31/8/15

Estrellada al estrellato

The Comeback

Creador: Michael Patrick King, Lisa Kudrow
Int.: Lisa Kudrow, Robert Michael Morris, Laura Silverman, Lance Barber, Damian Young, Malin Akerman, Kellan Lutz, Robert Bagnell
Emisión: 2005; 2014, HBO
2 temporadas

En el año 2005, HBO emitió The Comeback, una serie creada por Michael Patrick King (Sexo en Nueva York) y Lisa Kudrow, en la que esta última encarnaba a una actriz en horas bajas llamada Valerie Cherish, famosa por una longeva sitcom de los 80, que acepta grabar un reality sobre su vida que recoja su gran regreso a la televisión en una nueva serie. El programa no causó gran revuelo más allá de la noticia de que Kudrow encarnase a una versión paródica de sí misma y fue cancelado, pese a la costumbre de HBO de conceder al menos una segunda oportunidad. Pronto la serie se convirtió en objeto de culto, hasta el punto de que nueve años después, la cadena decidió resucitarla para una segunda temporada. The Comeback’s comeback. El rizo rizado.

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Pero como dijo Jack el destripador, vayamos por partes. The Comeback surgió en un período en el que el formato del reality aún no se había convertido en lo que es hoy en día, en el que desde las mujeres ricas de, no sé, Philadelphia, hasta el clan Kardashian cuenta con un espacio en el que enseñar al mundo una versión manufacturada de su día a día. La gracia de The Comeback (bueno, una de tantas) es que vemos el material en bruto, sin pasar por la sala de montaje, de tal forma que presenciamos en primera persona lo que se esconde detrás del truco de magia: las tomas falsas, las repeticiones, el absurdo de los rodajes de las sitcom o los momentos embarazosos que Valerie no quiere que salgan de la sala de montaje, que no son precisamente pocos; ella, tan incrédula, confía en que está rodando un vehículo para su lucimiento, cuando todos sabemos que los realities están hechos para reírse de sus protagonistas.

Valerie intenta reafirmar su estatus de estrella televisiva y mantener la dignidad mientras las circunstancias la llevan por el camino contrario, y así, sin querer, termina enfrentándose a las convenciones de Hollywood acerca de las mujeres de más de cuarenta años, de la presión de los productores por incitar la polémica en su programa o a los menosprecios de uno de los guionistas de su nueva serie, todo ello sin perder los nervios, manteniendo la sonrisa en todo momento y haciendo malabares para que su marido no pierda la paciencia por la invasión de privacidad a la que se está sometiendo. El humor de The Comeback surge de la incomodidad y de la vergüenza ajena provocado por el entrañable patetismo de su heroína, encarnada por una Lisa Kudwow más icónica incluso que cuando saltó a la fama dando vida a la excéntrica Phoebe Buffay en Friends; con un par de episodios es suficiente para borrar de la mente a la autora de Smelly Cat y centrar la atención en esa actriz sureña pelirroja con muy poca idea de interpretación pero con un espíritu de supervivencia inquebrantable, como Kimmy Schmidt.

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Siempre que se resucitan series concluidas hace años o se sacan secuelas tardías de películas surge la misma pregunta: ¿Era necesario? La respuesta con The Comeback es un sí rotundo y absoluto. La segunda temporada se nutre de todos los cambios que se han producido en estos nueve años en la sociedad y la industria cultural más allá del ensanchamiento de la imagen, y mantiene su esencia recuperando a prácticamente todo el reparto, incluyendo cómo no, al inseparable peluquero, fan absoluto y escudero leal de Valerie, Mickey (Robert Michael Harris), un personaje impagable. Y para rematar, la trama da un giro tremendo que eleva al cuadrado la carga metatelevisiva de la propuesta, ofreciendo algo reconocible para los fans de la serie a la par de novedoso. ¿Lo malo? Que sólo dura ocho episodios. Al ser más concisa agradará a quienes se quejaron de que la primera temporada era repetitiva, pero nos dejará al resto con ganas de más.

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El regreso de The Comeback se ha saldado con una merecidísima nominación al Emmy a mejor actriz de comedia para Lisa Kudrow y unos datos de audiencia muy pobres que corroboran su condición de culto. Con todo, HBO ha dado luz verde a una tercera temporada, pero hay que esperar a que Michael Patrick King y Kudrow se sientan inspirados para ponerse manos a la obra. Yo, que he visto las dos temporadas del tirón, voy a echar de menos a Valerie, pero si vuelven dentro de cinco o diez años con una temporada tan genial como la última, la espera habrá merecido la pena. De todas formas, el último episodio tiene un cierre perfecto que bien podría ejercer de final de serie. Larga vida a Valerie Cherish.

27/8/15

Cartografía adolescente

Poster Ciudades de papel

Dir.: Jake Schreirer
Int.: Nat Wolff, Cara Delevingne, Austin Abrams, Justice Smith, Halston Sage, Jaz Sinclair, Cara Buono, Griffin Freeman
¿De qué va?: Quentin ha sido vecino de la enigmática Margo desde su tierna infancia, y aunque empezaron siendo amigos, se han distanciado con el tiempo. Acercándose el fin del instituto, Margo se cuela por la ventana del dormitorio de Quentin como en los viejos tiempos y le pide que le acompañe en una particular aventura.

Reseña: Al parecer, John Green se está convirtiendo en el escritor de literatura juvenil más exitoso de Estados Unidos. Sus libros lideran las listas de los más vendidos y su primera traslación al cine, Bajo la misma estrella, se saldó con una gran acogida de crítica y público. El segundo salto al cine de uno de sus relatos, Ciudades de papel, carece del poso trágico de la anterior película, y confirma que Green posee nociones acertadas acerca de la psique pubescente, y que el difunto John Hughes, padre del cine americano teen, no sólo sería fan de sus obras sino que probablemente se habría prestado a adaptar alguna de ellas para la gran pantalla.

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Con apariencia de romance juvenil entre chica rebelde y chico empollón, Ciudades de papel contiene una interesante reflexión sobre la construcción de la identidad durante la adolescencia y de cómo ésta puede diferir respecto a la imagen que proyectamos. El colegio, la familia y la sociedad dictamina que a los 17 años debes tener claro a qué te quieres dedicar, con la universidad como única vía para conseguirlo, cuando a esa edad es completamente normal y factible que no se tenga ni idea de lo que se quiere ser en la vida. Por supuesto que la película tiene esos elementos americanos tan ajenos a nosotros que hemos asimilado como algo normal a través del cine y la televisión, como puede ser el baile de fin de curso, pero los temas y dilemas planteados sobre el paso a la edad adulta son universales.

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La película está protagonizada por una pareja de novatos: Nat Wolff en su primer papel principal y Cara Delevingne, la última modelo en querer demostrar que tiene tablas para la actuación. Tanto él, empático en su obsesiva empresa por encontrar a su “Moby Dick” particular, como ella, de calculado magnetismo y rebeldía, superan la prueba con holgura, aunque el par de amigos de Quentin, encarnados por los jóvenes Austin Abrams y Justice Smith, les roban mucha atención; los dos van más allá de cumplir su doble función de escuderos del protagonista y alivio cómico, sin caer nunca en la caricatura, y acaban robando el corazón de la película al convertirla en un canto a la amistad juvenil antes que en el empalagoso romance que vaticinaba el primer acto.

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Una banda sonora repleta de temazos, como las de aquellos tiempos en los que se cuidaba el repertorio musical de las películas para vender CDs, ejerce de acompañamiento perfecto de esta aventura juvenil dirigida por Jake Schreirer con la misma sensibilidad de la que hizo gala en la película con la que se dio a conocer, la muy recomendable Un amigo para Frank. En aquella, un anciano encontraba en un robot el incentivo para levantarse por las mañanas y la compañía que necesitaba, mientras que en Ciudades de papel, un joven descubre a través de su vecina y de sus amigos que la vida no es tan cuadriculada como él creía, que a veces es necesario tomar riesgos y que incluso los momentos aburridos y difíciles pueden acabar convirtiéndose en recuerdos cargados de nostalgia de una etapa que ya ha quedado atrás.

7/10

26/8/15

Camino en construcción

Poster Love RosieEl principal problema que le encuentro al género de la comedia romántica es su esquema narrativo, tan sistematizado y encorsetado, que no deja cabida para las sorpresas. Por eso, valoro especialmente cuando una rom-com, aun cumpliendo a rajatabla las “normas” del género, presta atención al desarrollo de los personajes, para que vayan más allá del estereotipo y de los clichés fáciles, y que, a golpe de química y carisma, nos induzca el deseo de que la pareja protagonista acabe junta, lo cual es determinante para saber si una comedia romántica funciona o no.

Love Rosie

Los imprevistos del amor (Love, Rosie) se centra en la relación de ¿amistad? que mantienen Alex y Rosie a lo largo de varias décadas. Inseparables desde que se conocieron en el instituto, sus caminos se separan cuando Alex se marcha a Estados Unidos a estudiar derecho mientras que, cierto acontecimiento que es mejor no revelar, provoca que Rosie trastoque sus planes de futuro y decida quedarse en Dublín. La distancia, las responsabilidades y la relaciones de cada uno marcarán su amistad en los años venideros, impidiendo continuamente que se forje ese amor que hay entre ellos y que nunca termina de cuajar.  En la línea de Cuando Harry encontró a Sally, El amor es lo que tiene o Siempre el mismo día, la película dirigida por el alemán Christian Ditter explora la fina línea que separa la amistad del amor, al tiempo que reflexiona sobre las vueltas que da la vida, la frustración amorosa y los problemas de timing.

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Todas esas veces en las que dos personas se gustan y ninguno da un paso adelante por vergüenza, miedo al rechazo o a que nada vuelva a ser igual. Todas esas ocasiones en los que un simple gesto o una palabra habría alterado nuestras vidas por completo. Todos esos comienzos frustrados de algo que podría ser importante porque “no es buen momento”. La historia de amor entre Alex y Rosie funciona porque es verosímil e imprevisible (hasta cierto punto), asimismo porque la química entre Sam Claflin y Lily Collins funciona a la perfección, y esta última, gran protagonista de la película al estar contada bajo su punto de vista, realiza un trabajo tan digno y convincente como resulta la película en sí. Love, Rosie no aporta gran cosa al género ni posee ninguna escena especialmente memorable, pero se deja querer, sobre todo por su poder de identificación y empatía. Y es que a todos nos ha tocado ser Rosie alguna vez de nuestras vidas.

7/10

25/8/15

O.C: Cuenta conmigo (1986)

Poster Stand by me

¿De qué va?: En un pequeño pueblo de Oregón, cuatro adolescentes se lanzan a la aventura de buscar el cadáver de un muchacho desaparecido. Jugando a ser héroes, los cuatro amigos se adentran en un ambiente hostil en el que deberán aprender a valerse por sí mismos y que los cambiará para siempre.

Reputación: Cuenta conmigo está basada en un relato de Stephen King titulado The Body que forma parte de un libro de historias cortas del que también salieron las que sirvieron de inspiración para otras películas como Cadena perpetua (1994) y Verano de corrupción (1998). El cuento está inspirado en una experiencia del propio novelista, que con cuatro años perdió a un amigo que fue arrollado por un tren. Cuando su director, Rob Reiner, le enseñó la película a King, notó que éste estaba temblando y que no pronunciaba palabra alguna. King abandonó la sala, y a su vuelta le dijo a Reiner que era la mejor adaptación de su trabajo que había visto nunca. La relación entre ellos fue tan buena que el escritor sólo accedió a ceder los derechos cinematográficos de Misery si Reiner la dirigía. El filme costó 8 millones de dólares, recaudó 53 sólo en Estados Unidos, y fue nominado al Oscar a mejor guión adaptado. Los cuatro niños protagonistas continúan a día de hoy con sus carreras interpretativas, sobre todo en la televisión y en trabajos de doblaje, salvo River Phoenix, cuya carrera al estrellato se vio interrumpida cuando falleció de sobredosis en 1993.

Cuenta conmigo

Comentario: Cuenta conmigo puede verse como el reverso realista y dramático de Los Goonies, con la que coincidió prácticamente en el tiempo, además de compartir al actor Corey Feldman. Si los Goonies se lanzaron a una aventura en busca de un tesoro perdido, los chavales del filme de Reiner van al encuentro del cadáver de un chaval que se perdió por el a veces arduo camino de la adolescencia. Cada uno de los amigos tiene algún problema con el que lidiar, pero mientras uno huye de ellos y otro se refugia en su imaginación, los otros dos ya son plenamente conscientes de que lo que ocurra con ellos ahora determinará quiénes serán en el futuro, y no están dispuestos a que sus familias o el entorno sean los que lo determinen.  Cuenta conmigo tiene una banda sonora mítica, actores que clavan sus personajes, una historia que dignifica el cine juvenil y, sobre todo, un conseguido tono crepuscular y melancólico, muy agridulce, que la convierte en una de las mejores películas sobre el paso de la adolescencia a la madurez de la cinematografía mundial.

Próximo visionado: Cría cuervos (1975)

22/8/15

Sinergias devoradoras de mundos

Poster Cuatro fantasticos

Dir.: Josh Trank
Int.: Miles Teller, Kate Mara, Michael B. Jordan, Jamie Bell, Toby Kebbell, Reg E. Cathey, Tim Blake Nelson
¿De qué va?: Desde que era pequeño, Reed Richards ha estado obsesionado con inventar una máquina de teletransporte. Gracias a la beca ofrecida por la Fundación Baxter, Reed conseguirá hacer su sueño realidad, pero tras ser teletransportado a un mundo desconocido, tanto él como sus compañeros sufrirán un accidente que les conferirá poderes sobrehumanos…

Reseña: El reboot de la familia de superhéroes por excelencia ha llegado a los cines arrastrando el mayor buzz negativo que ha tenido un estreno en la última década. Desde que el anuncio del casting no contentara a los fans, se ha producido una cadena de meteduras de pata que ha terminado con el director renegando de su propia película y una recaudación en taquilla muy por debajo de lo esperado. Da la impresión de que lo único que quería Fox era relanzar la saga para no tener que devolver los derechos cinematográficos a Marvel, sin saber  con seguridad qué enfoque darle a la película, más allá de distanciarse del tono kitsch e infantil de las anteriores traslaciones al cine del cómic. Y así ha quedado el filme, como una demostración inigualable de la diferencia abismal que puede haber entre la visión de un director y la del estudio que pone la pasta.

Cuatro fantasticos

Gracias a la peluca falsa que le endosaron a Kate Mara para grabar las escenas adicionales resulta bastante sencillo reconocer qué escenas pertenecen a la versión del director y cuáles fueron añadidas por el estudio a posteriori. La primera hora de la película pertenece en gran medida a Josh Trank, siendo una suerte de apéndice del filme que le valió este encargo, Chronicle. Trank se toma su tiempo para sentar las bases de la historia y presentar a los personajes, unos chavales ambiciosos y solitarios que quieren demostrarle al mundo de lo que son capaces y que están a punto de adquirir un poder para el que no están preparados. Poco tiene que ver con la fuente original y quizás su ritmo es demasiado sosegado, pero es evidente que Trank ha hecho suyo el material, además de otorgarle atmósfera, contar con actores competentes y exponer el conflicto con claridad.

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Pero tras un salto temporal en la narración, la película da un giro de 180º y se convierte en otra cosa muy distinta: la trama se acelera, la banda sonora se vuelve más rimbombante, la asimilación de los poderes se pasa por alto, los conflictos se resuelven en dos líneas simplonas de guión, las relaciones entre los personajes evolucionan de forma brusca y la peluca rubia de Kate Mara se hace más omnipresente. La aparición del villano afianza el disparate en el que se ha convertido la película, pues se percibe como un pegote que está ahí porque sí, porque no puede haber una película de superhéroes sin el villano que quiere acabar con el planeta porque es malo malísimo, echando por tierra la presentación previa del personaje llevada a cabo por Toby Kebell. Y ya el colofón llega con el clímax, una rudimentaria escena de acción resuelta sin inventiva en dos minutos para acto seguido finiquitar la película, como si fuera el episodio piloto barato de un proyecto de serie.

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No es mala idea hacer una película de Los cuatro fantásticos antes de que se conviertan en lo que son, una familia, y dejar la historia de amor entre Reed y Sue, entre otros temas, para futuras secuelas. Lo que sí ha sido una terrible decisión por parte de Fox es dejar que Josh Trank hiciera su película para luego parchearla con el fin de que parezca más comercial. No sé si el montaje del director era una gran película, pero estoy seguro de que tenía un sentido y una coherencia de la que carece lo que ha llegado a los cines. Cuatro fantásticos es el desastre que tenía que llegar tarde o temprano como consecuencia de años de relaciones tirantes entre jóvenes talentos y con personalidad y las majors que los capturan para confiarles blockbusters que no se salgan del camino ‘mainstream’ asentado, y es una pena que la implosión se haya producido precisamente con esta película, porque tanto el cómic como la revisión que proponía Trank merecían algo mucho mejor que esta mala película de visionado obligatorio para entender cómo funciona Hollywood y lo que cree que nos gusta a nosotros como espectadores.

4’5/10

20/8/15

Mujer descocada y ebria busca

Poster Trainwreck

Dir.: Judd Apatow
Int.: Amy Schumer, Bill Hader, Brie Larson, Tilda Swinton, LeBron James, John Cena, Ezra Miller, Vanessa Mayer, Colin Quinn
¿De qué va?: Desde pequeña, Amy ha oído decir a su padre que la monogamia no es viable. La periodista vive siguiendo las creencias de su progenitor, sin atarse a nada ni nadie. Sin embargo, cuando descubre que se está enamorando del cirujano deportivo sobre el que está escribiendo un artículo, Amy deberá replantearse su estilo de vida.

Reseña: Principalmente conocido por inaugurar la comedia yanqui protagonizada por hombres con síndrome de Peter Pan, Judd Apatow también se está dedicando a respaldar nuevos talentos femeninos humorísticos; si empezó produciendo y colaborando en los guiones de Girls, la serie de Lena Dunham, ahora continúa dirigiendo la primera película escrita y protagonizada por Amy Schumer, quien ha alcanzado una gran notoriedad este año con su programa de sketches, Inside Amy Schummer, que lleva emitiéndose tres años en Comedy Central. Es la primera ocasión en la que Apatow firma una película que no parte de un guión propio, pero Y de repente tú (cursi traducción del original Trainwrek, que significa ‘Choque de trenes’) encaja perfectamente en su filmografía.

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La película bebe tanto de las experiencias personales de la propia Amy Schumer (incluso su personaje se llama igual) como del irreverente humor del que hace gala en su programa, donde hace chistes sobre su vagina y la sexualidad femenina sin cortarse un pelo, al tiempo que subvierte los roles masculinos y femeninos socialmente aceptados, conformando así una comedia romántica protagonizada por un hombre sin miedo a formar una familia y una mujer a la que le produce vértigo comprometerse en una relación, siendo ahora ella la que no está dispuesta a crecer. El filme pasa por todos los lugares comunes del género (el trabajo de ensueño, las citas de postal, el sobrino “adorable”…) burlándose de ellos, aunque según va acercándose el desenlace, la carga cínica va disminuyendo hasta concluir en un final menos transgresor de lo esperado.

Trainwreck

De la misma forma en la que Schumer intercambia los papeles que suelen desempeñar los hombres y las mujeres (esta vez son ellos los que enseñan carne), supone todo un hallazgo el revelar la inesperada vis cómica de un plantel de intérpretes y caras conocidas ajenas al género. Tanto el jugador de baloncesto LeBron James, como el luchador de wrestling metido a actor John Cena, así como una ‘fashionista’ Tilda Swinton resultan tremendamente divertidos, sobre todo esta última, sin desentonar en absoluto junto a comediantes curtidos en Saturday Night Live como Bill Hader y Vanessa Bayer, o junto a la propia Amy Schumer, que demuestra que tiene tablas como actriz más allá de su vena payasa. Y no hay que olvidar a Brie Larson, sumamente encantadora como hermana de Amy y de la que se echa en falta más tiempo en pantalla.

Trainwreck

Trainwreck es una comedia muy divertida, que contiene gags desternillantes y memorables, pero que al igual que todas las películas de Apatow se resiente por una duración exagerada, algo que se evidencia  más al empezar de forma inmejorable y concluir de forma un tanto convencional. Por otra parte, fuera de Estados Unidos le puede pasar factura el descuento cultural, pues muchos de sus chistes son referencias a personajes muy arraigados a la cultura yanqui que no son conocidos fuera de sus fronteras. Con todo, estamos ante la consagración de uno de los valores más en alza de la comedia americana, y todo apunta a que tendremos Amy Schumer para rato.

7/10

18/8/15

Melodía inacabada

Poster Song OneFranny es una joven que regresa a casa tras conocer que su hermano ha tenido un accidente y está en coma. Enfadada consigo misma por haberse distanciado de él en los últimos años, acude a uno de los conciertos del cantante favorito de su hermano, una especie de Bon Iver al que acaba conociendo y con el que inicia una relación afectiva. Esta es la premisa de La vida en una canción (Song One), drama musical que supone tanto el debut en largo de la cortometrajista Kate Barker-Froyland como el de Anne Hathaway, que también la protagoniza, en tareas de producción. Una película con sello Sundance que a priori recuerda a la irlandesa Once, pero que en comparación sale perdiendo por mucho.

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La cara nocturna de Nueva York, con sus clubes, garitos, rascacielos, luces, cafeterías, estaciones de metro y demás, es el escenario perfecto de este idilio romántico en el que la música juega un papel crucial, ya sea para establecer vínculos, sanar corazones rotos o albergar esperanzas de que todo saldrá bien. Anne Hathaway se muestra tan entregada como de costumbre, cómoda en ese papel que tan bien se le da de “soy una borde pero tengo mi corazoncito”; sin embargo, su partenaire, Johnny Flynn, por muy bien que cante, anda muy cortito de carisma, y se muestra incapaz de aportar al personaje misterio, atractivo o algo que haga que nos interesemos por él y por el devenir de la relación que mantiene con la protagonista.

Song ONe

La banda sonora es correcta pero tampoco motiva a recuperarla después de ver la película, siendo la canción más memorable una pequeña improvisación, Afraid of Heights, que además resulta ser la única ocasión en la que Hathaway canta en toda la película, toda una decepción.  En definitiva, Song One es una pequeña película que tal vez llegue al corazón melancólico de algún espectador amante del folk moderno, pero a la que le falta chicha y encanto para seducir a su público objetivo y destacar dentro del género indie-musical.

5/10

17/8/15

Se entiende la gente

Poster Hablar

Dir.: Joaquín Oristrell
Int.: Sergio Peris-Mencheta, María Botto, Raúl Arévalo, Antonio de la Torre, Marta Etura, Miguel Ángel Muñoz, Álex García, Secun de la Rosa
¿De qué va?: Conjunto de 20 historias que se entrecruzan en un trayecto de medio kilómetro, desde la madrileña plaza de Lavapiés hasta la Sala Mirador. Los personajes hablan, discuten, ríen, lloran, amenazan, gritan, susurran, roban, se citan, se enfadan y se abrazan, suscitando una reflexión sobre la comunicación y el poder de la palabra.

Reseña:Hablar constantemente no significa que nos estemos comunicando.” Una frase tan cierta, oída en ¡Olvídate de mí! (Eternal Sunshine of the Spotless Mind), parece la antítesis de la propuesta de Joaquín Oristrell, en la que durante unos escasos 75 minutos sus personajes no paran de hablar de lo que está en boca de todos los españoles desde hace unos años: de la corrupción, la infructuosa búsqueda de empleo, de los nuevos partidos políticos, del abuso de poder, de la pobreza… pero también del amor en tiempos de redes sociales y otros temas más ligeros, que a los españoles nos vale cualquier cosa para darle un rato a la lengua.

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Hablar está construida sobre un plano secuencia real y único, sin trucos de montaje, en el que las microhistorias van pasándose el foco de atención las unas a las otras, volviendo a aparecer los personajes más adelante ya sea para continuar con sus tramas, bien para intervenir en las de otros, o simplemente para ser avistados en segundo plano, continuando su camino. Es una película de la que se puede constatar el gran trabajo de preparación y ensayos que se esconde detrás y que bebe directamente del teatro; no por casualidad, parte de un proyecto de la escuela de interpretación de Cristina Rota. Todos sus actores, caras conocidas del cine, la televisión y el teatro, realizan generalmente un buen trabajo, con una alta carga de improvisación que aporta naturalidad a este entramado de historias cotidianas en el cada vez más cosmopolita barrio de Lavapiés.

Hablar

Sin embargo, no todas las historias están igual de conseguidas. Son las de carácter más reivindicativo las que se perciben más forzadas e inverosímiles, como la de la camarera filósofa a la que da vida Melanie Olivares, o el desenlace de la historia de la borracha del barrio, mientras que la más divertida del conjunto es precisamente la más trivial, la del adicto al porno que interpreta Miguel Ángel Silvestre. Su escasa duración enfatiza el carácter de curioso experimento que posee la película, una proeza técnica cuyo compromiso político y social está tan subrayado que no es todo lo grande que podía haber sido.

6/10

13/8/15

Segundas lecturas

Poster Gemma Bovery

Dir.: Anne Fontaine
Int.: Fabrice Luchini, Gemma Arterton, Jason Flemyng, Isabelle Candelier, Niels Schneider, Mel Raido, Elsa Zylberstein
¿De qué va?: Martin, un ex-parisino que lleva años instalado en una villa normanda trabajando como panadero, descubre que una pareja inglesa se acaba de trasladar a una casa cercana a la suya. Siendo un apasionado de la obra de Gustave Flaubert, Martin empieza a encontrar peligrosos paralelismos entre la protagonista de la novela Madame Bovary y su nueva vecina.

Reseña: La literatura tiene un poder evocador que el cine no podrá tener jamás, pues clama a la imaginación de cada uno al tiempo que se convierte en una experiencia única y personal que, y en esto sí que es como el cine, puede transmitir diferentes sensaciones cada vez que se revisita. Algo así le ocurre al protagonista de Primavera en Normandía (perezosa traducción del original Gemma Bovery), pues el buen hombre encuentra una vía de escape de su aburrida rutina al retomar uno de sus libros favoritos, Madame Bovary, cuando ve en su atractiva y nueva vecina la encarnación del trágico personaje creado por Flaubert a finales del siglo XIX y, para más inri, mientras residía en el noroeste de Francia.

Gemma Bovery

Aunque en un principio da la sensación de que nos encontramos ante la clásica historia de seducción y adulterio entre un señor maduro y una jovencita, tanto nosotros como su propio protagonista nos daremos pronto cuenta de que él es poco más que un convidado de piedra de esta relectura actualizada de Madame Bovary, que mantiene como heroína a una chica que se evade de un aburrido matrimonio a través de varios idilios románticos, así como cierta mirada crítica a la burguesía rural francesa, aunque en el caso del filme de Anne Fontaine, prima más el encanto que desprende la campiña francesa, las pequeñas villas o la gastronomía local, que las puyas a la pomposidad y la trivialidad de la vida de la clase acomodada, resultando más una comedia ligera con un toque irónico que una sátira con auténtico mordiente.

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La película saca el mejor partido tanto de los paisajes normandos como de su protagonista femenina, Gemma Arterton, que además de compartir el nombre con su personaje también fue la protagonista de otro salto al cine de una novela gráfica de Posy Simmonds, Tamara Drewe. Al igual que en aquella, Artenton deslumbra con su belleza, ahora más serena y sugerente, y conquista tanto a los personajes del relato como a los espectadores con su sonrisa, su marcado acento británico y lo encantadora que resulta cuando intenta hablar francés (imprescindible el visionado en versión original). Vamos, que la película parece hecha a medida para que nos enamoremos de ella, si no lo habíamos hecho ya. A su lado, Fabrice Luchini está muy gracioso como su admirador y guardián, y el resto de intérpretes también hace un buen trabajo dando la réplica a la gran protagonista.

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Primavera en Normandía (Gemma Bovary) es una comedia con la que no te reirás a carcajadas pero que se saborea como un buen vino. La película reúne una serie de atractivos elementos (la luminosa fotografía, Arterton, el humor francés, la fina ironía…) que sin llegar a alzarse como algo especialmente memorable sí que se convierte en un placentero visionado, de esos que son capaces de transmitir sus sabores y olores (la humedad, el pan recién horneado…), y que rinde homenaje a su referente literario sin limitarse a ejercer de simple remedo; y es que los grandes autores clásicos escribieron historias universales capaces de trascender el tiempo y el espacio.

7/10

11/8/15

La ingenuidad saca músculo

Unbreakable Kimmy Schmidt

Creador: Tina Fey, Robert Carlock
Int.: Ellie Kemper, Tituss Burgess, Jane Krakowski, Carol Kane, Lauren Adams, Sara Chase, Dylan Gelula, Ki Hong Lee
Emisión: 2015 – Actualidad, Netflix
1 temporada

30 Rock nunca fue un éxito de masas, pero fuimos muchos los que sentimos un vacío en nuestras vidas seriéfilas cuando terminó el programa con el que Tina Fey se erigió reina del humor nerd (lo de The Big Bang Theory hace mucho tiempo que pasó a ser ‘mainstream’). Era cuestión de tiempo que Fey pusiera en marcha otro proyecto televisivo, pero parecía que iba a tardar más de lo esperado cuando los dos pilotos que produjo no obtuvieron luz verde por parte de sus respectivas cadenas televisivas. Afortunadamente, llegó Netflix y rescató el segundo de ellos, y debió gustarles mucho, porque aseguraron la producción de dos temporadas desde el principio. Hablamos de Unbreakable Kimmy Schmidt.

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Esta serie, de título digno de la última ronda de un concurso de deletreo y cuya sintonía es tremendamente pegadiza, arranca cuando cuatro mujeres son rescatadas de un búnker en el que han pasado los últimos 15 años, retenidas por un fanático religioso que les hizo creer que eran las únicas supervivientes de un apocalipsis mundial. A todas ellas menos a Kimmy Schmidt, que siempre mantuvo la pequeña esperanza de que aún había vida en el exterior. Tras escapar del búnker, las conocidas como “mujeres topo” vuelven a sus antiguas vidas en su pequeña ciudad natal, salvo Kimmy, que decide lanzarse a la aventura de vivir en Nueva York. Claro que el mundo actual poco tiene que ver con el que ella conocía, pero con la ayuda de su compañero de piso, el muy gay y aspirante a actor Titus Andromedon, y de Jacqueline Voorhess, la excéntrica ricachona para la que empieza a trabajar, empezará a descubrir y a adaptarse al siglo XXI.

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La premisa argumental tiene todo lo necesario para que Tina Fey haga el humor que más le gusta, el que se hace a costa del absurdo de la cultura popular y de personajes que asumen la locura en sus vidas como algo perfectamente normal. Unbreakable Kimmy Schmidt no sólo hereda el mismo sentido del humor que 30 R0ck, también su hilo musical, la ciudad de Nueva York como telón de fondo e incluso a algunos de sus intérpretes en papeles muy similares: la pija neoyorkina a la que da vida Jane Krakowski no es tan memorable como la gran Jenna Maroney, pero es tan egoísta, superficial y lunática como ésta, y sigue siendo una fuente inagotable de carcajadas. No es ningún inconveniente que Unbreakable esté cortada por el mismo patrón que 30 Rock, al contrario, porque en ningún momento desprende la sensación de ser un simple remedo.

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Tampoco es que sea todo igual: si 30 Rock era una punzante sátira de la industria televisiva que se atrevía incluso a reírse de su propia cadena, Kimmy Schmidt lo es respecto a la sociedad cosmopolita, sobre la cual ironiza al contrastar el espíritu naif, cándido y optimista de su protagonista con la actitud cínica de todos aquellos que la rodean, al tiempo que erige a sus personajes principales como individuos que se convierten en luchadores de fuerza inquebrantable inspirados por las ganas de Kimmy de encontrar su lugar en el mundo. A Kimmy le da vida Ellie Kemper, conocida principalmente por ser la casta del grupo de amigas de Bridemaids. Su personaje puede llegar a ser insoportablemente entusiasta, pero ella le aporta un toque entrañable por el que resulta más llevadera. Sin embargo, le roba mucha atención su compi de piso, al que da vida un hilarante Titus Burgess en un papel hecho a su medida (de hecho, conserva su nombre en la serie). Sus andanzas, su pluma y sus réplicas son oro puro. Y cerrando el cuarteto central, la casera de Kimmy y Titus (Carol Kane), una señora que siempre sorprende con sus batallitas, generalmente relacionadas con drogas y asesinatos, y con sus prejuicios sobre cualquier cosa.

Kimmy

Curiosamente, tanto Krakowski como Burgess están nominados a los Emmy, pero Kemper, el alma máter de la serie, no lo está. No pasa nada, tenemos aseguradas nuevas aventuras de Kimmy Schmidt para el año que viene. Los 13 episodios que conforman la primera temporada se antojan escasos, pese a que los últimos, a pesar de contar con un par de cameos también nominados al Emmy, no están a la altura de los cinco primeros, que son sencillamente brillantes. No hay por qué preocuparse, siete temporadas de 30 Rock avalan el instinto natural de Tina Fey para la comedia, y esperemos que la energía de Kimmy llegue a durar, cuanto menos, lo mismo.

10/8/15

O.C: La prima Angélica (1973)

Poster La prima Angelica¿De qué va?: Tras varios años de ausencia, Luis vuelve a Segovia trayendo desde Barcelona los restos de su madre para inhumarlos en el panteón familiar. Allí pasaba los veranos, en casa de su tía Pilar y la prima Angélica. La guerra civil retuvo a Luis en Segovia, lejos de sus padres, y la convivencia con Angélica despertó sus primeros sentimientos amorosos. Luis evoca aquellos días cuando se reencuentra con su prima, ahora casada y con dos hijos.

Reputación: La idea inicial de la película surgió de una referencia explícita a la prima Angélica en el anterior trabajo de Carlos Saura, Ana y los lobos (1972). En un diálogo de la película, una anciana menciona a una tal Angélica que cuando era niña coqueteó con uno de sus hijos. A partir de esa alusión, Saura y Rafael Azcona escribieron un guión que está estructurado como un laberinto de recuerdos en los que el pasado se confunde con el presente, sustituyendo el recurrente flashback por mostrar un ayer que está siendo constantemente recapturado y vivido en el hoy. La idea surgió de una cita de Valle-Inclán: “Nada es como es, sino como se recuerda”. Saura se enfrentó al censor franquista al contar la historia de un niño de padres republicanos, debiendo modificar el guión hasta en tres ocasiones para conseguir su aprobación.

La prima Angelica

Su estreno ha sido uno de los más controvertidos de la historia de España, generando reacciones violentas durante las sesiones y protestas enfrente de los cines en los que se proyectaba. La película fue elegida para la programación del Festival de Cannes y durante la celebración de éste llegaron noticias de que dos jóvenes enmascarados habían robado dos bovinas de la cinta de una cabina de proyección en Madrid. Esta clase de notoriedad generó simpatías en La Croisette hacia Saura, al que le acabaron otorgando un galardón especial. Mientras el productor, Elías Querejeta, se negó rotundamente a eliminar las escenas más “escandalosas”, el cine Balmes de Barcelona, donde se proyectaba la película con bastante éxito, fue destruido en un atentado bomba en junio de 1974.  La distribución doméstica del filme se canceló y muchos cines del país se negaron a proyectarla por miedo a sufrir los ataques vividos en Madrid y Barcelona. Con todo, la película fue un éxito de taquilla, llegando a acumular ocho millones de pesetas hacia finales de 1975.

La prima Angelica2

Comentario: Mi prima Angélica es un complejo relato sobre un hombre que rememora su infancia visitando el pueblo donde pasó buena parte de ella. En su mirada hay una mezcla de añoranza, tristeza y de amarga melancolía, producto de las consecuencias de la guerra civil y su descubrimiento del amor a través de su prima, quien en la actualidad está casada y tiene una hija idéntica a ella cuando era niña. En ocasiones cuesta separar el presente del pasado puesto que José Luis López Vázquez encarna al protagonista, Luis, en ambas líneas temporales, así como la niña que da vida a Angélica de niña y a la hija de ésta. El actor está perfecto en una interpretación contenida que va a juego con la represión que sufre tanto él como su prima, cuyo marido es a imagen y semejanza del padre de ésta y de la España falangista. La historia se repite y los roles se heredan de una generación a otra en una España rota, gris y taciturna. La dirección de Saura no siempre brilla tanto como su guión, pero es una de las películas más valientes y necesarias de la producción nacional.

Próximo visionado: Cuenta conmigo (1986)

6/8/15

La chica que soñaba con marchitarse

Poster El secreto de Adaline
Dir.: Lee Toland Krieger
Int.: Blake Lively, Michiel Huisman, Harrison Ford, Ellen Burstyn, Kathy Baker, Amanda Crew, Lynda Boyd
¿De qué va?: Adaline Bowman, nacida a comienzos del siglo XX, dejó de envejecer a los 29 años tras un accidente de coche. Durante ocho décadas ha llevado una vida solitaria, alejada de todo aquel que pudiera descubrir su secreto. Sin embargo, un encuentro casual con el carismático filántropo Ellis Jones hará que se replantee su forma de vida.

Reseña: El extraño enlace entre melodrama romántico y ciencia ficción alcanzó su cénit hace seis años con El curioso caso de Benjamin Button, la historia de aquel muchacho que al envejecer a la inversa nos hizo reflexionar sobre el inexorable paso del tiempo y la bella fugacidad de los momentos que acaban conformando una vida entera. Ahora llega Adaline Bowman, prima hermana del señor Button, puesto que también sufre una extraña condición: la eterna juventud. Y todo gracias a una combinación de factores que no vamos a reiterar aquí por absurdo y porque tampoco se le da más importancia que la de ejercer de detonante de la trama.

Adaline

Con el tiempo, Adaline se ve obligada a separarse de su hija y a cambiar de identidad cada cierto tiempo para no llamar la atención, lo cual incluye no mantener ninguna relación afectiva íntima ni duradera. Pero el destino querrá que casi un siglo después de existencia lozana, Adaline comparta el ascensor con un caballero por el que, tal vez, valdría la pena abandonar su solitario modo de vida. La película se centra casi exclusivamente en el conflicto amoroso, relegando los otros aspectos derivados de la condición de Adaline a subtramas y anécdotas, como que su hija parezca en realidad su abuela. Obviamente, habría sido muy interesante que se hubieran explorado otras posibilidades, pero atendiendo a su naturaleza de cuento de hadas romántico de multisalas, resulta bastante eficiente y menos empalagoso que las películas salidas de la factoría de romances chuscos de Nicholas Sparks.

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Lo mejor de la película es, sin duda, comprobar cómo Blake Lively supera con nota su primer gran protagonista en el cine. Tras un par de años alejada de las cámaras, Lively encarna con contención, encanto y emotividad a Adaline (imaginen el despropósito si finalmente Katherine Heigl hubiera interpretado el papel), mientras que el director, Robert Toland Krieger, se encarga de que su belleza serena y atemporal reluzca en cada escena con la ayuda de un fondo de armario envidiable. La actriz también cuenta con la inestimable ayuda de Michiel Huisman, un auténtico príncipe azul encantador y un soplo de aire fresco al ser una cara nueva en el cine, de Harrison Ford en modo “abuelete entrañable” y una Ellen Burstyn tan estupenda como siempre que merecía una mayor presencia en la trama.

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Mi madre suele valorar las películas en base a si son bonitas o no. Pues bien, El secreto de Adaline es exactamente eso, un bonito melodrama romántico de cuidada factura, muy bien interpretado y… poco más. No es la versión femenina de El curioso caso de Benjamin Button ni pretende serlo. Su escasa ambición puede apreciarse en el modo en el que cierra la historia, buscando tanto la complacencia del público de la forma más obvia posible como la ratificación de su mensaje: una vida, por muy larga que sea, no puede vivirse con plenitud si no hay cabida para el amor en ella. Fin.

6/10

5/8/15

Un lugar donde sembrar

Poster Corn IslandUno de los muchísimos alicientes que ofrece el Séptimo Arte reside en brindarnos la oportunidad de descubrir nuevos mundos, no necesariamente imaginarios. La producción cinematográfica de otros países nos permite descubrir nuevas culturas, diferentes a la nuestra a primera vista, pero que en el fondo se rigen bajo los mismos valores fundamentales: el amor, la importancia vital de la familia o el instinto de supervivencia. Corn Island es una de esas pequeñas, minúsculas películas, que gracias a su exitoso paso por diferentes festivales del mundo consigue llegar a un público más amplio, dando a conocer un poco más sobre su país de origen, Georgia.

Cada primavera, en el río Enguri, frontera entre Georgia y la República de Absajia, dos países confrontados desde 1992, se forman pequeñas islas de tierra fecunda que son empleadas por los lugareños para plantar maíz. La película retrata todo el proceso que realiza un anciano granjero con la ayuda de su nieta para convertir una de esas pequeñas porciones de tierra en una plantación con la que poder ganarse la vida: la selección del lugar, la construcción de una cabaña, la plantación, la recogida de la cosecha… Con apenas cuatro o cinco escenas de diálogo en todo el filme, acompañamos al anciano a través de su modesta empresa al tiempo que ejerce de metáfora del ciclo de la vida y del planeta, empezando con la llegada del hombre a la tierra virgen, pasando por el aprovechamiento de los recursos naturales y terminando con su desaparición.

Corn Island2

Asimismo, la película también funciona como el paso a la madurez de la nieta del anciano, que pasa de niña a mujer no sólo desarrollando su feminidad y asimilando los peligros que ésta conlleva, sino aprendiendo y asimilando las lecciones que le da su abuelo para que tome el testigo cuando él ya no esté (la transmisión de valores y enseñanzas, otro valor universal). A pesar de los interesantes apuntes, Corn Island tiene ciertos problemas que van más allá de un carácter contemplativo que espantará a unos cuantos, y es que la elección de su director, George Ovashvili, por una narración elemental, desnuda y casi documental, acarrea que no se exploren en profundidad ciertos temas que quedan en el aire, no tanto sobre el conflicto bélico, amenaza latente en la sombra, como la relación entre el abuelo y su nieta o la dinámica que se forma cuando acogen a un inesperado huésped. Con todo, Corn Island es una película que merece un visionado (de quien tenga la suficiente paciencia), al menos por ver algo diferente de lo habitual y por admirar sus bellas imágenes, así como su impresionante y apocalíptico desenlace.

6’5/10

2/8/15

Itinerario de estrenos de agosto 2015

Estrenos_Agosto

No sé si será cosa mía o qué, pero creo que el nivel de estrenos veraniegos de este año es bastante flojo. Tal vez se deba a que no soy especialmente fan de los blockbusters que van a aterrizar en agosto, como la quinta entrega de Misión Imposible, pero no le encuentro mucha chicha a esta temporada estival, salvo por los cuatro estrenos que les traigo: dos películas de multisalas y dos algo más minoritarias. No obstante, es probable que se me escape algún estreno que valga la pena; tal vez Ciudades de papel, el debut en el cine de la modelo Cara Delevingne que parte de una novela de John Green (Bajo la misma estrella), u Operación U.N.C.L.E., el nuevo filme de Guy Ritchie basado en una serie de los 60, pero para ésta esperaré a ver qué dicen las críticas… En fin, disfruten de las vacaciones aquellos que puedan:

Y de repente tú (Trainwreck): La humorista de moda en Estados Unidos, Amy Schumer, da el salto al cine con una película escrita y protagonizada por ella, dejando la dirección en manos de Judd Apatow (Si fuera fácil). Schumer encarna a una mujer que ha sido educada para no practicar la monogamia, pero cuando descubre que se está enamorando del hombre al que le está dedicando un artículo, un encantador médico deportivo, empieza a replantearse sus creencias y su estilo de vida. Completan el cast Bill Hader (The Skeleton Twins), Tilda Swinton (Rompenieves), Brie Larson (El jugador), John Cena (12 trampas), Vanessa Bayer (Saturday Night Live) y Ezra Miller (Las ventajas de ser un marginado). Ha recibido muy buenas críticas en Estados Unidos, siendo definida como una de las mejores comedias del año.
Estreno: 14 de agosto


Cuatro fantásticos: Reboot de Los Cuatro Fantásticos llevado a cabo por Fox para mantener sus derechos cinematográficos sobre la familia de superhéroes de Marvel. La producción ha estado rodeada de polémica, desde el descontento de los fans por el reparto elegido hasta problemas derivados de la dirección de Josh Trank (Chronicle), quien al parecer ha tenido una actitud tan negativa en el rodaje que Fox no quiere volver a trabajar más con él (y tal vez tenga algo que ver con que ya no dirigirá un spin-off de la saga Star Wars). La película aún no se ha proyectado, así que veremos cómo ha quedado la cosa. Miles Teller (Insurgente), Kate Mara (Transcendence), Michael B. Jordan (Las novias de mis amigos) y Jamie Bell (Filth, el sucio) son los nuevos y rejuvenecidos Cuatro Fantásticos, mientras que Toby Kebbell (El origen del planeta de los simios) encarna al Doctor Doom.
Estreno: 21 de agosto


Lilting:
Drama británico escrito y dirigido por el debutante Hong Khaou sobre una mujer china que vive en un geriátrico de Londres y acaba de perder a su hijo en un accidente. El novio del fallecido intentará acercarse a ella pero hay barreras lingüísticas y culturales que los separan. Con la ayuda de una traductora, reconstruyen los recuerdos del hombre al que ambos amaron. Ben Whishaw (Teorema Zero), Cheng Pei Pei (Street Fighter: La leyenda), Andrew Le,ung (The List) y Peter Bowles (Punto de mira) protagonizan un conmovedor drama sobre la comunicación, el luto y la pérdida. Próximamente la reseña.
Estreno: 28 de agosto


ACTUALIZACIÓN: Primavera en Normandía se retrasa hasta el 27 de noviembre.

1/8/15

Actor del mes: Miles Teller

Miles Teller4
Nombre completo:
Miles Alexander Teller

Fecha de nacimiento: 20 de febrero de 1987

Lugar de nacimiento: Downington, Pennsylvania (EE.UU.)

Filmografía destacada:

Fantastic Four 2 (2017)
Allegiant: Part 1 (2016)
Arms and the Dudes (2016)
Bleed for This (2015)
Get a Job (2015)

Cuatro fantásticos (2015)
Insurgente (2015)
Whiplash (2014)
Two Night Stand (2014)
Divergente (2014)
Las novias de mis amigos (2014)
Noche de marcha (2013)
The Spectacular Now (2013)
Project X (2012)
Footloose (2011)
Rabbit Hole (2010)


Méritos:
Empezó en el cine con una madrina de excepción, Nicole Kidman, que lo escogió para un rol clave en Rabbit Hole tras presentarse al casting tembloroso y ruborizado, y todo porque a la australiana le pareció alguien real. Esa sensación de realismo ha propiciado que Miles Teller sea uno de los actores con mayor proyección del panorama cinematográfico actual. Teller no es el clásico macizo de Hollywood (en una crítica de una revista especializada se llega a decir que tiene tez bovina) pero a golpe de carisma y fuerza interpretativa se está abriendo paso hacia la primera línea de la industria. Ya intuimos lo que la Kidman vio antes que nadie en sus primeros trabajos, orientados a un público juvenil, entre los que destaca el tierno romance que mantuvo con Shailene Woodley en The Spectacular Now, pero con Whiplash llegó la consagración.

A pesar de que Teller quedó a la sombra de la lluvia de galardones que le cayó a J.K. Simmons, sería injusto obviar el tour de force que realiza el joven actor en el filme. Por suerte, su condición de “sexto nominado” le ha abierto nuevas puertas, como dar vida a un rejuvenecido Reed Richards en el reboot de Los Cuatro Fantásticos con el que Fox pretende iniciar una nueva saga con la que retener los derechos cinematográficos de la familia de superhéroes de Marvel. No obstante, su mejor baza llegará a finales de año con el estreno de Bleed This, en la que encarnará al boxeador Vinny Pazienzia, que tras sobrevivir a un accidente de coche que lo dejó inválido regresó al gimnasio con la determinación de volver a subirse al ring. Una historia que guarda cierto paralelismo con la vida del propio actor, que sufrió un accidente automovilístico que le dejó varias cicatrices en el cuello y la cara; marcas distintivas de un actor capacitado para llegar a la cima.

Cuatro fantasticos


Extras:

Tráiler de Cuatro fantásticos

Tráiler de Two Night Stand

Entrevista sobre Insurgente

Featurette de Whiplash

Gugu Mbatha-Raw & Miles Teller / 9 kisses / The New York Times