27/8/20

Los nuevos mutantes – Apatía juvenil


Dir.: Josh Boone
Int.: Blu Hunt, Maisie Williams, Anya Taylor-Joy, Charlie Heaton, Henry Zaga, Alice Braga
¿De qué va?: Cinco jóvenes mutantes que acaban de descubrir sus poderes se encuentran recluidos en una instalación secreta en contra de su voluntad, luchando por escapar de sus pecados pasados y por salvarse a sí mismos.

Reseña: De nuevos tienen poco estos mutantes. Rodada en el 2017, con fecha de estreno fijada para abril de 2018, la película que iba a iniciar una nueva saga de los X-Men de Fox sufrió sucesivos retrasos por cuestiones relacionadas con el calendario de estrenos de la compañía e intenciones de grabar nuevas escenas que mejorasen el producto. La compra de Fox por parte de Disney complicó la cosa, la pandemia del COVID-19 también, y cuando parecía que su destino natural era Disney+, la película finalmente aterriza en los cines, como el tardío vestigio de una franquicia y unos personajes finiquitados y a la espera de ser reinventados e incorporados al Universo Cinematográfico de Marvel. Pero la curiosidad por ver, al fin, la película “maldita”, está presente en aquellos que hemos seguido su aparatoso viaje hacia los cines. Lástima que este haya sido mucho más emocionante que lo que la propia película es capaz de ofrecer.

El film se centra en cinco mutantes adolescentes encerrados en una institución que empiezan a ser acosados por unas fuerzas tenebrosas. La única presencia adulta en el complejo es una doctora que los vigila y ayuda a conocer y controlar sus poderes. No sabemos quién se ocupa de limpiar el lugar y de alimentar a los chavales, pero el escenario único y el reducido número de personajes favorece la sensación de que, efectivamente, estamos ante una película de superhéroes a una escala diferente de lo habitual. Sin embargo, se supone que es la primera de terror de su clase, y aunque hay elementos que pueden dar pie a ello, el montaje es demasiado acelerado como para que pueda generarse una atmósfera de inquietud y suspense satisfactoria. Parece montada con prisas para que no se noten los parches que habrán metido al guion y para impedir que los espectadores puedan aburrirse, confiando en que el carisma y el interés que suscitan sus personajes funcionen como motor de la narración. Pero eso solo ocurre a medias.

El guion de Josh Boone y Knate Lee se centra en el paralelismo entre la aceptación de la condición mutante y todo el proceso de auto-descubrimiento propio de la adolescencia, pero las tramas y personalidades de los cinco jóvenes mutantes son muy básicas, y hasta sosas. Destaca Anya Taylor-Joy por ser la “bitch”, una suerte de Regina George mutante, pero ni sus poderes ni sus antecedentes están bien explicados. Además, la mutante a la que se le da más protagonismo, encarnada por Blu Hunt, es la que deja más indiferente de todos, mientras que Alice Braga, como la misteriosa doctora que dirige todo el cotarro, está muy perdida. Tampoco se puede hacer mucho cuando los diálogos parecen sacados de una novela juvenil del montón.


Es evidente que Los nuevos mutantes está llena de referentes, pero parece que no ha aprendido las lecciones que nos han dejado cada uno de ellos: de Buffy, cazavampiros (1997 - 2003), que un buen maquillaje es más efectivo que el CGI para crear monstruos, de Pesadilla en Elm Street (1994) que hay que currarse el terror y echarle imaginación, y de El club de los cinco (1985) que si los personajes van a ser puro estereotipo al menos hay que profundizar en ellos. La película no es el desastre que se temía, y tiene algunos hallazgos a celebrar, como un elenco mayoritariamente femenino o un contenido queer que no se reduce a las migajas a las que estamos malacostumbrados, pero lamentablemente, será más recordada por el cachondeo generado por sus continuos retrasos que por sí misma, pues adolece y mucho de la rebeldía de la que presume.

5/10

25/8/20

O.C: El puente sobre el río Kwai (1957)

¿De qué va?: Durante la Segunda Guerra Mundial, unos prisioneros británicos reciben la orden de los japoneses de construir en plena selva un puente de ferrocarril sobre el río Kwai, en Tailandia. Los oficiales, capitaneados por el coronel Nicholson, se opondrán a cumplir cualquier orden que vaya en contra de la Convención de Ginebra sobre los derechos y condiciones de los prisioneros de guerra.

Reputación: Adaptación cinematográfica de la novela de ficción de Pierre Boulle, inspirada a su vez en la construcción de la línea de ferrocarril de Birmania de 1942 a 1943. Los autores del guion, Carl Foreman y Michael Wilson, figuraban en la lista negra de la caza de brujas lideradas por el senador McCarthy, acusados de formar parte de organizaciones comunistas, por lo que no podían figurar como guionistas en los créditos. Fue Boulle quien recibió todo el reconocimiento del libreto, pese a que su noción de inglés era mínima y a que la autoría auténtica era un secreto a voces en Hollywood. Boulle recogió el BAFTA y el Oscar a mejor guion adaptado y, décadas más tarde, en 1985, la Academia concedió el premio a título póstumo tanto a Foreman como a Wilson, que ya aparecen acreditados como guionistas. Por otra parte, Boulle no quedó contento con varias licencias que se tomaron en la adaptación de su libro, sobre todo en lo que respecta a su final.

La construcción del puente de marras costó 250.000 dólares, y comenzó a edificarse antes de que se concretase el elenco del film. De él solo quedan los cimientos de sus pilares bajo el agua, pero el gobierno tailandés decidió en 1960 renombrar un puente similar en Tamarkán por el de Kwai para convertirlo en atracción turística. El director, David Lean, casi muere ahogado durante el rodaje cuando fue arrastrado por la corriente del río, pero fue salvado por el actor Geoffrey Horne. Sin embargo, el asistente de Lean, John Kerrison, falleció en un accidente de coche mientras se dirigía al set de filmación. En un primer momento, Alec Guinness no estaba seguro de querer interpretar al coronel Nicholson por considerarlo un personaje demasiado serio, aburrido y poco empático. Para remediarlo, Guinness intentó inyectar humor al personaje, algo a lo que se opuso rotundamente Lean, y fue objeto de discusiones continuas entre ambos a lo largo del rodaje. Finalmente ganó Lean, mientras que Guinness recibió el Oscar a mejor actor protagonista. La película consiguió 6 estatuillas más: mejor película, director, guion adaptado, fotografía, banda sonora y montaje.


Comentario: No tengo gran cosa que decir acerca de El puente sobre el río Kwai. Técnicamente es una película impecable, como todo lo que está firmado por David Lean. El guion es sólido, sobre todo en lo que respecta a la relación entre Nicholson y Saito (Sessue Hayakawa), y la evolución que experimenta el primero en paralelo a la construcción del puente, magníficamente expuesta en la escena del monólogo que seguramente le valió el Oscar a Guinness. La trama protagonizada por el personaje de Shears funciona como contrapunto cómico y por el carisma de William Holden, aunque haya veces que parezca que está en una película diferente. El retrato de los japoneses es tan plano y discutible como en la gran mayoría de las producciones bélicas de Hollywood, pero no habría que tenerlo demasiado en cuenta dado el contexto histórico y sociocultural en el que se filmó. En definitiva, un clásico con todas las de la ley con un desenlace literal y metafóricamente explosivo.

Próximo visionado: Hasta que llegó su hora (1968)

21/8/20

El glorioso caos de la vida – Madurar a contrarreloj


Dir.: Shannon Murphy
Int.: Eliza Scanlen, Ben Mendelsohn, Essie Davis, Toby Wallace, Andrea Demetriades, Emily Barclay, Charles Grounds, Priscilla Doueihy
¿De qué va?: Una adolescente gravemente enferma añade preocupaciones a sus padres cuando se enamora de un joven drogadicto.

Reseña: Niños con enfermedades terminales. Tener la convicción de que la vida va a terminar cuando no ha hecho más que comenzar. Padres que asisten impotentes a cómo su retoño se va debilitando. Pocas premisas logran ser tan dramáticas sin apenas esforzarse, por lo que muchas de las películas sobre esta temática se limitan a orquestarlo todo para que el personal termine con las conductos lagrimales limpios. A nadie le apetece de entrada ver una película sobre adolescentes con cáncer, pero, cuando uno se pone a ello, lo difícil es mantenerse estoico e impedir que sus emociones sean manipuladas. ¿De verdad necesitamos volver a pasar por lo mismo otra vez?

El glorioso caos de la vida es el pomposo título con el que se lanza en España Babyteeth (Dientes de leche), la ópera prima de la realizadora australiana Shannon Murphy, y que de entrada parece una versión antipática e indie de Bajo la misma estrella (2014), pues, al igual que aquella, también gira en torno a una joven enferma terminal que se enamora por primera vez; la diferencia está en que, si Ansel Elgort era el yerno perfecto, el chico del que se encapricha Milla, la protagonista de esta historia, es un yonqui sin techo que encuentra en su familia una mina de drogas, pues el padre de la chica es psiquiatra y la madre se pasa el día dopada para evadirse del dolor. El guion de la también debutante Rita Kalnejais no parece tener muy claro qué historia quiere contar, ni cómo contarla, pues a lo largo de los capítulos en los que se divide El glorioso caos de la vida la historia va saltando entre distintas tramas de tono dispar. La película va picoteando de la comedia negra, el drama puro y duro, el romance juvenil y la sátira sin destacar ni fracasar en ningún frente.

Murphy y Kalnejais evitan compadecer en exceso a su protagonista, aunque acaban cediendo en un tercio final cuya emotividad solo funciona a medias, dado que previamente no han conseguido que empaticemos lo suficiente con sus personajes, pese a la más que eficiente labor de su elenco. Tras conseguir que nos quedemos con su nombre por su trabajo en Heridas abiertas (2018) y Mujercitas (2019), Eliza Scanlen aprueba con holgura su primer rol protagonista, aunque su Milla sea un poco irritante (como cualquier adolescente en realidad). Habrá que seguirle le pista también al chico que encarna a su interés romántico, Toby Wallace, que también está muy bien, mientras que la experiencia viene por la parte de Ben Mendelsohn y Essie Davis; complicado aspirar a tener una mejor pareja de padres australianos y con tantos matices como la formada por ellos dos.

El glorioso caos de la vida es una ópera prima estimable pero irregular, con tantas virtudes como defectos. A su favor podemos decir que no es tanto una película sobre una muerte prematura como del acto de madurar, pues todos su personajes principales deben pasar por su particular proceso de desintoxicación para estar a la altura de las circunstancias y acabar con el componente dañino de sus relaciones interpersonales. No deja tanto poso como cree, pero al menos consigue que nunca se convierta en el telefilme vulgar que podría haber sido.

6/10

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20/8/20

Proyecto Power – Mal viaje


Dir.: Henry Joost, Ariel Schulman
Int.: Jamie Foxx, Joseph Gordon-Levitt, Dominique Fishback, Rodrigo Santoro, Amy Landecker, Courtney B. Vance, Kyanna Simpson, Machine Gun Kelly, Tait Fletcher
¿De qué va?: Cuando una pastilla que da a quienes la toman superpoderes impredecibles durante 5 minutos se propaga por las calles de Nueva Orleans, una traficante adolescente y un policía local deben aliarse con un ex-soldado para acabar con la organización responsable de su creación.

Reseña: En Canarias, llamamos comúnmente “winstroles” a los individuos hiperciclados que echan mano tanto del gimnasio como de los esteroides para sacar músculos de infarto. Esto es importante para entender por qué la primera palabra que me viene a la mente a la hora de definir Proyecto Power es “winstrolada”. Y es que es una película a la que la han dopado hasta las cejas de cosas “guays” sin control ni rigor alguno, por lo que, al igual que sucede con algunos de los personajes de la historia cuando toman la pastilla de marras, se convierte en una abominación que implosiona a los pocos segundos por carecer de estabilidad alguna.

Proyecto Power parte de un “high concept” muy interesante: una pastilla que da a su consumidor superpoderes que solo duran 5 minutos. Lamentablemente, el guion pasa muy por encima de todas sus implicaciones, como la urgencia del límite de tiempo o la supuesta aleatoriedad de los poderes ganados, y solo lo aplica para dar lustre a secuencias de acción con efectos visuales un tanto cutres. La pastilla queda casi reducida al “Macguffin”  de la enésima historia en la que un hombre debe rescatar a alguien de las garras de una poderosa y maléfica organización. Y ya está. La película, que parece esforzarse en lucir lo más fea posible, va dando bandazos a través de un montaje atropellado que no da respiro para que no podamos plantearnos la lógica de lo que está sucediendo en pantalla, por lo que resulta entretenida pero sin enganchar demasiado; una experiencia de visionado similar a la anterior película de Henry Joost y Ariel Schulman, Nerve (2016), igual de pueril que esta aunque no lo pretenda.

El reparto hace lo que puede con unos diálogos llenos de clichés y forzados para que suenen “molones”, de ahí que pongan a Dominique Fishback a rapear más veces de las necesarias. Jamie Foxx está en su salsa, y aunque no sepamos muy bien qué pinta ahí Joseph Gordon-Levitt, su presencia se agradece y es lo mejor de una película que parece seguir el “modus operandi” de Netflix con sus obras originales: cinco minutos de gloria y pirotecnia que se consumen y olvidan igual de rápido. La vida natural de Proyecto Power es tan reducida como la pastilla que otorga superpoderes y, a diferencia de otras propuestas de acción de la plataformas, las mucho más resultonas Tyler Rake y La vieja guardia, en este caso no nos quedamos con ganas ni curiosidad de volver a por una segunda ronda.

4/10

17/8/20

O.C: Una mujer bajo la influencia (1974)

¿De qué va?: Mabel es una mujer muy querida por su marido, Nick, y por sus hijos. Con el tiempo, Mabel presenta cierta inestabilidad que va creciendo, y su esposo, que trabaja muchas horas en la construcción, debe estar pendiente de ella día y noche. Un día, el comportamiento de Mabel pone en peligro a sus hijos, por lo que Nick se ve obligado a tomar medidas.

Reputación: John Cassavetes se inspiró para escribir Una mujer bajo la influencia en el deseo expreso de su mujer, Gena Rowlands, por aparecer en una obra que versara sobre los problemas de las mujeres contemporáneas. Su guion era tan intenso y emotivo que no se veía interpretándolo cada día de la semana, por lo que decidieron transformarlo en un guion cinematográfico. Sin embargo, no conseguieron financiación de los estudios porque, tal y como les dijeron, “nadie quería ver a una señora loca de mediana edad”. Cassavetes acabó hipotecando su casa y recibiendo dinero de familiares y amigos, entre los que se incluía Peter Falk, que invirtió 500.000 dólares ganados por la serie Colombo en el proyecto, y acabaría co-protagonizándolo. El equipo estaba formado por profesionales y estudiantes del American Film Institute, mientras que algunas escenas se tuvieron que rodar en la propia casa de Cassavetes y Rowlands se encargó de su propio maquillaje y peluquería. Al finalizar el rodaje y no encontrar distribuidor, la película fue ofrecida a cada cine de forma individual y exhibida en casas de arte y campus universitarios, donde Cassavetes y Falk participaban en charlas tras la proyección. El film empezó a ganar notoriedad al recibir premios en distintos festivales, como la Concha de Plata y el de mejor actriz del Festival de San Sebastián. Fue nominada a los Oscar a mejor director y actriz protagonista, pero no ganó ninguno.


Reputación:
Rara es la estrella de Hollywood que no menciona a Gena Rowlands en Una mujer bajo la influencia como una de sus interpretaciones favoritas de todos los tiempos. Tenía altas expectativas puestas en la película, pero me fastidia decir que no las ha cumplido. Me parece una película muy reiterativa, que da vueltas sobre lo mismo uno y otra vez durante sus dos horas y media de metraje, por lo que cuando va por la mitad yo ya estoy exhausto. Entiendo que Mabel tenga un comportamiento errático pero… ¿su marido y el resto de personajes también? Es normal que no sepan bien cómo actuar dado el desconocimiento que se tenía sobre las enfermedades mentales, pero hay acciones y decisiones que son demasiado absurdas. A pesar de que no me haya gustado tanto como esperaba, me gusta que Una mujer bajo la influencia exista, porque sí, necesitamos historias de mujeres locas de todas las edades, pero me da lástima que esta en particular no me haya calado.

Próximo visionado: El puente sobre el río Kwai (1957)

16/8/20

Un amigo extraordinario – Educando en empatía


Dir.: Marielle Heller
Int.: Matthew Rhys, Tom Hankss, Chris Cooper, Susan Kelechi Watson, Maryann Plunkett, Enrico Colantoni, Wendy Makkena, Tammy Blanchard
¿De qué va?: Un cínico periodista acepta a regañadientes la tarea de escribir un artículo sobre Fred Rogers, educador y presentador de un conocido programa de televisión estadounidense para niños en los años 60.

Reseña: Marielle Heller ha pasado de llevar al cine la vida de una persona famosa por cometer un delito, Lee Israel en ¿Podrás perdonarme algún día? (2018), a hacerlo sobre una de esas personas que no tienen ni una sola tacha en su expediente: Fred Rogers, el presentador de un programa de televisión infantil que se hizo muy popular allá por los años 60.  Hay algo en común entre la experiencia vital de Israel y la de Rogers, y es el talento insólito de cada uno de ellos. Pero mientras la primera utilizó su habilidad con la caligrafía para falsificar cartas de celebridades muertas, el segundo aplicó su empatía y sabiduría emocional tanto para para educar a los niños a través de la pantalla del televisor como a las personas que se cruzaron en su camino, como es el caso de Lloyd Vogel, el periodista al que se le encargó escribir un perfil sobre el presentador para la revista Esquire.

Vogel es un hombre que acaba de estrenar paternidad al tiempo que arrastra asuntos sin resolver con su propio padre. Cuando acepta a regañadientes el encargo de escribir sobre Fred Rogers, su escepticismo y desinterés inicial se van transformando conforme el presentador se va revelando como la persona más afable y amistosa del mundo, con alguna que otra extravagancia, pero completamente dispuesto a escuchar y ayudar al periodista con su resentimiento y falta de empatía… y sin esperar nada a cambio. Hellar invoca el espíritu del cine blanco y humanista de Frank Capra para que se apodere de Un amigo extraordinario (A Beautiful Day in the Neighbourhood), introduce transiciones basadas en la ciudad en miniatura que aparecía en el programa de Rogers y refuerza el tema central del film, la conexión que se establece entre Rogers y Vogel, con decisiones tan potentes como cuando durante una escena, Rogers mira directamente a cámara y traspasa la pantalla para hurgar directamente en nuestro alma.

Solo un actor que transmite tanta bondad y afabilidad como Tom Hanks podía dar vida con credibilidad a alguien tan puro como Fred Rogers. Cualquier otro que intentase transmitir su calma y nobleza habría resultado impostado, pero a Hanks le sienta como un guante, pues es uno de esos ejercicios interpretativos en los que actor y personaje se retroalimentan para ofrecer algo único (como fue el caso de Renée Zellweger en Judy). No obstante, el auténtico protagonista del film es Matthew Rhys, pues la historia está contada desde el punto de vista de Lloyd Vogel, y aunque realice un trabajo notable no puede evitar ser eclipado por la figura de Hanks/Rogers. Un amigo extraordinario supone un visionado sumamente agradable aunque carente de sorpresas. Propone un viaje hacia la redención y el perdón que nos suena a “requetevisto”, pero que cuenta con el aliciente de estar conducido por una de esas insólitas personalidades que te hacen recobrar la esperanza por la raza humana… aunque solo sea por un par de horas.

7/10

13/8/20

Little Monsters – Sacudiendo zombies


Dir: Abel Forsythe
Int.: Alexander England, Lupita Nyong’o, Josh Gad, Diesel La Torraca, Nadia Towsend, Charlie Whitley, Ava Caryofyllis, Kim Doan, Caliah Pinones
¿De qué va?: Dave es un músico fracasado que decide acompañar a su sobrino a una excursión del colegio tras haber sentido un flechazo por su profesora, Miss Caroline. Este día de ocio para los niños da un giro inesperado cuando un repentino brote de zombies pone sus vidas en peligro, haciendo que Dave y Miss Caroline deban unirse para proteger a los alumnos.

Reseña: Pocos temas tan manidos en la cinematografía reciente como los muertos vivientes y los hombres con síndrome de Peter Pan. Además, ambos empezaron a ponerse de moda casi al mismo tiempo: el primero con títulos como 28 días después (2002) y Amanecer de los muertos (2002) y el segundo con Virgen a los 40 (2005) y las sucesivas comedias de Judd Apatow y compañía. Cuesta creer que se pueda contar algo más sobre hombres anclados en la adolescencia y zombies, pero ahora llega Little Monsters, una producción australiana que los aúna para generar una comedia que, quizás no sea demasiado original, pero al menos da lo que promete con desparpajo.

Comedias de zombies hemos tenido también a raudales. Little Monsters se situaría a medio camino de la joya de la corona, Zombies Party (2004) y de Cooties (2014), en la que un grupo de profesores debía enfrentarse a una horda de niños infectados. Aquí el sucesor de Simon Pegg y Nick Frost se llama Dave, y es un músico fracasado al que le acaba de dejar su novia y que se apunta a una excursión preescolar a una granja para intentar ligarse a la profesora de su sobrino… con la mala suerte de que el lugar es invadido por zombies. Lo peculiar del asunto es que la profesora hará todo lo posible para que sus alumnos no se asusten y piensen que todo el caos que se sucede a su alrededor es parte de un juego, dándose circunstancias extraordinarias en las que Dave deberá empezar a asumir la responsabilidad de la que huía como si de muerto devorador de carne humana se tratase.

Aunque Little Monsters vaya exactamente por donde sabes que va a ir, resulta muy disfrutable. Entre gags autoparódicos, casquería y canciones de Taylor Swift, el sentimentalismo le va ganando terreno a las gamberradas, aunque afortunadamente, estas últimas no terminan de ser reemplazadas. Tanto en la campaña promocional como en la propia película, Lupita Nyong’o le come la tostada al auténtico protagonista, Alexander England, y no es que este último esté mal, sino que es complicado superar a la dulce pero aguerrida profesora de parvulario a la que da vida Nyong’o. También está por ahí Josh Gad como una insoportable y ególatra estrella infantil, pero quienes merecen una mención especial son el elenco infantil, por ser un grupo de críos adorables y nada irritantes de los que solo pueden existir en la buena ficción.

En definitiva, Little Monsters ni inventa ni reinventa nada, pero se las apaña para ser asquerosa y entrañable al mismo tiempo. Funciona bien como parodia, comedia de treintañeros y fábula familiar, y aunque podría haber sido más bestia, es tan modesta y autoconsciente, que uno no puede hacer otra cosa más que celebrar esta entrada australiana al género zombie al ritmo del Skake it Off y de Hanson. Yo, al menos, no le puedo pedir más.

7/10

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9/8/20

O.C: Anatomía de un asesinato (1959)

¿De qué va?: La atractiva esposa de un teniente es violada brutalmente. La venganza es inmediata y el marido de ella mata al violador. Para el juicio, la mujer contrata al abogado Paul Biegler, un hombre que soñaba con ser fiscal y que, tras no ser reelegido para el cargo, cada vez le interesa menos la abogacía.

Reputación: Adaptación cinematográfica de la novela homónima de John D. Voelker, quien la publicó bajo el pseudónimo de Robert Traver al basarse en un caso en el que ejerció de abogado defensor. La película, dirigida por Otto Preminger, generó controversia cuando se estrenó, dado el empleo de palabras como “bragas”, “esperma”, “penetración”, “anticonceptivo” o “zorra”. El propio padre de James Stewart recomendó no ver aquella “sucia película” que había protagonizado su hijo y retiró su publicidad en el periódico local que dirigía. El papel de Lee Remick fue ofrecido en primer lugar a Lana Turner, que accedió con la condición de que solo pudiese llevar vestidos diseñados por su modista personal, Jean Louis. Cuando Preminger objetó que esos vestidos no encajaban con el personaje, Turner rechazó el papel, y aunque Columbia estaba dispuesta a ceder ante sus demandas, el director resistió y le dio el papel a Remick, que era prácticamente una novata por aquel entonces.

Por otra parte, el rol del juez fue ofrecido a Spencer Tracy y a Burl Ives, pero finalmente fue a parar a un juez auténtico, Joseph N. Welch. La película se rodó en dos meses y tan solo necesitó de uno para su edición, para la composición de la banda sonora y para ser testada en pases con público. Fue nominada a siete Oscar: mejor película, actor protagonista, actor de reparto (Arthur O’Connell y George C. Scott), guion adaptado, montaje y fotografía en blanco y negro. No ganó ninguno, pero James Stewart ganó la Copa Volpi a mejor actor en el Festival de Venecia.


Comentario:
Anatomía de un asesinato es un film judicial modélico, desde los créditos iniciales ilustrados por Saul Bass hasta la última escena. Desprende una gran veracidad, y no es solo porque el juez sea auténtico, sino porque parece que James Stewart se ha dedicado toda su vida a lo abogacía. ¡Y qué diálogos! Perfectamente articulados, inteligentes, sólidos, recitados al ritmo perfecto por un elenco de actores dirigido de forma espléndida. La trama no necesita de giros locos y grandes revelaciones para cautivar al espectador a lo largo de un pormenorizado proceso judicial, hasta desembocar en un final que abraza la sensación del trabajo bien hecho, al tiempo que planta una oportuna semilla de duda. Habría visto con gusto otros muchos casos judiciales llevados por Stewart junto con sus dos colegas, Parnel (Arthur O'Connell) y Maida (Eve Arden). En definitiva, Anatomía de un asesinato es lo que viene a ser una película intachable.

Próximo visionado: Una mujer bajo la influencia (1974)

7/8/20

Greyhound – Salvar la flota


Dir.: Aaron Schneider
Int.: Tom Hanks, Elisabeth Shue, Stephen Graham, Matt Helm, Graig Tate, Rob Morgan, Travis Quentin, Jeff Burkes, Matthew Zuk
¿De qué va?: En los primeros días de Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial, un convoy internacional de 37 barcos aliados, liderado por el comandante Ernest Krause, cruza el Atlántico Norte mientras se encuentra al acecho submarino del bando alemán.

Reseña: Mientras que unas distribuidoras han decidido retrasar sus estrenos hasta el año que viene, otras están optando por lanzar sus películas directamente en streaming. Es el caso de Greyhound, aunque en vez de ser adquirida por Netflix como ocurre con la gran mayoría, ha ido a parar a Apple+, que poco a poco está intentando hacerse notar dentro del cada vez más competitivo mundo de las plataformas de VOD. Este movimiento no sentó bien a la estrella y protagonista de la película, Tom Hanks, pues lamentaba la diferencia de calidad de imagen y sonido entre la sala de cine para la que fue concedida y la del aparato de Apple donde finalmente se iba a poder ver. En cualquier caso, nunca sabremos si Greyhound habría obtenido un éxito en taquilla similar al experimentado en Apple+, pues es un tipo de espectáculo añejo cuyo principal reclamo es su protagonista, y como bien ya sabemos, las estrellas de Hollywood han perdido la capacidad de llevar al público a los cines solo por su nombre.


Y es que Hanks ha escrito una película que está hecha a su imagen y semejanza. En ella encarna a un comandante responsable, afable y preocupado por sus subordinados (o sea, él  mismo) que debe enfrentarse al acoso de unos submarinos alemanes completamente entregados a que su flota no logre cruzar el océano hasta el Viejo Continente.
Greyhound tendría que haber sido la adaptación al cine del juego de mesa Hundir la flota, y no esa cosa que enfrentaba a Rihanna con extraterrestres titulada Battleship (2012), pues se trata de un enfrentamiento entre barcos y submarinos basado en la estrategia, los movimientos registrados en un radar, la urgencia en la toma de decisiones y algo de suerte. El problema es que la película no tiene nada más que ofrecer aparte de batallas marítimas demasiado parecidas entre sí, con diálogos repletos de jerga naval y unos efectos digitales que cantan la Traviata (el océano no puede ser más falso).


Ni siquiera conseguimos preocuparnos por el devenir de la tripulación porque, al margen de Tom Hanks y Stephen Graham, está conformada por una panda de imberbes intercambiables y sin rasgos de personalidad identificables. También está por ahí Elisabeth Shue a través de flashbacks, como el cliché de la patria femenina a la que regresar cuando termine la guerra… En definitiva, Greyhound agradará a los nostálgicos de un tipo de cine-espectáculo adulto que ya no se hace, pero al margen de eso, y pese al empeño y talante desplegado por un Hanks muy en su zona de confort, no resulta especialmente estimulante.

5/10

5/8/20

Gretel & Hansel – Mazapán indigesto



Dir.:
Oz Perkins
Int.: Sophia Lillis, Samuel Leakey, Alice Krige, Charles Babalola
¿De qué va?: Hace mucho tiempo, en un lejano territorio de cuento de hadas, una niña conduce a su hermano pequeño a través de un oscuro bosque en una búsqueda desesperada de comida y trabajo, pero acaban topándose con una cabaña que alberga una terrorífica maldad.

Reseña: Con la pandemia y la complicada situación de las salas, muchas distribuidoras han decidido saltarse la ventana del cine para lanzar directamente sus próximos estrenos en plataformas de streaming. Es el caso de Gretel & Hansel, pues tras cancelarse su estreno español previsto para mayo, se lanzó hace un par de semanas en el catálogo de tarifa plana de Amazon Prime y en alquiler para otras plataformas. Eso sí, cargándose por el camino el formato de la película: mientras que en el original el prólogo está en panorámico y el resto en 1:55:1, la versión que nos ha llegado en streaming va a pantalla completa todo el rato. Es una lástima cuando las distribuidoras deciden descuidar sus películas de esta manera… lo que también demuestra la falta de confianza que sienten hacia las mismas.


Gretel & Hansel es el tercer largometraje de Oz Perkins, el director de La enviada del mal (2015) y Soy la bonita criatura que vive en esta casa (2016), dos películas de género detestadas por el gran público pero que cuentan con defensores entusiastas gracias a ciertas particularidades y señas de autor que las distinguen del terror comercial. Gretel & Hansel es el trabajo más ambicioso de Perkins hasta la fecha, con una vocación comercial más que evidente, al brindar una nueva versión de un cuento infantil conocido por todos potenciando los elementos de terror y con giro feminista. Los primeros compases de la película son turbadores e intrigantes; destaca la cuidada ambientación, la simbología y la simetría que se difumina en la versión a pantalla completa que nos ha llegado, pero una vez los jóvenes protagonistas llegan a la casa de la bruja, las expectativas generadas se quedan en nada.


La relación entre la bruja y Gretel es el núcleo de la trama, pero está manejada de forma redundante y desangelada, desaprovechando el buen hacer de Sophia Lillis y de Alice Krige. El terror se reduce a un puñado de imágenes perturbadoras y la tensión brilla por su ausencia. La influencia tanto visual como narrativa ejercida por La bruja (2015) resulta obvia, pero Gretel & Hansel carece principalmente del rico subtexto que tenía la ópera prima de Robert Eggers. El film aprueba como ejercicio de estilo pero suspende como narración que engloba tendencias actuales en el cine y la televisión sin esforzarse por aportar demasiado a lo ya visto. Oz Perkins es un director con potencial, pero aún le falta encauzarlo.

5/10

3/8/20

O.C: Cumbres borrascosas (1939)

¿De qué va? Una de las sirvientas de la morada de Cumbres borrascosas cuenta a un viajero la desafortunada historia de amor de Cathy y Heathcliff.

Reputación: Primera de una larga serie de adaptaciones al cine y a la televisión de la novela Cumbres borrascosas (Wuthering Heights) de Emily Brönte y que, al igual que muchas de ellas, solo toma una parte de la historia completa, omitiendo la segunda generación de descendientes del clan protagonista. El productor Samuel Goldwyn sentía que el guion era demasiado oscuro para una película romántica, por lo que pidió a varias personas que hicieran una reescritura, incluso a un joven John Huston, que le dijo que el guion era perfecto tal y como estaba. Vivien Leigh quería interpretar el rol principal, junto a su pareja y futuro marido, Sir Laurence Olivier, pero los ejecutivos del estudio decidieron darle el papel a Merle Oberon. Esto provocó que la relación entre Olivier y Oberon no fuese buena, pese a que habían trabajado bien juntos en El divorcio de la señora X (1938); tuvieron una gran pelea tras el rodaje de una escena apasionada al quejarse ella de que él no paraba de escupirle al recitar sus líneas.


Olivier tampoco congenió demasiado bien con el director, William Wyler. Como el propio actor admitió a posteriori, llegó al set con una actitud pomposa y sobreactuando, acostumbrado al teatro británico, y Wyler le obligaba a repetir muchas tomas hasta que le saliese de forma más natural. El actor también llegó a admitir que esta experiencia le ayudó a mejorar como actor, y también a convertirse en una estrella. La película fue nominada a 8 Oscar, incluyendo mejor película, director y actor protagonista, de los cuales solo se llevó el de mejor fotografía en blanco y negro. La gran triunfadora de la noche fue Lo que el viento se llevó, protagonizada por… Vivien Leigh.


Comentario: Mi primer acercamiento a la historia de Cumbres borrascosas fue a través de la adaptación moderna estrenada en el 2011 y dirigida por Andrea Arnold. Me gustó e intrigó tanto que decidí leerme el libro, y al terminarlo, vi la versión que nos ocupa ahora, la clásica. Aunque las dos se dejan fuera más de la mitad del libro no se sienten como historias incompletas, puesto que el frustrado romance entre Catherine y Heathcliff es bastante sólido de por sí. Me gusta más la versión de Arnold, pero la de Wyler tampoco está nada mal. Enfatiza un romanticismo que en el libro apenas se percibe (dado que todos los personajes son sociópatas) pero sin prescindir de la atmósfera gótica y lúgubre del relato de Brönte. Sin lugar a dudas, el odio entre Olivier y Oberon contribuyó a que la compleja y esquiva relación entre Catherine y Heathcliff se sienta más auténtica y visceral.

Próximo visionado: Anatomía de un asesinato (1959)

2/8/20

Itinerario de estrenos de agosto 2020



Little Monsters: Comedia de terror australiana dirigida por Abe Forsythe (Down Under) que cuenta la historia de Dave, un músico en horas bajas que se alía con una profesora y con la estrella de un programa infantil para proteger a unos niños de un repentino brote zombie. Alexander England (Alien: Covenant), Lupita Nyong’o (Nosotros) y Josh Gad (Artemis Fowl) conforman el trío protagonista de una película muy divertida y entrañable que llega a los cines españoles después de un largo recorrido por festivales de género. Reseña en breve.
Estreno: 14 de agosto




Un amigo extraordinario (A Beautiful Day in the Neighbourhood): Marielle Heller (¿Podrás perdonarme algun día?) dirige esta película basada en un artículo de Tom Junod en el que este relata su experiencia escribiendo un perfil sobre Fred Rogers, creador y presentador de un popular programa de televisión para niños en los años 60. Matthew Rhys (The Report) y Tom Hanks (Los archivos del Pentágono) son los protagonistas de una película cuya presencia en la temporada de premios se limitó a la nominación a actor de reparto para Hanks, pese a las estupendas criticas recibidas.
Estreno: 21 de agosto





Tenet: Si no se produce un nuevo retraso, Tenet se estrenará en varios territorios internacionales, incluido España, a finales de agosto, mientras que a Estados Unidos llegaría el 3 de septiembre. Veremos finalmente qué sucede, pero con un poco suerte, podremos disfrutar del nuevo film de Christopher Nolan (Dunkerque) antes de que termine el verano. John David Washington (Infiltrado en el KKKlan), Robert Pattinson (El faro) y Elizabeth Debicki (Viudas) conforman el trío protagonista de la película, de cuya trama tan solo conocemos que tendrá que ver con el espionaje internacional y con un mecanismo que desdobla el tiempo lineal.
Estreno: 28 de agosto





Los nuevos mutantes: Siendo una película que ha tenido hasta 5 fechas de estreno, no podemos estar seguros de que esta sea la definitiva, pero puede que la maldición que lleva arrastrando Los nuevos mutantes desde que se rodó, allá por el 2017, esté llegando a su fin. Diversos problemas (y la posible desconfianza de Fox hacia el resultado final) han provocado que este film sobre cinco jóvenes mutantes encerrados en una institución se haya demorado tanto, y que ya no sea el inicio de una nueva trilogía que estaba destinado a ser. Dirige Josh Boone (Bajo la misma estrella) con un elenco encabezado por Anya Taylor-Joy (Glass) , Maisie Williams (Juego de tronos), Charlie Heaton (Stranger Things), Blu Hunt (Otra vida) y Henry Zaga (Cleptómanas).
Estreno: 28 de agosto


1/8/20

Actor del mes: Joseph Gordon-Levitt



Méritos: Joseph Gordon-Levitt ya está listo para volver a escena. La última vez que lo vimos en el cine fue en Snowden (2016), cuya taquilla fue tan decepcionante como la de su anterior trabajo como protagonista, El desafío. The Walk (2015). Llegamos a creer que ya no le llegaban ofertas, pero lo cierto es que el actor decidió apartarse una temporada de las cámaras para centrarse en su recién adquirida faceta como padre. Igualmente, en este tiempo ha estado activo en otros campos, como dando charlas de Ted Talk, reencontrándose con Zooey Deschanel por el décimo aniversario de (500) días juntos (ver extras), o dirigiendo su compañía, HitRECord. El aciago 2020 marca el regreso de Joseph Gordon-Levitt a la interpretación, y quizás sea el único actor de Hollywood cuyas películas no han sufrido retrasos, puesto que todas se estrenarán en plataformas de streaming.

La primera fue 7500, lanzada hace poco más de un mes en Amazon Prime. El próximo 14 de agosto llegará a Netflix Proyecto Power, un thriller co-protagonizado por Jamie Foxx sobre una pastilla que concede superpoderes durante 5 minutos. Por último, el 16 de octubre también se lanzará en Netflix la más interesante de todas: The Trial of the Chicago 7, la nueva película dirigida y escrita por Aaron Sorkin (El juego de Molly), basada en un famoso juicio norteamericano. Por otra parte, Gordon-Levitt está desarrollando Mr. Corman, una serie para Apple+ en la que ejerce de productor, guionista y protagonista. Y quizás algún día se empiece a rodar Wingmen, musical para mayores de 18 años largamente anunciado que protagonizaría junto a Channing Tatum, otro que lleva una larga temporada desaparecido. Tengo la impresión de que no apreciamos lo suficiente a Joseph Gordon-Levitt, un artista incansable desde que era un crío y que ha estado muy presente en la educación cinéfila millennial, así que celebrar su regreso al cine es tan necesario como revisar su alucinante filmografía.




El crecimiento de Joseph Gordon-Levitt en 12 películas




De izquierda a derecha y de arriba a abajo: se consagró como ídolo teen en 10 razones para odiarte (1999); en Mysterious Skin (2004) demostró que le iban las emociones fuertes; en Brick (2005) ejerció de detective de un noir modélico ambientado en un instituto;  protagonizó (500) días juntos (2009), la comedia ¿romántica? de referencia para muchos de nosotros; en Hesher (2010) experimentó una de las caracterizaciones más radicales de su carrera; formó parte de la banda de ladrones mentales de Origen (2010) y volvió a trabajar con Christopher Nolan en El caballero oscuro: La leyenda renace (2012); en 50/50 (2011) se enfrentó a un cáncer con humor; fue la versión juvenil de Bruce Willis en Looper (2012); dirigió, escribió y protagonizó Don Jon (2013), muy bien acompañado por Scarlett Johansson y Julianne Moore; encarnó al que fuese el hombre más perseguido por Estados Unidos en Snowden (2016); fue el piloto de un avión secuestrado en 7500 (2019); lo próximo, fiscal en The Trial of the Chicago 7 (2020).


¿Sabías que…?

- Tras seis años rodando Cosas de marcianos (1996), la serie de televisión que le hizo popular, asistió a la universidad de Columbia en Nueva York, donde estudió historia, literatura y poesía francesa.

-Tenía un hermano mayor, Dan Gordon-Levitt, que se dedicaba a la fotografía y que falleció en octubre de 2010.  Joseph suele vestir calcetines coloridos y disparejos en homenaje a él.

- Está casado con la empresaria Tasha McCauley desde el 20 de diciembre de 2014, con la que tiene dos hijos.

- Sus actores favoritos son Daniel Day-Lewis, con el que pudo trabajar en Lincoln (2012), Warren Oates, Gary Oldman y Gena Rowlands.

- Es el fundador de HitRECord, una plataforma abierta colaborativa. En su web cualquiera puede subir sus grabaciones, hace remixes de otros y trabajar en proyectos en grupo. Cuando el resultado se publica y obtiene beneficios, estos se dividen equitativamente entre todos los que hayan participado.

-Ganó un Emmy por el formato televisivo de HitReCord en el año 2014. Nunca ha sido nominado al Oscar pero sí al Globo de Oro a mejor actor de comedia por (500) días juntos (2009) y por 50/50 (2011).

- Ha participado en todas las películas de Rian Johnson, y si no ha sido como protagonista, como es el caso de Brick (2005) y de Looper (2012), ha sido a través de cameos: en Los hermanos Bloom (2008) tiene un pequeño rol, mientras que tanto en Star Wars: Los últimos Jedi (2017) como en Puñales por la espalda (2019) se escucha su voz en determinado momento.


Extras:

Tráiler de Projecto Power

Entrevista sobre 7500

Tom y Summer se reencuentran 10 años después

You Unfollowed Me – Todrick Hall feat. Joseph Gordon-Levitt

Ted Talk – Cómo el recibimiento de atención te hace menos creativo