30/9/15

Buenas vibraciones

Poster Love and Mercy
Dir.: Bill Pohlad
Int.: John Cusack, Paul Dano, Elizabeth Banks, Paul Giamatti, Jake Abel, Joanna Going, Bill Camp, Kenny Wormald, Dee Wallace
¿De qué va?: En los años 60, el fundador de The Beach Boys, Brian Wilson, lucha contra una incipiente psicosis al tiempo que intenta crear su obra maestra de pop vanguardista. Veinte años más tarde, él es un hombre confuso y quebrado bajo la estricta vigilancia de su sombrío terapeuta, el doctor Eugene Landy.

Reseña: Todos los biopics musicales siguen el mismo patrón: joven de gran talento pero poca suerte consigue la oportunidad de su vida, triunfa, conoce al amor de su vida, entra en una espiral de drogas y alcohol, toca fondo, su carrera corre peligro y al fin se rehabilita, aunque luego aparece el texto antes de los créditos para recordarnos que al tiempo murió de una sobredosis. Por supuesto que hay variaciones, pero en líneas generales el modelo sigue siendo el mismo en Ray, En la cuerda floja (el mejor, en mi humilde opinión), I Feel Good, Dreamgirls, Beyond the Sea… Pero lo peor de todo es que en muy raras ocasiones se profundiza en la música del artista en cuestión, porque se le presta más atención a los pormenores de su vida privada que a la forma en la que creaba su música.

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Por todo ello, Love & Mercy supone un auténtico soplo de aire fresco, al ser un biopic musical que esquiva con suma elegancia todos los clichés del género. El guión escrito por Michael A. Lerner y Oren Moverman (también autor de I’m Not There, el inclasificable biopic de Bob Dylan) aborda la vida de Brian Wilson, fundador de los Beach Boys, alternando entre dos escenarios clave de su vida: el primero, durante su juventud, se centra en el momento en el que, tras alcanzar el éxito con su banda, se esfuerza por ofrecer algo distinto, menos comercial y más personal, y el segundo, siendo ya un hombre maduro, en el que se evidencian las secuelas psicológicas que le ha dejado su carrera y su vida familiar, acentuadas por un terapeuta que se aprovechaba de él.

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Si bien la trama “adulta” es prácticamente una historia de amor enturbiada por un villano de opereta, la del Brian Wilson joven resulta particularmente fascinante porque recoge todo su proceso creativo a la hora de componer canciones, reparando en su minucioso trabajo en el estudio de música, la composición de canciones, la presión ejercida por su nefasto padre y por el resto de la banda y, finalmente, el descenso a la locura y la paranoia que todo ello le provocó. Paul Dano hace un fantástico trabajo encarnando a Wilson en este período de su vida, estando a la altura de las exigencias tanto físicas (engordó 15 kilos para el papel) como emocionales, plasmando a la perfección tanto la pasión por la música de su personaje como su quebradiza salud mental sin recurrir a grandes aspavientos.

Love and Mercy

Aunque esta parte de la película resulta más interesante que la adulta, esta última sale beneficiada al estar contada no desde el punto de vista de Wilson, un John Cusack que resulta ser una inesperada pero muy efectiva elección de casting, sino del de Melinda, a la que da vida una sumamente encantadora Elizabeth Banks en el que probablemente sea el mejor papel de su carrera. Junto a Melinda, vamos descubriendo la jaula de cristal en la que se ha convertido la vida de Wilson, cuyo carcelero es un terapeuta al que da vida un desmadrado Paul Giamatti. Esto último es la única nota discordante de una pieza musical que no sólo nos descubre una faceta que pocos conocíamos de los Beach Boys, sino que se revela como uno de los biopics musicales más complejos, sugestivos y satisfactorios que jamás se hayan hecho. Ojalá que con el tiempo se convierta en una película de referencia.

8/10

29/9/15

Aquel maravilloso campamento de los 80

Poster Wet Hot American Summer

Creador: Michael Showalter, David Wain
Int.: Janeane Garofalo, Paul Rudd, Amy Poehler, Bradley Cooper, Elizabeth Banks, Christopher Meloni, Ken Marino, Joe Lo Truglio, Zak Orth, Michael Showalter, Molly Shannon, Marguerite Moreau
Emisión: 2015, HBO
Miniserie de 8 episodios

En el año 2001 se estrenó Wet Hot American Summer, una comedia dirigida por David Wain (Sácame del paraíso, Mal ejemplo) que seguía los pasos de un grupo de monitores y chavales de un campamento de verano en 1981. La película, rodada con cuatro duros, apenas recaudó 295.000 dólares en los cines norteamericanos, pero acabó convirtiéndose en una obra de culto. Tal es así que quince años después de su estreno, Netflix, con su buen ojo para los rescates, decidió lanzar una continuación en formato de miniserie, pero con una particularidad: si aquella se ambientaba en el último día del campamento, ésta lo hace en su primer día, y pese a ser una precuela, todos sus actores recuperan a sus respectivos personajes (los que encarnaban a los monitores y alguno más), volviendo a encarnar a adolescentes aunque ya ronden la cuarentena.

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Así, resulta todo un aliciente reencontrarse al reparto al completo, que incluye a gente como Bradley Cooper, Amy Poehler, Elizabeth Banks o Paul Rudd, cuyas carreras van tan viento en popa que no tenían la necesidad de regresar al campamento donde comenzaron, pero lo han hecho. Claro que al igual que pasaba con la película, es evidente que se lo han pasado bomba en el rodaje, y ese espíritu de diversión se contagia fácilmente al espectador que tenga debilidad por el humor tremendamente absurdo. Pero muy muy absurdo. La miniserie, que lo mismo parodia la conducta adolescente y a los fans de los musicales como emula una conspiración gubernamental,  se mantiene tan fiel a la película que cae en sus mismos errores: hay tantos gags que se apelotonan, yendo su rango de efectividad desde la genialidad hasta la el completo ridículo, pudiendo pasar de un extremo a otro en pocos segundos.

Wet Hot American Summer

No obstante, la serie nunca deja de ser entretenida, y además del reparto original de la serie hay que añadir una larga lista de nuevos fichajes y cameos que es todo un lujo para todos aquellos conocedores del star-system cinematográfico y televisivo: Jon Hamm, Chris Pine, Kristen Wiig, Jason Schwartzman, Michael Cera, Josh Charles… Todos en perfecta sintonía con el disparate generalizado. Es agradecido ver a Hamm dando rienda suelta a su vena payasa al igual que hizo en Unbreakable Kimmy Schmidt, pero lo verdaderamente remarcable es comprobar cómo Kristen Wiig es garantía de carcajadas en los escasos cinco minutos en los que aparece. Muy grande. Y del reparto original, vuelve a destacar Paul Rudd, dando una lección de humor físico en la piel de Andy, el tío guay y rebelde del campamento, aunque Elizabeth Banks como periodista infiltrada también protagoniza algunos de los mejores momentos de la serie.

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Wet Hot American Summer: First Day of Camp es el regalo perfecto para los fans de la película precedente, la cual habremos visto cuatro gatos fuera de Norteamérica. Si les interesa ver la serie de Netflix, recomiendo empezar por la película, que dura menos, y así tener una primera toma de contacto con el campamento y sus personajes, porque buena parte de los chistes le hacen referencia. Tanto una como otra tienen el aliciente de que, aunque su sentido del humor sea muy particular, es muy fácil simpatizar tanto con el elenco, todos sumamente entrañables, como con la propia serie, capaz de no disimular la ausencia de Bradley Cooper por problemas de agenda en algunos episodios y hacer chistes de ello. Y ya si sienten nostalgia hacia los ingenuos y coloridos años 80 no lo duden más, el Campamento Firewood es su hogar.

26/9/15

O.C: Critters (1986)

Poster Critters

¿De qué va?: Unos pequeños alienígenas hambrientos llegan a la Tierra en busca de alimento. Precisamente aterrizan cerca de la casa de la familia Brown, que, sin saberlo, se han convertido en el plato principal del menú. Sin embargo, los Brown contarán con la inesperada ayuda de dos cazarrecompensas intergalácticos que han sido enviados para exterminar a los bichos.

Reputación: Los Critters llegaron a los cines promocionados como la respuesta violenta a la película de los Gremlins, estrenada dos años antes con gran éxito pero sin derramamiento de sangre. Tal es el parecido entre ambas criaturas que el director, Stephen Herek, reconoció que tuvieron que cambiar varias veces el guión porque se parecía demasiado al filme protagonizado por Gizmo. Los diseñadores de los Critters son los hermanos Stephen, Charles y Edward Chiodo, los tres tienen una compañía de efectos especiales, especializados en marionetas, que alcanzaron la fama con Payasos asesinos del espacio exterior (1986), dirigida por el primero de ellos (se ha anunciado una secuela para el 2016).  La película tuvo un coste de 2 millones de dólares y recaudó más de 15 millones en los cines norteamericanos, lo que propició que se rodaran hasta tres secuelas más de calidad decreciente, aunque en la tercera participó un jovencito Leonardo DiCaprio. Su éxito y el de los Gremlins propició la aparición de numeras producciones de ínfimo presupuesto y lanzadas directamente a video que presentaban versiones alternativas y fusionadas de ambas criaturas, siendo los más conocidos los Ghoulies (1985) y los Munchies (1987).

Critters
Reseña: Creo que todos estaremos de acuerdo en que la película de los Critters es bastante peor que Gremlins y que ni siquiera ofrecen el baño de sangre prometido (apenas mueren dos personas y algunos animalitos), pero también hay que reconocer que estas bolas de pelo de dientes afilados tienen un carisma particular que los hace extrañamente adorables, hasta el punto en que es completamente comprensible ponerse de su lado y desear que aniquilen a la muy cursi y pánfila familia protagonista. La película desprende amor por el género de la ciencia ficción, con guiños a E.T. el extraterrestre, Star Wars o Alien, el octavo pasajero. Si a eso le sumamos si desmesurado estilo ochentero en cada aspecto de la película (música, vestuario, peinados…) y lo absurdo de muchas de sus situaciones (la familia termina olvidándose de que hay un cadáver descomponiéndose en su granero) convierten a la película en todo un placer culpable. ¿Para cuándo un regreso de los Critters a nuestro planeta?

Próximo visionado: Jezabel (1938)

25/9/15

Temperatura corporal escasa

Poster Everest

Dir.: Baltasar Kormakur
Int.: Jason Clarke, Josh Brolin, John Hawkes, Jake Gyllenhaal, Emily Watson, Keira Knightley, Michael Kelly, Sam Worthington, Josh Henderson, Robin Wright, Elizabeth Debicki
¿De qué va?: En el año 1996, dos expediciones decididas a coronar el pico más alto del mundo se vieron sorprendidas por una gran tormenta de nieve que puso a prueba su temple, obligadas a luchar contra la furia desatada de los elementos y superar obstáculos imposibles, en un desesperado esfuerzo por sobrevivir.

Reseña: Las razones por las que alguien se atrevería a escalar la montaña más alta del mundo, con todos los peligros que conlleva, se escapan a mi comprensión. Por eso, cuando se producen muertes en el intento de realizar esta hazaña o alguna similar, me cuesta simpatizar con la tragedia, porque sólo puedo pensar en quién les habrá mandado a cometer semejante atentado contra su propia vida. En una escena de Everest, los personajes basados en los protagonistas a su pesar de la tragedia vivida en la montaña en 1996, explican sus motivaciones, generalmente relacionadas con temas de honor, superación personal o adrenalina, pero no son lo suficientemente convincentes como para que nos preocupemos por el destino fatal que sufrirán algunos de ellos.

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El director Baltasar Kormakur ha querido hacer un homenaje a aquel grupo de personas que inauguró la conocida como la temporada más trágica en el Everest, logrando una de las películas sobre desastres naturales más realistas que podamos encontrar y enfocando a los personajes como si fueran héroes, primando los sentimientos de solidaridad y compañerismo que surgen a raíz de la catástrofe. Sin embargo, su tratamiento es tan manso que obvia los detalles más polémicos de la historia; no lo digo tanto por el cruce de acusaciones sobre quién fue el responsable de las muertes, sino por el debate acerca de si es ético o no conducir expediciones al Everest con personas con escasa preparación a cambio de una buena suma de dinero. Esto solo se toca muy de pasada, y es que no va acorde con el personaje al que da vida Jason Clarke, el director de la empresa de expediciones, porque el retrato que hacen de él es de santo para arriba.

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Debido a la relativa fidelidad de Kormakur a los hechos reales, hay demasiada gente en la montaña, y aunque los actores llevan chaquetas de diferentes colores y se suelen destapar las caras al hablar para que los reconozcamos, es inevitable pasar buena parte de la película intentando descifrar quién es quién y dónde se encuentran, por no hablar de que hay personajes que aparecen y desaparecen de la historia a cada rato. El reparto al completo, plagado de estrellas y caras conocidas, cumple con lo que les toca, agradeciéndose la presencia de Emily Watson como eje de las comunicaciones en el campamento base. Por otra parte, sorprende que Keira Knightley, en un papel tan pequeño, aporte la mayor carga emotiva de la película, pero esa parte del guión resulta tan moñas y convencional que no está a la altura de la intensidad dramática que le pone la actriz.

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En definitiva, Everest cumple como película de aventuras, ofreciendo espectaculares panorámicas naturales y dos horas de entretenimiento puro, pero no se vive de forma especialmente emocionante, salvo en sus momentos más tensos, ni tampoco aporta nada que sea especialmente sorprendente u original en el subgénero de catástrofes; lo único, tal vez, la elegante forma que tiene de plasmar las muertes, sin estridencias ni excesos dramáticos, pero eso es todo. Eso sí, es capaz de quitarle a cualquiera las ganas de practicar escalada.

6/10

23/9/15

La vida en bucle

Poster Eden

Dir.: Mia Hansen-Løve
Int.: Félix De Givry, Pauline Etienne, Laura Smet, Vincent Lacoste, Vincent Macaigne, Golshifteh Farahani, Greta Gerwig, Brady Corbet
¿De qué va?: En la década de los 90, la música electrónica francesa está empezando a hacerse muy popular. Paul está dando sus primeros pasos como DJ, formando con un amigo un dúo de música garage llamado ‘Cheers’. Pronto encuentran una entregada audiencia y se ven inmersos en un torbellino de fama que hace que Paul, cegado por su pasión, descuide su vida personal.

Reseña: Sven Hansen-Løve fue un exitoso DJ de la escena de la música electrónica parisina de los años 90, pero al tiempo que el grupo Daft Punk revolucionaba el panorama musical y se hacía cada vez más y más famoso, Sven se quedó estancado en el garage, que paulatinamente dejó de estar de moda hasta convertirse en minoritario. Eden, la película que ha dirigido Mia Hansen-Løve, recrea el auge y la caída profesional de su hermano, retratando no sólo el fin y el comienzo de una era musical, sino a una generación que pasó de tener ante sí un mundo de posibilidades para después tener que conformarse o buscarse la vida de la manera más factible.

Eden

La cineasta sigue a Félix, el álter ego de su hermano, a través de numerosas fiestas nocturnas, pero de forma un tanto distante, sin hacernos del todo partícipes de las juergas, ni venerando la música garage. El alcohol y las drogas pasan de unas manos a otras, pero su intención tampoco es la de enfatizar su consumo y efectos. Donde Hansen-Løve pone el foco es en Félix y su grupo de amigos y en cómo el paso del tiempo hace mella en ellos. Mientras el protagonista se mantiene intacto a lo largo de muchos años, siempre necesitado de dinero, siempre obcecado en su música, todos los compañeros, amigos y novias que le acompañan a lo largo de su periplo llegan a un determinado punto en el que deben cambiar de rumbo, ya sea para progresar en su carrera profesional o porque han llegado a un punto muerto en el que necesitan buscar otra cosa. Hay más ejemplos de lo segundo que de lo primero, y es que aunque en ningún momento se menciona la crisis económica, se perciben sus consecuencias: la escasez de trabajo y oportunidades provoca que los jóvenes empiecen a asumir que son ellos los que deben adaptarse al mundo y no al revés.  

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Así, con su estilo naturalista y expositivo, su repertorio musical, sus cameos (los de Daft Punk reflejando su discreción, Greta Gerwig perpetuando a la gran Frances Ha) y  su elenco de personajes definidos a base de pinceladas y liderados por el atractivo pero un pelín soso Félix de Givry, Eden se erige como un retrato eficaz y honesto que va más allá de la generación que aborda para hacer una metáfora sobre el propio ciclo de la vida, y de cómo hay veces en las que hay que aprender a dejar atrás algunos sueños y ajustarse al entorno para poder sobrevivir. Deja un poso triste y, dependiendo de en qué medida personal te afecte, hasta melancólico, fruto de la sensación que produce cuando eres el último en abandonar la fiesta y no sabes adónde ir.

7’5/10

21/9/15

Emmys 2015: Llegó la hora de los Siete Reinos y de Jon Hamm

Jon Hamm

Los Emmys pueden ser, con toda probabilidad, los premios que mayor controversia generan. Y es que en los últimos años el espectro de series americanas es tan amplio, tan variado y tan para todos los gustos, que resulta casi imposible que todos estemos de acuerdo en el reconocimiento de una serie por unanimidad. Andy Samberg, presentador de la ceremonia de esta noche, satirizó con ello en el opening musical, y la propia Academia de la Televisión también es consciente de ello, así que ha introducido este año una serie de cambios en sus votaciones que, junto a la ausencia de Breaking Bad, han agitado las cosas en su entrega de premios.

HBO ha sido la indiscutible triunfadora sumando un total de 40 galardones entre premios gordos y técnicos; las ganadoras en los apartados de mejor drama, comedia y miniserie llevan su firma, empezando con Juego de tronos, siendo el primer año que gana, a pesar de que haya sido por su peor temporada, si nos dejamos llevar por la opinión de un numeroso grupo de fans. Pero también ha conseguido el de mejor dirección, guión y actor de reparto para Peter Dinklage, que se lo lleva por segunda vez. En el apartado de comedia, Veep ha roto la racha de Modern Family, impidiendo que esta última ostente el récord del mayor número de Emmys consecutivos a una serie (habría sido el sexto). En cuanto a miniserie, Olive Kitteridge no sólo ha ganado el premio gordo sino que ha conseguido galardones para sus tres intérpretes principales: Frances McDormand, Richard Jenkins y Bill Murray.

Game of Thrones

La mejor noticia de la velada es que por fin Jon Hamm ha ganado un Emmy por su interpretación del icónico Don Draper tras haberse ido de vacío en siete ocasiones. La Academia sabía que tenía una cuenta pendiente con él, no así con Mad Men, que no ha rascado ningún otro premio en su último año de emisión. Viola Davis también ha hecho historia al convertirse en la primera actriz negra en ganar el Emmy a mejor intérprete dramática por su papel en Cómo defender a un asesino, creada por uno de los pesos pesados de la televisión norteamericana actual, Shonda Rhimes (Anatomía de Grey, Scandal). Orange is the New Black compitió por primera vez en la categoría de drama, debido a las nuevas normas de la Academia, y consiguió que Uzo Aduba ganase el premio a mejor actriz de reparto (el año pasado ganó en la categoría de invitada), destronando a las grandes favoritas, Lena Headey y Christine Baranski.

Allison JanneyLa faraona Allison Janney ganó por segundo año consecutivo el premio a mejor actriz de reparto en comedia por el fantástico trabajo que hace en Mom, siendo el séptimo Emmy de su carrera. A pesar de que Veep fue la gran triunfadora en el apartado de la comedia, Transparent, la primera gran serie de Amazon, no se quedó corta al obtener el cantado y merecidísimo premio a mejor actor cómico para Jeffrey Tambor y el de mejor dirección. También conviene destacar que la gran revelación del año, Amy Schumer, ha ganado el premio de mejor programa de sketches en la tercera temporada de Inside Amy Schumer, arrebatándoselo a pesos pesados como Saturday Night Live.

En definitiva, los Emmys se mantienen fieles a sus estilo un año más: se saldan cuentas pendientes (Jon Hamm), se perpetúan reinados (Julia Louis-Dreyfuss) y se producen grandes e indignantes ausencias (The Americans, Hannibal, The Leftovers…). Menos mal que son sólo unos premios y que la forma de consumir televisión es cada vez más democrática. Les dejo con la lista de nominados en las categorías principales:

Mejor drama
Better Call Saul
Downton Abbey
Homeland
House of Cards
Juego de tronos
Mad Men
Orange is the New Black

Mejor actor principal de drama
Kyle Chandler, Bloodline
Jeff Daniels, The Newsroom
Jon Hamm. Mad Men
Bob Odenkirk, Better Call Saul
Liev Schreiber, Ray Donovan
Kevin Spacey, House of Cards

Mejor actriz principal de drama
Viola Davis, Cómo defender a un asesino
Claire Danes, Homeland
Taraji P. Henson, Empire
Tatiana Maslany, Orphan Black
Elisabeth Moss. Mad Men
Robin Wright, House of Cards

Mejor actor de reparto en drama
Jonathan Banks, Better Call Saul
Jim Carter, Downton Abbey
Alan Cumming, The Good Wife
Peter Dinklage, Juego de tronos
Michael Kelly, House of Cards
Ben Mendelsohn, Bloodline

Mejor actriz de reparto en drama
Uzo Aduba, Orange is the New Black
Christine Baranski, The Good Wife
Emilia Clarke, Juego de tronos
Joanne Froggatt, Downton Abbey
Lena Headey, Juego de tronos

Christina Hendricks, Mad Men

Mejor guión de drama
The Americans (“Do Mail Robots Dream Of Electric Sheep?” - Joshua Brand)
Better Call Saul (“Five-O” - Gordon Smith)
Juego de tronos (“Mother’s Mercy” - David Benioff y D.B. Weiss)
Mad Men (“Lost Horizon” - Semi Chellas y Matthew Weiner)
Mad Men (Person To Person - Matthew Weiner)

Mejor dirección de drama
Boardwalk Empire (“Eldorado” — Tim Van Patten)
Homeland (“From A To B And Back Again” — Lesli Linka Glatter)
Juego de tronos (“Mother’s Mercy – David Nutter)
Juego de Tronos (“Unbowed, Unbent, Unbroken” — Jeremy Podeswa)
The Knick (“Method And Madness” — Steven Soderbergh)


Mejor comedia

Louie
Modern Family
Parks & Recreation
Silicon Valley
Transparent
Unbreakable Kimmy Schmidt
Veep

Mejor actor principal de comedia
Anthony Anderson, Black-ish
Louis C.K., Louie
Don Cheadle, House of Lies
Will Forte, The Last Man on Earth
Matt LeBlanc, Episodes
William H. Macy, Shameless
Jeffrey Tambor, Transparent

Mejor actriz principal de comedia
Edie Falco, Nurse Jackie
Lisa Kudrow, The Comeback
Julia Louis-Dreyfus, Veep
Amy Poehler, Parks & Recreation
Amy Schumer, Inside Amy Schumer
Lily Tomlin, Grace & Frankie

Mejor actor de reparto en comedia
Andre Braugher, Brooklyn Nine-Nine
Ty Burrell, Modern Family
Tituss Burgess, Unbreakable Kimmy Schmidt
Adam Driver, Girls
Tony Hale, Veep
Keegan-Michael Key, Key and Peele

Mejor actriz de reparto en comedia
Allison Janney, Mom

Mayim Bialik, The Big Bang Theory
Julie Bowen, Modern Family
Anna Chlumsky, Veep
Gaby Hoffmann, Transparent
Jane Krakowski, Unbreakable Kimmy Schmidt
Kate McKinnon, Saturday Night Live
Niecy Nash, Getting On

Mejor guión de comedia
Episodes (“Episode 409” — David Crane, Jeffrey Klarik)
The Last Man on Earth (“Alive in Tucson” — Will Forte)
Louie (“Bobby's House” — Louis C.K.)
Silicon Valley (“Two Days Of The Condor” — Alec Berg)
Transparent (“Pilot” — Jill Soloway)
Veep (“Election Night” – Simon Blackwell, Armando Iannucci, Tony Roche)

Mejor dirección de comedia
Louie (“Sleepover” — Louis C.K.)
Transparent
(“Best New Girl – Jill Soloway)
The Last Man on Earth (“Alive In Tucson” — Phil Lord, Christopher Miller)
Silicon Valley (“Sand Hill Shuffle” — Mike Judge)
Veep (“Testimony” — Armando Iannucci”)


Mejor miniserie
American Crime
American Horror Story Freak Show
Olive Kitteridge
The Honorable Woman
Wolf Hall

Mejor tv-movie
Agatha Christie’s Poirot: Curtain, Poirot’s Last Case
Bessie
Grace of Monaco
Hello Ladies: The Movie
Killing Jesus
Nightingale

Mejor actor principal en mini-serie o película para televisión
Adrien Brody, Houdini
Ricky Gervais, Derek Special
Timothy Hutton, American Crime
Richard Jenkins, Olive Kitteridge
David Oyelowo, Nightingale
Mark Rylance, Wolf Hall

Mejor actriz principal en mini-serie o película para televisión
Maggie Gyllenhaal, The Honorable Woman
Felicity Huffman, American Crime
Jessica Lange, American Horror Story: Freak Show
Queen Latifah, Bessie
Frances McDormand, Olive Kitteridge
Emma Thompson, Sweeney Todd

Mejor actor de reparto en mini-serie o película para televisión
Richard Cabral, American Crime
Michael Kenneth Williams, Bessie
Damian Lewis, Wolf Hall
Bill Murray, Olive Kitteridge
Denis O’Hare, American Horror Story: Freak Show
Finn Wittrock, American Horror Story: Freak Show

Mejor actriz de reparto en mini-serie o película
Angela Bassett, American Horror Story: Freak Show
Kathy Bates, American Horror Story: Freak Show
Regina King, American Crime
Sarah Paulson, American Horror Story: Freak Show
Mo’Nique, Bessie
Zoe Kazan, Olive Kitteridge

20/9/15

Colocón frustrado

Poster American Ultra

Dir.: Nima Nourizadeh
Int.: Jesse Eisenberg, Kristen Stewart, Topher Grace, Connie Britton, Walton Goggins, John Leguizamo, Tony Hale, Bill Pullman
¿De qué va?: Mike Howell es un joven porreta cuya única motivación en la vida es estar junto a su novia, Phoebe, en la pequeña y aburrida ciudad en la que viven. Un día, su vida da un vuelco cuando el misterioso pasado de Mike viene para perseguirlo y se convierte en el blanco de una operación gubernamental que pretende neutralizarlo.

Reseña: Una película cuyo argumento parece un híbrido entre la acción desmemoriada de la saga de Bourne y la comedia de fumetas a lo Dos colgaos muy fumaos sólo puede provocar dos reacciones: rechazo (imagino a varios de mis amigos bramando ¡chiquita bastada!) o entusiasmo ante una posible obra de culto de la comedia cafre. Sin embargo, American Ultra no resulta ser todo lo disparatada que prometía, de hecho, está bastante domesticada, por lo que puede que convenza más a aquellos que a priori la consideran absurda antes que a los que esperan una descacharrante orgía de porros y sangre.

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Con cierta vocación de novela gráfica, implícita en los villanos caricaturescos y la forma en la que brota la sangre de los cuerpos, el filme cumple con el mínimo de lo que se puede esperar de su atractiva premisa, con apenas momentos cómicos y secuencias de acción rutinarias en las que lo más destacado es el uso letal que se hace de diferentes objetos de cocina; el mejor ‘set-piece’, un plano secuencia en el supermercado donde trabaja el protagonista, da la impresión de que ya lo hemos visto en ocasiones anteriores, este mismo año en Kingsman: Servicio secreto, con mayor despliegue de medios, eso sí. Entretenida es, desde luego, pero el guión de Max Landis, que estuvo más atinado en Chronicle, alterna con facilidad la comedia, la acción y el romance, pero no contiene nada que haga a la película especialmente memorable.

American Ultra

Jesse Eisenberg y Kristen Stewart vuelven a desplegar la química que comparten tras la muy recomendable Adventureland. Resultan entrañables en su historia de amor, sobre todo ella, pero sus personajes no les exigen demasiado esfuerzo más allá de las escenas de acción. Los secundarios también cumplen la papeleta, con un desmadrado Topher Grace, Connie Britton y su característico instinto maternal (y su pelazo) y Walton Goggins como sicario desdentado y protagonista sorpresa de uno de los momentos más tiernos de la película. Los animados créditos finales gozan de toda la parafernalia lisérgica de la que carece la película, que ni entusiasma ni cabrea, sólo deja indiferente, que es peor.

5/10

19/9/15

Balas perdidas

True Detective Banner

Creador: Nic Pizzolato
Int.: Colin Farrell, Vince Vaughn, Rachel McAdams, Taylor Kitsch, Kelly Reilly, Abigail Spencer, David Morse, Chris Kerson, Ritchie Coster
Emisión: 2015, HBO
2ª temporada

Las altas expectativas suelen ser peligrosas, pero siempre caemos en ellas. La primera temporada de True Detective se saldó con un gran éxito de público y crítica, que no llegó a materializarse del todo en una avalancha de premios, puesto que la fatalidad y el humor negro de Fargo acabó imponiéndose en las entregas de galardones más importantes. No obstante, todos nos quedamos con ganas de descubrir qué sorpresas nos depararía una segunda temporada que, al estilo de American Horror Story, contaría una historia completamente nueva, con diferente reparto y personajes. Año y medio después regresó True Detective a la HBO y, quizás por esas odiosas pero inevitables comparaciones, la serie fue recibida por una acogida completamente opuesta a la ocasión anterior.

True Detective

La base de la serie sigue siendo la misma: la investigación policial de un asesinato que no es más que la punta de un iceberg de corrupción, delincuencia y muerte, solo que esta vez contamos con no dos, sino cuatro puntos de vista, cada uno con sus propios traumas y problemas individuales pero conectados entre sí para tejer la trama. Una trama enrevesada cuyas interesantes lecturas sobre el sentido del deber, las corruptelas políticas, la culpabilidad o el autoengaño, quedan sepultadas ante un hilo narrativo confuso que no resulta ni especialmente novedoso ni atractivo,  nulo en cuanto a esos mensajes ocultos objeto de numerosas elucubraciones por parte de los fans en la primera temporada. Por aquel entonces, si uno se perdía en la trama al menos permanecía hipnotizado gracias a la tremenda factura técnica y a la atmósfera, pero aquí hay poco de eso.

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Al parecer, Nic Pizzolato, creador y guionista principal de la serie, y Cary Fukunaga, director de todos los episodios de la primera temporada, terminaron en malos términos por problemas derivados de la autoría de la obra. Fukunaga continúa figurando como productor ejecutivo, pero no ha tenido nada que ver con esta segunda vuelta. Para que nadie le vuelva a levantar la voz, Pizzolato se ha decantado por contar con diferentes directores que dirijan los ocho episodios, y ahí radica uno de sus grandes errores: ni la escritura de Pizzolato es lo suficientemente potente como para levantar la serie por sí sola, ni los realizadores son capaces de aportar esa potencia visual que Fukunaga impregnó a la primera temporada, despojando a la serie de una identidad propia y unificada. El único hilo conductor de los episodios son los recurrentes planos aéreos de carreteras y autopistas, subrayando la idea de que todos somos insectos atrapados en una gran teleraña que se escapa a nuestro control y conocimiento.

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Al anunciarse la primera temporada, Matthew McCounaghey aún no tenía el reconocimiento que consiguió durante la emisión de la misma, ganando  el Oscar y perdiendo la etiqueta de “actor de comedias románticas”. Lamentablemente, no parece que vaya a ocurrir lo mismo con los cuatro protagonistas de la segunda. Y no es porque estén mal, de hecho, el único que me chirría y que me parece el peor error de casting de la historia de la HBO es Vince Vaughn: no sólo tiene el carisma de una ciruela pasa, sino que no impone en absoluto como mafioso; es aparecer en pantalla y el interés por lo que ocurre baja a mínimos. En la pareja que forma con Kelly Reilly, cuya interpretación está tan calculada que resulta inverosímil, debería haber chispas y tensión, pero sólo hay sopor.

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Colin Farrell hace un buen trabajo, pero su personaje carece de la enjundia o la atracción que despertaron los encarnados por McCounaghey y Woody Harrelson. Taylor Kitsch está correcto, sin más, mientras que Rachel McAdams es la que mejor parada sale del conjunto, pero al igual que en las últimas películas en las que ha participado, el guión no le deja lucirse todo lo que podría. Su personaje es una clara respuesta a las críticas que recibió Pizzolato por el carácter machista de la primera temporada, y aunque la representación femenina ha mejorado un poco, tampoco se puede considerar un gran avance, porque todos, absolutamente todos, los conflictos de la serie giran en torno al ego masculino y sus filias y fobias.

True Detective3

True Detective 2 tiene buenos momentos, como el tiroteo del cuarto episodio que ejerce de punto de inflexión de la trama (al igual que ese inolvidable plano secuencia de la primera temporada), o la secuencia en la perturbadora casa de citas, pero son sólo momentos aislados de un conjunto que se cree mejor y más listo de lo que en realidad es. Es muy mala señal descubrir que el último capítulo dura hora y media y sentir una pereza absoluta. Por supuesto que las comparaciones respecto a la primera temporada han ido muy a la contra, pero dudo mucho de que si en vez de llamarse True Detective se titulara de cualquier otra forma la hubiésemos visto con ojos más benévolos. A pesar de contar con un grupo de defensores, la decepción ha sido generalizada, y habrá que ver qué futuro le depara a la serie después de este sonoro tropezón. Que Pizzolato baje de la nube y, de paso, que vuelva Fukunaga.

18/9/15

Borrasca en Hawái

Poster Aloha

Dir.: Cameron Crowe
Int.: Bradley Cooper, Emma Stone, Rachel McAdams, John Krasinski, Bill Murray, Alec Baldwin, Danny McBride, Danielle Rose Russell
¿De qué va?: Un ingeniero espacial reconvertido en contratista de defensa regresa al lugar donde alcanzó la gloria en su anterior profesión, al tiempo que reconecta con un viejo amor y acepta a regañadientes a trabajar con una joven piloto de la fuerza aérea que le ayudará a sumergirse en el espíritu de Hawái y descubrir una mejor versión de sí mismo.

Reseña: Cameron Crowe es un director majete que en el año 2000 filmó la que probablemente sea la película cumbre de su carrera, Casi famosos. A partir de entonces, ha estrenado una serie de películas regulares que, no obstante, tenían un pase: como remake almibarado y atonal de Abre los ojos, Vanilla Sky tenía un pase; aun con un sosísimo Orlando Bloom de protagonista, Elizabethtown tenía un pase; y la reconfortante fábula familiar de Un lugar para soñar también tenía un pase. No es casual que todas esas películas hayan sido promocionadas con la frase “Del director de Jerry Maguire y Casi famosos”. Su último trabajo, Aloha, no tiene un pase; no lo tiene en absoluto. Tanto es así, que tras su fracaso comercial en Estados Unidos, su estreno en buena parte del mundo fue cancelado para pasar directamente a mercado doméstico y streaming. Para cumplir la papeleta en España, tuvo un estreno técnico en una sala de Madrid y fuera.

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Aloha tiene tres frentes abiertos: una historia de amor, una trama sobre exploración espacial y un tributo a la cultura y las tradiciones hawaianas. El problema radica en que el guión de Crowe es incapaz de llevar ninguna de esas tres premisas a buen término: la historia de amor es simplona y previsible, con un presunto triángulo amoroso en el aire que nunca cobra forma por su inofensivo planteamiento; la trama de exploración espacial es un caos, ni se entiende ni interesa, siendo la única pregunta importante que plantea la de qué llevó a Bill Murray a participar en la película (tal vez las vacaciones pagadas en Honolulu); por último, el tributo a Hawái no es más que la entusiasta curiosidad de un visitante extranjero por las historias y leyendas de un lugar que, para colmo, rechaza ese homenaje debido a la escasa representación nativa.

Aloha

La película cuenta con un atractivo reparto completamente desaprovechado, liderado por un Bradley Cooper en piloto automático. Emma Stone hace lo que puede dando vida a una niña de diez años disfrazada de piloto, pero de poco le sirve su encanto y desparpajo natural en esta ocasión. Rachel McAdams está desperdiciada, en un papel meramente funcional, John Krasinski tiene algo de gracia como su reservado marido y Alec Baldwin se limita a emular a Murray: disfruta de las vistas y cobra el cheque. Ni siquiera la música, el aspecto más cuidado y sugestivo de la filmografía de Cameron Crowe, resulta llamativa, con los manidos sonidos hawaianos de siempre subrayando el carácter de postal turística del montón de Aloha, vistosa a primera vista pero completamente plana e insustancial. Crowe necesita un reseteo urgente.

3’5/10

8/9/15

O.C: Cría cuervos (1975)

Poster Cria cuervos¿De qué va?: Ana recuerda cómo fue su infancia tras la muerte de su padre. De pequeña, creía tener poder sobre la vida y la muerte de aquellos que la rodeaban y de invocar a su madre fallecida. Ana la echa de menos e imagina verla con cierta frecuencia, pero no alcanza a comprender que sólo se trata de simples alucinaciones.

Reputación: Cría cuervos fue la primera película que Carlos Saura escribió en solitario; hasta su anterior película, La prima Angélica, compartía las labores de guión con Rafael Azcona. Precisamente, el origen de la película se encuentra en la última escena de esta película, en la que la madre de Angélica le cepilla el cabello. La historia terminaba con el padre de la chica pronunciando el refrán “Cría cuervos y te sacarán los ojos”, pero fue cortada por la censura. Saura escribió el papel de la niña protagonista pensando en Ana Torrent, a la que descubrió en El espíritu de la colmena, y la joven actriz no sólo encarnó el papel sino que mantuvo su nombre en la ficción, al igual que en la película de Erice. Ana es un nombre que se repite en los personajes femeninos de la filmografía de Saura, al igual que su actriz fetiche y ex pareja sentimental, Geraldine Chaplin, que en la película encarna tanto a Ana de mayor como a su madre. La película fue un gran éxito de taquilla y obtuvo el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes de 1976 y el Premio Unicef, por ser un “significativo testimonio de la condición del hombre de hoy para las generaciones de mañana”. En varios momentos del filme suena la canción Porque te vas de Jeanette, que se convirtió en un gran éxito de ventas a raíz de la presentación de Cría cuervos en Cannes.

Cria cuervos

Comentario: Ana es una niña que, como cualquier otra, no distingue entre realidad y fantasía. Por ello, evoca la presencia de su madre, ya fallecida, y cree tener el poder de matar a quienes ella desea, aquellos a los que culpa de la muerte de su progenitora. Cría cuervos es, en efecto, una exploración del universo femenino e infantil que indaga en cómo los niños asimilan las cosas que ven a su alrededor, pero al introducir asimismo la figura de una Ana adulta que rememora su propia infancia, así como la fuerte presencia de la religión y el ejército en esa unidad familiar,  también encierra una metáfora de España en un momento crucial de su historia, los años finales del franquismo; si el país quería avanzar debía ser capaz de hacer las paces con su pasado (la Guerra Civil) para no cometer los mismos errores. Siendo tan misteriosa, críptica y simbolista (esas patas de gallina en la nevera…), Cría cuervos resulta más admirable y digna de estudio que apasionante.

Próximo visionado: Critters (1986)

7/9/15

Pasar el testigo o echarse a correr

Poster Mientras seamos jovenes

Dir.: Noah Baumbach
Int.: Ben Stiller, Naomi Watts, Adam Driver, Amanda Seyfried, Maria Dizzie, Charles Grodin, Adam Horovitz, Brady Corbet
¿De qué va?: Josh y Cornelia forman un matrimonio neoyorkino sin hijos y en plena cuarentena. Mientras sus amigos no paran de hablar de sus bebés, la pareja comienza a pasar más tiempo con Jamie y Darby, un par de veinteañeros hipsters también casados. Pronto, Josh y Cornelia empiezan a disfrutar de la energía que les reporta codearse con gente de una generación más joven, pero Josh comenzará a sospechar de la honestidad de su nuevo amigo.

Reseña: Estuve tentado de titular esta crítica Niños grandes, pero poco después me di cuenta de que se trataba de un error. No sólo porque sería abominable establecer un vínculo entre el filme de Noah Baumbach y la chorrada a mayor gloria de Adam Sandler y sus colegas, sino porque dar a entender que se trata de una película sobre adultos inmaduros o el síndrome del peterpanismo sería injusto; como titular tiene un pase, pero es que hay mucho más bajo la superficie.

Mientras seamos jovenes1

A través de su apariencia de comedia ligera intelectual, Mientras seamos jóvenes dispara multitud de dardos y reflexiones sobre el recambio generacional, sobre esa creencia general de que debemos procrear para tener una vida plena, sobre esa clase de padres que viven a través de sus hijos, del miedo a hacernos mayores y que sea demasiado tarde para alcanzar nuestros objetivos, especialmente cuando llega alguien más joven y consigue el éxito en poco tiempo,  de la gente que se cree especial y confía en que el mundo le debe algo sólo por existir, y de mucho más. La pareja protagonista, formada por un correcto Ben Stiller y una maravillosamente expresiva Naomi Watts, no son adultos que aún no han madurado, sino una pareja que no sabe si seguir la corriente y tener hijos les hará felices, o si sólo lo desean por cumplir con lo que se espera de ellos y para compensar frustraciones personales y profesionales.

Mientras seamos jovenes2

Es entonces cuando se cruzan con la pareja de hipsters, a los que dan vida con suma convicción Adam Driver y Amanda Seyfried, y no sólo descubren que su casa está llena de objetos que ellos hubiesen tirado hace tiempo, sino que al estar con ellos y acompañarles en sus planes se contagian de una vitalidad que perdieron cuando se acomodaron en su estilo de vida de clase media-alta, pero también acabarán dándose cuenta de que no comparten los mismos valores, y eso no tiene por qué ser necesariamente malo, sólo diferente, síntoma de los tiempos que corren. Tal y como se dice en la película, nada es blanco o negro, y aparte de la puyitas al postureo hipster, a los padres infantilizados y a los autoproclamados cineastas visionarios, la película expone una realidad global, pero sin dictaminar veredictos a favor o en contra de sus personajes y sus opiniones, por muy absurdos que sean.

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La película da un giro en su último tramo, se centra en el personaje de Ben Stiller y el ritmo  decae, aunque con su ingeniosa resolución consigue arreglarlo bastante. En líneas generales, Frances Ha, el anterior trabajo de Baumbach, era mejor película, pero Mientras seamos jóvenes es mucho más compleja y sugestiva, y confirma a su director como un alumno aventajado de Woody Allen, semejante al director de Annie Hall en su forma de diseccionar la sociedad con humor, precisión, aparente ligereza y un toque agridulce.

7’5/10

6/9/15

Perdidos en el luto

Poster Lilting

Dir.: Hong Khaou
Int.: Ben Whishaw, Chen Pei Pei, Andrew Leung, Peter Bowles, Naomi Christie, Morven Christie
¿De qué va?: Una mujer, que vive en un geriátrico de Londres, acaba de perder a su hijo en un accidente. El novio del fallecido intenta acercarse a ella, pero no hablan el mismo idioma, ni la mujer sabía que su hijo era homosexual. Frente a este panorama, el joven decide contratar a una chica para que actúe de intérprete y generar un acercamiento con la mujer que probablemente entienda mejor el sufrimiento por el que está pasando.

Reseña: Cuando alguien querido fallece, sentimos que no hay nadie en el mundo que pueda entender el alcance de nuestro dolor… salvo, quizás, aquellos que también están atravesando el mismo duelo. Ahora, imagina el caso en el que las dos únicas personas que lloran la misma pérdida no pueden comunicarse entre ellas porque no hablan el mismo idioma. Esa es la premisa de Lilting, un pequeño drama británico que se pasa en un suspiro (no llega ni a los 90 minutos de duración) y que con tan sólo cinco personajes y dos o tres escenarios construye un relato que explora con honestidad y alcance el sentimiento de pérdida desde dos perspectivas muy diferentes.

Lilting

Por un lado, una señora mayor que tras perder a su único hijo se ha quedado sola en un país que rechaza, cuyo idioma nunca ha aprendido como prueba de su desagrado, encerrada en una residencia ambientada para recordar un pasado que no le pertenece. En el lado opuesto, un joven que ha perdido a su pareja y que intenta hacerle la vida más fácil a su suegra, con el inconveniente de que ésta nunca supo que su hijo era homosexual y de que le culpa a él del distanciamiento que se produjo entre ambos poco antes de fallecer. La llegada de una traductora para mediar entre ambos, y entre la anciana y un señor que supone su único consuelo, no traerá a bote pronto las consecuencias esperadas, y es que no siempre escuchamos lo que queremos o necesitamos oír.

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El debutante Hong Khau dirige sin grandes alardes pero con suma elegancia, sabiendo cuándo acercar la cámara al rostro de sus actores para estimular la emoción contenida en su guión. En este aspecto, la película crece gracias a la magnífica labor de sus dos protagonistas, Ben Wishaw y Chen Pei Pei, y a la forma en la que que ambos asimilan el dolor de sus personajes: ella de forma hermética y él de forma contenida, pero con grietas que se abren cada vez que su amado vuelve a cobrar presencia en su cama, en sus objetos personales o en la mirada de su madre. Lilting es un delicado y poético drama con algunas gotas de humor que en su reflexión sobre el duelo y la comunicación se emparenta con las también estupendas Rabbit Hole y Inside Out: con la primera comparte esa terrible realidad de que el dolor ante la pérdida nunca desaparece, sólo se hace más llevadero, y con la segunda, la importancia de los recuerdos tristes para poder seguir adelante y sentir un poco de consuelo.

8/10

4/9/15

Mano de obra en tiempos hostiles

Poster Un dia perfecto

Dir.: Fernando Léon de Aranoa
Int.: Benicio del Toro, Tim Robbins, Olga Kurylenko, Mélanie Thierry, Feđa Štukan, Eldar Residovic, Sergi López
¿De qué va?: Un grupo de cooperantes intenta sacar un cadáver de un pozo en los últimos días de la Guerra de Bosnia. La tarea más simple se convierte aquí en una misión imposible en la que los cooperantes recorren el paisaje bélico tratando de salvar la situación.

Reseña: Fernando León de Aranoa abandona España, dejando asimismo atrás las miserias de la clase humilde y trabajadora, para abordar el trabajo de los cooperantes en conflictos bélicos a lo largo de un día que engloba la mezcla de emociones (alegría, frustración, miedo, ira…) que acarrea una labor tan importante como escasamente reconocida. El contexto ha cambiado, pero la base argumental de Un día perfecto no difiere demasiado de trabajos previos como Barrio o Princesas: personas muy diferentes que acaban formando una especie de familia, sin necesidad de vínculos de sangre, que se enfrenta unida contra las adversidad.

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Lo primero que sorprende de la película es su sentido del humor, inexistente hasta ahora en la filmografía de Aranoa, y políticamente incorrecto para tratarse de un conflicto bélico relativamente reciente. Pero funciona, porque además de ser generalmente ingenioso, es fácil de creer que estos tipos se valgan de él para evitar caer en una depresión. Más fuera de lugar se encuentran los temas rock que aparecen cada cierto tiempo, sobre todo para animar los viajes por carretera, pero que no aportan nada, más allá de percibir a los protagonistas como estrellas del rock o como una brigada especial a lo CSI, pero eso tampoco es excusa; estorban y rompen el tono.

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Rock aparte, el mayor acierto de Un día perfecto es la forma que retrata el trabajo de esos cooperantes, sin idealismos ni veneraciones, sino como individuos normales y corrientes que están intentando hacer su trabajo, ayudar, pero que hay veces en las que les resulta imposible hacerlo; la frustración forma parte de su labor. También es interesante la forma en la que retrata el conflicto bélico, carente de la épica que caracteriza su imagen en el cine, y situándose en el momento en el que la paz está a punto de llegar. Pero aún hay temor, recelo y cadáveres que enterrar, al tiempo que las leyes se enmarañan y las responsabilidades se traspasan a cada minuto. Es el absurdo de la guerra, ni más ni menos.

Un dia perfecto

Sin embargo, sus logros quedan un tanto ensombrecidos por culpa de una construcción de personajes un tanto esquemática y machista, si tenemos en cuenta que tenemos dos personajes femeninos y uno es una histérica y emocional novata (Mélanie Thierry) y la otra es una tocapelotas resentida que está más preocupada de que un hombre le haga caso que de la situación que se está produciendo a su alrededor; aviso que con esta película se corre el riesgo de desenamorarse de Olga Kurylenko. Hay otra mujer importante en la trama, cuya única intervención subraya la poca mano que se ha tenido con el sector femenino en el guión. Mientras, los hombres son muy machos y audaces, rompecorazones como Benicio del Toro o tocados de la cabeza como Tim Robbins. Y luego está el crío que nos recuerda que las mayores víctimas de la guerra son los niños. En definitiva, Un día perfecto es un acercamiento distinto a la guerra y un buen reflejo de los autodenominados “fontaneros de la guerra”, cuya franqueza se ve coartada por un tratamiento simplón de los personajes.

6/10

2/9/15

Itinerario de estrenos de septiembre 2015

Estrenos_Septiembre

Confirmo lo que sospechaba en el anterior itinerario de estrenos: la cartelera ha estado particularmente floja este verano. Exceptuando Del revés y alguna que otra película rescatable, el resto ha sido muy soso y poco sorprendente, siendo el tema de conversación más recurrido el desastre de Cuatro fantásticos (y muchos, sin haberla visto para poder juzgar de primera mano). En cualquier caso, llega septiembre, y con él la cartelera se anima bastante más. De hecho, aparte de lo que les traigo por aquí, creo que no habría que perder la pista a ma ma (estreno: 11 de septiembre), filme de Julio Médem que promete un nuevo ‘tour de force’ de Penélope Cruz, a Eden (18 de septiembre), producción francesa sobre el auge de la música francesa durante los años 90, o a La visita (11 de septiembre), el intento de M. Night Shyamalan por recuperar el rédito perdido con una peli de terror sobre abuelos siniestros. Y mucho más, que la cartelera viene cargadita y hay para todos los gustos:

Mientras seamos jóvenes: Penúltimo filme de Noah Baumbach (Frances Ha), puesto que ya tiene uno nuevo en la cartelera americana, Mistress America. El que nos atañe es una comedia dramática sobre un matrimonio de mediana edad que tras trabar amistad con una pareja de espíritu libre y veinte años menos redescubren lo que implica ser joven, volviendo a sentirse realmente vivos de nuevo. Ben Stiller (Noche en el museo: El secreto del faraón), Naomi Watts (Insurgente), Adam Driver (Ahí os quedáis) y Amanda Seyfried (Ted 2) conforman su cuarteto protagonista. Ha recibido generalmente críticas positivas.
Estreno: 4 de septiembre


Los exiliados románticos: Tercer largometraje de Jonás Trueba (Los ilusos), que versa sobre tres colegas que realizan un viaje en furgoneta desde Madrid a París, en busca del encuentro de pasados y efímeros amores, con la única misión de sorprenderse a sí mismos y disfrutar de la compañía y del verano. Los protagonistas del filme (Vito Sanz, Francesco Cabril y Luis E. Parés) mantienen sus nombres reales en este filme rodado sobre la marcha durante un verano y entre amigos. Ganó el premio especial del jurado del Festival de Málaga, así como el de mejor música por la banda sonora a cargo del grupo Tulsa. Antes de su estreno en salas, la película se ha proyectado en diversos cines de verano por todo el país. Merece la pena.
Estreno: 11 de septiembre
Reseña


American Ultra: Mike es un joven porrero que lleva una vida tranquila y desmotivada junto a su novia, hasta el día en el que su pasado vuelve para perseguirle y se convierte en el blanco de una operación gubernamental que pretende acabar con él. Nima Nourizadeh (Project X) dirige esta comedia de acción escrita por Max Landis (Chronicle), que parece un cruce entre Bourne y Dos colgaos muy fumaos, y que está protagonizada por Jesse Eisenberg (Ahora me ves…), Kristen Stewart (Viaje a Sils María), Connie Britton (Ahí os quedáis), Topher Grace (Interstellar) y John Leguizamo (El consejero). Las críticas en Estados Unidos han sido regulares tirando a malas, puesto que al parecer no aprovecha del todo su potencial.
Estreno: 11 de septiembre


Everest: Inspirada en hechos reales, cuenta la historia de dos expediciones que en su intento por alcanzar el pico más alto del mundo son sorprendidos por una de las peores tormentas del nieve que el hombre ha conocido jamás. Los alpinistas pondrán a prueba su instinto de supervivencia luchando contra las fuerzas de la Naturaleza y superando obstáculos imposibles. Dirige Baltasar Kormákur (2 Guns) con un elenco de infarto: Jason Clarke (Terminator Génesis), Josh Brolin (Puro vicio), Jake Gyllenhaal (Nightcrawler), John Hawkes (Las sesiones), Keira Knightley (The Imitation Game), Robin Wright (El congreso), Michael Kelly (House of Cards), Emily Watson (La teoría del todo), Sam Worthington (Sabotage) y Elizabeth Debicki (Operación UNCLE). Su estreno mundial se realizará en la inauguración del Festival de Venecia, esta misma noche, pero parece que ha dejado a los asistentes del pase de prensa bastante fríos (y no en el buen sentido).
Estreno: 18 de septiembre


Irrational Man: La cita anual de Woody Allen (Magia a la luz de la luna) del 2015 es esta comedia dramática sobre un profesor de filosofía en plena crisis existencial cuya vida dará un vuelco cuando empiece a dar clases en un pequeño campus universitario, donde empezará a relacionarse con dos mujeres: una profesora atrapada en un matrimonio infeliz y su alumna más aventajada. Joaquin Phoenix (Puro vicio), Emma Stone (Birdman), Parker Posey (Grace de Mónaco) y Jamie Blackley (Si decido quedarme) protagonizan una película que no ha obtenido toda la atención y el reconocimiento esperado, si tenemos en cuenta que este año tocaba peliculón por parte del cineasta neoyorkino…. Veremos.
Estreno: 25 de septiembre

1/9/15

Actriz del mes: Emma Stone

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Méritos: Declaramos nuestro amor incondicional a Emma Stone hace cuatro años, cuando dio el salto al estrellato gracias a Rumores y mentiras y Criadas y señoras, y hoy lo ratificamos. Durante este tiempo no sólo se ha convertido en la novia perfecta de Spider-Man, hasta tal punto que a nadie le parecería descabellado que además de encarnar a Gwen Stacy hubiera sido Mary Jane, en un giro de guión muy del gusto de David Lynch, sino que su nombre ya puede aparecer en los tráilers con el letrero que reza “la nominada al Oscar”, gracias a su tremendo trabajo en Birdman, y se ha convertido en la última musa de Woody Allen, protagonizando sus dos últimas películas: Magia a la luz de la luna e Irrational Man, que se estrena este mes en España.

Claro que no todo han sido aciertos en la carrera de la actriz: no dio la talla como femme fatale en Gangster Squad (al igual que la película), participó en ese bodrio de culto llamado Movie 43, y este año ha pinchado en hueso con Aloha, el nuevo filme de Cameron Crowe (Casi famosos, Un lugar para soñar) co-protagonizado por Bradley Cooper, y cuyo batacazo americano ha propiciado que se cancele su estreno en salas en el resto del mundo y pase directamente a plataformas de vídeo bajo demanda y DVD (en España se estrenó de tapadillo hace dos semanas en un cine de Madrid). No pasa nada, una estrella no es tal si no tiene algunos fiascos en su currículum. Stone ya se encuentra enfrascada en el rodaje de La La Land, el nuevo filme de Damien Chazelle (Whiplash), donde compartirá plano con Ryan Gosling por tercera vez, volverá a poner la voz a la troglodita Eep en la secuela de Los Croods y jugará una mediatizada partida de tenis contra Steve Carell en Batlle of the Sexes. En unos años pasaremos revista de nuevo para comprobar si el hechizo de Emma Stone sigue vigente, pero todo apunta a que así será.

Irrational Man


8 hits de la carrera de Emma Stone

EmmaStone
De izquierda a derecha y de arriba a abajo: En Supersalidos (2007) se presentó en sociedad como la chica que a todos nos hubiera gustado tener de colega en el instituto; en Bienvenidos a Zombieland (2009) demostró que no se le daba nada mal la cacería de muertos vivientes; consiguió su primera nominación al Globo de Oro al lucirse como la descocada del instituto, al menos en apariencia, en Rumores y mentiras (2010); con Criadas y señoras (2011) demostró que también tenía aptitudes para el drama y para defender los derechos civiles; se enredó en la telaraña del trepamuros en The Amazing Spider-Man (2012) y repitió dos años más tarde, con trágico resultado; prestó su voz a la protagonista de una revisión del mito de la caverna en Los Croods (2013); consiguió que Colin Firth perdiera la razón por ella en Magia a la luz de la luna (2014); rozó el Oscar con Birdman (2015), pero su último plano en la película ya es historia del cine.


¿Sabías que…?

- Aunque es conocida por ser pelirroja, el color natural de su cabello es rubio. Fue Judd Apatow quien le aconsejó que se lo cambiara de color para Supersalidos (2007), y le gustó tanto que decidió mantenerlo así.

- Sus películas favoritas son Luces de la ciudad (1931), Harold y Maude (1971), Network, un mundo implacable (1976) y Manhattan (1979).

- Su nombre real es Emily, pero empezó a usar Emma como nombre artístico cuando descubrió que ya había una ‘Emily Stone’ al solicitar su tarjeta del sindicato de actores.

- Es una fan incondicional de las Spice Girls. Su favorita es Emma Bunton, la Baby Spice, y su adoración ha sido objeto de varias bromas en los programas a los que ha acudido en tours de promoción.

- Hizo una audición para el rol de Claire Bennet en la serie Héroes, pero Hayden Panettiere fue la escogida. Tampoco pudo interpretar a la protagonista femenina de Infiltrados en clase (2012), pero esta vez no pudo ser por un conflicto de fechas de rodaje con The Amazing Spider-Man (2012). El personaje fue a parar finalmente a Brie Larson.

- Ocupa el puesto 16º del ranking de las actrices mejor pagadas del mundo realizado por la revista Forbes, gracias a los 6,5 millones de dólares que ha percibido en el último año.


Extras:

Tráiler de Irrational Man

Tráiler de Aloha

Lip Sync Battle en The Tonight Show

SNL Digital Short: I Broke My Arm

Presentando el Oscar a mejores efectos especiales

Recogiendo el People Choice Award a actriz de cine favorita