31/3/16

Disputa desequilibrada

Poster Batman v Superman

Dir.: Zack Snyder
Int.: Ben Affleck, Henry Cavill, Amy Adams, Jesse Eisenberg, Holly Hunter, Jeremy Irons, Laurence Fishburne, Gal Gadot, Diane Lane
¿De qué va?: Años después de la destrucción de media Metrópolis durante la batalla entre Superman y Zod, muchos se preguntan si el hijo de Krypton es el salvador que el mundo necesita, o si por el contrario se trata de una seria amenaza. Una de las personas más escépticas es Bruce Wayne, quien utiliza sus recursos como Batman para seguirle la pista tanto a él como a determinado objeto que podría ser clave para mantenerlo a raya.

Reseña: DC y Warner por fin han puesto en marcha un universo cinematográfico que pueda rivalizar con Marvel. Su estrategia es la misma pero a la inversa: partir de los personajes icónicos del sello y de una película conjunta para así poder enganchar a los espectadores de cara a las aventuras en solitario de cada personaje. El modo de confeccionar su universo también difiere: DC se aleja del tono relajado de Marvel para decantarse por una solemnidad heredada de la trilogía de El caballero oscuro de Christopher Nolan, pero añadiendo un componente mitológico y de ciencia ficción del que aquella rehusó. No obstante, a DC y Zack Snyder, su elegido para llevar el timón de la saga, le han podido las ansias, y han querido abarcar demasiado en una película que es más Amanecer de la justicia que Batman v Superman, y así ha salido, tan irregular.

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Tras presentarnos el momento que condicionó la vida del joven Bruce Wayne para siempre (sí, otra vez, exactamente igual que siempre), la película comienza de forma inmejorable con él asistiendo, impotente, a la destrucción que se produjo en el clímax de El hombre de acero. El nuevo Batman es un tipo cascado, una mole con el perfil más detectivesco de sus encarnaciones cinematográficas, y pelea como en la serie de videojuegos de Arkham. A Snyder le mola tanto que a veces se le olvida que también tiene que encargarse de Superman, que funciona más como objeto de debate que como personaje en sí. Se nota la mano de Chris Terrio (Argo) en el guión cuando el asunto versa sobre la dualidad del superhéroe como adalid/amenaza de la seguridad mundial , pero nunca llegamos a saber qué opina él sobre los daños colaterales que han producido sus batallitas. En vez de eso, la película monta una trama enrevesada, al menos sólo en apariencia, para que el conflicto entre el héroe forjado a sí mismo y el de condición divina surja más de malentendidos y acciones de terceras personas que por puntos de vista opuestos sobre la forma de combatir contra el crimen.

Batman V. Superman: Dawn Of Justice

¿Por qué odia tanto Batman a Superman? En vez de indagar sobre esta cuestión y de descubrir qué piensa un inmutable Clark Kent de todo lo que está pasando, el film introduce a mitad del metraje una secuencia de 10 minutos que anticipa cosas que probablemente ocurran en la secuela de La Liga de la Justicia y que, a pesar de su naturaleza alarmante, no tendrá repercusión en el resto de la trama. La parte positiva de que DC boicotee la película promocionando todos sus futuros estrenos es contar con la aparición de la Mujer Maravilla. Sí, su justificación en la trama está muy cogida con pinzas, pero también supone un soplo de aire fresco, porque Gal Gadot hipnotiza cada vez que aparece en pantalla, y su lúdica intervención en la batalla final, acompañada de una electrizante música, compensa el hieratismo de sus compañeros masculinos. Bien jugado Warner, ya me has vendido la entrada de Wonder Woman.

BATMAN V SUPERMAN

Como Batman v Superman es película de contrastes donde las haya, vayamos por partes. En el lado positivo, Ben Affleck es un Batman estupendo y con personalidad propia, capaz de cerrar las bocas de aquellos que se apresuraron a recoger firmas para apartarlo del papel, y Jeremy Irons como su fiel Alfred le aporta cordura y la jocosidad de la que anda escaso. El sector femenino también es de lo mejor del film; más allá de Wonder Woman, Holly Hunter, Diane Lane y Amy Adams aportan humanidad al film, y eso que Lois Lane es rescatada por Superman más veces de lo necesario. La esperada batalla entre Superman y Batman es todo lo espectacular, física y violenta que podíamos esperar de un duelo de tal magnitud. Y claro, la película que reúne por primera vez a estos dos personajes en la gran pantalla difícilmente puede resultar aburrida.

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Ni frío ni calor: correcto Henry Cavill, torpedeado por un guión poco generoso con su punto de vista. El Lex Luthor de Jesse Eisenberg tiene matices interesantes y horripilantes, pero se pierde ante la indefinición de sus intenciones y por sus cualidades de Joker de segunda. Y en el lado negativo, un montaje imposible que abusa de imágenes potentes a cámara lenta (marca Snyder) y de fundidos a negro cuando no sabe cómo pasar a otra cosa; ardua tarea la de ubicarse espacialmente, sobre todo porque jamás vemos un plano general de la ciudad de Gotham. Demasiados frentes abiertos, demasiados finales y demasiado chorra la forma en la que Batman y Superman resuelven su conflicto. La he disfrutado, sí, pero también siento que ha sido una ocasión desperdiciada para hacer algo realmente importante y distinto dentro del género de superhéroes, albergando elementos que invitan al optimismo y otros que a todo lo contrario. Podría ser peor: podríamos no tener a Wonder Woman.

6/10

29/3/16

Retratando celebridades insólitas

Poster The End of the TourLo de meterse en las casas de los famosos y/o artistas para descubrir cómo son en la intimidad no es algo que haya inventado Bertín Osborne, sino una práctica habitual en el periodismo para intentar descifrar las figuras más enigmáticas e interesantes del panorama cultural. The End of the Tour arranca con la noticia del suicido del escritor David Foster Wallace, desencadenando en David Lipsky el recuerdo de cuando pasó 5 días entrevistándolo en su casa y durante sus últimos compromisos del tour promocional de su obra más aclamada, La broma infinita (1996).

No hace falta conocer la obra de Foster Wallace para ver la película, pues los derroteros van por desarrollar el duelo entre los dos escritores: uno que no sabe muy bien cómo saborear las mieles del éxito que tiene entre manos, porque lo único que quiere es seguir dando clases en su pequeña universidad, pasar el tiempo en casa con sus perros y huir de la alargada sombra de la depresión, y otro que siente, por una parte, envidia de su enorme talento, y por la otra fascinación, al tratarse de  un individuo tan normal como brillante, tan cercano como enigmático.

The End of the Tour

Entre risas y enfados, acuerdos y desacuerdos, tiras y aflojas, la historia se beneficia del cálido acercamiento a los personajes y la afinada dirección de actores de James Ponsoldt, algo que ya se veía en las también estupendas Tocando Fondo (2012) y The Spectacular Now (2013), y que ya se podría considerar como parte de su impronta personal. Jason Segel se revela como mejor actor de lo que había demostrado hasta ahora exteriorizando la confusión, la soledad y la inseguridad de Wallace, mientras que Jesse Eisenberg le da una buena réplica como su receloso entrevistador. The End of the Tour no es de esas películas que provoca fácilmente reacciones entusiastas, pero siempre resulta interesante y es honesta en el acercamiento a su figura central, pues en vez de enfatizar su carácter trágico se decanta por ser, en última instancia, una celebración del arte y de la vida de aquellas personas que dejan huella, por muy escueta que haya sido su intervención en nuestras vidas.

7/10


Poster LifeLife también gira en torno a la relación entre un artista en los albores de su éxito y otro que se fija en él para intentar lanzar su carrera. A punto de estrenar Al este del Edén, un aún desconocido James Dean aceptó protagonizar un perfil fotográfico realizado por Dennis Stock para la reputada revista Life en el año 1955. El fotógrafo pasó unos días con Dean en Nueva York y en la ciudad natal de éste, un pueblo de Indiana, y su fotoreportaje acabaría alcanzando una enorme notoriedad al tratarse del único material de carácter intimista que se realizó en torno a la figura del actor, pues murió poco después en un fatídico accidente de tráfico.

La película de Anton Corbijn no resulta tan certera a la hora de plasmar la relación entre sus personajes protagonistas como The End of the Tour. Se supone que Dean y Stock forjaron una estrecha y efímera amistad, pero lo que se trasmite es más bien una relación profesional para beneficio mutuo pese a no terminar de soportarse el uno al otro. La trama tira por lo convencional centrando el conflicto de Stock (un correcto Robert Pattinson) en la distante relación con su hijo pequeño, idéntica a la que hemos visto en cientos de películas (salvo por el momento en el que le vomita encima), mientras que James Dean es retratado tal y como nos lo imaginábamos: un joven ambivalente, reservado y un poco bocazas, rebelde ¿sin causa? al que da vida Dane DeHaan en una interpretación que no termina de cuajar del todo.

Life

En determinado momento de la película, el director de Warner, encarnado por Ben Kingsley, le dice a James Dean: “Todo lo que te ocurra en esta vida no va a ser por accidente”. Así de sutil es Life, que tal vez podrá saciar la curiosidad de algunos mitómanos que quieran descubrir cómo se hizo la célebre sesión de fotos, pero tampoco aporta nada ni especialmente revelador ni especialmente interesante sobre la búsqueda de la fama y del éxito, ni sobre la figura de James Dean, ni sobre su relación con Dennis Stock. Ni chicha ni limoná.

5/10

28/3/16

Érase una vez la América profunda

Fargo Banner

Creador: Noah Hawley
Int.: Patrick Wilson, Kirsten Dunst, Jesse Plemons, Ted Danson, Jean Smart, Jeffrey Donovan, Zahn McClarnon, Bokeem Woodbine
Emisión: 2015, FX
2ª temporada

La primera temporada de Fargo no sólo consiguió disipar las dudas de aquellos a los que no les terminaba de convencer una versión serializada de la célebre película de los hermanos Coen, también se convirtió en uno de los mayores ‘hits’ televisivos del año 2014, acaparando más premios que la más ambiciosa y publicitada True Detective. Por eso, el anuncio de una segunda temporada trajo consigo un nuevo reto para su creador, Noah Hawley, el de desarrollar y expandir una mitología propia que fuese más allá de las líneas narrativas de referencia, sin perder ese sentido del humor tan negro y característico que enganchó a la audiencia. Su “rival natural”, la obra de Nic Pizzolatto, se hundió en la segunda vuelta, dicen que por las prisas que la HBO le metió para tenerla lista en un plazo demasiado corto, pero Hawley ha sabido mantener la buena imagen de Fargo en las conversaciones seriéfilas.

FARGO -- Pictured: (L-R) Ted Danson as Hank Larsson, Patrick Wilson as Lou Solverson. CR: Chris Large/FX

Esta segunda tanda se presenta como una precuela de la original, ambientada al final de la década de los 70, en un episodio de la juventud de Lou Solverson, a quien conocimos en la primera temporada como el padre de Molly (Allison Toman), regentando un restaurante y ya retirado de su trabajo como oficial de policía. Una vez más, se trata de un caso “basado en hechos reales” que parte de un suceso tan sangriento como aleatorio, y que ejerce de detonante de una serie de catastróficas desdichas que establecen una conexión imposible entre mindundis de pueblo con mafiosos tan poderosos como letales, de tal forma que se saca a relucir el lado oscuro de los primeros y las flaquezas de los segundos. La idea es la misma, igual de atractiva, ídem en cuanto a la brillante forma de aplicarla en una historia similar, diferente y con nuevas connotaciones, sacadas en su mayoría a colación del contexto histórico.

FARGO -- “The Gift of the Magi” -- Episode 205 (Airs November 9, 10:00 pm e/p) Pictured: Bruce Campbell as Ronald Reagan. CR: Chris Large/FX

Estados Unidos llegó al final de la década de los 70 fatigado. En los últimos diez años había sufrido la crisis del petróleo, la derrota de la Guerra de Vietnam, el caso Watergate, la muerte de Elvis Presley… y su futuro presidente, Ronald Reagan, era un ingenuo y un superficial, si hacemos caso a la imagen que brinda la propia serie de él. De todo ello no se habla explícitamente en la serie, pero ese derrotismo y agotamiento se percibe en sus personajes, sobre todo en aquellos que fueron a luchar a la guerra, pues la experiencia les ha dejado un poco tocados. También hay cabida para un poco de paranoia alienígena que le reporta un controvertido giro fantástico a la serie. La segunda temporada de Fargo resulta más reflexiva que su predecesora, de ahí que el clímax de la serie se produzca en su noveno y penúltimo capítulo, con un ensordecedor tiroteo, y que en buena parte del décimo se dediquen, además de establecer vínculos con la primera temporada, a que los personajes supervivientes, ya en calma, reflexionen sobre las consecuencias del disparate en el que se han visto envueltos.

FARGO -- “Before The Law” -- Episode 202 (Airs October 19, 10:00 pm e/p) Pictured: (l-r) Angus Sampson as Bear Gerhardt, Jean Smart as Floyd Gerhardt.
CR: Chris Large/FX

El excentricismo y las evoluciones tan bien definidas de los personajes encarnados por Billy Bob Thornton, Martin Freeman y compañía en la primera tanda de episodios, vuelve a destacar a través de un elenco que recupera a Patrick Wilson de la nadería en la que se había convertido su carrera estos últimos años, y a uno de los valores más seguros de la televisión americana, Ted Danson (Bored to Death, Damages…). Y aunque Jean Smart destaque como una matriarca mafiosa tan implacable como maternal (a su pesar) y el indio (Zahn McClarnon) dé muy, pero que muy mal rollo, aquí quien brilla con luz propia es Kirsten Dunst. La joven actriz encarna a una peluquera con sueños de grandeza y de incipiente esquizofrenia con sumo encanto y desparpajo. Una amiga me dijo que parecía una muñeca pepona… pero y lo bien que le sienta el look a su personaje, y qué gran alegato feminista, finalmente interrumpido, con el que se despide de la serie. Lástima que al ser una trama tan coral, Dunst no haya tenido más escenas, porque la pareja de tarados con suerte que conforma con su marido, encarnado eficazmente por Jesse Plemons, es de lo mejor que nos ha dado la cosecha televisiva reciente.

Fargo

En definitiva, Fargo ha gozado de un magnífico segundo capítulo de vida televisiva, ya sin el factor sorpresa, pero superior en algunos aspectos a su predecesora. La tercera temporada ya ha sido confirmada, y traerá de vuelta a Molly y a otros personajes de la primera, pero no la veremos este año, sino en el próximo, probablemente para evitar que ocurra lo mismo que con True Detective. No pasa nada, podemos esperar, y volveremos con más ganas si cabe a la región americana con los mejores episodios de la historia negra ficticia de los Estados Unidos.

25/3/16

El espíritu del bosque de acuarela

Poster Cuento Princesa Kaguya

Dir.: Isao Takahata
¿De qué va?: Una pareja de ancianos campesinos encuentran a una niña diminuta dentro de una planta de bambú, y deciden criarla como si fuera hija suya. Convertida rápidamente en una hermosa mujer, su padre decide hacer todo lo posible por convertirla en princesa para que pueda ser pretendida por los hombres más poderosos del reino y tener la vida de lujo a la que cree que ella está destinada.

Reseña: En el 2014 se anunció la retirada profesional del director Hayao Miyazaki y, un año después, el cierre del estudio Ghibli, el estudio de animación japonés que co-fundó junto a Isao Takahata en 1985. Entre las posibles razones del cierre se cita el fracaso comercial de El cuento de la princesa Kaguya, una película que costó 8 años de producción y 49 millones de dólares, pero que sólo recaudó en su país de origen 22 millones. Con tres años de retraso llega a los cines españoles este film basado en el cuento folclórico El cortador de bambú, considerado el texto japonés más antiguo que existe. Y aún así, al igual que El viento se levanta, último trabajo de Miyazaki, tiene un aurea crepuscular, de fin de viaje, que acentúa la tristeza que posee el relato de por sí.

Cuento Princesa Kaguya2

El cuento de la princesa Kaguya parte de una premisa que no es ajena a las historias que han caracterizado a Ghibli a lo largo de todos estos años, pero con un significativo intercambio de roles: la tradicional heroína que se embarca en un viaje por un mundo de fantasía es, en esta ocasión, la que posee una naturaleza mitológica, y el mundo que explora es el terrenal, la sociedad japonesa del siglo IX. Así, somos testigos de cómo Kaguya debe aprender y adaptarse a las normas de conducta noble de la época, aunque ella lo que en el fondo desea es libertad, y vivir en el campo, en comunión con la Naturaleza, siendo éste otro de los rasgos fundamentales de Ghibli, el amor y el respeto por la Madre Tierra. Sus dos horas y cuarto de duración se antojan un tanto largas, pues el ritmo se resiente en algunos tramos, siendo ese el gran ‘pero’ que se le puede achacar a un film único.

Cuento Princesa Kaguya1

Su animación, basada en trazos finos  y suaves a lápiz y tonos acuarela sobre un lienzo blanco es de una belleza inaudita, sin igual. Las imágenes se van sucediendo como si formaran parte de un pergamino antiguo que se va desenrollando tal y como hace la propia Kaguya en cierto momento de la película. El cénit llega en la escena en la que la princesa huye al bosque, dejando sus ropajes nobles atrás y convirtiéndose en una imagen borrosa rodeada de rayones que conforman los árboles que la rodean, acompañada de una exquisita banda sonora que se detiene en el momento preciso para dejar que sólo suenen sus acelerados pasos. Takahata nos partió el corazón con La tumba de las luciérnagas y con El cuento de la princesa Kaguya nos ofrece una obra profundamente lírica y bella sobre el paso del tiempo, tan rápido como escaso, inexorable ante el arrepentimiento, que nos embriaga de un sentimiento de nostalgia por una forma de hacer y entender el cine de animación cuyo espíritu, ante la desaparición de Ghibli, sobrevive gracias a cineastas como Tomm Moore o Sylvain Chomet, sucesores de su impagable legado.

8’5/10

23/3/16

O.C: Todos los hombres del presidente (1976)

Poster Todos los hombres del presidente¿De qué va?: En 1972, dos periodistas del diario The Washington Post comienzan a investigar lo que parece ser un simple allanamiento del cuartel general del Partido Demócrata en Washington. Sus descubrimientos desencadenan el conocido como “caso Watergate”, que acabó con la dimisión de Richard Nixon como presidente de los Estados Unidos.

Reputación: En 1974, el mismo año en el que los periodistas Bob Woodward y Carl Bernstein publicaron un libro que recopilaba su investigación sobre el caso Watergate, Robert Redford compró sus derechos cinematográficos por 450.000 dólares, siendo la única condición que impuso Warner para financiar la película que él mismo encarnase a Woodward. En un primer momento, Redford pensó en Al Pacino para encarnar a su co-protagonista, pero finalmente se acercó a Dustin Hoffman en un partido de los Knicks y le ofreció el papel. Ambos actores se prepararon en las mismas oficinas del Washington Post y acudiendo a numerosas ruedas de prenda. Además, se aprendieron las líneas de diálogo de los dos, para poder interrumpirse el uno al otro durante el rodaje de las escenas, consiguiendo desestabilizar a los demás actores y aportar mayor verosimilitud. Por su parte, el director Alan J. Pakula pasó horas entrevistando a editores y periodistas, tomando notas de sus comentarios. Nada fue permitido en el guión a menos que hubiese sido meticulosamente verificado y confirmado por fuentes independientes.

Todos los hombres del presidente

La película fue el segundo mayor éxito de taquilla del año 1976, sólo por detrás de Alguien voló sobre el nido del cuco. Recibió 8 nominaciones a los Oscar, de los cuales consiguió el de mejor actor de reparto (Jason Robards), guión adaptado, dirección artística y sonido, pero el de mejor película lo perdió ante Rocky. En 2010 fue incluida entre las películas que conserva el Registro Nacional de Films de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos por ser considerada “cultural, histórica o estéticamente significativa”.

Todos los hombres del presidente2

Comentario: La referencia más obvia de la última ganadora al Oscar a mejor película, Spotlight, es sin duda Todos los hombres del presidente. Las dos siguen a un equipo de periodistas que, a través de muchas horas de trabajo de oficina y otras tantas de campo, destapan un escándalo que afecta directamente a dos de las fuerzas más poderosas de los Estados Unidos: en Spotlight, la Iglesia católica, y en Todos los hombres del presidente, la Casa Blanca. El foco no está puesto en la vida privada de los periodistas, sino en el exhaustivo procedimiento que llevaron a cabo para sacar a la luz las vergüenzas de un sistema corrompido. Llamadas desde cabinas telefónicas, interrogatorios a testigos amenazados, búsquedas en archivos documentales, encuentros con el célebre Garganta Profunda en aparcamientos sombríos… Toda la película respira a periodismo de investigación de la vieja escuela, guiada con aplomo por el dúo dinámico formado por Redford y Hoffman, a lo largo de dos horas y cuarto de metraje que no pesan y que consiguen el difícil logro de no enmarañar una trama tan densa y compleja de por sí. Normal que Todos los hombres del presidente se proyecte en todas las escuelas de periodismo, y a partir de ahora en sesión doble con Spotlight, su sucesora natural.

Próximo visionado: Nausicaä del Valle del Viento (1984)

22/3/16

La amabilidad de los extraños

Poster Cloverfield Lane 10

Dir.: Dan Trachtenberg
Int.: Mary Elizabeth Winstead, John Goodman, John Gallagher Jr.
¿De qué va?: Una joven sufre un accidente de coche. Al despertar, se encuentra encerrada en una celda bajo tierra, secuestrada por un extraño hombre que dice haberla salvado de un ataque químico que ha hecho inhabitable el exterior, así que la única forma de seguir con vida es pasar los próximos dos o tres años encerrados en su búnker.

Reseña: Calle Cloverfield 10 no figuraba en ninguna lista de las películas más esperadas para el 2016, pero sólo porque nadie sabía de su existencia. Uno que suele revisar las fichas de IMDb de sus actores favoritos tenía constancia de una película titulada The Cellar con Mary Elizabeth Winstead y John Goodman, pero no fue hasta la aparición de su tráiler a mediados de enero que descubrimos que se trataba de una producción de J.J. Abrams y una especie de continuación de Monstruoso (Cloverfield, 2008), aquella película de un bicho gigantesco arrasando Nueva York cuya secuela nunca terminó de concretarse. El efecto sorpresa producido por el tráiler se traslada a la película, siendo tal vez, la primera película en mucho tiempo en la que no sabes ni intuyes lo que va a ocurrir a continuación. En tiempos de saturación informativa, es tan inaudito como agradecido.

Cloverfield

Poco tienen en común Monstruoso y Calle Cloverfield 10, formal y narrativamente hablando. El debut en largo de Dan Trachtenberg (quédense con su nombre) es un thriller que se sustenta por sí mismo y  que impacta desde un prólogo parco en palabras pero elocuente y cuidado en la imagen, proseguido de unos impactantes títulos de crédito. A partir de ahí, el misterio va cobrando forma bajo una latente amenaza interna y otra externa, siempre fuera de plano . Un poco de suspense hitchcockiano (que los ‘talifanes’ no se lleven las manos a la cabeza), otro poco de paranoia conspiratoria ‘made in USA’ y especias marca J.J. Abrams (humor, referencias frikis, algunas idas de olla…) son los ingredientes fundamentales de una película que, a pesar de desarrollarse en un único escenario, cambia con cada giro de la historia, mutando a nivel narrativo, tonal, interpretativo y hasta musical; atentos al ‘tour de force’ que se marca el compositor Bear McCreary con la banda sonora de la película.

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John Goodman también se somete a una constante metamorfosis que le permite mostrar ese talento que pocas veces le dejan desplegar, clavando la ambigüedad y las múltiples caras de su personaje. Su co-protagonista, Mary Elizabeth Winstead, otro de los talentos más infravalorados de Hollywood, también aprovecha la ocasión para sacar lo mejor de sí, dando vida a una chica con tendencia a huir de sus problemas en la tesitura de estar atrapada en un búnker bajo tierra. Winstead se revela como una combinación perfecta entre el rol de víctima y el de heroína, mientras que John Gallagher Jr. cierra el triángulo protagonista con un rol no tan rico en matices como el de sus compañeros, pero esencial en una trama, guionizada en parte por Damien Chazelle (Whiplash), que funciona como un reloj suizo a la hora de dosificar la información y de dar giros de 180º cuando está a punto de estancarse, al tiempo que disecciona el terror infundido por los monstruos a pequeña y gran escala.

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Calle Cloverfield 10 es uno de los thrillers más redondos y ejemplares de los últimos años. Su nivel de exigencia sólo baja en contadas soluciones narrativas facilonas y en su recta final, precisamente en la parte que se siente más deudora de su referente, más convencional, pero diferente a la par de coherente con lo que hemos visto hasta ese momento. En su conjunto, es una nueva demostración de que el talento y la calidad no siempre va de la mano con el caché y el despliegue de medios, pues una película así, casi de serie B y con talentos de “segunda fila”, deja en pañales a otras producciones más ambiciosas que son incapaces de transmitir la angustia, la tensión y la sorpresa de forma tan certera como este pequeño film, que supera a su predecesor y afianza las bases de una antología de ciencia ficción que puede traer muchas alegrías al género en los años venideros.

8/10

20/3/16

Feliz día del mapa

Banner Transparent
Creadora: Jill Soloway
Int.: Jeffrey Tambor, Amy Landecker, Jay Duplass, Gaby Hoffmann, Judith Light, Alexandra Billings, Kathryn Hahn, Carrie Brownstein
Emisión: 2014 – Actualidad, Amazon
2 temporadas

Cuando Netflix comenzó a revolucionar el panorama seriéfilo con House of Cards, Amazon también quiso apuntarse al negocio de las series en streaming, lanzando una serie de pilotos para que los usuarios decidieran cuál de ellos recibía luz verde para seguir adelante. Sin embargo, tuvieron que esperar un año para encontrar un producto realmente competitivo y que les otorgase la notoriedad que estaban buscando. Transparent fue para Amazon lo que House of Cards para Netflix, un buque insignia que menoscaba el reinado de HBO en cuanto a series de calidad se refiere, aquellas demasiado arriesgadas y libres como para ser emitidas en un canal de televisión en abierto, y que abordan temas tan “controvertidos” como puede ser la transexualidad.

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Transparent cuenta lo que ocurre con los miembros de una familia de Los Ángeles, los Pfefferman, a partir de que el cabeza de familia, un profesor de ciencias políticas retirado, decide abrirse y revelar que siempre se ha sentido mujer, y que va a empezar a vivir siendo consecuente con ello. La creadora de la serie, Jill Soloway, tomó la idea de su propia experiencia, pues su padre también confesó ser transgénero a una edad madura, y su experiencia en series sobre familias desestructuradas (escribió varios capítulos de A dos metros bajo tierra y de United States of Tara) puso el resto. Tan importante es el viaje que inicia Maura, tras quitarse su disfraz de Morton, como el que realiza su ex mujer y sus tres hijos adultos, y es que al producirse la gran revelación, cada uno de ellos empieza a darse cuenta de que no saben ni quiénes son ni qué quieren hacer en la vida.

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De entrada, puede parecer difícil empatizar con una familia judía y de economía saneada de Los Ángeles; otra serie sobre problemas del primer mundo pensarán algunos. A los de Modern Family les hemos cogido mucho cariño, pero a veces nos dan de cara cuando manifiestan lo pijos que son, pero con los Pfefferman es diferente, porque al igual que pasa en Girls, el mecanismo de identificación se pone en marcha desde los defectos, no desde las virtudes. Puede costarnos reconocerlo, pero muchos hemos sido tan egoístas y hemos estado (o estamos) tan perdidos en la vida como los tres hijos de Maura. Transparent acierta al no convertir la confesión del padre en el conflicto global de la trama, sino en utilizarlo de detonante para que Sarah (Amy Landecker), Josh (Jay Duplass) y Ali (Gaby Hoffmann) empiecen también a auto-descubrirse, no sin cometer errores y sin dejar víctimas por el camino; no aprenden las lecciones al final de cada capítulo, y distan mucho de ser perfectos, pero eso es lo que les hace tan interesantes, junto a la forma tan íntima en la que Soloway se acerca a ellos, sin juzgarlos.

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La experiencia personal de su creadora prometía un tratamiento cercano, respetuoso y natural de la transexualidad, y así ha sido. Soloway, junto a su equipo creativo, en el que figuran guionistas y asesores transgénero, no brinda una imagen idílica del tema, pero tampoco carga las tintas en el drama, ni lo priva de sentido del humor. La Maura que encarna Jeffrey Tambor de forma magnífica, se siente como una mujer auténtica, valiente al haber dado un paso tan importante a su edad, pero sin ser abanderada de nada. Maura debe encontrar su lugar en el mundo, lidiar con sus problemáticos hijos, quienes empiezan a llamarlo cariñosamente ‘mapa’, y con su ex mujer (Judith Light), una fuente de apoyo pero algo asfixiante por su miedo a la soledad.

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Con ese título tan perfecto en su doble sentido, Transparent es un vehículo inmejorable para la visibilidad de la comunidad transgénero, pues le da el enfoque apropiado, sin caer en la caricatura ni en la ‘hetero normalización’. Es una cálida oda a la diferencia, a la imperfección y a ser fiel a uno mismo, y aunque la primera temporada fue la que acaparó más premios, la segunda ha ido a mejor, pues al tiempo que las tramas avanzan y la comedia, el drama y el absurdo se entrelazan con naturalidad pasmosa, nos encariñamos más con los Pfefferman, y sufrimos al ver cómo se las arreglan para torpedear su felicidad. Mención especial merecen la partitura compuesta por Dustin O’Haloran, tan delicada y entrañable como la misma serie, y el final de la segunda temporada, en el que cobra completo sentido una trama iniciada capítulos atrás, inconexa en apariencia, que se revela como uno de los giros de guión más emocionantes y conmovedores de la televisión reciente, y que nos recuerda lo poco que sabemos del bagaje de aquellas personas que creemos conocer.

19/3/16

Las princesas prometidas

Poster Mustang

Dir.: Deniz Gamze Ergüven
Int.: ¿De qué va?: Günes Sensoy, Doga Zeynep Doguslu, Tugba, Sunguroglu, Elit Iscan, Ilayda Akdogan, Nihal G. Koldas
¿De qué va?: En un pequeño pueblo al norte de Turquía, cinco hermanas huérfanas de edades comprendidas entre los 12 y los 16 años, crecen en una familia obsesionada con la tradición, y específicamente, con la virtud de las chicas. Cuando los rumores sobre la inmoralidad de las jóvenes empiezan a correr por el pueblo, su abuela y su tío tomarán medidas para mantener íntegra la reputación de su casa.

Reseña: Mustang empieza con una despedida y termina con un reencuentro. Lo que ocurre en medio es un viaje a la madurez, una ducha fría de realidad, un drama bañado de realismo mágico o una pesadilla, cualquier definición es válida para lo que nos cuenta la cineasta turco-francesa Deniz Gamze Ergüven en su ópera prima, definida por muchos como la versión turca de Las vírgenes suicidas. Cierto es que su premisa es muy similar a la de la primera película de Sofia Coppola, pero en vez de quedarnos en la mera comparación, resulta más interesante bucear en los paralelismos y los diálogos que se producen entre ambos largometrajes.

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Si en Las vírgenes suicidas era la hermana pequeña la que iniciaba el trágico destino de sus clan, en Mustang es la más joven la que se rebela ante el plan confeccionado por su abuela y su tío para las chico hermanas, reflejo de la represión de una sociedad machista y patriarcal; en la película es un pueblo a mil kilómetros de Estambul, pero esa misma situación puede darse a día de hoy en otros muchos rincones del globo. La cámara de Ergüven jamás se separa de las protagonistas, de belleza etérea, cercanas y en cierta manera insondables, encarnadas por cinco jóvenes actrices que son el resultado de un acertadísimo trabajo de casting, destacando el trabajo de la pequeña y subversiva Günes Sensoy, pues a través de su punto de vista asistimos en primer lugar al confinamiento de ella y sus hermanas en su particular castillo, princesas a su pesar que sueñan con la libertad mientras son ofrecidas, unas con más suerte que otras, al “príncipe azul” más conveniente.

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La película acierta al resolver con elegantes elipsis y escenas fuera de cámara los momentos más escabrosos de la historia, pero también cuenta con algunas decisiones de guión forzadas, y se le puede achacar cierta superficialidad a la hora de retratar a los personajes que rodean a las hermanas, algo que en parte se justifica al estar narrada por la más joven de ellas. La banda sonora compuesta por Warren Ellis y la cálida fotografía realzan los sentimientos que transmite Mustang, un film bello y triste que señala a las nuevas generaciones como el rayo de esperanza que necesitamos para cambiar las cosas, pues son las únicas capaces de romper tabúes y acabar con tradiciones retrógradas, impropias del mundo del siglo XXI.

7/10

16/3/16

La serie indiferente

Poster Leal

Dir.: Robert Schwentke
Int.: Shailene Woodley, Theo James, Miles Teller, Naomi Watts, Jeff Daniels, Ansel Elgort, Zoë Kravitz, Octavia Spencer, Nadia Hilker
¿De qué va?: Tras descubrir que existe un mundo habitado más allá de Chicago, Tris, Cuatro y sus amigos escalan el muro que les separa del exterior en busca de respuestas. Sus descubrimientos serán determinantes para el futuro de su ciudad natal, que se prepara para vivir una guerra civil entre dos bandos enfrentados.

Reseña: La última entrega de la saga de Los juegos del hambre, Sinsajo – Parte 2, se saldó con la peor recaudación en taquilla de las cuatro películas que la conforman. Esto puede ser indicador del decreciente interés tanto por dicha saga como por las franquicias basadas en libros serializados para adolescentes en general. El corredor del laberinto tendrá un final que, al contrario de la tradición, no se dividirá en dos largometrajes, no así Divergente, cuyo desenlace llegará el año que viene bajo el título de Ascendiente. No obstante, el final de Leal bien podría pasar como punto y final de la saga, y es que a pesar de que la taquilla la ha acompañado hasta ahora (la recaudación conjunta de Divergente e Insurgente ronda los 580 millones de dólares a nivel mundial), puede que sus responsables teman, no sin razón, perder el favor del público con el tiempo.

Leal

Pese a que Insurgente no resultó tan disfrutable como Divergente, su final creaba cierta expectación (dentro de lo que cabe) y abría un mundo de posibilidades para la historia. Tal es así que parece que la autora del libro, el guionista de la película, o ambos, se han inspirado en todo el material de ciencia ficción que han podido pillar (Mad Max, Gattaca, Los juegos del hambre…), lo han batido y les ha salido un caldo, con tropezones, en el que ninguna idea se desarrolla bien y todo se expone y explica de forma atropellada e incomprensible. La incoherencia también se extiende a unos personajes cuyos comportamientos resultan más arbitrarios y ridículos si cabe que en la película predecesora, que también cojeaba en las relaciones entre personajes, quienes, salvo por los protagonistas, no pasan de desempeñar una función meramente instrumental; la pobre Zoë Kravitz sólo va donde la mandan sin rechistar.

Leal2

Pero lo más desconcertante resulta el evidente desinterés de su heroína protagonista; Shailene Woodley ha perdido de forma gradual el entusiasmo por el material con el que trabaja. Aunque en Leal le han arreglado el horrible peinado que le endilgaron en Insurgente, se le nota desganada e impasible, muy por debajo de su tremendo potencial interpretativo, aunque también es verdad que el arco narrativo de su personaje en esta entrega no daba para mucho más, quedando muchas veces relegado a segundo plano en beneficio de Theo James, que sigue sin demostrar que puede ser algo más que un héroe de acción de rostro imperturbable. Tras declarar públicamente que sólo aceptó participar en esta saga por dinero, Miles Teller va a lo suyo, aunque la vena cómica de su personaje nunca llega a funcionar, mientras que Naomi Watts, Jeff Daniels y Octavia Spencer recitan sus líneas, siendo bastante probable que ni ellos entiendan de qué va el asunto.

Leal3

Así pues, Leal es un paso más en la decadencia progresiva que ha experimentado la saga Divergente desde su comienzo. A estas alturas, difícilmente puede captar nuevos adeptos, y los pocos que tiene puede perderlos con esta entrega, un batiburrillo distópico que lo pone muy fácil para que tráilers honestos desmenucen la larga lista de meteduras de pata, incoherencias y ‘WTF?’ de la que goza el film. No obstante, debo admitir que si la última entrega llega a rodarse, es muy probable que vuelva a pasar por taquilla. No es ser un ‘hater’, ni masoquista, sino que tengo una curiosidad tremenda por ver cómo resuelven este alocado circo que han montado… y descubrir si Shailene Woodley se limitará a suspirar y poner los ojos en blanco.

4/10

14/3/16

Matrimoniadas

Poster Frente al mar

Dir.: Angelina Jolie Pitt
Int.: Angelina Jolie Pitt, Brad Pitt, Niels Arestrup, Mélanie Laurent, Melvil Poupad, Richard Bohringer
¿De qué va?: Roland es un escritor que se traslada junto a su esposa Vanessa, una bailarina retirada, a un lujoso hotel ubicado en una pequeña villa de la costa francesa.  Ambos están atravesando un distanciamiento mutuo provocado por una grave crisis matrimonial, pero la situación cambia cuando establecen contacto con la joven pareja que se aloja en la habitación contigua.

Reseña: Hace diez años del nacimiento de Brangelina, la fulgurante pareja de Hollywood surgida a raíz de Sr. y Sra. Smith, la película que unió los destinos de Brad Pitt y Angelina Jolie y dejó a Jennifer Aniston compuesta y sin marido. Sobreviviendo a constantes rumores de separación a cada cual más disparatado, lo cierto es que la pareja sigue a lo suyo, manteniéndose tan idolatrada y odiada por la comunidad global como desde el primer día. Mientras que Brad Pitt continúa siendo uno de los actores más cotizados y demuestra buen ojo con los proyectos que apoya a través de su productora, Plan B (12 años de esclavitud, El árbol de la vida, Kick-Ass…), los trabajos interpretativos de Jolie se han vuelto más esporádicos, en beneficio de su familia, su trabajo humanitario y su faceta como directora. Frente al mar es su tercer largometraje, el primero que firma bajo el nombre de ‘Angelina Jolie Pitt’ y en el que se “auto-dirige” junto a su flamante marido, tomando como referencia el cine europeo clásico. Vamos, que se lo ha dejado en bandeja a los ‘haters’.

Frente al mar5

Si bien En tierra de sangre y miel resultó una interesante e imperfecta ópera prima e Invencible dejó la sensación de ser la marca blanca de un film dirigido por Clint Eastwood, Frente al mar naufraga al intentar recuperar la esencia de grandes directores como Michelangelo Antonioni y Roberto Rossellini, siendo Te querré siempre (1954) la más que probable principal fuente de inspiración de Jolie Pitt. Pero incluso dejando ese aspecto a un lado, con el que tenía las de perder desde un principio, la película no se mantiene por sí sola, debido a un guión endeble, reiterativo y con poca chicha. Resulta difícil empatizar con los protagonistas cuando lo único que sabemos es que él se dedica a hincar el coco en el bar para sobrellevar su bloqueo creativo, mientras que ella, que sufre de bloqueo emocional, pasa los días tomando el sol en la terraza o paseando sola por la playa, contagiando su tedio al espectador, sobre todo a los incautos que esperaban algo más convencional de la mediática pareja.

Frente al mar6

Tampoco ayuda que al reencontrarse cada noche en la habitación, la pareja se grite de forma tan pomposa como artificial, poniendo en entredicho las más que demostradas dotes interpretativas de ambos (mención especial al momento en el que ella aparece empapada). Aún así, el mayor problema del libreto no está en sus torpes diálogos, sino en la decisión de mantener el motivo de la separación conyugal bajo secreto hasta el desenlace. No sólo perjudica a la caracterización de los personajes, retratados de forma fría, snob y distante, sino que crea unas expectativas en torno al presunto misterio que no se cumplen, puesto que el ‘quiz de la cuestión’ tiene muy poca chicha, y ya se ha explorado de forma más incisiva en otras muchas películas sobre matrimonios perfectos que naufragan.

Frente al mar2

Técnicamente, la película luce impecable, sacando el mejor partido de la fotogenia de la pareja y de los escenarios en los que pasean su sufrimiento, pero la falta de profundidad de la historia, o más bien, la mera ilusión de ella, la reducen a una bonita postal innecesariamente larga. Cuenta con momentos curiosos, como la afición vouyerista de la pareja, y buenas ideas por parte de su directora/guionista/protagonista sobre las relaciones de pareja y sus mecanismos de autodestrucción y reconstrucción, pero no están bien plasmadas, porque ese libreto necesitaba dos o tres pulidas más. Con su tercer largometraje, Jolie Pitt se empieza a consolidar como una cineasta con muy buenas intenciones que no terminan de cuajar en la pantalla, necesitando con urgencia un material potente para que podamos tomar en serio su labor como artista polivalente.

4/10

11/3/16

Desprotegidos

Poster Virunga


La semana pasada, la activista y ecologista hondureña Berta Cáceres fue asesinada a tiros, mientras dormía en su propia casa. Cáceres fundó el Consejo Cívico de Organizaciones Populares e Indígenas (Copinh), dedicando su vida a la defensa de los derechos humanos y del pueblo lenca, la mayor etnia indígena de Honduras, cuando empresas multinacionales intentaron explotar los recursos naturales y vitales para su supervivencia. El asesinato de Cáceres, que apenas ha tenido cobertura en los medios, es la última de una larga lista de crímenes y atropellos contra la Naturaleza, las comunidades indígenas y contra aquellos que luchan por su conservación.

Virunga

Antes de estrenar su primer largometraje de ficción propio, Beasts of No Nation, Netflix ya había producido y difundido una película documental que gira en torno a una de tantas problemáticas que suceden cada día en el continente africano. Virunga nos muestra el Parque Nacional de nombre homónimo, ubicado en la República Democrática del Congo, y en el que habitan los últimos gorilas de montaña del mundo, una especie en peligro de extinción. Si bien la intención inicial del documental era retratar el progreso positivo que ha experimentado el parque gracias al compromiso de las Autoridades, el tema cambió cuando una compañía británica, Soco International, consiguió permiso para extraer petróleo dentro del lago que forma parte del parque, poniendo en peligro la vida de los gorilas, de la tribu indígena que habita la zona y de todo un ecosistema. A raíz de la aparición de Soco, seguimos los acontecimientos que se vivieron durante el año 2012 desde cuatro puntos de vista diferentes: una periodista de investigación, el líder de los guardabosques, un cuidador de gorilas y el Director del Parque de Virunga.

Virunga2

La realidad supera a la ficción una vez más en la historia que nos cuenta el documentalista Orlando von Einsiedel. Por temática se trata de cine de denuncia, pero narrativamente se acerca al thriller cuando el conflicto estalla y alternamos entre los diferentes protagonistas, creando un ambiente tenso que mantiene al espectador en vilo, aunque conviene aclarar que nunca frivoliza con la problemática que se vive en el Congo, sino todo lo contrario: denuncia una situación impactante que debería ser del conocimiento de todos, para darnos cuenta de cómo las grandes corporaciones mueven los hilos en países desfavorecidos con el fin de alcanzar sus propósitos empresariales, sin sentido moral que valga. Virunga, que fue nominado al Oscar a mejor documental el año pasado y producido por la compañía de Leonardo DiCaprio, es incómodo, indignante y espeluznante, pero también de visionado obligatorio; deja un resquicio para la esperanza y rinde tributo a aquellas personas que se juegan el pellejo cada día por conservar la cada vez más menguante Madre Naturaleza.

8/10

10/3/16

La mujer marcada

Banner Jessica Jones
Creadora: Melissa Rosenberg
Int.: Krysten Ritter, Rachael Taylor, David Tennant, Mike Colter, Carrie Anne-Moss, Eka Darville, Will Traval
Emisión: 2015 – ¿?, Netflix
1 temporada

A colación del día internacional de la mujer, podemos ver que Marvel Studios representa buena parte de los avances y los anquilosamientos en lo que a igualdad se refiere: por la parte negativa, aún recordamos que, con motivo del estreno de Vengadores: La era de Ultrón, se lanzaron al mercado los juguetes de todos los superhéroes de la película menos el de la Viuda Negra, generando una campaña de protesta en las redes sociales bajo el hashtag #WhereIsNatasha. Al parecer, uno de los grandes directivos del estudio tenía el convencimiento de que las muñecas de superheroínas no generaban ventas. Por el lado bueno, su división televisiva, que poco tiene que envidiar en términos de calidad a la cinematográfia, cuenta con dos figuras femeninas tan potentes como carismáticas: Peggy Carter, cuya primera temporada giró en torno a un robusto discurso feminista, y la recién llegada Jessica Jones, quien, muy a su pesar, también goza de un matiz reivindicativo y de supresión de prejuicios y estereotipos sexistas.

MARVEL’S JESSICA JONES

¿Pero quién es Jessica Jones y por qué muchos la señalan como lo mejor que ha hecho Marvel hasta ahora? Vamos por partes. Jones es una superheroína con fuerza sobrehumana y capacidad para volar (planear más bien) que, tras sufrir una experiencia traumática, decide abandonar ese tipo de vida y empezar a trabajar como detective privado. Con esta serie, Marvel consolida su intención, ya demostrada en Daredevil, de desarrollar su vertiente más adulta en Netflix, pues aspectos como el alcoholismo de Jessica Jones, los tacos, las escenas de sexo o la violencia explícita jamás podrían ser vistos en una película de la casa (Deadpool es un caso aparte). Este es uno de sus alicientes más llamativos, pues aborda una trama adulta, con tintes de cine negro, que esquiva la infantilización en la que suelen caer las grandes superproducciones destinadas a un público masivo.

Marvel's Jessica Jones

Sin embargo, el mayor acicate de la serie está en el personaje al que le debe su nombre. Jessica Jones se gana nuestra simpatía desde el primer capítulo porque no es una heroína convencional, de hecho, se pasa toda la temporada intentando quitarse esa etiqueta, aunque algunas de sus acciones demuestren lo contrario. Es arisca, malhablada, tiene una lengua viperina, no se anda con rodeos, vive en una resaca perpetua y es, en definitiva, imperfecta y un auténtico desastre: comete errores, tiene el armario atiborrado de esqueletos, sus acciones son a veces moralmente cuestionables y sus poderes un poco defectuosos. Sí, tiene superfuerza, pero ni siquiera puede volar grandes distancias, siendo su astucia su habilidad más importante. A todo esto, Krysten Ritter borda el personaje de la misma forma en la que brillaba en la reivindicable sitcom Don’t Trust the Bitch in Apartment 23, el precedente cómico de Jessica Jones.

Jessica Jones2

Al igual que en Daredevil, la serie trabaja y cuida a la galería de secundarios, procurando que no se conviertan en meras comparsas del personaje central. Ritter comparte una gran química con Mike Colter, presentando sus credenciales como Luke Cage para asegurarse espectadores de cara al estreno de su serie en solitario, pero la auténtica sidekick de Jessica Jones es su mejor amiga, Trish, interpretada por Rachael Taylor; es tristemente revolucionario ver a dos mujeres enfrentándose a un supervillano, y ya que lo hemos mencionado, el Kilgrave al que da vida David Tennant es, al igual que el Kingpin de Daredevil, uno de los mejores enemigos que ha parido la factoría Marvel. Con su vena histriónica, su carácter acosador y su habilidad para controlar mentes, Kilgrave nos pone muy nerviosos. Es imprevisible, nunca sabemos por dónde va a salir, y sus métodos se vuelven más brutales y cruentos conforme avanza la serie.

Jessica Jones1

Jessica Jones arranca con apariencia de serie de casos protagonizada por esa detective curtida y amargada, siempre con una botella de alcohol sobre la mesa (la sombra de Humphrey Bogart es alargada), pero cuando la presencia del Hombre Púrpura empieza a patentarse, la serie toma una dirección clara, al tiempo que se ramifica en tramas secundarias interconectadas con la principal (la de Carrie Anne-Moss sólo cobra sentido al final, y merece la pena). Sin llegar nunca al hastío, los últimos capítulos de la temporada se resienten un poco debido al reiterativo juego del gato y el ratón al que juegan Jessica y Kilgrave y sus constantes duelos verbales. No obstante, el final está a la altura del conflicto, y el caluroso recibimiento ha sido tan rotundo que Netflix ha tenido que encargar una segunda temporada, pese a que en los planes iniciales la idea era que la próxima vez que viésemos a Jessica sería en la serie de Los Defensores, junto a Daredevil, Luke Cage y Iron Fist. Marvel está confeccionando un muy interesante microuniverso en la pequeña pantalla, cuya mayor pega es que cuesta creerse que estos personajes tan turbios y maltratados convivan en el mismo mundo de los Vengadores.

7/3/16

O.C: El ansia (1983)

Poster El ansia¿De qué va?: Miriam Blaylock no sólo colecciona arte del Renacimiento y colgantes del Antiguo Egipto, sino también amantes y almas. Moderna y elegante, Miriam es una vampiresa bendecida con la belleza y maldecida con su sed de sangre. John es su fiel e inseparable compañero y marido, pero cuando comienza a envejecer rápidamente, acude a una experta en geriatría en busca de ayuda.

Reputación: Adaptación cinematográfica de la novela The Hunger de Whitley Strieber, se trata del primer largometraje del cineasta Tony Scott, elegido por el productor Richard Shepherd tras ver sus trabajos en publicidad. Su trío protagonista lo conforman la actriz francesa Catherine Deneuve, la estrella de la música David Bowie, quien por aquel entonces gozaba de una prolífica sucesión de trabajos en el cine, y una jovencita Susan Sarandon, cuya carrera aún estaba en ciernes. También se puede atisbar la presencia fugaz de Willem Dafoe en una de sus primeras apariciones cinematográficas, concretamente en la escena en la que el personaje de Sarandon se encuentra en una cabina de teléfono. El final de la película se cambió para dejar la puerta abierta a una continuación que nunca se llegó a realizar, aunque su autor publicó un par de secuelas dos décadas más tarde: The Last Vampire (2001) y Lilith’s Dream: A Tale of the Vampire Life (2003) . En el año 1997, se lanzó una serie de televisión bajo el mismo nombre y de temática vampírica que duró dos temporadas, aunque sin nada que ver con el film, salvo por la presencia de David Bowie como presentador. El ansia se presentó fuera de competición en el Festival de Cannes de 1983, pero no gustó ni a la crítica ni al gran público. Sin embargo, pronto se convirtió en un film de culto, especialmente en varios sectores de subcultura gótica.

El ansia

Comentario: El ansia parece hecha directamente para ser objeto de culto de una minoría entusiasta, sobre todo de fans de David Bowie, pues a pesar de que su presencia sea más breve de lo deseado, la película encaja perfectamente dentro de su estilo artístico, aunque el tema que se oye tanto en el comienzo del film como en los créditos finales, Bega Lugosi’s Dead, es de Bauhaus. Es bastante densa, con un ritmo un tanto exasperante, pero también tiene escenas muy grotescas y unos cuantos momentazos, como cuando Deneuve y Sarandon se lo montan; es evidente que Ryan Murphy se ha inspirado en la película para el personaje que interpreta Lady Gaga en American Horror Story: Hotel. Como buena parte de la filmografía del difunto Tony Scott, que luego se especializaría en cine de acción, El ansia es un film tirando a malo pero simpaticón por su falta de escrúpulos y vergüenza (véase también Domino), siendo lo más reprochable del conjunto ese final completamente incoherente impuesto por el estudio y que tampoco gustó a Susan Sarandon, tal y como la propia actriz declaró tiempo después del estreno.

Próximo visionado: Todos los hombres del presidente (1976)

6/3/16

Razzies 2016: Mr. Grey y los Cuatro Fantásticos se reparten las uvas

50 sombras de grey

Como cada año, en las vísperas de los Oscar se entregaron los Razzie a lo peor de la cosecha cinematográfica de Hollywood, unos premios en los que Adam Sandler ejerce de Meryl Streep, pues en cada edición siempre está presente con su comedia de turno. En esta ocasión, ha hecho doblete con Pixels y Con la magia en los zapatos, esta última por cierto, dirigida por Tom McCarthy, el realizador de la oscarizada Spotlight. Sin embargo, Sandler no ha podido hacer nada ante el fenómeno de 50 sombras de Grey y la polémica Cuatro fantásticos, pues ambas han hecho historia al recibir ex aequo el premio a peor película del año.

Fantastic Four

50 sombras de Grey también ha ganado los premios a peor guión, peor combinación en pantalla, peor actor protagonista para Jamie Dorman y peor actriz protagonista para Dakota Johnson. Este último ha sido el premio más criticado por aquellos que consideran que la interpretación de la hija de Melanie Griffith es lo más digno del film, y también hay que considerar que probablemente muchas de sus compañeras de categoría lo merecían más. Por su parte, Cuatro fantásticos se lleva los premios a peor dirección para Josh Trank, que renegó de su película al ver el fracaso en taquilla que se le venía encima, y el de peor remake o secuela.

JUPITER ASCENDING

Otras de las más nominadas de esta edición fue la simpáticamente ‘trash’ El destino de Júpiter, la cual le ha reportado un muy merecido (esta vez sí) Razzie a peor actor de reparto para el oscarizado Eddie Redmayne. Aunque la película se estrenó hace un año, su amanerada y exagerada interpretación no ha logrado pasar al olvido. Kaley Cuocuo-Sweating, la Penny de The Bing Bang Theory, ha ganado el Razzie a peor actriz de reparto por dos comedias que no importan a nadie, mientras que Sylvester Stallone es el segundo actor en ganar el Razzie a la redención por Creed (el año pasado fue Ben Affleck). A ver cuánto tardan en quitárselo…. Por cierto, me parece muy de mamarrachos que nominen a Elizabeth Banks al premio a la redención por Dando la nota – Aún más alto en vez de por Love & Mercy, en la que estaba de Oscar.

Ya saben, que como cualquier premio que se precie, los Razzie tienen sus aciertos, sus injusticias y sus olvidos. El palmarés completo a continuación:

 

Peor película
50 sombras de Grey
Cuatro fantásticos
El destino de Júpiter
Pixels
Suerpoli en Las Vegas

Peor director
Sam Taylor-Johnson por Cincuenta sombras de Grey
Josh Trank por Cuatro Fantásticos
Andy & Lana Wachowski por El destino de Júpiter
Andy Fickman por Superpoli en Las Vegas
Tom Six por The Human Centipede III

Peor actor protagonista
Johnny Depp por Mortdecai
Jamie Dornan por Cincuenta sombras de Grey
Kevin James por Superpoli en Las Vegas
Adam Sandler por Pixels y Con la magia en los zapatos
Channing Tatum por El destino de Júpiter

Peor actriz protagonista
Katherine Heigl - Hogar no tan dulce hogar
Dakota Johnson - Cincuenta sombras de Grey 
Mila Kunis - El destino de Júpiter
Jennifer Lopez - Obsesión
Gwyneth Paltrow - Mortdecai

Peor actor de reparto
Chevy Chase por Jacuzzi al pasado 2  y Vacaciones
Josh Gad por Pixels y El gurú de las bodas
Kevin James por Pixels
Jason Lee por Alvin y las ardillas: Fiesta sobre ruedas
Eddie Redmayne por El destino de Júpiter

Peor actriz de reparto
Kaley Cuoco-Sweeting por Alvin y las ardillas: Fiesta sobre ruedas  y El gurú de las bodas
Rooney Mara por Pan
Michelle Monaghan por Pixels
Julianne Moore por El séptimo hijo
Amanda Seyfried por Pan y Navidades, ¿bien o en familia?

Peor combinación en pantalla
Miles Teller, Michael B. Jordan, Kate Mara y Jamie Bell por Cuatro Fantásticos
Johnny Depp y su bigote postizo por Mortdecai
Jamie Dornan y Dakota Johnson - Cincuenta sombras de Grey
Kevin James con su Segway y su bigote postizo por Superpoli en Las Vegas
Adam Sandler y cualquier par de zapatos por Con la magia en los zapatos

Peor guión
Cincuenta sombras de Grey
Cuatro Fantásticos
El destino de Júpiter
Pixels
Superpoli en Las Vegas Peor remake o secuela

Peor precuela, remake, plagio o secuela
Alvin y las ardillas: Fiesta sobre ruedas
Cuatro Fantásticos
Jacuzzi al pasado 2
The Human Centipede III
Superpoli en Las Vegas

Premio a la redención
Elizabeth Banks por Dando la nota 2 - Aún más alto
M. Night Shyamalan por La visita
Will Smith por La verdad duele
Sylvester Stallone por Creed