede pasar.

Marvel Studios' AVENGERS: INFINITY WAR

L to R: Vision (Paul Bettany) and Scarlet Witch/Wanda Maximoff (Elizabeth Olsen)

Photo: Film Frame

©Marvel Studios 2018

El tono ya lo marca el prólogo de la película, el cual incorpora un dramatismo explorado en contadas ocasiones hasta la fecha, sin sacrificar la jocosidad y el sentido del espectáculo marca de la casa. Es un equilibrio difícil de conseguir, como hemos comprobado con algunos intentos fallidos de la competencia, y que los hermanos Russo han heredado de Whedon para luego desarrollarlo con maestría. La película no da un respiro, y si no nos estamos riendo con algún gag, nos sentimos abrumados por la acción, o estamos con el corazón en un puño. Todos los personajes cuentan con su papel en la historia, unos  cumplen una función principalmente dramática (Elizabeth Olsen, Paul Bettany, Zoe Saldana…), otros cómica (Chris Pratt, Tom Holland, Mark Ruffalo, Dave Bautista…) y otros están básicamente para repartir estopa (Chadwick Boseman, Sebastian Stan, Anthony Mackie…).

Infinity_War4

Por último están los equilibrados, como es el caso de Chris Hemsworth, quizás la mayor evolución, tanto de personaje como de actor, que se ha vivido en esta franquicia,  y sólo unos pocos se sienten infrautilizados, como es el caso de Scarlett Johansson/Viuda Negra, en su aparición menos destacable desde su presentación en Iron Man 2 (2010). En esta entrega sufre de un mutis similar al experimentado por casi todos los esbirros de Thanos, un villano que pulveriza las críticas hacia los malvados de usar y tirar que ha recibido de siempre la factoría Marvel. No solo se demuestra con creces que es el ser más poderoso al que se han enfrentado los Vengadores, sino que también se dedica tiempo a exponer su trasfondo y valores (de moral dudosa, pero los tiene), convirtiéndolo en un villano tridimensional, algo que se refuerza con el temor que infunde su imponente presencia y la voz de Josh Brolin. Thanos no defrauda, haciendo que la espera haya merecido mucho la pena.

Infinity_War3

Vengadores: Infinity War es tan buena película como la primera reunión de los superhéroes de Marvel en la gran pantalla pero a una escala superior, dada la ambición implícita en la propuesta, pero su eficacia depende mucho del interés que tengas hacia estos personajes y sus andanzas, lo cual a estas alturas del partido resulta bastante obvio. El plan maestro de Marvel ha empezado a culminar con un mastodóntico blockbuster que se preocupa tanto de que la acción luzca más espectacular que nunca como del devenir emocional de sus personajes, dando por el camino numerosas alegrías a sus fans en forma de chistes autorreferenciales, apariciones estelares, interacciones gozosas y, en última instancia, poniendo todo el mundo que han construido con tanto cuidado patas arriba. Terminamos las dos horas y media que dura el film tan agotados como deseosos de más, de descubrir cómo se resuelve todo el año que viene en una continuación que lo tiene muy difícil para alcanzar las cotas de emoción y riesgo alcanzadas aquí, dado un desenlace tan épico como desolador. Así es como se sube una apuesta de verdad, y dentro de un año comprobaremos si se trataba o no de un farol.

8’5/10

24/4/18

La vida en instantáneas

Poster Faces places

Dir.: Agnès Varda, JR
¿De qué va?: La cineasta Àgnes Varda y el fotógrafo JR recorren las calles de Francia en la furgoneta en la que trabaja el segundo, embarcándose en una aventura en la que captan rostros y lugares que son plasmados en intervenciones gráficas realizadas en edificios, calles y tejados de los lugares que visitan.

Reseña: Ella es una directora de 89 años considerada la abuela de la Nouvelle Vague, con una respetada filmografía a sus espaldas. Él, un artista callejero y fotógrafo de 35 años que toma instantáneas en blanco y negro para luego ser ampliadas y pegadas en grandes muros de las ciudades. De ambos surge una colaboración y una curiosa amistad que da lugar a Caras y lugares (Visages villages) un documental que recoge el viaje por las carreteras de Francia que realizó la pareja, recalando en diferentes lugares donde la interacción con el entorno y con las personas que allí habitaban les sirvió de inspiración para extender la obra de JR fuera de las grandes urbes.

Rostros y lugares

No es necesario que la película avance mucho para percatarse de la profunda emoción que hay contenida en ella; una de las primeras personas que conoce la pareja en su viaje es la última habitante de un barrio obrero que va a ser demolido; su historia y su reacción al descubrir la forma en la que la han retratado Varda y JR son puro sentimiento, sencillo, cristalino y humilde. Todos los encuentros y microrelatos de los que se compone la película están compuestos de retazos de costumbrismo, realidad social, humor, arte y optimismo, siendo la amistad entre Varda y JR tan entrañable, única y auténtica que nos sentimos unos privilegiados por poder acompañarles en su viaje y ser testigos de los frutos artísticos de su colaboración. En cierta manera, y tal como creían los indígenas, su cámara fotográfica roba las almas de aquellos a los que retrata, pero para rendirles tributo y plasmar su esencia e impacto en el hábitat que les rodea.

Rostros y lugares2

Pero no todas las obras de arte están hechas para perdurar, pues algunas de ellas son efímeras, y  no por ello desmerecen el esfuerzo de haberlas realizado. El documental está impregnado de la mirada melancólica de Varda en la última etapa de su vida, y trae consigo algunas reflexiones amargas sobre la pérdida y el implacable transcurrir del tiempo, como la que sale a colación de la vieja amistad que tiene la cineasta con Jean-Luc Godard. Por todo ello, Caras y lugares es una de las experiencias fílmicas más gratificantes del año, de humanismo insondable y alimento vigorizante para el espíritu. Una honesta celebración de la vida, la amistad, el arte, las zonas rurales y de su gente, tan genuina y cautivadora como los murales creados a lo largo este inolvidable viaje por carretera.

9/10

22/4/18

Saber, ganar y madurar

Poster Game Night


Dir.: John Francis Daley, Jonathan Goldstein
Int.: Jason Bateman, Rachel McAdams, Kyle Chandler, Jesse Plemons, Billy Magnussen, Sharon Horgan, Lamorne Morris, Kylie Bunbury
¿De qué va?: Max y Annie son una pareja que forman parte de un grupo de amigos que queda todas las semanas para una noche de juegos organizada por uno de ellos. En una de esas noches Brooks, el carismático hermano de Max, organiza un misterioso juego en el que sus amigos deberán resolver un secuestro que dará paso a una noche caótica que los acabará introduciendo en una situación de vida o muerte.

Reseña: Lo peor que le puede pasar a alguien a quien le gustan los juegos no es perder, sino no encontrar a alguien con quien poder jugar. Cualquiera al que le gusten los videojuegos puede echar partidas online con amigos y desconocidos en la distancia, pero con los tradicionales juegos de mesa es más complicado reunir a los amigos para sentarse alrededor de un tablero, y es que muchas personas pierden la afición por ellos con el paso de los años. Es algo comúnmente aceptado por la sociedad, madurar implica dejar atrás los juegos…. aunque en realidad aportan más sabiduría de lo que parece.

GAME NIGHT

Noche de juegos es una comedia en la que un grupo de aficionados a este tipo de diversión casera acaban implicados sin darse cuenta en una intriga de la vida real por la que sus vidas podrían correr peligro, pero en la que podrán aplicar todas las habilidades y conocimientos que han adquirido tras tantas partidas jugadas para salir airosos. Esto se produce en situaciones, la gran mayoría hilarantes, que son guiños a juegos tan míticos como Jenga, Quién es quién, Simon dice u Operación, siendo este último el que da pie a la mejor secuencia del film. Afortunadamente, no estamos ante el enésimo caso de comedia americana con gran premisa y desarrollo desaprovechado, pues funciona la mar de bien gracias a un ritmo constante, una galería de personajes muy simpáticos, un buen puñado de gags de todo tipo (escatológicos, físicos, de referencias culturales, humor negro…) y giros de guion muy, muy locos.

GAME NIGHT

La pareja de directores formada por John Francis Daley y Jonathan Goldstein maneja de forma inteligente todos los recursos que están a su disposición y, dado su buen oficio tras las cámaras, especialmente en un elaborado plano secuencia al estilo Tarantino, se entiende que hayan sido los elegidos para dirigir la película de The Flash. En cuanto al reparto, Jason Bateman demuestra una vez más su destreza para liderar este tipo de comedias, pero el verdadero gustazo está en ver a gente como Rachel McAdams, Kyle Chandler o Jesse Plemons, tan poco dados al género, sacar su vis más divertida. La primera en particular está espléndida y termina eclipsando a su partenaire, aunque no hay puntos débiles en el grupo de amigos protagonista, y ninguna de sus subtramas se queda descolgada.

GAME NIGHT

Sí que es cierto que los conflictos que definen el arco argumental de cada pareja no resultan especialmente originales, pues ya los hemos visto en muchas comedias sobre “Peter Panes” y son de resolución previsible, pero se compensa con el cariño que acabas sintiendo por todos ellos y con los derroteros que toma la trama principal, una especie de Con la muerte en los talones en la que unas personas normales y corrientes acaban envueltas en una situación que les supera, sin demasiada pericia pero muy motivados. Así pues, Noche de juegos acaba siendo una auténtica revelación y una de las comedias el año, un pasatiempo tan estupendo como esos juegos que a priori parecen un rollo, pero que, una vez te metes de lleno, te lo pasas tan bien que te da pena que terminen… como el parchís. Cómo lo echo de menos.

8/10

20/4/18

O.C: El seductor (1971)

Poster The Beguiled¿De qué va?: Durante la Guerra Civil norteamericana, un soldado yanqui malherido es rescatado por una jovencita de una escuela de señoritas del sur del país. Al principio todas las mujeres están aterrorizadas, pero cuando el hombre empieza a recuperarse, una a una las irá conquistando a todas, y así el ambiente se va enrareciendo a causa de los celos.

Reputación: Adaptación cinematográfica de la novela A Painted Devil de Thomas P. Cullinan y tercera colaboración de las cinco que realizaron el director Don Siegel y el actor Clint Eastwood; las otras cuatro fueron La jungla humana (1968), Dos mulas y una mujer (1970), Harry el sucio (1971) y Fuga de Alcatraz (1979). Siegel llegó a asegurar tanto que esta era su película favorita de todas las que hizo como que su mal paso por la taquilla se debió a una equivocada estrategia de marketing por parte del estudio, Universal, que la vendió como otra película de acción de Eastwood, lo que decepcionó a su audiencia fiel y provocó un mal boca a boca.  También se enfrentó al estudio para poder conservar el final original, dado que este quería suavizarlo. Durante el rodaje, Eastwood dirigió su primer film, un vistazo tras las cámaras al trabajo de su director llamado The Beguiled: The Storyteller (1971), y mantuvo un affaire con la actriz Jo Ann Harris que duró hasta tiempo después de la filmación. El año pasado, Sofia Coppola estrenó una nueva versión de la novela de Cullinan, La seducción, en la que se profundizó más en el punto de vista femenino de la historia.

El seductor

Reseña: Es complicado determinar si El seductor es mejor o peor que el film de Sofia Coppola. Ambos cuentan la misma historia, siendo la diferencia más significativa la supresión en la versión más moderna del personaje de la criada negra  y de los pensamientos y flashbacks que evidencian el turbio pasado de las integrantes de la escuela de señoritas donde acaba el soldado malherido. Coppola apuesta por el misterio y la sororidad entre mujeres, mientras que Siegel destaca la enajenación mental de las mismas a causa de la soledad y la represión sexual. Y mientras que ella filma con una sobriedad impropia, él dirige con desparpajo setentero, sin disimular en absoluto los aspectos más grotescos de la trama, tomándosela en serio lo justo y suficiente de tal manera que nadie pueda ofenderse demasiado con esta denominada “pesadilla misógina”. Incluso con el reparto es complicado decantarse, porque si bien el film de Coppola sale ganando en cuanto al plantel femenino, las artes seductoras de Clint Eastwood resultan más convincentes que las de Colin Farrell. En definitiva, casi mejor que lo dejamos en tablas.

Próximo visionado: Almas de metal (1973)

18/4/18

Una vez más sin sentimiento

Poster Pacific Rim 2


Dir: Steven S. DeKnight
Int.: John Boyega, Scott Eastwood, Cailee Spaeny, Burn Gorman, Charlie Day, Jing Tian, Rinko Kikuchi, Adria Arjona, Jin Zhang
¿De qué va?: Jake, hijo de Staker Pentecost, uno de los héroes que consiguió frenar la invasión de los Kaiju 10 años atrás, se ve obligado a entrenar a una nueva generación de pilotos de Jaegers en una época de paz que es interrumpida por una nueva amenaza que volverá a poner el peligro el futuro de la raza humana.

Reseña: Este año Guillermo del Toro ha ganado un Oscar y ahora parece que todos siempre hemos sido muy fans, pero lo cierto es que su filmografía, pese a la voluntad comercial, no siempre ha sido especialmente rentable ni venerada, y es que, antes de La forma del agua, la única película de su carrera que había recibido el beneplácito unánime de la crítica había sido El laberinto del fauno (2006). De hecho, su película más taquillera hasta la fecha es Pacific Rim (2013), la cual, paradójicamente, tuvo una acogida discreta en Estados Unidos, recaudando poco más de 100 millones de dólares para un presupuesto de casi el doble, 190; no así en China, donde cosechó tal éxito que la convirtió en una producción rentable y le garantizó esta secuela que llega cinco años después, con Guillermo del Toro cediendo la silla del director a un recién llegado, Steven S. DeKnight, para limitarse a labores de producción.

Pacific Rim

Seguramente, los más interesados en la realización de esta secuela fueron los orientales, y como gracias a ellos ha sido posible, Insurrección cuenta en su reparto con estrellas chinas como Jing Tian y desarrolla buena parte de su historia en Asia. DeKnight no se recrea tanto en la majestuosidad de los Jaeger y en la monstruosa magnitud de los Kaiju y pisa el acelerador en una trama que toca el tema del peligro de los drones no tripulados un poco por encima y que concentra el grueso de la acción en el último tramo. El problema de la visibilidad de la acción se ha corregido respecto a la primera parte, puesto que las batallas ya no se producen en noches oscuras y lluviosas, sino a plena luz del día, y aunque intenta cumplir a rajatabla con la regla no escrita sobre las secuelas, esto es, ofrecer el doble de todo, acaba prevaleciendo aquel dicho tan sabio que dice que más no siempre significa mejor.

Pacific Rim3

DeKnight hizo un estupendo trabajo como showrunner de la primera temporada de Daredevil, pero aquí no consigue imponerse, prolongando un universo que le es ajeno y que nunca consigue abrazar como propio. También se echa en falta a los protagonistas del film original, pues John Boyega, por muy simpático que nos caiga, carece del nervio de Idris Elba, y Scott Eastwood parece la marca blanca de Charlie Hunnam. Burn Gorman y Charlie Day no consiguen repetir la divertida dinámica que tenían entonces, y con Rinko Kukuchi en un rol menor, quien consigue despuntar un poco es la joven y desconocida Cailee Spaeny, pero cualquier atisbo de encariñamiento que puedas sentir hacia alguno de los personajes es mera casualidad. Esta Insurrección no cuenta con la frescura ni el entusiasmo de la película de la que precede, pero entretiene como pocas y, a pesar del bajón, da una pista de los derroteros por los que podría ir la tercera parte que, al prometernos algo diferente y novedoso, nos vende desde ya la entrada del cine. Todo dependerá de que la llama de la pasión que siente China por Pacific Rim no se apague con esta secuela funcional.

6/10

13/4/18

Amor en el ocaso

Poster Film Stars Dont Die in Liverpool


Dir.: Paul McGuigan
Int.: Annette Bening, Jamie Bell, Julie Walters, Stephen Graham, Vanessa Redgrave, Frances Barber, Peter Turner, Leanne Best, Kenneth Cranham
¿De qué va?: El 29 de septiembre de 1981, el actor británico Peter Turner recibe una llamada inesperada: su ex amante, la ganadora del Oscar Gloria Grahame, ha sufrido un colapso en un hotel de Lancaster. Mientras ella se niega a ser atendida por los médicos, a él no le queda más remedio que ir a buscarla para llevársela a su humilde casa familiar en Liverpool. Allí, mientras cuida de ella, revivirá todo lo que les unió durante años y también lo que les separó.

Reseña: Con el tiempo, algunas estrellas de Hollywood se apagan y pasan al olvido. Es un destino cruel para aquellos acostumbrados a ser el centro de todos las atenciones, y bien sabemos por la depredadora prensa rosa/amarilla, que no todos saben llevarlo bien. No es el caso de Gloria Grahame, actriz de la edad dorada de Hollywood, ganadora del Oscar a mejor actriz de reparto por Cautivos del mal (1952), que tras dejar de recibir la llamada de la Meca del Cine, continuó trabajando en el teatro, especialmente en Inglaterra, donde conoció a un joven aspirante a actor con el que pasó los últimos años de su vida. Este chico, Peter Turner, escribió un libro de memorias sobre su relación, llamado Las estrellas de cine no mueren en Liverpool, el cual ha sido llevado al cine emparentándose con Mi semana con Marilyn (2011), pues sendas películas narran un breve período de la vida de una estrella de cine desde el punto de vista de un satélite, una persona ajena al mundillo en el que se ha curtido que descubre la faceta más personal e íntima de la misma.

Film stars dont die in liverpool

Sin embargo, si el contacto de aquel chaval con la Monroe se reduce prácticamente a una anécdota, la relación entre Grahame y Turner fue sólida y transcurrió durante varios años. A través del punto de vista de él descubrimos a una mujer divertida, generosa y humilde, que compartía anécdotas curiosas de su vida en Hollywood pero que nunca se jactaba de sus logros, y que tras un historial amoroso tumultuoso, encontró en un joven y tranquilo británico lo más parecido a un alma gemela que se puede tener cuando ya estás a vueltas de todo. Desde un presente doloroso, Turner viaja al pasado a través de flashbacks que recorren toda su vida conjunta, en la que también tienen un papel fundamental los padres de él, encarnados por Julie Walters y Kenneth Cranham, cuya comprensión y cariño los convierte en la versión proletaria de los progenitores de Elio en Call Me By Your Name.

Film stars dont die in liverpool2

Pero lo mejor del conjunto es, sin lugar a dudas, la pareja formada por Annette Bening y Jamie Bell, cuya improbable química se fragua desde que bailan música disco juntos y culmina en escenas posteriores en la que la emoción que transmiten resulta genuina. Ambos merecían mejor suerte en la pasada temporada de premios, pero quizás no la hayan tenido porque no se encuentran del todo respaldados por una dirección y una ambientación de época muy discreta, así como un último acto orquestado de manera un tanto sentimentaloide. A pesar de ello, la película se alza como una bonita, dulce y sencilla historia de amor, nada empalagosa, que además nos hace descubrir a una estrella olvidada, Gloria Grahame, a la que se la hace un sentido homenaje (impagable su momento recogiendo el Oscar), cautivándonos de tal forma que nos deja con ganas de rescatar su filmografía.

7/10

10/4/18

O.C: Cabeza borradora (1977)

Poster Eraserhead¿De qué va?: Henry Spencer, un joven depresivo y asustadizo, trata de sobrevivir a su entorno industrial, a su novia malhumorada y al insoportable llanto de su hijo mutante recién nacido.

Reputación: David Lynch tardó seis años en filmar su ópera prima, dado que nadie se interesó por financiar el proyecto. Aprovechó la ayuda dada por el American Film Institute de Los Ángeles, donde cursaba sus estudios de cinematografía, para sacarla adelante. Aún así, tuvo que pedir dinero a amigos y familiares para recaudar los 20.000 dólares que necesitó para terminarla, caso de su amigo de la infancia, Jack Fisk, y de su esposa, Sissy Spacek, e incluso se dedicó a vender periódicos. Lynch la denomina su “Historia de Filadelfia”, puesto que considera que vertió en ella todos los temores y la ansiedad que experimentó cuando vivía en aquella ciudad. En numerosas ocasiones, Lynch se ha negado a hablar del significado del film, para no influenciar en el punto de vista de los espectadores, así como de revelar cómo fue elaborada la criatura, aunque se rumoreó que fue construida a partir de un feto de vaca embalsamado. Aunque la película tuvo un estreno menor como “película de medianoche”, al igual que Pink Flamingos o Rocky Horror Picture Show, muchos directores de la élite de Hollywood la vieron y se quedaron impresionados, caso de Stanley Kubrick, que la tomó como referencia para rodar El resplandor (1980). También le abrió las puertas a otros proyectos, pues George Lucas le ofreció dirigir El retorno del jedi (1983), oferta que rechazó… al contrario de la que le brindó Mel Brooks de hacerse cargo de El hombre elefante (1980).

Eraserhead

Comentario: Eraserhead es un David Lynch en bruto, si pulir. Él es más fiel a sí mismo cuanta más libertad se le otorga, como hemos podido ver en la revival de Twin Peaks, y aquí, pese a la presión ejercida por la escasez de medios, consiguió hacer la película que siempre tuvo en su cabeza, o más bien la pesadilla, pues es profundamente simbólica, grotesca, surrealista, perturbadora e indescifrable… aunque se pueda intuir que todo sea una representación del miedo a la paternidad que sintió el propio director cuando nació su hija. Con esta película, Lynch empezó a revertir y retorcer la imagen idílica de la clase media norteamericana y a desafiar la necesidad del espectador de tener que buscar una explicación racional a todo, cuando seguramente ni siquiera el propio Lynch sabrá el significado de mucho de lo que escribe; el propio actor protagonista, Jack Nance, también ha declarado en varias ocasiones no saber muy bien de qué va. Y qué más da, cuando la imaginería visual de este señor resulta tan absurda e icónica que cualquier explicación medianamente lógica no haría otra cosa que menoscabar la atracción que suscita.

Próximo visionado: El seductor (1971)

9/4/18

Para ustedes, jugadores

Poster Ready Player One


Dir.: Steven Spielberg
Int.: Tye Sheridan, Olivia Cooke, Ben Mendelsohn, Lena Waithe, Win Morisaki, Philip Zhao, Mark Rylance, Simon Pegg, T.J. Miller, Hannah John-Kamen
¿De qué va?: En el año 2045, la mayoría de la población mundial vive hacinada en torres formadas por autocaravanas y se evade en un juego de realidad virtual llamado OASIS. También es el caso de Wade Watts, un joven que se lanza a la carrera para desentrañar un rompecabezas, basado en la cultura popular de los años 80 e ideado por el difunto creador de OASIS, que concederá al ganador toda su fortuna y el control sobre su obra.

Reseña: Muchas películas han intentado reproducir sin éxito lo que se siente a los mandos de una consola. Se quedan en la pirotecnia y los continuos desafíos a la física, pero el espectador permanece impasible en la butaca, sin tomar el control de la acción como lo hace en un videojuego. La esencia del videojuego reside en la oportunidad que ofrece al jugador de convertirse en alguien radicalmente distinto, con habilidades únicas, permitiéndole explorar un entorno fantástico y protagonizar su propia historia, o dicho en otras palabras, evasión pura y dura. Ha tenido que llegar el contador de historias por excelencia, el Rey Midas de Hollywood, Steven Spielberg, para reivindicar un arte generalmente despreciado.

Ready Player One3

Con Ready Player One, Spielberg no solo rinde tributo a la experiencia que ofrece una videoconsola, sino a la cultura pop a la que él mismo ha contribuido enormemente. En cierta manera, se autohomenajea, brindando una aventura con los mismos ingredientes utilizados en el cine juvenil de los 80, en la línea de E.T., el extraterrestre: un grupo de chavales corrientes se embarca en una aventura alucinante donde se enfrentan a una poderosa y malévola corporación dirigida por adultos que ya han olvidado la integridad e inocencia de la niñez. Ya que la moda por la nostalgia hacia aquella década ha pegado fuerte, era necesario que uno de sus principales artífices aportara su visión, y Spielberg lo hace a través de la figura del creador de OASIS, la realidad virtual en la que se ambienta el grueso de la historia. Halliday, encarnado por Mark Rylance, es el fantasma de un hombre que tuvo una vida cargada de éxitos, pero también de arrepentimientos y tribulaciones a partir del momento en el que factores económicos, empresariales e interpersonales empezaron a interponerse ante su sencillo anhelo de crear mundos.

READY PLAYER ONE

En medio de todo el barullo y los efectos digitales, Spielberg reivindica la autoría del creador de aquellas películas, videojuegos, libros, series de televisión, cómics y demás que consiguen despertar tanta pasión alrededor del mundo, a través de sentidos y sorprendentes homenajes materializados en la búsqueda del tesoro en la que se ven envueltos los jóvenes héroes, sin obviar que el villano, el ávido empresario encarnado por Ben Mendelsohn, es una parte indispensable de la ecuación, pues no deja de ser un fanboy más al que le han podido las ansias de monetizarlo todo, como cualquier ejecutivo de Hollywood que se precie. Ready Player One no deja de ser una historia sobre la lucha entre el bien y el mal, con todos los ‘tics’ del cine de Spielberg, tales como el uso y abuso de lens flares, el humor blanquísimo, la emotividad que estalla en el tercer acto o un sentido de la espectacularidad sin parangón y con una técnica pulidísima aunque el descontrol impere en la pantalla, caso de esa loquísima carrera a lo Mario Kart del principio del film.

READY PLAYER ONE

Quizás la película no se convierta en un clásico de la cultura popular como todo aquello a lo que homenajea, tal vez porque sus héroes protagonistas, pese a ser efectivos, no son lo suficientemente singulares y carismáticos como para enamorarse de ellos; uno se acuerda más de la ingesta cantidad de detalles y guiños frikis que pueblan la película, aunque muchos sólo podrían resultar perceptibles a través de varios revisionados. En definitiva, lo que podría haber sido fácilmente un blockbuster de usar y tirar se convierte en una película con un discurso sólido y contundente que rompe una lanza a favor de cosas que normalmente no son veneradas o tomadas en serio fuera de la celebración de una Comic-Con. Esto es una exaltación del orgullo friki y de sus placeres que ni el más hater puede ser capaz de repeler.

8/10

6/4/18

Itinerario de estrenos de abril 2018

Estrenos_Abril



Isla de perros:
La nueva película de animación de Wes Anderson (Fantástico Sr. Fox, El gran hotel Budapest) cuenta la historia de un niño que, con el fin de encontrar a su perro, emprende un viaje hacia una isla vertedero a la que han sido exiliadas todas las mascotas caninas de Megasaki City. La película, que inauguró el último Festival de Berlín y se alzó con el premio a mejor director, cuenta con un reparto de voces fantástico (Bryan Cranston, Edward Norton, Greta Gerwig, Bill Murray, Scarlett Johansson, Tilda Swinton, Jeff Goldblum, Harvey Keitel…) y ha cosechado unas críticas superlativas.
Estreno: 20 de abril


Un lugar tranquilo: John Krasinski  (Los Hollar) dirige y co-protagoniza junto a su esposa, Emily Blunt (La chica del tren), este film de terror que gira en torno a una familia forzada a vivir sin emitir sonido alguno en una casa en el bosque para protegerse de unas criaturas que capturan a sus presas cuando hacen ruido. La película está recibiendo críticas muy positivas, colocándola como el evento terrorífico de la temporada.
Estreno:20 de abril


Vengadores: Infinity War: El universo cinematográfico de Marvel se ha construido desde sus cimientos orientado a que llegue el día en el que todos sus superhéroes unan sus fuerzas para combatir a Thanos, el megavillano escondido en la sombra… hasta ahora. Anthony y Joe Russo (Capitán América: Civil War) dirigen este enfrentamiento intergaláctico, cuya culminación llegará el año que viene, con un kilométrico reparto lleno de estrellas: Robert Downey Jr., Chris Evans, Chris Hemsworth, Chris Pratt, Scarlett Johansson, Benedict Cumberbatch, Tom Holland, Elizabeth Olsen, Chadwick Boseman, Mark Ruffalo, un largo etcétera y con Josh Brolin (Héroes en el infierno) como Thanos. No han trascendido detalles del argumento más allá de que los Vengadores deberán impedir que su némesis se haga con todas las Gemas del Infinito, y así salvar a la galaxia del peligro que se cierne sobre ella.
Estreno: 27 de abril


Noche de juegos: Un grupo de amigos que se reúne periódicamente para una velada de juegos de mesa termina involucrándose en un misterio de la vida real en el que deben resolver un secuestro. Esta comedia dirigida por la dupla formada por John Francis Daley y Jonathan Goldstein (Vacaciones) está protagonizada por Jason Bateman (Fiesta de empresa), Rachel McAdams (Doctor Strange), Kyle Chandler (Manchester frente al mar), Jesse Plemons (Los archivos del Pentágono), Billy Magnussen (La gran apuesta) y Lamorne Morris (New Girl) entre otros, y ha obtenido buenos comentarios por parte de la prensa especializada norteamericana.
Estreno: 27 de abril

1/4/18

Actor del mes: Josh Brolin

Josh Brolin2


Nombre completo: Josh James Brolin

Fecha de nacimiento: 12 de febrero de 1968

Lugar de nacimiento: Santa Monica, California (EE.UU.)

Filmografía destacada:

George and Tammy (2019)
Avengers IV (2019)
The Legacy of a Whitetail Deer Hunter (2018)
Sicario 2: Day of the Soldado (2018)
Deadpool 2 (2018)

Vengadores: Infinity War (2018)
Héroes en el infierno (2017)
¡Ave, César! (2016)
Everest (2015)
Sicario (2015)
Puro vicio (2014)
Sin City: Una dama para matar (2014)
Oldboy (2013)
Una vida en tres días (2013)
Gangster Squad (2013)
Men in Black 3 (2012)
Valor de ley (2010)
Conocerás al hombre de tus sueños (2010)
Wall Street 2: El dinero nunca duerme (2010)
Mi nombre es Harvey Milk (2008)
W. (2008)
American Gangster (2007)
En el valle de Elah (2007)
Planet Terror (2007)
No es país para viejos (2007)
The dead girl (2006)
Melinda y Melinda (2004)
El hombre sin sombra (2000)
Mimic (1997)
Flirteando con el desastre (1996)
Jovenes jinetes (Serie de TV) (1989 – 1992)
Los Goonies (1985)


Méritos: El universo cinematográfico de Marvel se está expandiendo tanto que las estrellas de Hollywood necesitan pluriemplearse para dar vida a todos los personajes de la factoría. Tanto Chris Evans como Michael B. Jordan fueron la Antorcha Humana antes de ser, respectivamente, el Capitán América y Killmonger, enemigo de Pantera Negra, pero lo de Josh Brolin va más allá al encarnar a dos personajes diferentes en películas que se estrenan con apenas un mes de diferencia. Claro que tiene truco: en una solo lo oiremos prestando su voz a Thanos, el super villano creado por CGI que pondrá en jaque a los Vengadores en Infinity War, mientras que en la otra, la secuela de Deadpool, lo veremos en mejor forma que nunca dando vida al mercenario Cable, que para algo se ha puesto cachas a base de horas sudando en el gimnasio y absteniéndose de comer pan, azúcar y pasta.


Nada mal para un actor, hijo del también intérprete James Brolin e hijastro de la mismísima Barbra Streisand, que este año ha cumplido medio siglo de vida, y que no las tenías todas consigo tras el primer gran éxito de su carrera: Los Goonies. Tras el estreno de la película, Brolin tuvo que conformarse con papeles menores en producciones olvidables de cine y televisión, pero su esfuerzo y perseverancia permitió que su carrera alcanzara un nuevo nivel a mediados de los 2000, siendo el punto de inflexión el papel protagonista de la oscarizada No es país para viejos de los hermanos Coen, con los que ha vuelto a colaborar en un par de ocasiones más. A partir de ahí, todo fue rodado, y aunque también ha liderado algún que otro estrepitoso fracaso, caso de Jonah Hex o del remake americano de Oldboy, también ha optado a la estatuilla dorada como mejor secundario por su actuación en Mi nombre es Harvey Milk y ha trabajado a las órdenes de directores de la talla de Oliver Stone, Woody Allen, Paul Thomas Anderson o Denis Villeneuve. Después del doblete ‘marveliano’, volveremos a ver a Brolin en la secuela de Sicario y en The Legcay of a Whitetail Deer Hunter, próximo estreno de Netflix, mientras que el año que viene volverá a ser Thanos en un segundo asalto contra los Vengadores y, tal vez, consiga rodar George and Tammy, proyecto biográfico anunciado desde el 2016 sobre los iconos de la música country George Jones y Tammy Wynette que co-protagonizaría junto a Jessica Chastain. Desde luego que las Gemas del Infinito se le quedan pequeñas a este actor infatigable.

Thanos_Cable

Extras:

Tráiler de Vengadores: Infinity War

Tráiler de Deadpool 2 

Tráiler de Sicario: Day of the Soldado

Clip de The Legacy of a Whitetail Deer Hunter

Empire 20: The Goonies Reunion