26/2/18

Aprendiendo a volar

LADY BIRD CARTEL ONLINE OT 105139.indd

Dir.: Greta Gerwig
Int.: Saoirse Ronan, Laurie Metcalf, Tracy Letts, Lucas Hedges, Timothée Chalamet, Beanie Feldstein, Stephen McKinley Henderson, Lois Smith
¿De qué va?: Sacramento, California, año 2002. Una joven que se hace llamar a sí misma Lady Bird se enfrenta a su último año de instituto mientras sueña con conseguir una plaza en la universidad, y poder empezar así una nueva vida lejos de los suburbios. Pero antes tendrá que aprender a relacionarse con su madre y sobrevivir a varias aventuras académicas y sentimentales con sus compañeros de clase.

Reseña: Una amiga tuvo pesadillas la noche después de ver Frances Ha (2012). La cómica historia de una treintañera que anda muy perdida en la vida, durmiendo en los sofás de sus amigos, fue para ella una experiencia más terrorífica que cualquier película de miedo típica. El responsable fue el inmenso poder de identificación desplegado por el director Noah Baumbach y su actriz principal, co-guionista y pareja, Greta Gerwig. Cinco años después, Gerwig vuela sola con Lady Bird, cuya protagonista podría ser una versión joven e inexperta de la alegre y desubicada Frances, cuando aún soñaba con abandonar su pequeña ciudad para empezar una vida de ensueño en Nueva York en el año 2002, en pleno terror y paranoia post 11-S.

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Todos aquellos que hemos crecido en ciudades y zonas periféricas sabemos lo que es sentirse limitado ante la escasez de oportunidades que sí ofrecen las grandes ciudades, y frustrarse ante la dificultad de dar con un billete de salida. Lady Bird es una adolescente que se considera atrapada por una madre que la atosiga, por el pueblo en el que reside y por la escuela católica en la que estudia, sintiéndose inferior ante sus compañeros de familias más opulentas. Está tan ofuscada en su miserable vida teen que es incapaz de percatarse del increíble esfuerzo económico que están realizando sus padres para garantizarle una educación, ni de que su madre rechaza la idea de que se vaya a estudiar lejos porque teme que su frágil relación se rompa del todo con la distancia. Lady Bird tiene un pavo tremendo y es una listilla caprichosa tan insoportable como lo fuimos la mayoría de nosotros en esa edad, y si no, que se lo pregunten a nuestros padres.

Lady Bird

Saoirse Ronan se revela como un maravilloso álter ego de Greta Gerwig. La actriz irlandesa muestra espontaneidad, gracia y autenticidad absolutas dando vida a Lady Bird en todas las facetas del viaje emocional que realiza en la película, creando un vínculo maternofilial robusto y veraz con Laurie Metcalf, que está fantástica dando vida a una madre cuyo amor, preocupación e irritación por su hija son fácilmente reconocibles por cualquiera que haya tenido una relación similar con su progenitora. También cabe destacar a un conmovedor Tracy Letts como el patriarca de la familia, y a dos de los actores jóvenes más prometedores del panorama actual, Lucas Hedges y Timothée Chalamet como los pretendientes de Lady Bird, aunque, al igual que pasaba en Frances Ha, la historia de amor que prevalece es la de la protagonista con su mejor amiga, encarnada con desparpajo por Beanie Feldstein. El trabajo de casting realizado para la película resulta impecable.

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Ante el aluvión de piropazos que ha recibido la película, es fácil pensar aquello de “no es para tanto” al finalizar la proyección. Porque Lady Bird no es un ‘coming-of-age’ revolucionario, sino más bien canónico, pero también está muy bien narrado, con sencillez, cariño, sabiduría e ingenio, sin forzar la ocurrencia de los diálogos. Lady Bird vive varias experiencias familiares, académicas y sociales que acaban derivando esencialmente en dos lecciones vitales: la importancia de gestionar la decepción y de rebajar las expectativas, ya sean amorosas o de cualquier otra índole, de la misma forma que se necesita encajar los golpes y los errores cometidos para sobrevivir al mundo que nos rodea, y el descubrimiento de la soledad inherente a la ansiada libertad, incitando a que se vean las cosas desde otra perspectiva, con un renovado afecto por aquello que antes nos aprisionaba, esa calidez del hogar y de lo familiar determinantes en la construcción de la persona que seremos el día de mañana.

8/10

25/2/18

Olvidados y felices

Poster The Florida Project


Dir.: Sean Baker
Int.: Brooklynn Prince, Bria Vinaite, Willem Dafoe, Christopher Rivera, Valeria Cotto, Aiden Malik, Mela Murder
¿De qué va?: Moonie es una niña de 6 años que vive en un motel de las afueras de Orlando, Florida, junto a su joven madre, una mujer soltera y a la deriva que se busca la vida al margen de la legalidad. Moonee se pasa el día jugando con sus amigos en este escenario donde el alcohol, las drogas y la prostitución son el telón de fondo.

Reseña: A grosso modo, hay dos formas de hacer cine social. Una es la vía fácil, exprimiendo el drama, la denuncia, haciéndonos sentir mal por ser espectadores privilegiados de las miserias ajenas. Películas así hay a montones cada año. La segunda forma, más complicada, consiste en evitar el estilo panfletario, los lugares comunes y la sensiblería fácil para articular algo más complejo y sutil, pero con una sólida capacidad empática y social. Sean Baker, al que muchos conocimos con Tangerine (2015) pese a tratarse de su sexta película como director, se postula a convertirse en una de las figuras más importantes del cine social  e independiente norteamericano del siglo XXI si continúa creando joyas como The Florida Project.

Florida Project

Ya hemos visto muchas películas de niños marginados viviendo en entornos deprimentes (Oliver Twist, Slumdog Millionaire, Precious…) pero ninguno contiene la alegría de la infancia que sí tiene el film de Baker. Nunca esconde el entorno ni las circunstancias miserables en las que se encuentran los chavales que protagonizan la historia, y si en algún momento lo hace es porque todo está observado desde el punto de vista infantil, lo que no impide que la mierda acabe por asomarse a la vista de los críos. La película muestra los juegos infantiles, las frases y conductas asimiladas por los niños de los adultos, la desesperación de tener que hacer cualquier cosa con tal de no quedarse en la calle o la camaradería nacida en los bajos fondos sin intenciones moralizantes, sin juzgar a los personajes, sin abusar de recursos estilísticos y visuales obvioa, y sin camuflar ni exagerar nada. Parece más fácil de lo que en realidad es, aunque a veces se torne un poco repetitiva.

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Baker ya hizo un ejercicio similar con las prostitutas trans de Tangerine, que también era una comedia divertidísima que no disimulaba el matiz patético y miserable de sus personajes, pero ha pasado del experimento de grabación con un IPhone a rodar una película sólida, con un notable trabajo fotográfico y de composición de planos. Se confirma su excelente ojo a la hora de escoger intérpretes desconocidos y no profesionales, pues tanto la pequeña Brooklynn Prince como su madre de la ficción, Bria Vinaite, son fuerzas de la naturaleza, tremendamente simpáticas y naturales, estableciendo entre ellas un vínculo emocional que resulta incuestionable. Prince no tiene nada que envidiar a todas esas niñas revelación que le han precedido y que han tenido (incomprensiblemente) mejor suerte y más atención en las entregas de premios. Willem Dafoe ha quedado como el aspecto más destacado para las asociaciones dedicadas a galardonar lo mejor de año, y si bien hace un trabajo estupendo como la que probablemente sea la persona más sensata y cabal de la historia, con una paciencia enorme, no es la pieza que merezca más reconocimiento del conjunto.

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The Florida Project es una película sobre la infancia divertida, grosera, agridulce, chabacana, y, ante todo, tierna. Porque es una oda a la inocencia de la niñez, a cuando las amistades eras sinceras, sencillas y tremendamente valiosas para sufrir las primeros golpes colaterales del mundo de los adultos, a aquella época en la que nos bastaba correr de un lado para otro y echarle imaginación para estar entretenidos, y a cuando el barrio en el que vivíamos era todo nuestro mundo, limitado, pero lleno de personajes, recovecos y misterios alucinantes. Nunca fuimos a Disneyland, ni falta que nos hizo.

8/10

22/2/18

Tambores africanos de vibranium

Poster Black Panther

Dir.: Ryan Coogler
Int.: Chadwick Boseman, Michel B. Jordan, Lupita Nyong’o, Danai Gurira, Letitia Wright, Angela Bassett, Forest Whitaker, Martin Freeman, Daniel Kaluuya, Andy Serkis
¿De qué va?: Tras ser detenido el asesino de su padre, T'Challa vuelve a casa, a la nación de Wakanda, aislada y muy avanzada tecnológicamente, para ser proclamado Rey. Pero la reaparición de un viejo enemigo pone a prueba el temple de T'Challa como Rey y Black Panther, ya que se ve arrastrado a un conflicto que pone en peligro todo el destino de Wakanda y del mundo.

Reseña: El estreno de la película de Wonder Woman el año pasado fue tan positivo como necesario. Por fin llegaba a la gran pantalla la superheroína por excelencia, adelantándose al subversivo movimiento feminista que iba a producirse en Hollywood meses después, y en una cinta que, sin revolucionar el esquema narrativo del género, sí que supuso un soplo de aire fresco al introducir una potente y estelar voz femenina, más admirada por su valor y tenacidad que por sus atributos físicos. El éxito que cosechó, sumado al que está consiguiendo ahora Black Panther, evidencia que el público no es tan conservador como la industria cree, y que demanda historias y personajes que difieran respecto a la tradición de que sea un hombre blanco y heterosexual el que salve siempre el mundo. DC se adelantó a Marvel estrenando la primera película de superhéroes femenina (culpa de ellos por no confiar en las capacidades de Viuda Negra) pero ésta se ha apuntado el tanto respecto al colectivo afroamericano.

Marvel Studios' BLACK PANTHER

Black Panther/T'Challa (Chadwick Boseman)

Ph: Film Frame

©Marvel Studios 2018

Black Panther ha pasado de ser la película Marvel de un superhéroe menor a convertirse en una de las producciones con una identidad más única y distintiva que ha producido la factoría, en buena parte gracias a las posibilidades que le ofrece Wakanda, ese utópico país tropical a través del cual se ha creado una llamativa imaginería visual que podríamos bautizar como“africano-futurista”. Ese look peculiar contrasta con el modelo monárquico por el que sigue rigiendo la nación, que da pie a una trama dinástica al más puro estilo El rey león; aquí nos encontramos con otro aspirante natural a rey que necesita encontrarse a sí mismo y resolver asuntos paternofiliales por la vía mística para poder convertirse en el líder que su pueblo necesita. La trama, el protagonista y las escenas de acción cumplen, pero los mayores alicientes del film de Ryan Coogler reside en otros apartados.

Marvel Studios' BLACK PANTHER..L to R: Okoye (Danai Gurira), Nakia (Lupita Nyong'o) and Ayo (Florence Kasumba)..Photo: Matt Kennedy..©Marvel Studios 2018

Empezamos por sus mujeres, porque Wakanda es un poco como una manada de leones: está gobernada por un macho dominante, pero el grupo no sería nada sin las hembras. Todas las mujeres de la película son aguerridas, fuertes, independientes y tienen un peso específico en la trama. Más allá de Angela Bassett, que es LA reina indiscutible, Danai Gurira está particularmente portentosa, y la joven Letitia Wright destaca por su frescura. Ellas son quienes cortan el bacalao, en contraste con Forest Whitaker, que aunque no haga gran cosa no podía faltar a la cita, y Daniel Kaluuya con un personaje demasiado desdibujado. Otro de los puntos fuertes del film es su vibrante apartado musical, tanto el instrumental, a cargo de Ludwig Goransson, como el repertorio de canciones hip-hop y r&b de Kendrick Lamar, aunque se escuchen poco durante la película.

Marvel Studios' BLACK PANTHER..L to R: Erik Killmonger (Michael B. Jordan) and T'Challa/Black Panther (Chadwick Boseman)..Photo: Matt Kennedy..©Marvel Studios 2018

Por último, Black Panther cuenta con un villano, encarnado por Michael B. Jordan, que plantea una cuestión social, política y racial, con respecto a a la necesidad o no de acciones violentas en respuesta a la opresión que ha sufrido la población afroamericana desde los tiempos de la esclavitud. Si bien la película se contradice un poco en cuanto al uso de la violencia, la inclusión de este debate tan actual es un movimiento astuto que evidencia a Wakanda como una metáfora del eterno problema de la escasa ayuda que ofrecen las potencias a los países subdesarrollados, y que desemboca asimismo en un discurso esperanzador y anti-Trump. En definitiva, hay bastantes cosas que celebrar en una película que demuestra tanto que la fórmula Marvel continúa siendo eficaz, como que el género de superhéroes debe pasar por la diversidad de género, etnias y culturas si quiere garantizar su supervivencia y obtener el impacto mediático que necesita.

7/10

20/2/18

O.C: Jennie (1948)

Poster Jennie¿De qué va?: Un pintor arruinado y abatido por haber perdido la inspiración conoce, un frío día de invierno, a una simpática chiquilla en Central Park. A partir de ese momento se suceden otros encuentros, con la particularidad de que en breves intervalos de tiempo la chica se va convirtiendo en una bellísima joven, de la cual el pintor se enamora.

Reputación: Adaptación cinematográfica de un relato de Robert Nathan dirigida por William Dieterle y auspiciada por el prestigioso productor David O. Selznick. Su intención inicial era hacer un “Boyhood”, contratando a una joven actriz para que encarnase a Jennie en diferentes edades, grabando porciones de la película cada cierto tiempo; incluso se pensó en Shirley Temple para ello, pero finalmente se descartó la idea por el riesgo y las complicaciones que acarreaba. Jennifer Jones fue la escogida para dar vida a Jennie, actriz envuelta en polémica por haber mantenido un romance con Selznick estando casada y con dos hijos. Un año después del estreno de la película, la pareja contrajo matrimonio, y su relación permitió que Jones obtuviese papeles relevantes en producciones de Selznick, lo cual le granjeó enemistades y mala prensa a la actriz, pese a haber ganado un Oscar en 1943 por La canción de Bernadette y de haber sido nominada en otras cuatro ocasiones. Tras la muerte de Selznick, Jones se retiró de la interpretación, trabajando de forma muy esporádica.

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El protagonista masculino, Joseph Cotten, ganó el premio a mejor actor del Festival de Venecia, mientras que el film ganó el Oscar a mejores efectos especiales y una candidatura a mejor fotografía, gracias al innovador trabajo de Joseph August al rodar los exteriores de Nueva York a través de un lienzo blanco, confiriendo a las imágenes una textura similar a la de una pintura. Lamentablemente, August murió antes de que se anunciasen las nominaciones a los Oscar. Tras un desastroso paso por la taquilla (agravado ante lo costosa que acabó resultando la producción), Portrait of Jennie fue reestrenada dos años después bajo el título de Tidal Wave, promocionada desde otro enfoque con el objetivo de atraer más audiencia, pero resultó ser un fracaso igualmente.

Jennie

Comentario: Esta es la historia de un pintor que encuentra a su musa en una chica con la que se topa esporádicamente a lo largo de los años, primero en Central Park siendo ella una niña vivaracha que lo saca a patinar sobre hielo (no me extrañaría que Ted Demme se haya fijado en esta película para el personaje de Natalie Portman en Beautiful Girls). No hay tiempo para connotaciones pederastas, porque en cada encuentro Jennie es más mayor de lo que debería dado el tiempo transcurrido desde la última vez, lo cual provocará que el pintor intente resolver el misterio que rodea a su amada al tiempo que trabaja en la que será la obra maestra de su carrera, un retrato que capta la belleza, la tristeza, la melancolía y todo aquello que hace especial a la joven. Jennie es un relato de corte romántico y fantástico adelantado a su tiempo, que habla sobre los mecanismos de la creatividad y del amor a través de una sobresaliente atmósfera fantasmagórica, y que nos enseña en última instancia que nadie desaparece del todo siempre que mantengamos su recuerdo vivo, algo que también debería ocurrir con esta reivindicable joya atemporal.

Próximo visionado: Tras el corazón verde (1984)

18/2/18

Quiero ser como Churchill

Poster El instante más oscuro

Dir.: Joe Wright
Int.: Gary Oldman, Kristin Scott Thomas, Ben Mendelsohn, Lily James, Stephen Dillane, Ronald Pickup, Samuel West, Nicholas Jones
¿De qué va?: Gran Bretaña, Segunda Guerra Mundial. Pocos días después de convertirse en Primer Ministro, Winston Churchill (Gary Oldman) debe tomar una difícil decisión. En pleno avance de las tropas nazis por toda Europa Occidental, cuando la amenaza de invasión es inminente, Churchill tendrá que elegir entre luchar contra Hitler o aceptar el acuerdo de paz que este le ofrece pactar.

Reseña: Por avatares de la industria cinematográfica, hay ocasiones en las que se estrenan películas sobre el mismo personaje o suceso con un escaso margen de tiempo entre ambas, lo cual suele perjudicar a la que llega más tarde. Que se lo digan a Toby Jones, cuya magnífica encarnación de Truman Capote en Historia de un crimen (2006) quedó totalmente eclipsada ante la oscarizada encarnación de Philip Seymour Hoffman. Por esto también el estreno de la versión de El libro de la selva de Andy Serkis se ha retrasado un par de años, marcando distancia con la exitosa adaptación de Disney. En el caso de los dos biopics de Winston Churchill del 2017, el primero en llegar, protagonizado por Brian Cox, no entusiasmó demasiado, dando alas a la visión de Joe Wright, que además se centra en el mismo momento de la vida del político que el otro film: su ascenso a Primer Ministro en plena crisis de la Segunda Guerra Mundial.

Darkest Hour

No parecía especialmente necesario una película sobre Churchill tras el excelente tratamiento que se hizo del personaje en la primera temporada de la imprescindible The Crown, pero película y serie se complementan al mostrar la primera el comienzo de su carrera como Primer Ministro y la segunda el final. A su vez, El instante más oscuro suplementa a Dunkerque al mostrar los entresijos políticos y las discusiones en los despachos que desembocaron en la Operación Dinamo que muestra aquella cinta. Pero si el film de Christopher Nolan era un ambicioso e innovador circo de tres pistas perfectamente engrasado, el de Wright es academicismo puro y duro, tan correcto como previsible en sus formas e intenciones. El director, felizmente recuperado de su escarceo con el mainstream más rancio (Peter Pan, 2015), vuelve a demostrar su brío tras la cámara, aunque ahora esté limitado a los espacios cerrados y lúgubres (bellamente iluminados, eso sí) en los que se desarrolla la historia, ciertamente entretenida y de marcado corte teatral, con una ajustada galería de personajes, aunque bien podría haberse reducido todo a un soliloquio de su protagonista.

Darkest Hour2

Porque la principal función de la cinta no es tanto la de ahondar en la psique de Churchill como la de conseguirle un Oscar a Gary Oldman, de la misma forma que La dama de hierro (2011) lo hizo por Meryl Streep, pero a través de un vehículo mucho menos telefilmesco que aquel. Y si aquella película nos sacaba los colores cuando intentaba humanizar de forma forzada a la Thatcher, aquí ocurre tres cuartos de lo mismo, sobre todo en una escena en la que Churchill interactúa con el pueblo llano al coger por primera vez el metro. Pero sí, El instante más oscuro expone muy bien el complicadísimo dilema al que se enfrentaba Churchill nada más tomar el poder, bajo una presión brutal, y llega en el momento perfecto para establecer paralelismos con el Brexit, y tiene a los estupendos Kristin Scott Thomas, Ben Mendelsohn y Lily James en papeles secundarios, pero todo está subordinado a Gary Oldman, quien consigue transmitir todo el particular carisma del político a través de los kilos de maquillaje en los que está enterrada su cara. Solo apuntaré que John Lithgow consiguió lo mismo sin resultar físicamente irreconocible y sin ínfulas aspiracionales, y que no deja de ser una vía demasiado facilona de ganar una estatuilla dorada para un actor tan polifacético como Oldman. Al menos, gozará de su merecida ovación en pie y abandonará la lista de grandes intérpretes que nunca han sido reconocidos por la Academia. Ojalá que el próximo sea Alec Baldwin con un biopic sobre Donald Trump.

6/10

15/2/18

La subversión de los inadaptados

Poster La forma del agua


Dir.: Guillermo del Toro
Int.: Sally Hawkins, Michael Shannon, Richard Jenkins, Octavia Spencer, Michael Stuhlbarg, Doug Jones, David Hewlett, Nick Searcy
¿De qué va?: Elisa es una empleada de limpieza muda que trabaja en un laboratorio secreto en plena Guerra Fría y que cuya vida cambiará para siempre cuando descubre en el lugar un hombre-pez único que es sometido a crueles experimentos. Elisa empieza entonces a sentir simpatía por ese extraño ser y se establece una fuerte conexión entre ambos.

Reseña: Los auténticos monstruos no son seres que se salen de la norma, sino aquellos individuos que precisamente se esconden dentro de la normalidad y la apariencia para sembrar el odio, la violencia y el miedo. Sobre esta teoría se basa prácticamente toda la filmografía de Guillermo del Toro, siendo El laberinto del fauno (2006) la película en la que mejor había encajado hasta ahora narrativa, contexto histórico e imaginario fantástico. Pero ahora llega La forma del agua como seria aspirante a convertirse en la obra cumbre del mexicano, una puesta al día de La cosa del pantano (1982) y una revisión del mito de La bella y la bestia con un siempre necesario mensaje de tolerancia.

Shape of Water3

Los placeres de La forma del agua residen en los detalles: la minuciosa puesta en escena, la ambientación sesentera, la pormenorizada fotografía, la banda sonora de cuento de Alexandre Desplat, la morfología del hombre-pez, o que pueda ser cándida y bonita sin resultar ingenua y boba, lo cual se refleja perfectamente al no encubrir la sexualidad de Elisa, la protagonista. No resulta tan placentero lo que está trazado con brocha gorda, como el villano, encarnado por, quién si no, Michael Shannon. Del Toro le da contexto y motivaciones, pero sigue siendo un malo malísimo que parece sacado de un clásico Disney. Pero tiene que estar, porque el personaje de Shannon representa a esa clase de malvado que ha permanecido en la sombra hasta ahora: el hombre blanco normativo que trata a las mujeres como seres inferiores y cuya solución para todos los problemas reside en apresar, atacar, colocar barreras e infundir terror.

Shape of Water

En el lado opuesto se encuentran los héroes anónimos de esta historia: una muda, un homosexual, una negra y un inmigrante ruso. Las etiquetas no son casuales. Del Toro coloca a una serie de marginados por la sociedad como valientes motores del cambio y de la lucha contra la opresión y la injusticia, otorgando asimismo a cada uno de ellos un poco de trama personal que enriquece al conjunto y beneficia la empatía con el espectador. Y si normalmente Octavia Spencer, Richard Jenkins y Michael Stuhlbarg son secundarios de lujo, contribuyendo siempre a que la película en la que participen sea mejor, aquí no van a ser menos y los tres están excepcionales en roles que parecen sencillos, aunque en realidad no lo sean; no todo el mundo tiene un don para hacer su trabajo con naturalidad, saber cuál es su función en un conjunto y ajustarse a ello. Mención aparte merece Sally Hawkins, en una interpretación libre de inhibiciones y honesta, que alterna dulzura y determinación con absoluta armonía y belleza, capaz de expresar un amplio abanico emociones sin pronunciar palabra alguna, al igual que su partenaire, Doug Jones, el hombre detrás de la criatura de la que se enamora Elisa.

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Si bien La forma del agua está llamada a convertirse en una película con un gran impacto cultural y social y en uno de los romances cinematográficos más destacados del siglo XXI, habrá que ver qué tal le sienta el paso del tiempo. Si bien al terminar la proyección uno sale irremediablemente conquistado por esta fábula y enamorado del amor, de la magia del celuloide, de las salas vacías de los cines de ciudad que sobreviven al streaming, del agua, de los monstruos que se dejan querer y de la solidaridad, no sé hasta qué punto puede perdurar esa sensación. Tengo la impresión de que el embrujo de la película se agota rápido, reduciéndose en el recuerdo a la etiqueta de “una película bonita”, pero ojalá que no sea así, porque no nos podemos permitir que películas como esta, que mezclan ciencia ficción, romance y defensa multicultural con tanto cariño, pasen fácilmente al olvido.

8/10

10/2/18

O.C: Érase una vez en América (1984)

Poster Once Upon a Time¿De qué va?: En el comienzo del siglo XX, David Aaronson, un pobre chaval judío, conoce en los suburbios de Manhattan a Max, otro joven de origen hebreo dispuesto a llegar lejos por cualquier método. Entre ellos nace una gran amistad y, con otros colegas, forman una banda que prospera rápidamente, llegando a convertirse, en tiempos de la Ley Seca, en unos importantes mafiosos.

Reputación: Última parte de la conocida como trilogía de América de Sergio Leone, precedida por Hasta que llegó su hora (1968) y ¡Agáchate, maldito! (1971). La idea para el film surgió a partir de la novela The Hoods de Harry Grey, pues a Leone le pareció fantástica que se tratase de la autobiografía de un gánster, y se obsesionó con conocer al autor. Durante un viaje a Nueva York para trabajar en el marketing de Hasta que llegó su hora, Leone por fin tuvo la oportunidad de conocer a Grey, y tras confirmar que este era Noodles, el protagonista de la novela, decidió llevar su historia al cine. Más de 15 años después, presentó la película en el Festival de Cannes. El proceso de creación del film no estuvo exento de problemas, como  dificultades para obtener financiación y los derechos del libro, cambio de productor a mitad de la preproducción, un guion trabajado hasta por siete guionistas o un arduo proceso de casting; curiosamente, antes de Robert De Niro, se le ofreció el papel principal a Jack Nicholson y Al Pacino, pero lo rechazaron al no querer hacer más papeles de gánster.

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Pero lo peor de todo fue que para el estreno americano, Ladd Company mutiló el montaje, pasando de 229 minutos a 144 y ordenando cronológicamente la historia, suprimiendo los flashbacks. El director recurrió a los tribunales pero no pudo impedir el estreno de la versión del estudio, que fue un rotundo fracaso en taquilla. El montaje aprobado por Leone se estrenó en Europa y en el Festival de Nueva York de 1984, pero el que él realizó de 270 minutos permanece inédito a día de hoy. Con esta película, Sergio Leone obtuvo por primera vez el reconocimiento más allá de Europa al ser nominado al Globo de Oro a mejor director, y también obtuvo 5 nominaciones a los BAFTA, ganando el de mejor vestuario y banda sonora original.

Once Upon a Time in America


Comentario: Qué pereza me dan las historias de gánsteres y traficantes, por muy de moda que estén ahora y por muchos clásicos merecedores de visionado que versen sobre ellos. Sin embargo, tolero Érase una vez en América y sus más de tres horas de metraje porque, en realidad, la profesión criminal de los protagonistas es solo una pieza más del mosaico que supone el film, en el que se habla de la amistad, de arrepentimientos, de la nostalgia, de almas corrompidas, ajustes de cuentas, remordimientos, el paso del tiempo y de la perversión del sueño americano. Es grandilocuente, sí, pero tiene numerosos alicientes por los que se lo puede permitir; entre ellos la dirección artística y la banda sonora de Ennio Morricone, ambas magníficas, así como el descubrimiento de una jovencísima Jennifer Connelly en el único personaje femenino de peso en una historia que, como otras tantas películas del género, reduce a las mujeres a objeto de deseo y trofeo masculino. Porque aquí lo primordial es la camaradería entre hombres, pero también lo frágil que puede llegar a ser esta cuando factores como el dinero, el poder o las susodichas mujeres entran en la ecuación, aunque siempre quede el recuerdo de aquella época de la niñez en la que todo era mucho más honesto y sencillo.

Próximo visionado: Jennie (1948)

9/2/18

Dependencias

Poster El hilo invisible


Dir.: Paul Thomas Anderson
Int.: Daniel Dany-Lewis, Lesley Manville, Vicky Krieps
¿De qué va?: En el Londres de los años 50, el modista Reynolds Woodcock y su hermana Cyril son el centro de la moda británica con más glamour. Las mujeres pasan por la vida de Reynolds sin dejar huella, hasta que conoce a una camarera, la joven y temperamental Alma, que acabará convirtiéndose en su musa y amante. Sin embargo, la perfectamente estructurada vida de Reynolds se verá alterada por la llegada de Alma, y eso es algo que el modista no había contemplado.

Reseña: Esto que voy a decir puede ir en contra del dictamen cinéfilo, pero me da igual: me gustaba más el Paul Thomas Anderson de los 90, el de Boogie Nights (1997) y Magnolia (1999), que el de Pozos de ambición (2007) y The Master (2012). Aquellas frenéticas y excesivas películas de sus comienzos despertaban muchas más sensaciones en mí que sus trabajos de madurez, que pueden estar mejor filmados y escritos pero me producen más frío que calor. Su último film, El hilo invisible, continúa la senda gélida de su cine, tras la excepción de la psicotrópica, pero también un pelín desangelada, Puro vicio (2014), aunque es probable que nos encontremos ante la mejor conjunción entre el refinamiento formal del Anderson maduro y la locura argumental del joven… Aunque pensándolo bien, ninguno de los personajes de su filmografía podría considerase normal o mundano.

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La primera mitad de El hilo invisible se desarrolla siguiendo los cánones del romance gótico: Reynolds, un caballero solitario y huraño, se queda prendado de Alma, una humilde plebeya, y decide llevarla a su mansión, donde la convertirá en su musa y amante. La chica queda deslumbrada ante el mundo de alta costura en la que le introduce su enamorado, pero pronto empezará a percatarse de que de ella se espera un determinado comportamiento dócil que no está dispuesta a asumir. Aquí es donde Anderson introduce el primer giro moderno a la premisa clásica de la que ha partido, la insumisión de la “chica florero” desde el primer momento. Reynolds es un señor con un cúmulo de manías y supersticiones, como todos cuando nos vamos haciendo mayores, y no está dispuesto a ceder ante ellos con la llegada de Alma. ¿Por qué debería hacerlo si jamás lo hizo con todas las que estuvieron antes que ella? El modista deja mensajes ocultos entre las costuras de los vestidos que confecciona, intentando dejar algo imperceptible de él en esas mujeres que viste, pero no acepta bajo ningún concepto que nadie haga lo mismo con él, aquejado de una relación truncada con su madre que nunca ha logrado superar.

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Cuando parece que la relación entre Reynolds y Alma no da más de sí,  Anderson revitaliza la narración con otro giro que parte del rechazo de ella a correr el mismo destino que sus predecesoras, mutando la dependencia entre el artista y su musa a la aún más compleja que se establece en una relación romántica, plateando cuestiones sobre la naturaleza del amor, cómo se genera y qué función desempeña en la vida de una pareja. Anderson expone que la alquimia del amor sigue siendo algo inexplicable, que puede producirse de las formas más inesperadas e incomprensibles, pero retorcidamente eficaces. Es fácil rememorar Rebeca (1940), por esos intentos de la recién llegada de introducirse en una casa y un mundo que le son completamente ajenos, pero sobre todo por la presencia de la hermana de Reynolds (magnífica Lesley Manville) que actúa como ama de llaves de su torturada alma, siendo la única capaz de no sentirse acomplejada o inhibida frente a él hasta la irrupción de Alma. Con todo, también me recuerda bastante a Secretary (2002) a la hora de explorar dinámicas poco convencionales en una relación.

Phantom Thread1

Daniel Day-Lewis se despide (¿definitivamente?) del cine con una interpretación antipática y arrogante que le viene como anillo al dedo, aunque cuando más destaca es en los momentos en los que exterioriza la vulnerabilidad de su personaje, así como aquellos en los que expresa amor y felicidad frente a una actriz desconocida, Vicky Krieps, que aparece en la historia de forma apocopada y torpe para a continuación ganar presencia y protagonismo de forma gradual, comiéndole la tostada (con mantequilla) a su reputado ‘partenaire’. El hilo invisible está bellamente filmada y fotografiada, como cabía esperar de Paul Thomas Anderson, además de estar acompañada por una banda sonora de Jony Greenwood y una dirección de vestuario cautivadoras, pero lo que de verdad convierte esta película en un inesperado placer son las numerosas capas y lecturas que posee una historia que a priori parecía aburrida y sosita. En absoluto. Anderson ya ha dejado atrás el nervio narrativo de sus primeras obras, pero ha llegado a un punto en el que es capaz de combinar clasicismo con modernidad y dar lugar una obra superior a la suma de ambas partes.

8/10


5/2/18

Prensa sin mordaza

Poster The Post


Dir.: Steven Spielberg
Int.: Meryl Streep, Tom Hanks, Sarah Paulson, Bob Odenkirk, Tracy Letts, Bruce Greenwood, Matthew Rhys, Alison Brie, Carrie Coon, Jesse Plemons
¿De qué va?: En junio de 1971, la primera mujer editora del Washington Post, Katherine Graham, y el director Ben Bradlee tuvieron que tomar la complicada decisión de si publicar o no los documentos filtrados que revelaban que la Casa Blanca había estado mintiendo a los americanos sobre la Guerra de Vietnam durante varios años, con amenaza de pena de cárcel por parte de la Administración Nixon.

Reseña: Steven Spielberg es especialmente venerado por ser uno de los directores clave en la formulación del cine norteamericano comercial de los años 70 en adelante, pero también tiene una faceta política y comprometida importante que es la que, al fin y al cabo, le ha granjeado el respeto y la admiración de la Academia de Cine sin cortapisas, porque por muy icónicas que sean Tiburón  (1975), E.T. El extraterrestre (1982) o la trilogía de Indiana Jones, la película que lo consagró de forma definitiva fue La lista de Schindler (1993). Aún con todo, decir que el cine “liviano” de Spielberg está libre de carga política y social resulta absurdo, pero el caso es que, en lo que se realizaba la costosa posproducción de su próximo blockbuster, Ready Player One, el director sacó tiempo para rodar otra película totalmente diferente que incluso ha llegado a estrenarse antes.

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¿Y por qué las prisas? Pues porque Spielberg, que no tiene ni un pelo de tonto (y seguramente ni de republicano), ha visto que hay un más que evidente paralelismo entre la guerra que se libró entre el presidente Nixon y la prensa americana en los albores del caso Watergate con la que se está librando ahora entre Trump y los medios, a quienes el primero llegó a definir como “el enemigo del pueblo americano”. Así pues, Los archivos del Pentágono es exactamente lo que se espera de ella: una película narrada con maestría en la que se ensalza el poder y la importancia de la prensa libre. Un poco lo mismo que contaba Spotlight hace un par de años pero centrándose más en quiénes que en el qué. Si en la oscarizada película periodística los reporteros eran prácticamente trabajadores anónimos al servicio de una investigación pormenorizada, en el film de Spielberg se cargan las tintas en el heroísmo de aquellos individuos que se enfrentan a las esferas de poder por la defensa de unos valores que se olvidan cuando entran en juego factores externos pero decisivos, como la rentabilidad del negocio, los intereses políticos o la presión judicial.

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Spielberg no sólo aprovecha la ocasión para dar un paso al frente contra la administración Trump, sino también para rodar la que seguramente sea la película con la presencia y voz femenina más potente de una filmografía en la que escasean las mujeres protagonistas. Porque la decisión de publicar o no la información de los documentos filtrados acaba dependiendo de una señora que hasta entonces había intentado en vano imponerse en un negocio conducido íntegramente por hombres, reconocida por ser una excelente anfitriona de fiestas pero minusvalorada al considerar que su trabajo de editora le viene grande y le ha tocado simplemente por una cuestión de herencia. Alabar a esta alturas la labor de Meryl Streep ya resulta algo rutinario, pero hay que hacerlo, porque la última vez que estuvo tan bien fue en La duda, y de eso ya ha pasado una década; tal vez tenga algo que ver también que los directores con los que ha trabajado durante estos años no están a la altura de Spielberg, ni mucho menos. Streep brilla, sobre todo cuando su personaje se debate entre hacer un salto de fe o no, y forma una dupla fantástica con Tom Hanks, cuya ausencia en las nominaciones a los Oscar resulta verdaderamente inexplicable. La película también sale reforzada de un amplio elenco de secundarios, la mayoría de lo mejorcito que nos podemos encontrar en el panorama televisivo actual: Sarah Paulson, Carrie Coon, Matthew Rhys, Alison Brie, Bob Odenkirk, Jesse Plemons… Aunque todos sean roles de apoyo, da gusto verlos en una producción de esta envergadura.

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Los archivos del Pentágono se toma su tiempo en asentar el contexto, el conflicto y el posicionamiento de cada personaje principal, pero una vez están colocadas todas las piezas en el tablero, la película toma al fin el vuelo y alcanza esas cotas épicas que solo Spielberg es capaz de lograr. Algunos aspectos chirrían, como esas apariciones guiñolescas de Nixon al teléfono, o lo poco destacable que resulta la película a nivel técnico y visual más allá del don que tiene su director para colocar la cámara en el ángulo exacto para enfatizar la narración, pero esto es, al fin y al cabo, cine adulto con dos dedos de frente y de regusto clásico, aquel que alimenta el espíritu progresista y defiende a capa y espada sus ideales por muy anticuados o ingenuos que parezcan. Quedémonos con eso y no con esa triste verdad de que la historia siempre se repite, al demostrarse la torpeza que tienen los norteamericanos a la hora de elegir a sus líderes.

8/10

2/2/18

Itinerario de estrenos de febrero 2018

Estrenos_Febrero


Cavernícola (Early Man): Nueva producción del estudio de animación de plastilina Aardman (La oveja Shaun, Wallace & Gromit), que cuenta la historia de Dug, que debe salvar a su tribu de la llegada del malvado Lord Nooth y su ciudad de la Edad de Bronce. De paso, Dug inventará el fútbol en el proceso, y sin darse cuenta de cómo. La versión original del film cuenta con las voces de Tom Hiddleston (Thor: Ragnarok), Maisie Williams (Juego de tronos) y de Eddie Redmayne (Animales fantásticos y dónde encontrarlos). Como es habitual con las películas de estudio, ha obtenido buenas valoraciones.
Estreno: 2 de febrero



El hilo invisible: En el reciente anuncio de las nominaciones a los Oscar, Paul Thomas Anderson (Puro vicio) dio la campanada al obtener seis candidaturas por su nuevo trabajo, protagonizado por un Daniel Day-Lewis (Lincoln) que se retira del mundo de la interpretación, siento ésta su (supuesta) última película. Vicky Krieps (El joven Karl Marx) y Lesley Manville (Mr. Turner) secundan al actor en este relato ambientado en el Londres de la posguerra de 1950, centrado en un famoso modista que convierte a una humilde camarera en su musa y amante, alterando irremediablemente su calculada vida. Mejor película, director, actor protagonista, actriz de reparto, banda sonora, y vestuario son las categorías en las que aspira a ganar estatuillas doradas. Las criticas han sido, cómo no, excelentes.
Estreno: 2 de febrero



The Florida Project: Nuevo film del cineasta independiente Sean Baker (Tangerine) centrado en una niña de 6 años y en sus amigos, quienes pasan un verano en un pequeño motel muy próximo a Disneyworld, mientras sus padres y el resto de adultos que les rodean sufren aún los efectos de la crisis. Willem Dafoe (Asesinato en el Orient Express) podría ganar el Oscar a mejor actor de reparto por su interpretación en esta película, que ha obtenido críticas estupendas y diferentes menciones desde su triunfal presentación en el último Festival de Cannes.
Estreno: 2 de febrero


La forma del agua: El último trabajo de Guillermo del Toro (La cumbre escarlata) ha ganado el León de Oro en el Festival de Venecia, los Globos de Oro a mejor director y mejor banda sonora, el premio a mejor película del Sindicato de Productores y es la película más nominada a los Oscar de este año con 13 nominaciones. Cuenta la historia de Elisa, una joven muda que trabaja como limpiadora en un laboratorio en 1963, en plena Guerra Fría, y que establecerá un vínculo especial con el hombre anfibio que se encuentra ahí recluido. Sally Hawkins (Paddington 2), Michael Shannon (Animales nocturnos), Richard Jenkins (Kong: La Isla Calavera), Octavia Spencer (Figuras ocultas) y Michael Stuhlbarg (Call Me By Your Name) conforman el reparto de esta hermosa, honesta y progresita revisión del mito de La Bella y La Bestia. En breve, reseña.
Estreno: 16 de febrero



Black Panther: Tras presentarse en sociedad en Capitán América: Civil War, el superhéroe africano de Marvel protagoniza su aventura en solitario, ambientada en su nación, Wakanda, donde su proclamación como rey se verá amenazada por la reaparición de un viejo enemigo. Chadwick Boseman encarna al protagonista, secundado por Lupita Nyong’o (La reina de Katwe), Michael B. Jordan (Creed), Danai Gurira (The Walking Dead), Angela Bassett (American Horror Story: Roanoke), Forest Whitaker (Rogue One: Una historia de Star Wars), Andy Serkis (La guerra del planeta de los simios) y Martin Freeman (Sherlock). Las primeras reacciones han sido entusiastas, algo que ya va siendo habitual con cada estreno de la casa Marvel.
Estreno: 16 de febrero




Yo, Tonya: Biopic centrado en la controvertida figura de Tonya Harding, la primera mujer estadounidense en completar un salto triple axel en competición de patinaje sobre hielo, en 1991. Pero su éxito profesional no tenía nada que ver con su turbulenta vida personal, marcada por una autoritaria y severa matriarca y un marido violento. Margot Robbie (Escuadrón suicida) protagoniza y produce este film dirigido por Craig Gillespie (La hora decisiva) y con Sebastian Stan (La suerte de los Logan) Allison Janney (Mom) y Julianne Nicholson (Agosto) completando el elenco principal. Está nominada a tres Oscars, mejor actriz protagonista, de reparto y montaje, siendo su mejor baza el segundo, puesto que Janney ya ha ganado el Globo de Oro, el Chritics Choice y el SAG. La película también ha obtenido críticas notables.
Estreno: 23 de febrero



Lady Bird: Ópera prima de la actriz y guionista Greta Gerwig (Mistress America), que se estrena con una historia de tintes autobiográficos centrada en una adolescente que se hace llamar Lady Bird, residente en California y que sueña con mudarse a Nueva York, desarrollar sus inclinaciones artísticas y encontrar su propio camino fuera de la sombra de su protectora madre. Saoirse Ronan (Brooklyn) protagoniza esta comedia dramática, secundada por Laurie Metcalt (The Big Bang Theory), Lucas Hedges (Tres anuncios a las afueras), Timothée Chalamet (Call Me By Your Name) y Tracy Letts (Los archivos del Pentágono). Ha sido una de las películas americanas con mejores críticas del año, ganó el Globo de Oro a mejor comedia y mejor actriz y está nominada a 5 Oscars: mejor película, directora, actriz protagonista y de reparto y guion original. Por cierto que Gerwig se ha convertido en la quinta mujer nominada a mejor dirección en la historia de los premios de la Academia.
Estreno: 23 de febrero



Todo el dinero del mundo: Película que se ha hecho famosa por haberse rodado escenas adicionales a pocas semanas de su estreno para reemplazar al caído en desgracia Kevin Spacey por Christopher Plummer (El último beso del káiser), el cual de paso se ha llevado una nominación al Globo de Oro y al Oscar a mejor actor de reparto por su labor. Al margen de la anécdota, se trata de un film de Ridley Scott (Alien: Covenant) protagonizado por Mark Wahlberg (Dos padres por desigual) y Michelle Williams (El gran showman) que recrea el secuestro en 1973 de John Paul Getty III, así como los desesperados esfuerzos de su madre por conseguir que el abuelo del joven, el magnate del petróleo John Paul Getty Sr, considerado uno de los hombres más ricos del mundo, pagase el rescate. A pesar de las polémicas (también se filtró que Williams recibió una insignificante suma de dinero por rodar las escena adicionales, todo lo contrario a Wahlberg) ha obtenido muy buenas críticas.
Estreno: 23 de febrero

1/2/18

Actriz del mes: Saoirse Ronan

Saoirse Ronan2


Nombre completo: Saoirse Una Ronan

Fecha de nacimiento: 12 de abril de 1994

Lugar de nacimiento: The Bronx, New York City (EE.UU.)

Filmografía destacada:

Sweetness in the Belly (2019)
Mary Queen of Scots (2018)
The Seagull (2018)
On Chesil Beach (2017)

Lady Bird (2017)
Loving Vincent (sólo voz) (2017)
Brooklyn (2015)
Stockholm, Pennsylvania (2015)
Lost River (2014)
El gran hotel Budapest (2014)
Mi vida ahora (2013)
La huésped (2013)
Byzantium (2012)
Violet & Daisy (2011)
Hanna (2011)
Camino a la libertad (2010)
The Lovely Bones (2009)
City of Ember (2008)
El último gran mago (2007)
Expiación (2007)
El novio de mi madre (2007)


Méritos: Si eres aficionado a los talk-shows americanos puede que experimentes un déjà vu sobre algo que crees haber vivido hace un par de años: ver a Saoirse Ronan recorriéndose los platós en plena campaña de los Oscar enseñando al presentador de turno cómo se pronuncia su nombre de origen irlandés. A ella no parece importarle demasiado repetirlo uno y otra vez, y por qué debería, si a sus 23 añitos aspira por tercera vez a ganar el preciado Oscar. La primera nominación  la consiguió hace una década, cuando la descubrimos como la celosa y prejuiciosa hermana pequeña de Keira Knightley en Expiación, papel a partir del cual empezó a labrarse una carrera cinematográfica entre Reino Unido y Hollywood sin prisa pero sin pausa. Obviando sus pinitos en el cine adolescente más olvidable (La huésped, Mi vida ahora), Ronan se ha labrado un sólido prestigio como actriz gracias a títulos como El gran hotel Budapest o Brooklyn, que además han contribuido a que algunos la consideran la sucesora natural de la mismísima Meryl Streep.

Tras ganar el Globo de Oro a la mejor actriz de comedia, Saoirse está más cerca que nunca de ganar la estatuilla dorada por Lady Bird, en la que encarna a un álter ego adolescente de Greta Gerwig en su aclamadísima ópera prima. Y si al final se cumplen la mayoría de los presagios y se lleva el Oscar Frances McDormand tampoco pasa nada, porque resulta evidente que la joven actriz tendrá muchísimas más oportunidades de llevárselo en el futuro. Quién sabe, tal vez sea el año que viene, dados los jugosos proyectos que estrenará en los próximos meses: On Chesil Beach, adaptación al cine de una novela del mismo autor de Expiación, Ian McEwan, una versión cinematográfica de la obra de Anton Chekhov, The Seagull, y Mary Queen of Scots, en la que dará vida a la prima de la reina Isabel I, María Estuardo. Esperemos que para la próxima campaña de los Oscar en la que participe, ya todos sepan pronunciar su nombre y no tenga que explicarlo más. Por cierto, se pronuncia ‘sirsha’… ¿no?

Lady Bird


Extras:

Tráiler de Lady Bird

Ganando el Globo de Oro a mejor actriz de comedia por Lady Bird

Ed Sheeran – Galway Girl

Intentando pronunciar nombres complicados de famosos

Enseñando a los americanos cómo hacer té

Welcome to Hell – SNL