La caza (The Hunt) – La veda del cateto

Dir.: Craig Zobel
Int.: Betty Gilpin, Hilary Swank, Ethan Suplee, Ike Barinholtz, Emma Roberts, Tery Wyble, Wayne Duvall, Amy Madigan, Justin Harley

¿De qué va?: Doce extraños se despiertan en el claro de un bosque. No saben dónde están ni cómo han llegado ahí. Según una teoría conspiratoria de la dark web, miembros de las élites globales se reúnen en un lugar remoto para cazar personas por diversión. Pero nada saldrá según lo previsto cuando una de las presas resulta ser más audaz de lo que aparentaba.

Reseña: El viaje de La caza (The Hunt) al cine ha sido un tanto accidentado: poco después del lanzamiento de su tráiler y de anunciarse su fecha de estreno, el 27 de septiembre de 2019, su estreno se canceló debido a un tiroteo masivo en Estados Unidos (como si no sucediesen cada dos por tres…). Finalmente, se anunció que el 13 de marzo de 2020 llegaría a las salas norteamericanas… en las que solo estuvo proyectada una semana, debido al cierre de los cines por la pandemia de la COVID-19, siendo lanzada en vídeo bajo demanda al poco tiempo. En España, su estreno programado para abril fue obviamente cancelado, pero por fin llega a nuestras salas, con ese áurea de “película prohibida” que luego resulta no ser para tanto. Efectivamente, La caza no es para tanto, pero al menos es divertidísima.

La caza es, en esencia, un Battle Royale (2000) entre azules y rojos, demócratas y republicanos, catetos y progres. Es mejor no decir mucho más porque si algo sorprende de la película de Craig Zobel es cómo va jugando con las expectativas del espectador, partiendo de la convicción de que este se conoce todos los mecanismos, trampas y clichés del cine de género. Y no es que el film no caiga en algunos de ellos, pero lo hace siendo plenamente consciente, sin aparentar ser más inteligente de lo que en realidad es… pero sí más ofensiva. El guion escrito por Nick Cuse y Damon Lindelof (sí, el de Perdidos, The Leftovers y Watchmen) se centra más en satirizar haciendo chistes a costa de ambos bandos que en construir una historia que funcione como alegoría política. Sin embargo, al tener menos miedo de ser ridícula que a ser demasiado gore, La caza se convierte en un una desvergonzada y muy disfrutable comedia negra con un parecido razonable con los sketches de los Looney Tunes.

La película está plagada de personajes exagerados y paródicos, y en medio de ellos, se encuentra la misteriosa mujer a la que encarna Betty Gilpin. Muy en la línea de las Scream Queens vistas en Tú eres el siguiente (2011) y Noche de bodas (2019), Gilpin se adueña de la película con un carisma, aplomo y vis cómica muy peculiares, metiéndose fácilmente al público en el bolsillo. Destaca asimismo la participación de Hilary Swank, puesto que no se toma en serio a sí misma, justo lo opuesto de lo que suele hacer. O quizás sí que lo haga, pero tanto, que se pasa directamente al otro lado del espectro. El caso es que funciona, y el enfrentamiento, tanto físico como verbal, que mantiene con Gilpin es maravilloso y de lo mejor del conjunto.

En definitiva, La caza se vale de la ascendente crispación política que se vive en Estados Unidos desde que Donald Trump llegó a la Casa Blanca, para crear un thriller trepidante, cafre y deliciosamente grotesco. ¿Podría haberse hilado más fino? Desde luego que sí, pero hace tan buen trabajo realzando las actitudes extremas y polarizadas de los dos bandos, con tanta gracia y descaro, que funciona estupendamente. Y aquellos que se consideren “apolíticos” siempre pueden ignorar la lectura satírica y quedarse con el baño de sangre, aunque sería una lástima, porque le resta la mitad de la diversión.

7/10

Esta reseña también puedes leerla en Cinemagavia.

Swallow – Hunter, la glotona

Dir.: Carlo Mirabella-Davis
Int.: Haley Bennett, Auston Stowell, Elizabeth Marvel, Davd Rasche, Denis O'Hare, Laith Nakli
¿De qué va?: Hunter es una mujer que acaba de quedarse embarazada. En el proceso, se siente atraída a consumir todo tipo de objetos peligrosos. Su marido y su familia tratan de impedir que esta siga con su obsesión y procuran controlar la vida de la mujer, que debe enfrentarse al oscuro secreto que alberga su nuevo comportamiento.

Reseña: Carlo Mirabella-Davis debuta en el largo de ficción tras dirigir un puñado de cortometrajes y The Swell Season (2011), documental que retrataba el film del amor de Glen Hansard y Markéta Irglová, la pareja que ganó el Oscar a mejor canción original por Once (2007). Su primer largometraje, Swallow, encaja en el canon de ópera prima a través de la cual su autor quiere dejar claro que tiene agudeza visual, buenos referentes y buena mano con los actores para poder hacerse notar y recibir ofertas de Hollywood; algo así como el Purasangre (2017) de Cory Finley. Pero aunque las intenciones de Mirabella-Davis sean más que obvias, lo cierto es que la jugada le ha salido redonda, pues Swallow es mucho más que un ejercicio de estilo.

La protagonista de esta historia, Hunter, es una ama de casa ejemplar que parece directamente sacada de los años 50. Sin embargo, pronto nos daremos cuenta de que su personalidad tiene más que ver con las rubias misteriosas del cine de Alfred Hitchcock que con las señoras que ilustraban los anuncios de productos del hogar. “Hoy he hecho algo inesperado”, le dice Hunter a su marido una noche, y a partir de entonces, desarrolla un peligroso comportamiento que nos pondrá el estómago del revés. Lo que podría haber sido el argumento de un episodio del programa Mi extraña adicción se convierte en un thriller psicológico salpicado de un humor negrísimo en el que es complicado predecir lo que sucederá a continuación. Es como si, en vez de haber desarrollado cleptomanía, Marnie la ladrona hubiese desarrollado una afición por tragar objetos peligrosos…. pero sin un Sean Connery a su lado que intente ayudarla por amor.

A Haley Bennett la conocemos principalmente por su gran parecido físico con Jennifer Lawrence, pero en Swallow que tiene mucho más ofrecer. Si bien la dirección de Mirabella-Davis es más que sólida y el elenco de secundarios cumple con su cometido, es Bennett quien se carga sobre sus hombros con todo el peso de la película, con una interpretación que no solo tiene ecos de “rubia de Hitchcock”, sino también de heroína de drama de Douglas Sirk, de mujer excéntrica de una comedia de John Waters y de vecina desesperada de Wisteria Lane. Es un personaje complicado y fácilmente caricaturizable que Bennet resuelve con suma elegancia y entrega, logrando que su Hunter sea una de las mujeres más fascinantes del cine reciente.

Aunque se nos podía haber atragantado Swallow (perdón por el chiste fácil) dados todos los elementos y géneros dispares que maneja, la mezcla resultante es tan homogénea como fascinante. A fin de cuestas, se erige como una esquinada fábula que encapsula todo el movimiento de liberación de la mujer, desde la histórica represión femenina, su cosificación e instrumentalización, hasta una rebelión que empieza de forma velada y concluye con una plena asunción de empoderamiento, libertad e individualismo. Merece ser disfrutada, sufrida y debatida.

8/10

O.C: Vivir su vida (1962)

¿De qué va?: Un buen día, Nana decide abandonar a su marido y a su hijo siguiendo su sueño de convertirse en actriz. Para financiar su nueva vida empieza a trabajar en una tienda de discos en donde no gana demasiado dinero. Al no poder pagar el piso, la casera le echa. Nana, desesperada y sin ilusión por su nueva vida, decide ejercer la prostitución.

Reputación: Film escrito y dirigido por Jean-Luc Godard, inspirado parcialmente en el libro Où en est la prostitution de Marcel Sacotte para aportar verosimilitud a la historia de Nana (Anna Karina). Se rodó en cuatro semanas con equipos muy pesados, por lo que Godard optó por filmar en escenarios naturales y en tomas largas con travelling. El guion completo cabe en una página, pues solo contiene una breve descripción de cada secuencia. El texto no fue escrito con antelación, por lo que los actores decían lo que era apropiado para cada situación, incluyendo la conversación que mantiene Nana con el filósofo y ensayista francés Brice Parain en un café. En la película también hay cameos del cantante de flamenco Rafael Romero y de Jean Ferrar, que reproduce en un tocadiscos una canción suya, Ma môme. Vivir su vida fue presentada en el Festival de Venecia, donde ganó el Premio Especial del Jurado y el premio de la crítica Pasinetti.

Comentario: Me pasó algo muy raro viendo esta película. La vi una calurosa tarde, en casa, y cuando terminó me pareció que había durado muy poco. Rebobinando me di cuenta de que me había saltado unos 30 minutos de metraje, pero no sé si fue porque me quedé dormido o porque avancé la película con el mando sin darme cuenta. Este peculiar incidente no hizo más que enriquecer la experiencia onírica que para mí ha sido el visionado de Vivir su vida. Yo la interpreto como un sueño, una fantasía de una mujer que decide dar un giro drástico a su vida con la esperanza de mejorarla y, aunque luego resulte no ser así, ella simplemente se deja llevar. No suelo empatizar con Godard y su pedantería pero sí que lo hago con Anna Karina, desde esa maravillosa escena en el cine en el que su primer plano lloroso compite con su contraplano, sacado de La pasión de Juana de Arco (1928), por ser el más triste y hermoso de la historia del cine. Vivir su vida es el retrato de una mujer fascinante, y su precipitado desenlace nos recuerda lo insignificantes que somos en realidad.

Próximo visionado: Cumbres borrascosas (1939)

Con amor, Antosha – Querido Anton

Dir.: Garret Price
¿De qué va?: Un retrato de la extraordinaria vida y carrera del actor Anton Yelchin.

Reseña: Anton Yelchin, conocido por la trilogía-reinicio de Star Trek y films como Green Room (2015), Solo los amantes sobreviven (2013), Como locos (2011) o Alpha Dog (2006), falleció el 19 de junio de 2016, en un accidente que le dejó atrapado entre su jeep y un pilar de ladrillos fuera de su casa. Con 27 años, tenía aún toda la vida y su carrera por delante. Con amor, Antosha es un documental producido por Drake Doremus que retrata su vida desde que sus padres emigraron de Rusia a Estados Unidos con él siendo un bebé hasta su triste y prematura pérdida.

El documental sigue de forma cronológica la vida y obra de Yelchin resultando bastante revelador, como en lo que respecta a su lucha contra la fibrosis quística, algo de lo que nunca llegó a hablar en público, o en la confesión de Kristen Stewart de que se pilló por él durante el rodaje de Gente poco corrriente (2005). Los numerosos testimonios de compañeros, amigos y directores que trabajaron con él reflejan el cariño y la admiración que todos le tenían; solo se echa en falta entre los entrevistados la extraña ausencia de Felicity Jones, su co-protagonista en Como locos. Hay anécdotas, como las contadas por Chris Pine y Jennifer Lawrence, que son muy divertidas, pero también declaraciones que parten el corazón, en especial todo lo que tiene que ver con la estrecha relación que mantenía Yelchin con sus padres y lo devastados que quedaron tras su muerte.

Con amor, Antosha es un documental cuyo alcance no solo llega a los fans del actor, pues es ante todo la historia (muy bien narrada) de un artista con inquietudes que exploró diferentes campos artísticos, en una constante búsqueda de sí mismo. Empezó siendo un actor que quería hacer de todo y terminó dedicándose a sacar fotos en los rincones más extraños y depravados de Los Ángeles, desencantado del bagaje mediático de la interpretación, batallando discretamente contra una enfermedad genética y preparando su primer trabajo como director. En definitiva, se trata de un documental que explica muy bien quién era Anton Yelchin, el dolor que causó su pérdida entre sus allegados y el orgullo que todos sienten al haber podido formar parte de su vida. Un tributo perfecto.

8/10

Under the Skin — Cantos de sirena

Dir.: Jonathan Glazer
Int.: Scarlett Johansson, Paul Brannigan, Robert J. Goodwin, Krystof Hádek, Scott Dymond, Michael Moreland, Jessica Mance
¿De qué va?: Una misteriosa mujer seduce a hombres solitarios en las noches de Escocia para conducirlos a un destino fatal. Los eventos la conducirán a emprender un viaje de autodescubrimiento.

NOTA: Reseña publicada originalmente el 8 de julio de 2015.

Reseña: Cuando escribí esta reseña, allá por el 2015, se rumoreaba que Under the Skin iba a estrenarse en España de forma limitada, dos años después de su fecha de lanzamiento original. Finalmente han tenido que pasar 5 años más para que la película pudiese llegar al fin a los cines españoles, tras una larga y dura negociación con unos productores que quizás confiaban demasiado en la salida comercial de una película que, en realidad, no la tiene. Porque el gran público ya quedó escaldado cuando se acercó a ver El árbol de la vida (2011) por Brad Pitt, creyendo que sería la secuela espiritual de El curioso caso de Benjamin Button (2008). Sin embargo, Under the Skin llega a España ya convertida en película de culto, y no resulta extraño encontrarla liderando varias listas de las mejores películas de la última década, como la confeccionada por la revista británica Little White Lies. (A partir de aquí ya es la crítica original con pequeñas correcciones)

Nueve años después de hacer creer a Nicole Kidman, y a todos nosotros, que un crío era su difunto marido de vuelta del mundo de los muertos en la elegante, triste y enigmática Reencarnación (2004), Jonathan Glazer  le endosa un pelucón moreno a Scarlett Johansson y la pone a flirtear con escoceses incautos mientras lo graba todo en cámara oculta. El propósito es otorgar verismo a una película que podría considerarse como la versión arte y ensayo de Species (1995). Glazer parte de un concepto puro de ciencia ficción para asentar una historia humanista en la que se plantea qué significa e implica ser humano desde el punto de vista de un ente con forma aparente pero fondo foráneo que empieza a contagiarse de los sentimientos intrínsecos de nuestra especie, frágil y vulnerable por naturaleza.

Apenas hay diálogos, explicativos aún menos, pero basta con prestar un poco de atención para entender lo que está sucediendo. La historia arranca entre edificaciones frías y de cemento y concluye en comunión con la naturaleza. La cámara se pega a su solitaria protagonista y la acompaña durante toda su expedición, alternando escenas prácticamente documentales con otras puramente conceptuales, caso de los últimos momentos de vida de los pobres desgraciados que caen presos de una superlativa Scarlett Johansson. La actriz solventa un papel muy difícil entregándose con valentía a un personaje que se puede descifrar en buena parte gracias a su sutil y calibrada interpretación. Inteligente decisión de casting la de Glazer, al contar con una actriz tan mediática y de belleza de otro mundo para dar vida a alguien marginal, extraterrestre, cuyo reflejo le devuelve la imagen de alguien ajeno que se está apoderando de su identidad.

Under the Skin es fría, oscura, deprimente, distante, inescrutable pero también fascinante, hipnótica y bella a su retorcida manera. La música compuesta por Mica Levi mantiene la inquietud y la extrañeza al tiempo que refuerza la capacidad hipnótica que ejerce la película sobre aquellos que se dejen embaucar, como las propias víctimas de nuestra “heroína”. Como ocurre siempre, habrá quien se resista a la hipnosis y no vea más que un ladrillo, plomizo y con ínfulas artísticas que le van grandes. Under the Skin no sería una gran obra de culto si no generara tanta disparidad de interpretaciones y opiniones. A lo mejor lo raro no es ser alienígena, sino la forma en la que sentimos y actuamos los humanos.

8/10

O.C: Laberinto de pasiones (1982)

¿De qué va?: Riza Niro, el hijo del emperador de Tirán, llega al Madrid de los años 80 en busca de fiesta y hombres. Allí conocerá a Sexilia, una joven ninfómana que forma parte de un violento grupo musical y con la que surgirá una inesperada historia de amor.

Reputación: Segunda película dirigida por Pedro Almódovar, la primera de una larga lista de colaboraciones con Antonio Banderas. El director contó con un presupuesto mayor que el que manejó para Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (1980), de modo que creó una película de mayor complejidad y mejor producción. El 70% de la financiación se realizó a través de un crédito del Banco de Crédito Industrial, mientras que el 30% restante vino de aportaciones privadas. El rodaje de la película forma parte del argumento de un episodio de la cuarta temporada de El Ministerio del Tiempo, en el que los protagonistas deben resolver un error temporal por el cual Almodóvar nunca conoció a Banderas. Laberinto de pasiones fue la primera producción del complejo de distribución y exhibición ya desaparecido Alphaville-Musidora, que proyectó la película en su show de medianoche a lo largo de 10 años, en el espacio que ahora ocupa los cines Golem en Madrid. Almodóvar, que definió el film como “una alta comedia de ficción histórica”, realiza un cameo como un cantante pop travesti que canta el tema Suck it to Me, cuya letra también escribió él.

Comentario: Laberinto de pasiones comparte el estilo de comedia absurda, desvergonzada y alocada de Pepi Luci, Bom y otras chicas del montón, pero presentando una historia más coral y de más mal gusto si cabe… dicho esto en el buen sentido. Los chistes sobre homosexuales reconvertidos, ninfómanas, abusos sexuales e incesto han envejecido fatal, pero tienen su gracia dentro del contexto en el que se rodó la película, seis años después de que  terminara la dictadura franquista, retratando a un país que ansiaba despendolarse tanto como Riza Niro, el protagonista de la historia. Laberinto de pasiones no es de las mejores películas de Almodóvar, ni mucho menos, pero vale su peso en oro como reliquia de la movida madrileña, de un sentido del humor que ni se hace ni tiene por qué volver a hacerse, y de la juventud de gente como Cecilia Roth, Antonio Banderas, Imanol Arias, Fabio McNamara (su cameo es impagable) y del propio Almodóvar.

Próximo visionado: Vivir su vida (1962)

La vieja guardia – Diversidad > Inmortalidad

Dir.: Gina Prince-Bythewood

Int.: Charlize Theron, KiKi Layne, Matthias Schoenaerts, Marwan Kenzari, Lucas Marinelli, Chiwetel Ejiofor, Harry Melling
¿De qué va?: Andy lidera un grupo de veteranos mercenarios que esconde un secreto: son inmortales. No saben cómo ni por qué, pero ellos no envejecen y sus heridas se curan solas. Para sobrevivir ocultan su rastro, pero este grupo de soldados va a tener que enfrentarse a un gran peligro: alguien parece haber descubierto su secreto y está dispuesto a capturarles para tratar de arrebatarles el secreto de la inmortalidad.

Reseña: Hay películas que, aunque estén hechas para los cines, tienen muchas más posibilidades de ser exitosas en plataformas de streaming que en salas. En un contexto pre-covid, a La vieja guardia le habría costado horrores atraer espectadores a los cines por mucho que tenga a Charlize Theron repartiendo mamporros. En cambio, como lanzamiento de Netflix, la comodidad de verla en casa y la certeza de que se puede quitar en cualquier momento le brinda muchas más posibilidades de que sea visionada, y por tanto, sus opciones de convertirse en la saga que aspirar a ser son mayores. Además, Netflix se marca un tanto al traernos esos blockbusters puramente palomiteros que por primera vez en la historia no se asomarán a la cartelera veraniega (asumamos ya que Tenet y Mulán volverán a retrasarse).

Afortunadamente, La vieja guardia es mucho mejor que Æon Flux (2005), el  anterior intento de Theron de convertirse en heroína de acción de pelo corto y castaño a partir de una novela gráfica. Aquí lidera a un grupo de mercenarios hastiados de su condición inmortal que tienen que lidiar al mismo tiempo con la llegada de una nueva integrante (KiKi Layne, la revelación de El blues de Beale Street) y con alguien que ha descubierto su don y quiere sacar tajada de él. En líneas generales, nada demasiado alejado de lo que supone poner en marcha una nueva franquicia con un universo particular pero no especialmente novedoso; sin embargo, es en las líneas particulares en las que La vieja guardia toma impulso. Por ejemplo, haciendo de la diversidad su seña de identidad con un elenco internacional y una representación queer mucho más marcada y sustanciosa que las migajas que nos suelen dar las majors. El plantel de personajes es más interesante que la historia en sí, alargada e irregular, y resultan más cercanos cuando les dejan soltar algún chascarrillo que rompe con una atmósfera quizás demasiado solemne.

La directora Gina Prince-Bythewood se estrena en el cine de acción, y aunque aprovecha la condición inmortal de los personajes para construir unos set pieces kamikaze, aún tiene margen para rizar más el rizo. Quizás lo haga en una esperable secuela dada la descarada revelación en el último minuto que, sinceramente, consigue lo que se propone: generar intriga y expectación sobre lo que puede ocurrir a continuación, igual que la temporada de una serie de Netflix que termina en un cliffhanger y cuya continuidad es un misterio que no siempre se resuelve para bien. En definitiva, La vieja guarda es una primera cita que no supone un flechazo instantáneo, pero lo suficientemente simpática, atractiva y curiosa como para aceptar un segundo encuentro.

6’5/10

La familia que tú eliges – Río abajo quiero ver

Dir.: Tyler Nilson, Michael Schwartz
Int.: Shia LaBeouf, Zack Gottsagen, Dakota Johnson, Bruce Dern, Thomas Haden Church, John Bernthal, John Hawkes, Yelawolf, Jake Roberts, Mick Foley
¿De qué va?: Zak, un joven con síndrome de Down, huye de la clínica en la que le están cuidando para perseguir su sueño de convertirse en un luchador profesional. En su camino se topa con Tyler, un pescador de cangrejos venido a menos que se convertirá en su principal aliado.

Reseña: Tyler Nilson y Michael Schwartz conocieron a Zack Gottsagen en un campamento para personas con y sin discapacidad, donde les contó su sueño de convertirse en estrella de cine. Así, Gottsagen acabó protagonizando el primer largo escrito y dirigido por la pareja de cineastas, una de las películas del indie norteamericano más taquilleras del año 2019, la cual le llevaría a hacer historia al ser la primera persona con síndrome de Down que presenta un Oscar, algo que hizo junto a su co-estrella, Shia LaBeouf. La familia que tú eliges es el título que se le ha dado en España a The Peanut Butter Falcon, la película que ha hecho posible el sueño de Gottsagen, y de paso, que la ceremonia de los Oscar fuese un poquito más inclusiva.

Existe cierto paralelismo entre realidad y ficción, pues al igual que Nilson y Schwartz ayudaron a Gottsagen a convertirse en actor, en la película es el personaje de LaBeouf quien presta su ayuda para que el joven conozca a su ídolo, cumpla su sueño de ser luchador profesional y, en definitiva, que experimente la vida y la libertad que se le ha negado por ser considerado como alguien que no puede formar parte de la sociedad. Pero el apoyo que le brinda su nuevo amigo no se realiza desde la condescendencia o la compasión, como suele ocurrir en historias bienintencionadas como esta, sino de forma horizontal, de igual e igual. Suena manido y cursi decir que Zack y Tyler (LaBeouf) se ayudan y aprenden el uno del otro, pero es cierto, y lo mejor es que esa amistad que se forja entre ellos resulta natural, asilvestrada y entrañable sin dejar rastro de almíbar. Y todo sucede a lo largo de un viaje por la América rural, cruzando ríos y pantanos, lo que le da al conjunto un toque a lo Huckeberry Finn que le sienta fenomenal, y que la dupla de directores aprovecha para componer unos planos muy bonitos.

LaBeouf es un actor estupendo que a veces se pasa de frenada, pero en La familia que tú eliges está muy comedido, siendo generoso y estableciendo una gran química con Gottsagen, pues sabe que este último es el principal valor del film. Dakota Johnson cierra el trío protagonista con un personaje que podría haber sido eliminado del guion y no habría cambiado nada, pero quién en su sano juicio podría hacer eso cuando puedes tenerla a ella contribuyendo a la causa con todo su encanto natural. Bruce Dern, Thomas Haden Church, John Bernthal y John Hawkes son grandes actores que también se han sumado a la fiesta en roles pequeños, algo totalmente compresible, porque si bien nunca llega a ser una gran película (tampoco aspira a serlo) transmite tan buen rollo, y es tan agradable, ligera y transparente que uno solo puede rendirse ante ella y simplemente disfrutarla. Una evasión perfecta para un verano tan desquiciado como este.

7’5/10

O.C: El río (1951)

¿De qué va?: En la ribera de un gran río indio vive una familia británica. La llegada del capitán John turbará el corazón de las chicas de la casa y de Melanie, la hija del vecino, nacida de una hindú. Sin embargo, John rechazará el amor que le ofrecen.

Reputación: Adaptación cinematográfica de la novela homónima de Rumer Godden rodada por Jean Renoir en la India. Satyajit Ray, director de la trilogía de Apu, trabajó como asistente durante la producción, y ahí fue donde conoció a Subrata Mitra, que acabaría convirtiéndose en su director de fotografía. La película se grabó en Technicolor, por lo que tuvieron que utilizar luces más brillantes de lo habitual, y  se requirió de cinco meses de post-producción para el tratamiento del color. Renoir recurrió a actores no profesionales para interpretar roles principales como el de Harriet y el del capitán John; este último papel estaba pensado para actores del perfil de Marlon Brando y Glenn Ford, pero finalmente fue encarnado por el novato Arthur Shields, a quien le faltaba una pierna de verdad. El río ganó el Premio Internacional en el Festival de Venecia y es una de las películas favoritas de Martin Scorsese, además de haber sido una de las principales influencias de Wes Anderson durante el rodaje de Viaje a Darjeeling  (2007).

Comentario: Cuando una película es de temática Coming-of-Age ya me tiene medio ganado. Me atrae que El río sea una especie de Mujercitas en la India, con un puñado de jovencitas experimentando por primera vez el amor, el rechazo, los celos, la pérdida y otros sentimientos clave durante el crecimiento, en un entorno tan exótico y peculiar, recreado de una forma tan hermosa. Sin embargo, el desarrollo de la historia me resulta bastante soso, los paralelismos entre el devenir de la vida y el río demasiado obvios, y algunos personajes muy irritantes (no puedo con Harriet). Venía de ver la hilarante La regla del juego (1939) y me he llevado una decepción con El río, considerado como uno de los mejores trabajos de Renoir. Aún así, su respetuoso y genuino acercamiento a la cultura india no es del todo desdeñable, y habrá gente (Scorsese sin ir más lejos) que de buen seguro simpatizará más con esta familia colonial inglesa de lo que he hecho yo.

Próximo visionado: Laberinto de pasiones (1982)

7500 – Vuelo low cost

Dir.: Patrick Vollrath
Int.: Joseph Gordon-Levitt, Omid Menar, Aylin Tezer, Carlo Kitzlinger, Murathan Muslu, Aurélie Thépaut
¿De qué va?: Cuando unos terroristas intentan tomar el control de un vuelo Berlín-París, un joven copiloto estadounidense lucha por salvar la vida de los pasajeros y la tripulación mientras forja una conexión inesperada con uno de los secuestradores.

Reseña: No sé ustedes, pero yo echaba de menos a Joseph Gordon-Levitt; cinco años llevaba ya sin asomarse por la pantalla. Creía que ya no le ofrecían papeles por el fracaso en taquilla de su último estreno, El desafío (2015), pero resultó ser que estrenó paternidad y decidió tomarse un hiato para dedicarse por completo a su familia. Una de las pocas cosas buenas que nos trae el 2020 es su regreso a la interpretación, pues tiene un par de películas pendientes de estreno y una serie, además del film con el que ya hemos podido comprobar que el tiempo no pasa por él: 7500. En él, Gordon-Levitt encarna al copiloto de un vuelo que es tomado por terroristas.

El toque original de una premisa tan manida reside en el punto de vista, pues toda la experiencia se vive única y exclusivamente desde la cabina de los pilotos, sin banda sonora y siendo una cámara de seguridad instalada al otro lado de la puerta la única forma de saber lo que ocurre en el resto del avión. Esta forma de narrar la historia, muy en la línea de las claustrofóbicas y notables Enterrado (2010) y Locke (2013), aporta verosimilitud y, en teoría, debería aportar un plus de tensión. Y digo en teoría porque, pese a que los primeros minutos del secuestro son tremendos, la película no termina de convertirse en el ejercicio de tensión y suspense que está llamado a ser. Es evidente que su director, Patrick Vollrath, quiere ir más allá del ejercicio de suspense al reconducir la trama hacia la relación que se establece entre el copiloto y uno de los terroristas, pero nunca logra pasar de una corrección que no escapa de ciertos clichés y a la que le falta nervio.

Lo mejor de 7500 es la interpretación de Joseph Gordon-Levitt, que lo da todo y está por encima del conjunto, sobre todo cuando expresa impotencia y angustia al no poder hacer nada por ayudar a los pasajeros y al resto de su tripulación. Si comparamos el film con otra reciente propuesta de bajo presupuesto de Amazon, The Vast of Night (2019), vemos que la economía narrativa no resultaba un problema porque había ideas, riesgo y un guion que lo sustentaba todo. Teniendo en cuenta la cita literaria con la que arranca 7500, el mensaje de la película es que la violencia solo genera más violencia, con lo cual resulta paradójico que los terroristas sean musulmanes radicales, perpetuando así el estereotipo negativo que se tiene sobre dicha religión.

5’5/10

Saint Frances – Tenemos que hablar

Dir.: Alex Thompson
Int.: Kelly O’Sullivan, Ramona Edith Williams, Charin Álvarez, Lily Mojekwu, Jim True-Frost, Max Lipchitz

¿De qué va?: Bridget, de 34 años y  vida desastrosa, consigue un empleo para el verano siendo la niñera de Frances, una niña de 6 años. Mientras intenta crear una conexión con la obstinada Frances, Bridget tiene que lidiar con un embarazo no deseado que complica mucho su situación personal.

Reseña: Me gusta pensar que la ópera prima de Alex Thompson, Saint Frances, es un remake encubierto de Niñera a la fuerza (2003), una de las comedias más disfrutables que llegó a protagonizar la añorada Brittany Murphy. Las evidencias saltan al a vista: rubia inmadura acepta trabajo como niñera de una cría precoz y un poco desatendida con la que formará un vínculo especial pese a un accidentado comienzo. No obstante, Saint Frances aborda con honestidad un buen puñado de cuestiones femeninas y sociales que no tenían cabida por aquel entonces, propiciando que sea mucho más que la historia de una amistad-intergeneracional-cambia-vidas.

La película nos habla tanto del sentimiento de la maternidad como de la ausencia de él. Ahora que se ha estrenado en los cines españoles Unplanned (2019), film religioso antiabortista de argumento delirante, es el mejor momento para ver Saint Frances, pues trata el aborto con una franqueza rara vez vista en la ficción. Kelly O’Sullivan, actriz principal y guionista del film, nos habla directamente del trance que supone, de los sentimientos contradictorios, del malestar, del sangrado prolongado… todo con un agradecido toque de humor negro pero, sobre todo, apuntalando la idea de lo liberador que supone hablar abiertamente de algo ampliamente considerado tabú y reservado al ámbito de lo privado, al igual que sucede con otros estigmas sociales como la depresión o la homofobia.

Si bien hay algunas situaciones forzadas y algún que otro cliché (la madre obcecadísima en su trabajo) que compensa con matices innovadores (pareja de mujeres religiosa), Saint Frances es, ante todo, una película tremendamente natural y muy, pero que muy bien escrita. Por supuesto que existe un componente didáctico en la manera en la que el ligue de Bridget (Max Lipchitz) la apoya durante todo el proceso del aborto, o en la forma en la que se encaran a la señora homófoba durante la escena del parque, pero resulta mucho más inspiradora que moralista, y el vínculo que se crea entre Bridget y Frances (Ramona Edith Williams) es tan entrañable que no es fácil refrenar las lágrimas durante el desenlace. El valor de Saint Frances es inversamente proporcional a la repercusión que ha tenido, así que no lo duden y descubran esta joya oculta de la última cosecha del indie americano.

8/10

O.C: Johnny Guitar (1954)

¿De qué va?: Vienna regenta un salón de juegos a las faueras de una ciudad de Arizona, pero mantiene una relación complicada con los lugareños. Una de las razones es que ella apoya la construcción del ferrocarril en la zona, a la que sus vecinos se oponen, y que además permite que la banda de Dancin' Kid frecuente su salón. Cuando los lugareños finalmente se deciden a forzar la marcha de Vienna de la ciudad, esta recibirá la misteriosa ayuda de un recién llegado, Johnny 'Guitar' Logan.

Reputación: Joan Crawford compró los derechos de la novela Johnny Guitar de Roy Chanslor y se los vendió a Republic Pictures con la condición de que ella debía protagonizarla. Crawford exigió que todos sus primeros planos fuesen rodados en estudio, donde la iluminación podía ser mejor controlada para que saliera más favorecida. Quería a Claire Trevor para interpretar a su enemiga en la ficción, Emma, pero al final el rol fue a parar a Mercedes McCambridge, una joven y ambiciosa actriz con la que Crawford se llevó fatal. Se comenta que, un día, el equipo aplaudió de forma espontánea a McCambridge tras rodar una gran escena, lo cual enfureció a Crawford. A partir de entonces, el director, Nicholas Ray, empezó a rodar con McCambridge antes de que la estrella de la película apareciera por el plató, pero cuando esta lo descubrió, entró en el camerino de McCambridge y destrozó todo su vestuario. Otra versión de la historia dice que Crawford esparció sus vestidos por toda una autopista de Arizona y que el equipo técnico y el elenco tuvieron que recogerlos. McCambridge culpó a Crawford de su inactividad laboral durante los siguientes dos años debido a sus intentos de vetarla, mientras que Sterling Hayden, Johnny Guitar en la ficción, llegó a decir que “No hay suficiente dinero en Hollywood que me convenza de rodar otra película con Joan Crawford. Y me gusta el dinero”.

Comentario: Si bien casi toda la información relativa a la película tiene que ver con los ataques de divinismo de Joan Crawford (recomendable el visionado de la miniserie Feud para saber más de su trágica figura), Johnny Guitar es un notable western cuya principal fuerza reside en todos los clichés del género que derriba. A saber: una mujer protagonista, una villana con la que mantiene cierta tensión sexual, un interés romántico más joven que ella, un vestuario de colores chillones y saturados, una banda de criminales que no es unidimensional… Menos mal que con el tiempo se ha revalorizado, porque además de lo peculiar que es, contiene una gran interpretación de la Crawford y un guion lleno de grandes diálogos, como el mítico encontronazo romántico de la pareja protagonista. No comprendo por qué la película se titula Johnny Guitar, cuando debería haberse llamado Vienna.

Próximo visionado: El río (1951)

Itinerario de estrenos de julio 2020

Under the Skin: Siete años después de su estreno llega a España Under the Skin, film de Jonathan Glazer (Reencarnación) en el que Scarlett Johansson (Jojo Rabbit) da vida a un ser alienígena que se disfraza de mujer para alimentarse de hombres escoceses. Under the Skin ya es toda una película de culto que ha formado parte de varias listas que reúnen el mejor cine de lo que llevamos de siglo XXI, y  gracias a Avalon y Filmin por fin podremos disfrutarla en los cines de España y de forma legal.

Estreno: 10 de julio

Reseña

La familia que tú eliges (The Peanut Butter Falcon): Tyler Nilson y Mike Schwartz debutan en largo como directores y guionistas de esta fábula sobre la amistad que surge entre un chico con Síndrome de Down que quiere convertirse en luchador profesional y un fugitivo que le ayudará a cumplir su sueño. Shia LaBeouf (Honey Boy), Zack Gottsagen y Dakota Johnson (Personal Assistant) protagonizan esta tierna película que obtuvo muy buenas críticas y la nominación al SAG a mejor nuevo director, además de formar parte de la lista de mejores películas independientes del 2019 confeccionada por la National Board of Review. Reseña en breve.

Estreno: 17 de julio

En busca de Summerland: Drama británico ambientado durante la 2ª Guerra Mundial y centrado en un niño que es evacuado de la ciudad para refugiarse en la casa de una escritora solitaria y atormentada por una relación del pasado. Debut cinematográfico de la directora y guionista Jessica Swale con un elenco encabezado por Gemma Arterton (Vita & Virginia), Lucas Bond, Gugu Mbatha-Raw (Huérfanos de Brooklyn), Tom Courtenay (The Aeronauts) y Penelope Wilton (Downton Abbey) . De momento no hay reseñas publicadas.

Estreno: 31 de mayo

La caza: Thriller que gira en torno a un grupo de personas, desconocidas entre sí, que despiertan en un lugar donde los empezarán a ser cazados como si fueran animales. El estreno de la película, inicialmente programado para septiembre de 2019, fue cancelado tras unos tiroteos recientes en Estados Unidos (da igual cuando leas esto) y por las críticas lanzadas por el Presidente Trump. Finalmente, su estreno americano se produjo en marzo, poco antes de que estallase la crisis del Coronavirus, y unas semanas después ya estaba en plataformas bajo demanda. Dirige Craig Zobel (Compliance) con un reparto encabezado por Betty Gilpin (La maldición), Hillary Swank (I Am Mother), Ike Barinholtz (#SexPact) y Emma Roberts (Paradise Hills). Recibió críticas bastante mixtas.

Estreno: 31 de julio

Actriz del mes: Dakota Johnson

Nombre completo: Dakota Mayi Johnson

Fecha de nacimiento: 4 de octubre de 1989

Lugar de nacimiento: Austin, Texas (EE.UU.)

Filmografía destacada:

Don’t Worry, Darling (¿?)
The Lost Daughter (¿?)

Personal Assistant (2020)
La familia que tú eliges (2019)
The Friend (2019)
Wounds (2019)
Malos tiempos en el Royale (2018)
Suspiria (2018)
Cincuenta sombras liberadas (2018)
Cincuenta sombras más oscuras (2017)
Mejor… solteras (2016)
Cegados por el sol (2015)
Black Mass (2015)
Chloe & Theo (2015)
Cincuenta sombras de Grey (2015)
Guerra total (2014)
Need for Speed (2014)
Mi mejor amigo gay (2014)
Ben & Kate (Serie de TV) (2012 – 2013)
Eternamente comprometidos (2012)
Infiltrados en clase (2012)
For Ellen (2012)
El corazón de la bestia (2011)
La red social (2010)
Locos en Alabama (1999)

Méritos: Es hora de volver al cine… y en compañía de Dakota Johnson. La cartelera veraniega de este año va a ser muy extraña, pero al menos vamos a tener Dakota por partida doble: en primer lugar, con la comedia musical Personal Assistant, que ya se puede ver en los cines, y a partir del 17 de julio en La familia que tú eliges (The Peanut Butter Falcon), una entrañable aventura a lo Huckeberry Finn protagonizada por Shia LaBeouf. La actriz ya ha pasado la fase de ser conocida por ser hija de Don Johnson y Melanie Griffith (e hijastra de Antonio Banderas), pero al igual que Robert Pattinson y Kristen Stewart, aún es parcialmente menospreciada por haberse dado a conocer a través de una denostada pero muy lucrativa saga, la de 50 sombras de Grey.

Al igual que ha pasado con los protagonistas de Crepúsculo, Dakota está empezando a labrarse una interesante carrera que se mueve entre lo comercial y lo indie, manteniendo un perfil bajo que contrasta con el magnetismo que desprende delante de una cámara. Asimismo, recientemente ha fundado la productora TeaTimePictures junto a Ro Donnelly, antigua ejecutiva de desarrollo de Netflix, y ha fichado para formar parte del elenco de The Lost Daughter y Don’t Worry, Darling, películas que serán dirigidas por otras dos actrices que se han pasando a trabajar tras las cámaras: Maggie Gyllenhaal y Olivia Wilde. Si bien hay que reconocer que hasta la fecha su filmografía no es especialmente destacable más allá de haberse convertido en actriz fetiche de Luca Guadagnino, es su especial carisma a prueba de diastemas (desaparecido al quitarse el retenedor dental), perceptible en cada película en la que participa y en cada entrevista que concede, por lo que apostamos fuerte por el futuro profesional de Dakota Johnson.

Extras:

Tráiler de Personal Assistant

Tráiler de La familia que tú eliges

Entrevista sobre 50 sombras liberadas

Vale – Cortometraje para Estrella Damm 2015

Tour por la casa de Dakota Johnson para Arquitectural Digest