27/1/20

Ema – El reggaetón del pecado



Dir.: Pablo Larrían
Int.: Mariana Di Girolamo, Gael García Bernal, Paola Giannini, Santiago Cabrera, Giannina Fruttero, Catalina Saavedra, Eduardo Paxeco, Mariana Loyola
¿De qué va?: Después de que un traumático incidente desestabilice su vida familiar y su matrimonio con el tempestuoso coreógrafo Gastón, Ema, una bailarina, se embarcará en una odisea de liberación personal.

Reseña: Para Pablo Larraín, Jackie (2016) no solo supuso su debut en el cine norteamericano, sino también su primer largometraje centrado en un personaje femenino. Hasta entonces había conseguido reconocimiento internacional a base de historias tan masculinas y sensibles como Neruda (2016), El club (2015) y No (2012). Puede que el haberse encargado de dirigir el poco convencional biopic de una de las primeras damas más icónicas de la historia de los Estados Unidos haya despertado el interés del director chileno en explorar más la psique femenina, y como fruto de ello ha dado forma y vida a Ema, el estudio de un personaje cuya idea de la maternidad, el arte, el amor y el sexo está lejos de cualquier convencionalismo.


La película comienza con Ema sufriendo el escarnio público, la vergüenza ¿y el arrepentimiento? de haber devuelto al niño que adoptó junto a su marido. Ella baila al son que él, coreógrafo de profesión, le marca. No obstante, en la intimidad, se lanzan mutuamente reproches que son puro veneno, y con una frialdad profundamente incómoda. Pero llega un momento en el que Ema se libera con la ayuda de sus amigas, armada con un lanzallamas y a ritmo de reggaetón, música que su marido detesta, y pone en marcha un plan cuyo retorcido propósito no cobrará completo significado hasta el final de la historia. El fuego se convierte en un elemento inherente a Ema, pues se revela como una mujer que abrasa como un incendio allá por donde pasa. En un momento dado, su marido, un estupendo como de costumbre Gael García Bernal, le recrimina que no siempre puede hacer lo que quiere, y ella va a entregarse a fondo para demostrarle lo mucho que se equivoca.


Pese a lo inclasificable de la propuesta y lo deslavazado del guion, ni Pablo Larraín ni ese gran descubrimiento que es Mariana Di Girolamo dando vida a Ema pierden ni por unos instantes el norte, y todo está pensado para alimentar el misterio, la fascinación y la perplejidad de las acciones amorales de esta femme fatale urbana. Es un acierto que nunca se tome partido acerca de su conducta pero, puestos a hacer una defensa del reggaetón como medio de liberación de la mujer, la aproximación del film al denostado estilo musical es bastante tibia, si bien Ema seduce a sus incautas víctimas como si de un perreo se tratase, invadiendo su espacio personal y con sensualidad desbocada. Impecablemente iluminada por Sergio Amstrong, Ema arranca con una fuerza arrolladora que se extingue un poco conforme se desarrolla la trama, pero resulta bastante improbable que nos olvidemos del personaje que da nombre, alma y gasolina a la película.

7/10

26/1/20

Ganadores de los OFB 2019

Mejor película
Parásitos



La favorita > Historia de un matrimonio > El blues de Beale Street > La virgen de agosto > Ad Astra > Vengadores: Endgame > Sauvage > Los hermanos Sisters > Eighth Grade


Premio especial de los seguidores
Dolor y gloria (43'1%)
Parásitos (34'5%)
Avengers: Endgame (32'8%) y Joker (32'8%)



Mejor director
Noah Baumbach por Historia de un matrimonio
Barry Jenkins por El blues de Beale Street
Bong Joon-ho por Parásitos
James Gray por Ad Astra
Yorgos Lanthimos por La favorita




Mejor actor protagonista
Antonio Banderas por Dolor y gloria
Leonardo DiCaprio por Érase una vez en… Hollywood
Adam Driver por Historia de un matrimonio
Taron Egerton por Rocketman
Joaquin Phoenix por Joker
Brad Pitt por Ad Astra




Mejor actriz protagonista
Olivia Colman por La favorita
Maggie Gyllenhaal por La profesora de parvulario
Scarlett Johansson por Historia de un matrimonio
Lupita Nyong’o por Nosotros
Florence Pugh por Midsommar
Saoirse Ronan por Mujercitas




Mejor actor de reparto
Richard E. Grant por ¿Podrás perdonarme algún día?
Nicholas Hoult por La favorita
Song Kang-ho por Parásitos
Al Pacino por El irlandés
Joe Pesci por El irlandés
Brad Pitt por Érase una vez en… Hollywood




Mejor actriz de reparto
Laura Dern por Historia de un matrimonio
Regina King por El blues de Beale Street
Jennifer Lopez por Estafadoras de Wall Street
Florence Pugh por Mujercitas
Emma Stone por La favorita
Rachel Weisz por La favorita




Mejor guion original
Pedro Almodóvar por Dolor y gloria
Itsaso Arana y Jonás Trueba por La virgen de agosto
Noah Baumbach por Historia de un matrimonio
Kim Dae-hwan, Bong Joon-ho y Jin Won Han por Parásitos
Deborah Davis y Tony McNamara por La favorita




Mejor guion adaptado
Desiree Akhavan y Cecilia Frugiuele por La (des)educación de Cameron Post
Jacques Audiard y Thomas Bidegain por Los hermanos Sisters
Greta Gerwig por Mujercitas
Nicole Holofcener y Jeff Whitty por ¿Podrás perdonarme algún día?
Barry Jenkins por El blues de Beale Street



Mejor montaje
Ad Astra
Historia de un matrimonio
Mujercitas
Parásitos
Vengadores: Endgame




Mejor fotografía
Kyung-Pyo Hong por Parásitos
Claire Mathon por Retrato de una mujer en llamas
Robbie Ryan por La favorita
Lawrence Sher por Joker
Hoyte van Hoytema por Ad Astra




Mejor diseño de producción
Érase una vez en… Hollywood
La favorita
Joker
Parásitos
Ventajas de viajar en tren




Mejor vestuario
Érase una vez en Hollywood
Estafadoras de Wall Street
La favorita
Mujercitas
Rocketman




Mejor banda sonora
Michael Abels por Nosotros
Nicholas Britell por El blues de Beale Street
Alexandre Desplat por Mujercitas
Hildur Guðnadóttir por Joker
Max Richter y Lorne Balfe por Ad Astra





Mejor canción original
"I’m Gonna Love Me Again" de Rocketman
"Into the Unknown" de Frozen 2
"Lost in the Woods" de Frozen 2
"Speechless" de Aladdin
"Willow" de High Life




Mejores efectos visuales
Ad Astra
Godzilla: Rey de los monstruos
El rey león
Star Wars: El ascenso de Skywalker
Vengadores: Infinity War




Mejor película de habla no inglesa
Dolor y gloria (España)
Parásitos (Corea del Sur)
Retrato de una mujer en llamas (Francia)
Sauvage (Francia)
La virgen de agosto (España)




Mejor película de animación
Frozen 2
La LEGO película 2
Mr. Link: El origen perdido
La oveja Shaun. La pelicula: Granjaguedón
Toy Story 4




Mejor reparto
El blues de Beale Street
La favorita
Historia de un matrimonio
Mujercitas
Parásitos




Mejor dirección novel

Bo Burnham por Eighth Grade
Jonah Hill por En los 90
Aritz Moreno por Ventajas de viajar en tren
Camille Vidal-Naquet por Sauvage
Olivia Wilde por Súper empollonas




Mejor actor revelación
Asher Angel por ¡Shazam!
Gabriel Bateman por Muñeco diabólico
Biel Montoro por Diecisiete
Ramón Pujol por Fin de siglo
Nacho Sánchez por Diecisiete




Mejor actriz revelación
Iria del Rio por El increíble finde menguante
Greta Fernández por La hija de un ladrón
Elsie Fisher por Eighth Grade
KiKi Layne por El blues de Beale Street
María Rodríguez Soto por Los días que vendrán




Mejor escena
Sharon Tate en el cine en Érase una vez en… Hollywood
La gran pelea de Historia de un matrimonio
El baile de Arthur en el baño en Joker
El final de Midsommar
El final de Retrato de una mujer en llamas
La batalla final de Vengadores: Endgame




Premio especial ¿Tanto bombo para esto?
Cats
El rey león
Star Wars: El ascenso de Skywalker
X-Men: Fénix oscura




Recuento de premiados
Parásitos: Mejor película, director, montaje y elenco.
La favorita: Mejor actriz protagonista y de reparto x2, vestuario
Historia de un matrimonio: Mejor actor protagonista, guion original y escena
Dolor y gloria: Premio especial de los seguidores
¿Podrás perdonarme algún día?: Mejor actor de reparto
Mujercitas: Mejor guion adaptado
Retrato de una mujer en llamas: Mejor fotografia
Érase una vez en... Hollywood: Mejor diseño de producción
El blues de Beale Street: Mejor banda sonora
High Life: Mejor canción
Ad Astra: Mejores efectos visuales
La virgen de agosto: Mejor película de habla no inglesa
Toy Story 4: Mejor película de animación
Súper empollonas: Mejor dirección novel
Diecisiete: Mejor actor revelación
Los días que vendrán: Mejor actriz revelación

Ediciones anteriores: 2018, 2017, 2016, 2015, 2014, 2013, 2012, 2011, 2010, 2009, 2008, 2007

22/1/20

O.C: Terciopelo azul (1986)

¿De qué va?: Regresando a casa después de que su padre sufriera un accidente, Jeffrey Beaumont encuentra por el camino una oreja humana amputada. Alerta al detective de la policía John Williams, cuya hija, Sandy, es amiga suya. Ella le cuenta los detalles sobre una mujer sospechosa llamada Dorothy, que puede estar conectada con el caso que lleva su padre. Apoyado por Sandy, Jeffrey inicia su propia investigación.

Reputación: David Lynch movió su guion de Terciopelo azul (Blue Velvet), que nació por inspiración de la canción que da título al film y la imagen de una oreja cortada, por varios estudios importantes a finales de los 70 y principios de los 80, pero todos los rechazaron debido a su fuerte contenido sexual y violento. Finalmente, el estudio del productor italiano Dino De Laurentiis accedió a financiar la película pese a que su anterior colaboración con el director, Dune (1984) se había saldado con un gran fracaso comercial y crítico. No obstante, puso condiciones: ajustar el presupuesto a 6 millones de dólares, lo que implicaba que Lynch rebajase su propio sueldo, y que el metraje no sobrepasase las dos horas, duración exacta de la película. El resultado en taquilla fue decepcionante, unos 8.500.000 dólares recaudados a nivel mundial, y la respuesta crítica fue dispar, pero le valió a Lynch su segunda nominación al Oscar a mejor director. El proyecto no solo relanzó la carrera de Dennis Hopper, que se encontraba de capa caída, sino que le proporcionó una salida dramática a Isabella Rossellini, cuya trayectoria artística hasta el momento se concentraba en ser modelo de firmas y portavoz de productos cosméticos. Sin embargo, la agencia que la representaba, ICM Partnes, que también había sido la de su madre, Ingrid Bergman, la invitó a marcharse tras visionar la película.


Comentario: Terciopelo azul arranca con un homenaje a Luis Buñuel con el descubrimiento de la oreja cortada que ejerce de Macguffin de todo lo que vendrá a continuación. El film puede dividirse en dos partes: la primera, en la que el protagonista lleva a cabo su investigación, conoce a Dorothy y comienza una relación sadomasoquista con ella, es excelente, pura dinamita. Sin embargo, la segunda, en la que entra en juego el marido gangster de Dorothy y sus secuaces, la tensión se disipa y las rarezas marca de la casa pierden su magnetismo, hasta desembocar en un desenlace correcto, sin más. Con todo, es de las películas puramente ‘lynchinianas’ más accesibles, y cuenta con una estupenda Isabella Rossellini  como retorcida y frágil femme fatale y con la tan exagerada como deliciosa interpretación de una jovencita e inexperimentada Laura Dern.

Próximo visionado: Barbarella (1967)

21/1/20

Jojo Rabbit – Nazi sin causa



Dir.: Taika Waititi
Int.: Roma Griffin Davis, Thomasin McKenzie, Scarlett Johansson, Taika Waititi, Sam Rockwell, Rebel Wilson, Alfie Allen, Stephen Merchant, Archie Yates
¿De que va?: Jojo Betzler es un solitario chico alemán que pertenece a las juventudes hitlerianas. Su mundo se pondrá patas arriba cuando descubre que su madre, Rosie, está escondiendo a Elsa, una joven judía, en su propia casa. Ayudado por su amigo imaginario, Adolf Hitler, Jojo deberá afrontar su ciego nacionalismo con las contradicciones de una guerra absurda.

Reseña: En una de las escenas más icónicas de la historia del cine, Charlie Chaplin da vida a un dictador que juega con un globo terráqueo como si fuese una pelota de playa. La perversidad representada como un juego de niños. A lo largo de la historia de la humanidad se han cometido numerosas barbaridades que responden a un miedo a lo diferente y a ansias supremacistas que solo deberían ser atribuidas a críos que aún necesitan madurar y descubrir el mundo. Es el caso de Jojo, un niño alemán de 10 años entregado a la causa nazi en la última etapa de la Segunda Guerra Mundial. Tanto es así, que su amigo imaginario y figura paterna es nada más y nada menos que Hitler.


En tiempos de repunte de la ultraderecha, Taika Waititi maneja un material de partida bastante incendiario que apacigua con espíritu juvenil y voluntad satírica. Al tiempo que Jojo descubre y va conociendo a la chica judía que se esconde en su casa, el crío experimenta un viaje de madurez y crecimiento basado en el desmantelamiento de todo el sistema de valores y creencias por los que se ha regido su aún breve existencia; su mentalidad no tiene prácticamente nada que ver con la de su madre, que desearía que su hijo llevase una infancia normal, sin saber que admira tanto a Hitler que lo ha convertido en su mejor amigo, o más bien, al führer que solo existe en su imaginación, aunque al igual que el real y que otros tantos líderes carismáticos, comienza siendo un bufón inofensivo y termina convirtiéndose en algo mucho más temible.


Jojo es encarnado por el pequeño Roman Griffin Davis, tan brillante y resuelto en la comedia como en el drama; no ha habido debut cinematográfico por parte de un crío tan arrollador desde Jacob Tremblay en La habitación (2015). Todo el elenco le da una réplica de altura a Davis, estableciéndose una dinámica única y especial entre Jojo y cada uno de los personajes que le rodean. Destaca la que mantiene con Thomasin McKenzie, en un rol alejado del estereotipo de víctima de guerra, y sobre todo, la que tiene con su madre, una Scarlett Johansson tremendamente carismática y cálida. Sam Rockwell también interviene haciendo lo que mejor sabe hacer: de capullo con buen fondo, pero quien merece una mención especial y con honores es otro niño debutante, Archie Yates. No sale mucho, pero cuando aparece en escena, la ternura y las diversión se multiplican.


Paradójicamente, el Hitel al que da vida Taika Waititi no es el factor cómico que mejor funciona en un conjunto que experimenta cambios de tono demasiado abruptos. Pero se puede entender como fruto de esa colisión entre el punto de vista infantil y el mundo real sobre el que se sustenta la película. A fin de cuentas, Jojo Rabbit es una comedia esquizofrénica a ritmo de temazos pop cantados en alemán, una suerte de Moonrise Kingdom (2012) bélica que da un giro de tuerca a la oda a la pureza juvenil frente al desengaño adulto que desplegaba el film de Wes Anderson para incidir en el significativo valor del entorno y la educación en el desarrollo cognitivo y social de los niños. Un tema que, como todos sabemos, era tan de vital importancia en la Alemania nazi como lo es en el mundo actual.

8/10

18/1/20

1917 – La misión



Dir.: Sam Mendes
Int.: George MacKay, Dean-Charles Chapman, Colin Firth, Andrew Scott, Mark Strong, Benedict Cumberbath, Claire Duburq, Richard Madden
¿De qué va?: En el frente occidental de la Gran Guerra, dos jóvenes soldados británicos son encomendados con una misión imposible: deberán entregar un mensaje urgente y decisivo a un coronel, y para ello deberán abandonar la trinchera a plena luz del día y avanzar por el campo francés ocupado por los alemanes.

Reseña: Birdman (2015) y Dunkerque (2017) revolucionaron el panorama cinematográfico en distintos momentos de la década del 2010. La primera por la decisión de Alejandro G. Iñárritu de rodarla en un falso plano secuencia con cortes prácticamente imperceptibles, y la segunda por ser un film bélico de Christopher Nolan rodado en IMAX y una estructura narrativa segmentada en tres tiempos narrativos diferentes que terminan convergiendo. Mientras tanto, Sam Mendes ha dedicado estos años casi exclusivamente a la saga del agente 007, y aunque una le salió muy bien (Skyfall, 2012), y la otra un poco rana (Spectre, 2015), le ha venido de perlas para ganar experiencia de cara a lo que iba a venir a continuación: un ejercicio cinematográfico que iba a aunar la hazañas técnicas de Birdman y Dunkerque con la mirada puestas en sobrepasarlas.


El argumento de 1917 es bien sencillo: dos soldados deben atravesar a contrarreloj el campo enemigo para entregar un mensaje del que dependerá la vida de miles de sus compañeros. Esto le sirve de pretexto a Mendes para hacer un tour “sin cortes” por los horrores que va dejando la guerra a su paso: cadáveres, ciudades en ruinas, campos devastados y, en definitiva, devastación en 360º. La cámara a veces enfoca a sus héroes de frente, otras de espaldas, pero siempre está colocada en el lugar perfecto para situarnos siempre en el meollo de la acción, convirtiéndonos en el tercer soldado encomendado a la misión. El director no necesita recurrir al 3D o a la primera persona para que 1917 sea una película profundamente inmersiva, en la que el horror y la belleza se encuentran a mitad de camino gracias al sobresaliente trabajo de fotografía de Roger Deakins, que lo mismo convierte una trinchera en un lodazal gris y putrefacto como transforma una ciudad destruida en el escenario de una tragedia griega.


A Dunkerque se le achacó una carencia emocional que 1917 suple con la relación entre los dos soldados protagonistas, encarnados por unos más que eficientes George MacKay y Dean-Charles Chapman, su implicación personal en la misión que deben cumplir y su visión contrapuesta en lo que respecta a la importancia de las condecoraciones. Sin embargo, este componente afectivo está construido de forma tan rápida y volátil que resulta tan fácil conectar con ella como quedarse fuera. No lo considero necesariamente un problema grave pues, al igual que en en el film de Nolan, entiendo que un desarrollo más profundo de los personajes es complicado de encajar en el carácter urgente de la trama. Por otra parte, la película cuenta con el aliciente de contar en su recorrido con pequeñas intervenciones de lujo a cargo de rostros reconocidos como los de Colin Firth, Andrew Scott, Mark Strong y Benedict Cumberbatch.


La hermosa y climática partitura de Thomas Newman es un acompañante perfecto a lo largo de la virtuosa obra que ha creado Sam Mendes. Pero es eso mismo, su virtuosismo, una espada de doble filo, pues de la misma forma que es capaz de generar asombro y perplejidad ante la espectacularidad presente en esta intrincada montaña rusa, se cuela cierto hastío por encontrarnos ante un nueva nueva hazaña técnica y formal que parece adscrita al “a ver quién mea más lejos”. Todos recordaremos algunas secuencias ciertamente memorables de 1917, pero pocos se percatarán del trasfondo, que lo tiene pese a que quede un poco tapado por los “árboles”: la transmisión oral de historias como evasión de los horrores del mundo, vínculo entre personas y esperanza de no cometer los mismos errores del pasado.

8/10

13/1/20

O.C: La mansión encantada (1963)

¿De qué va?: El doctor John Markway pretende estudiar lo que ocurre en Hill House, una mansión edificada 90 años atrás y con un macabro historial que incluye muertes extrañas, episodios de enfermedad y suicidio. Markway investigará la propiedad acompañado del heredero de la casa, Luke Sannerson, y contará con la ayuda de una mujer con poderes psíquicos, Theodora, y de Eleanor, que durante gran parte de su vida ha cuidado de su madre inválida, recientemente fallecida.

Reputación: Durante la preproducción de West Side Story (1961), Robert Wise se interesó por la novela The haunting of Hill House de Shirley Jackson por una crítica publicada en la revista Times. Tras quedar encantado con la lectura del libro, encargó la adaptación cinematográfica a uno de sus colaboradores habituales, Nelson Gidding, y convenció a Jackson para que le cediera los derechos de su obra; ella fue quien le sugirió que le cambiara el título por otro de los que barajó, The Haunting. Metro-Goldwyn-Mayer se quedó con el proyecto a cambio de que el presupuesto no pasase del millón de dólares, por lo que el rodaje no se llevó a cabo en Inglaterra, más barata que Norteamérica. La película se estrenó en Estados Unidos sin armar mucho revuelo, pero con el tiempo se ha convertido en película de culto; Martin Scorsese ha declarado que es su película de terror favorita. En 1999 se rodó un remake, The Haunting, (La guarida, 1999), que funcionó muy bien en taquilla pero recibió críticas terribles. En cambio, en 2018 se lanzó La maldición de Hill House, una adaptación serializada y bastante libre para Netflix que entusiasmó a crítica y público.


Comentario: Me cuesta creer que haya alguien que pueda sentir terror o algo parecido con esta película, incluso en la época en la que se estrenó. El poco suspense capaz de generar es soterrado por una de las interpretaciones más irritantes que recuerdo, la de Julie Harris. Su Eleanor es paranoica, desconfiada, victimista y una reina del drama de cuidado. Imposible sentir algo de empatía o interés por lo que sucede en pantalla cuando el personaje con más peso en la trama provoca tanto rechazo; mucho mejor Claire Boom como Theo, que siempre ha sido el mejor personaje de todas las adaptaciones de la novela de Shirley Jackson. El diseño de la mansión y algunos golpes de efecto son llamativos, pero en general, resulta un clásico del terror bastante decepcionante.

Próximo visionado: Barbarella (1967)

11/1/20

El faro – Calcinados por la luz



Dir.: Robert Eggers
Int.: Robert Pattinson, Willem Dafoe
¿De qué va?: Un veterano farero y su joven ayudante deberán convivir durante cuatro semanas en una remota y misteriosa isla de Nueva Inglaterra de finales del siglo XIX para mantener el faro en buenas condiciones hasta que llegue el relevo que les permitirá volver a tierra. Pero las cosas se complican cuando surgen conflictos por jerarquías de poder entre ambos.

Reseña: Robert Eggers debutó en el cine en el año 2016 con La bruja, estableciendo un precedente de aquello que los críticos americanos han bautizado como “terror elevado”: cine de género que es algo más que una sucesión de sustos y golpes de efecto. Al margen del menosprecio implícito en el concepto hacia el cine comercial, lo cierto es que La bruja fue una película que por lo general gustó más al sector cinéfilo del público que al espectador casual, el cual, básicamente, se aburrió como una ostra. Ahora, Eggers repite la jugada con El faro, otro film de género respaldado por la misma major, Universal, y que, al igual que La bruja, no es tanto una película de terror sino sobre el terror, y de cómo este actúa como salvoconducto para meterse de lleno en las fauces de la locura.


El faro arranca con dos hombres llegando a una isla remota donde deberán residir durante cuatro semanas cuidando de un faro. El mayor tiene una larga experiencia en alta mar y el otro es su aprendiz. El primero impone rápidamente la jerarquía de poder, por la cual él se encargará exclusivamente del mantenimiento del faro, mientras que las tareas más farragosas recaerán en su joven compañero. Al mismo tiempo, se producen una serie de extraños sucesos que enrarecerán y tensarán la relación entre estos dos hombres. Eggers va un paso más allá en la notable recreación histórica que realizó de la Nueva Inglerra del siglo XVII en La bruja rodando en un blanco y negro de 35 mm y con una relación de aspecto cuadrado que, además de acentuar la opresión y la claustrofobia de la historia, enfatiza la composición de cada imagen y la fuerza de cada primer plano. Eggers no llegó a rodar la nueva versión de Nosferatu que tenía planeada, pero el espíritu del expresionismo alemán se ha adueñado de El faro y se hace patente en todas y cada una de sus turbadoras imágenes.


El faro funciona tan bien a nivel visual como interpretativo. Robert Pattinson y Willem Dafoe se marcan un duelo que quedará para los anales. Es tan admirable la forma en la que Pattinson abraza el paulatino descenso a los infiernos de su personaje como la encarnación de Dafoe de ese hombre que lo empuja a ella a base de alcohol, verborrea incorregible y maneras detestables. Se pelean, se gritan, se emborrachan, se acercan, confiesan sus pecados, se distancian y, en definitiva, marcan el ritmo de una relación compleja y rica en matices que abarca desde la tiranía del sistema capitalista hasta la tensión homoerótica.


Un tercer acto siempre al filo del precipicio y demasiado reiterativo supone el único gran pero que se le puede achacar a la confirmación de Robert Eggers como “director elevado”. La mitología griega, el cine clásico, la crítica social, el freudismo, la masculinidad tóxica y las leyendas marinas se retroalimentan para dar forma a una experiencia fílmica única, atmosférica y que no dejará indiferente a nadie. Eggers deja muchas preguntas por contestar, contribuyendo a que El faro y sus impactantes visiones permanezcan rondando por nuestra cabeza durante mucho tiempo. Como ya nos pasó con las cabras por culpa de La bruja, jamás volveremos a ver a una gaviota de la misma manera.

8/10

Esta reseña puedes leerla también en Cinemagavia.


9/1/20

Richard Jewell – No es tiempo de héroes



Dir.: Clint Eastwood
Int.: Paul Walter Hauser, Sam Rockwell, Kathy Bates, Jon Hamm, Olivia Wilde, Nina Arianda, Ian Gomez
¿De qué va?: Richard Jewell es un guardia de seguridad que se convierte en un héroe cuando salva cientos de vidas durante las Olimpiadas de 1996 en Atlanta, al evitar la explosión de un artefacto explosivo. Pero a los pocos días, Jewell se convierte en el primer sospechoso del intento de ataque terrorista para el FBI, dejando atrás su papel de héroe y convirtiéndose en un villano para el público y la prensa.

Reseña: A lo largo de su carrera como director, Clint Eastwood siempre ha sentido especial predilección por contar historias de héroes americanos anónimos. Unos luchas contra el sistema (El intercambio, 2008), otros contra la adversidad (Million Dollar Baby, 2004) y otros contra los enemigos de la nación norteamericana (El francotirador, 2014) pero al final, todas son variaciones del cuento de David contra Goliat, aunque los desenlaces de la mayoría sean agridulces. Con estos antecedentes, es más que evidente que el caso real de Richard Jewell, un hombre que fue acusado de poner la bomba que él mismo descubrió, salvando así muchísimas vidas, está hecho a la medida y al gusto del veterano director.


A sus 89 años, Eastwood no está como para innovar o probar cosas diferentes. Por tanto, Richard Jewell es una película rodada con el clasicismo y la elegancia que le caracterizan. Pese a que haya cambiado a su director de fotografía habitual, Tom Stern, por Yves Bélanger a partir del rodaje de Mula (2018), la paleta cromática y la iluminación apenas ha variado. Lo mismo ocurre con la partitura compuesta por Arturo Sandoval, pues es el tipo de melodías melancólicas y señoriales que cabe esperar de sus películas. Sin embargo, hay un elemento diferenciador presente en el film que rara vez se ha visto en el cine de Eastwood: comedia. Siendo una historia eminentemente dramática y que perfectamente podría haberse quedado ahí, es tan sorprendente como refrescante la cantidad de humor que hay presente de la película, ademas de que funciona como un tiro.


La dirección de Eastwood se ajuste perfectamente a los cambios de género del guion de Billy Ray, que se mueve entre el thriller, el drama, la denuncia y esa comedia previamente mencionada y que termina de despegar gracias a Sam Rockwell y Paul Walter Hauser. Este último hace un muy buen trabajo como protagonista, encauzando ese patetismo cómico que mostró en Yo, Tonya (2017) en una interpretación con hondura y de creciente dignidad. Kathy Bates aporta el corazón y la emoción al conjunto como la sufrida madre del protagonista, mientras que el otro personaje femenino de peso, al que da vida Olivia Wilde, supone el punto más controvertido, pues es retratada como una villana de manual; una periodista sedienta de carnaza a la que se le intenta redimir al final sin demasiada convicción.


Clint Eastwood ha finalizado la década con la que probablemente sea su mejor película de este período. Richard Jewell es ese tipo de película que te atrapa desde el principio, haciéndote pasar por toda una serie de emociones genuinas como tensión, tristeza, alegría, rabia, alivio… A través del circo mediático que se montó en torno a Jewell, Eastwood no solo recalca el escepticismo que despierta la heroicidad de a pie, sino que a los americanos, y probablemente a todo el mundo, solo hay una cosa que les guste más que ensalzar ídolos: derribarlos.

8/10

6/1/20

Nominaciones a los OFB 2019





Con todos ustedes, la 13ª edición de los premios OFB, concedidos a lo mejor de la cosecha cinematográfica del 2019 por parte del equipo editorial de esta casa, dándose el caso de que se trata de una única persona, servidor.

Claro que el premio más importante de todos es el que dan ustedes de forma consensuada a su película favorita de entre las 20 que conforman el top del año. Para participar solo tienen que seleccionar sus films favoritos en el siguiente enlace: https://forms.gle/jauXZC6JAVivSW8k6 

A continuación encontrarán la lista completa de nominados. La favorita cuenta con el mayor número de menciones, 11, seguida de Parásitos e Historia de un matrimonio con 9 cada una. El próximo domingo 26 de enero daremos a conocer los ganadores en cada categoría.

Y sin más dilación, los nominados a los OFB son: 


Mejor película
Ad Astra
El blues de Beale Street
Eighth Grade
La favorita
Los hermanos Sisters
Historia de un matrimonio
Parásitos
Sauvage
Vengadores: Endgame
La virgen de agosto


Mejor director
Noah Baumbach por Historia de un matrimonio
Barry Jenkins por El blues de Beale Street
Bong Joon-ho por Parásitos
James Gray por Ad Astra
Yorgos Lanthimos por La favorita

Mejor actor protagonista
Antonio Banderas
por Dolor y gloria
Leonardo DiCaprio por Érase una vez en… Hollywood
Adam Driver por Historia de un matrimonio
Taron Egerton por Rocketman
Joaquin Phoenix por Joker
Brad Pitt por Ad Astra

Mejor actriz protagonista
Olivia Colman por La favorita
Maggie Gyllenhaal por La profesora de parvulario
Scarlett Johansson por Historia de un matrimonio
Lupita Nyong’o por Nosotros
Florence Pugh por Midsommar
Saoirse Ronan por Mujercitas

Mejor actor de reparto
Richard E. Grant
por ¿Podrás perdonarme algún día?
Nicholas Hoult por La favorita
Song Kang-ho por Parásitos
Al Pacino por El irlandés
Joe Pesci por El irlandés
Brad Pitt por Érase una vez en… Hollywood

Mejor actriz de reparto
Laura Dern por Historia de un matrimonio
Regina King por El blues de Beale Street
Jennifer Lopez por Estafadoras de Wall Street
Florence Pugh por Mujercitas
Emma Stone por La favorita
Rachel Weisz por La favorita

Mejor guion original
Pedro Almodóvar por Dolor y gloria
Itsaso Arana y Jonás Trueba por La virgen de agosto
Noah Baumbach por Historia de un matrimonio
Kim Dae-hwan, Bong Joon-ho y Jin Won Han por Parásitos
Deborah Davis y Tony McNamara por La favorita

Mejor guion adaptado
Desiree Akhavan
y Cecilia Frugiuele por La (des)educación de Cameron Post
Jacques Audiard y Thomas Bidegain por Los hermanos Sisters
Greta Gerwig por Mujercitas
Nicole Holofcener y Jeff Whitty por ¿Podrás perdonarme algún día?
Barry Jenkins por El blues de Beale Street

Mejor montaje

Ad Astra
Historia de un matrimonio
Mujercitas
Parásitos
Vengadores: Endgame


Mejor fotografía
Kyung-Pyo Hong
por Parásitos
Claire Mathon por Retrato de una mujer en llamas
Robbie Ryan por La favorita
Lawrence Sher por Joker
Hoyte van Hoytema por Ad Astra

Mejor diseño de producción
Érase una vez en… Hollywood
La favorita
Joker
Parásitos
Ventajas de viajar en tren


Mejor vestuario
Érase una vez en Hollywood
Estafadoras de Wall Street
La favorita
Mujercitas
Rocketman


Mejor banda sonora
Michael Abels
por Nosotros
Nicholas Britell por El blues de Beale Street
Alexandre Desplat por Mujercitas
Hildur Guðnadóttir por Joker
Max Richter y Lorne Balfe por Ad Astra

Mejor canción original"I’m Gonna Love Me Again" de Rocketman
"Into the Unknown" de Frozen 2
"Lost in the Woods" de Frozen 2
"Speechless" de Aladdin
"Willow" de High Life

Mejores efectos visuales
Ad Astra
Godzilla: Rey de los monstruos
El rey león
Star Wars: El ascenso de Skywalker
Vengadores: Infinity War


Mejor película de habla no inglesa
Dolor y gloria (España)
Parásitos (Corea del Sur)
Retrato de una mujer en llamas (Francia)
Sauvage (Francia)
La virgen de agosto (España)

Mejor película de animación
Frozen 2
La LEGO película 2
Mr. Link: El origen perdido
La oveja Shaun. La pelicula: Granjaguedón
Toy Story 4


Mejor reparto
El blues de Beale Street
La favorita
Historia de un matrimonio
Mujercitas
Parásitos


Mejor dirección novel
Bo Burnham por Eighth Grade
Jonah Hill por En los 90
Aritz Moreno por Ventajas de viajar en tren
Camille Vidal-Naquet por Sauvage
Olivia Wilde por Súper empollonas

Mejor actor revelación
Asher Angel por ¡Shazam!
Gabriel Bateman por Muñeco diabólico
Biel Montoro por Diecisiete
Ramón Pujol por Fin de siglo
Nacho Sánchez por Diecisiete

Mejor actriz revelación
Iria del Rio por El increíble finde menguante
Greta Fernández por La hija de un ladrón
Elsie Fisher por Eighth Grade
KiKi Layne por El blues de Beale Street
María Rodríguez Soto por Los días que vendrán

Mejor escena
Sharon Tate en el cine en Érase una vez en… Hollywood
La gran pelea de Historia de un matrimonio
El baile de Arthur en el baño en Joker
El final de Midsommar
El final de Retrato de una mujer en llamas
La batalla final de Vengadores: Endgame

Premio especial ¿Tanto bombo para esto?
Cats
El rey león
Star Wars: El ascenso de Skywalker
X-Men: Fénix oscura





Películas con mayor nº de nominaciones

La favorita: 11 (Mejor película, director, actriz protagonista, actor de reparto, actriz de reparto x2, guion original, fotografía, diseño de producción, vestuario, reparto)
Parásitos: 9 (Mejor película, director, actor de reparto, guion original, montaje, fotografía, diseño de producción, película de habla no inglesa, reparto)
Historia de un matrimonio: 9 (Mejor película, director, actor y actriz protagonista, actriz de reparto guion original, montaje, reparto y escena)
Ad Astra: 7 (Mejor película, director, actor protagonista, montaje, fotografía, banda sonora, efectos visuales)
El blues de Beale Street: 7 (Mejor película, director, actriz de reparto y revelación, guion adaptado, banda sonora y reparto)
Mujercitas: 7 (Mejor actriz protagonista y de reparto, guion adaptado, montaje, vestuario, banda sonora y reparto)
Érase una vez en... Hollywood: 5 (Mejor actor protagonista y de reparto, diseño de producción, vestuario y escena)
Joker: 4 (Mejor actor protagonista, fotografía, diseño de producción y escena)