30/5/16

Un día en el 18º FICMEC

Ficmec

Hoy 30 de mayo, día de Canarias, es la clausura del 18º Festival Internacional de Cine Medioambiental de Canarias (FICMEC), que se lleva desarrollando desde hace cuatro años en Garachico, un pueblo costero del norte de la isla de Tenerife con una gran historia detrás; antaño fue la capital económica de la isla, pero una serie de catástrofes, erupción volcánica incluida, terminó con su liderazgo, no así con el encanto que desprende el lugar. Garachico es un perfecto emplazamiento para este festival cuyo eslogan, “Tiempo para pensar”, resume perfectamente su espíritu reflexivo en torno a las relaciones del hombre con el medio ambiente. Ayer pasé el día disfrutando del festival y a continuación cuento lo que dio de sí la jornada.

 

Poster Las abuelas de ChernobilLa programación oficial para el domingo 29 arrancaba a las 12.00 horas con la exhibición del documental Las abuelas de Chernóbil (The Babushkas of Chernobyl, 2015) pero la inesperada presencia en el festival de Kurt Diemberger, alpinista alemán y uno de los protagonistas del film K2-Tocando el cielo, programada para la tarde, propició la proyección de tres pequeños videos sobre sus escaladas y un turno de preguntas del público. Terminado el encuentro, empezó el documental dirigido por Anne Bogart y Holly Morris sobre las mujeres ucranianas que, tras el escape radiactivo de la base nuclear de Chernóbil, decidieron desafiar a las autoridades y poner en peligro su salud volviendo a sus hogares, situados en la conocida como “zona de exclusión”.

Las abuelas de Chernobil

El documental funciona tremendamente bien gracias a lo entrañables y cachondas que resultan ser las abuelas de Chernóbil, en contraste con el aislamiento, la soledad y el entorno decante en el que viven. También hay cabida en la cinta para abordar las secuelas de la radioactividad y la temeridad de aquellos jóvenes que se cuelan en la zona de exclusión para visitar las ruinas, lo cual no deja de ser interesante, pero con lo que nos vamos a quedar del conjunto es con esas conmovedoras señoras que han luchado contra la adversidad y han sobrevivido a un desastre nuclear sin perder la sonrisa, aferrándose a sus hogares, alimentándose de lo que cultivan en esas tierras contaminadas que no dejan de ser suyas, y donde permanecerán hasta el fin de sus días.

 

Poster El abrazo de la serpienteTras la proyección, comimos en un puesto de hamburguesas y cervezas ecológicas muy ricas y descansamos un poco porque a las 17.00 h. arrancaba la proyección de la colombiana El abrazo de la serpiente (2015), nominada a mejor película de habla no inglesa en la última edición de los Oscar. El film de Ciro Guerra se centra en Karamakate, un poderoso chamán del Amazonas, último superviviente de su pueblo, que vive en un aislamiento voluntario en lo más profundo de la selva. Un día se encuentra con Evan, un etnobotánico que va en busca de una poderosa planta sagrada. Juntos emprenden un viaje que avivará los recuerdos perdidos de Karamakate, que ya realizó hace tiempo un viaje similar junto a otro explorador en busca de la misma planta.

El abrazo de la serpiente

A lo largo de sus dos horas de metraje, El abrazo de la serpiente no deja de plantear cuestiones interesantes, valiéndose de la alternancia entre dos líneas temporales diferentes para reflexionar sobre la fe, la religión, las luces y las sombras del intervencionismo en las tribus nativas, el medio ambiente o la naturaleza destructiva del ser humano. Todo ello acompañado por una fotografía en blanco y negro que enfatiza el carácter misterioso, húmedo y místico del Amazonas. Sin embargo, su ritmo pausado y denso no la convierte en la película más idónea para visionar a la hora de la siesta, menos aún sentado en una silla que a la larga se hace bastante incómoda. En cualquier caso, es una muy buena película que se vale del género de aventuras para crear una expedición introspectiva sobre la complicada relación entre las poblaciones nativas y las conocidas como “civilizadas”.

 

Poster RamsMedia hora después del final de El abrazo de la serpiente arrancaba la proyección (con llenazo absoluto) de K2-Tocando el cielo, documental que gira en torno al verano de 1989, en el que la montaña acabó con la vida de 13 alpinistas. Lamentablemente tuve que saltarme la sesión porque necesitaba reponer fuerzas para estar en condiciones de ver la última película de la jornada, Rams (El valle de los carneros, 2015). Se trata de una producción islandesa dirigida por Grímur Hákonarson, ganadora del premio a mejor película tanto del último Festival de Valladolid como de la sección “Una cierta mirada” del Festival de Cannes del año pasado. Cuenta la historia de dos hermanos que, a pesar de ser vecinos y compartir la pasión por los rebaños de carneros, no se hablan desde hace 40 años. Todo cambiará cuando un virus pone en peligro la cría de estos animales en el valle donde residen.

Rams

Rams es una película muy curiosa, parca en palabras y aparentemente tan fría como los paisajes en los que se ambienta, que luego sorprende con unas notas de humor muy cálidas y efectivas, al tiempo que desarrolla la arisca relación entre esos dos hermanos tan testarudos como solitarios y apegados a sus carneros. Se trata de una historia mínima que parece detenida en el tiempo, en ese majestuoso valle del que parece que se puede respirar su aire puro, y que contiene imágenes poderosísimas, pero ninguna como la que cierra el film: tierna, dolorosa, humana y perfecta. Tuve que arrancar los aplausos en la sala porque el público se había quedado entumecido con ese desenlace.

IMG_6949

Tras la proyección, empezó un concierto de jazz en la plaza, pero el cansancio acumulado del día y el trayecto por carretera que me esperaba de vuelta a casa fueron dos poderosas razones para perdérmelo. Atrás había quedado un día de buen cine con conciencia ecológica y una pequeña aproximación al FICMEC, que me ha dejado con muchas ganas de repetir el año que viene… y de comprobar si alguna de las películas que vi rasca algo en el palmarés.

27/5/16

Ya nadie quiere a los Teleñecos

Banner The Muppets

Creador: Bob Kushell, Bill Prady
Emisión: 2015 – 2016, ABC
1 temporada

En el año 2004, Disney adquirió los derechos de los Muppets (o Teleñecos, como los conocimos en España), el mundialmente famoso grupo de títeres  creado por Jim Henson. Siete años después, llegó a los cines la película co-protagonizada por Jason Segel y Amy Adams que, entre la nostalgia y la parodia autoconsciente, traía a Gustavo y compañía al mundo del siglo XXI. Aunque su regreso fue por todo lo alto, la baja recaudación de su secuela, El tour de los Muppets (2014), acabó con la posibilidad de continuar con la saga en la gran pantalla, no así en la pequeña, pues la cadena ABC, propiedad de Disney, aprobó el desarrollo de una serie protagonizada por Gustavo, Peggy y compañía, iniciando una potente campaña promocional en torno a la noticia de que la rana y la cerdita habían roto su relación. Un año después, la serie ha sido cancelada debido a sus decrecientes índices de audiencia.

141334_7610

Dando un giro al formato de El show de los Teleñecos (1976), este relanzamiento partía de la premisa de que todos los Muppets están trabajando en un ‘talk show’ presentado por la cerdita Peggy. Con formato de falso documental al estilo Modern Family y ambientándose en las oficinas donde se prepara el programa de entrevistas, parecía que nos íbamos a encontrar ante una suerte de 30 Rock con la Rana Gustavo emulando a Liz Lemon y con Peggy haciendo de Jenna Maroney. En parte ha sido así, pero a medio gas. El principal problema al que se han enfrentado sus guionistas es la indefinición del tono, entre el humor adulto y el familiar. Sus gags, sin llegar a los niveles de incorrección de Padre de familia o de Los Simpsons en sus mejores tiempos, provocó la ira de varias asociaciones de madres de familia preocupadas por las ligeras alusiones sexuales, lo cual, sumado a la erosión de las audiencias (perdió en un mes más de la mitad de los 9 millones de espectadores que registró su piloto), provocó que la serie cambiase de showrunner en el parón navideño para intentar reconducirla.

139234_16

Y lo cierto es que la serie mejoró sustancialmente con el cambio: los episodios dejaron de centrarse exclusivamente en los caprichos de diva de Peggy, incluyeron el fantasma de la cancelación de la propia serie en la trama, y dieron más cancha a secundarios con un potencial por explotar, como la pareja de vividores formada por Rizzo y Pepe, pero ya era demasiado tarde. Ni las apariciones estelares y entusiastas de estrellas como Reese Witherspoon, Joseph Gordon-Levitt, Jason Bateman o Elizabeth Banks (unos más aprovechados que otros), consiguieron enganchar a la audiencia, y la cadena no confió lo suficientemente en ella como para darle una segunda oportunidad en forma de renovación.

The Muppets

Porque hay veces en las que las series necesitan un poco de tiempo para definirse y echar a volar. 30 Rock y Parks and Recreation no despuntaron demasiado en su primera temporada y estuvieron al borde de la cancelación, pero fueron renovadas y acabaron convirtiéndose en dos de las mejores comedias de la televisión americana. Nunca sabremos si The Muppets habría continuando mejorando en su segundo año en antena, y ya solo queda esperar al siguiente intento de recuperar la vieja gloria de estos entrañables personajes. Lamentablemente, puede que sólo nos volvamos a encontrar con ellos en forma de merchandising.

26/5/16

Cataclismo de mentirijilla

Poster XMen Apocalipsis

Dir.: Bryan Singer
Int.: James McAvoy, Michael Fassbender, Jennifer Lawrence, Oscar Isaac, Nicholas Hoult, Rose Byrne, Evan Peters, Lucas Till, Tye Sheridan, Sophie Turner, Kodi Smit-McPhee, Olivia Munn, Alexandra Shipp
¿De qué va?: Apocalpsis, el primer y más poderoso mutante del planeta, despierta tras miles de años dormido en un mundo que no le gusta, y por ello recluta a sus cuatro jinetes para acabar con la humanidad y empezar otra vez desde cero. Sin embargo, Charles Xabier, Mística y un grupo de jóvenes mutantes hará todo lo posible por impedírselo.

Reseña: Apocalipsis despierta en los años 80 y se siente decepcionado con el mundo que se encuentra… Pues si llega a levantarse tres décadas más tarde se habría arrancado los ojos directamente. Tras intermediar en la crisis de misiles de Cuba y jugar con las paradojas mentales, los X-Men retro se preparan para enfrentarse con el mismísimo fin de la raza humana. Pero… ¿eso no había pasado ya? Sí, pero esta vez se supone que va más en serio, con más destrucción masiva y un villano prácticamente invencible. ¿Y la sensación de que todo está perdido y de estar al borde del abismo? Eso se lo han ahorrado porque, para qué molestarse, si ya todo el mundo sabe que la franquicia mutante está lejos de terminar.

XMen Apocalipsis3

Bryan Singer volvió a la saga con Días del futuro pasado (2014), que contaba con la jugosa premisa de cruzar dos líneas temporales diferentes con sus respectivos elencos mutantes. Podía haber dado un poco más de sí pero no decepcionó. En Apocalipsis se supone que la mayor atracción reside en contar con uno de lo malvados más poderosos y destructivos del cómic, pero exceptuando el prólogo ambientado en el Antiguo Egipto, el personaje jamás resulta distintivo, imponente o temible, sino un malote que parece sacado de un capítulo de los Power Rangers con las archiconocidas ansias de destrucción. A Oscar Isaac le ha tocado la tremenda papeleta de sacar adelante este marrón y, por suerte para él, es probable que en poco tiempo nos olvidamos de que era él quien estaba debajo de esa caracterización imposible.

XMen Apocalipsis

Ante un malo decepcionante, la galería de mutantes está más desdibujada que nunca y las relaciones que se establecen entre ellos son más bien pobres, sin que pase nada especialmente interesante o trascendental en las dos horas y media de metraje; prueba de ello es que se recurra a flashbacks de las anteriores películas para reforzar los momentos supuestamente emotivos. James McAvoy y Michael Fassbender siguen dando lo mejor de sí mismos, no así Jennifer Lawrence, cuyo desinterés por lo que está ocurriendo a su alrededor resulta evidente, con un rol clavado al que ejercía en Los juegos del hambre. Por otra parte, es estupendo que traigan a vuelta a Rose Byrne como Moira MacTaggert… pero no para ventilar los orígenes de Apocalipsis y decir alguna obviedad de vez en cuando para que recordemos que está ahí.

XMen Apocalipsis2

En cuanto a los cuatro jinetes, a Magneto nos lo encontramos en una situación diferente e interesante, pero resuelta de la peor manera posible, y del resto apenas sabemos cómo se llaman (pobre Olivia Munn). Y tres cuartas partes de lo mismo ocurre con los viejos conocidos interpretados por actores jóvenes; todos y cada uno de ellos son excelentes decisiones de casting, pero el guionista se confía en que ya los conocemos de las películas precedentes, y que por tanto no debe reparar demasiado en ellos. Error, porque necesitamos de algún vínculo emocional para desear que sobrevivan en esas batallas en las que los efectos especiales resultan rutinarios e incluso algo chuscos. Cuatro párrafos rajando de X-Men: Apocalipsis cuando, en realidad, no me pareció mala en absoluto. Si te gusta la familia mutante permanecerás atento y entretenido a lo largo de su abultado metraje, pero dados los talentos involucrados (no hay que olvidar que Singer es en buena parte responsable del fenómeno actual de los superhéroes) hay que exigir más, mucho más, que este rutinario blockbuster con poco que recordar y mucho que olvidar. Da más pena aún cuando se recuerda lo buenísima que fue X-Men: Primera generación (2011).

5’5/10

24/5/16

O.C: Sospecha (1941)

Poster Sospecha¿De qué va?: Lina es una joven de la alta sociedad que conoce por accidente en un tren a un vividor llamado Johnnie, al que acabará pagándole el billete. Poco después, vuelven a encontrarse en una fiesta e inician un romance, ante el miedo de ella por convertirse en una solterona. Pero tras pasar por el altar, la atracción por el dinero y las apuestas de Johnnie inquietarán a Lina, y le harán pensar que, en realidad, su marido es un misterio para ella.

Reputación: Vigésimo octavo largometraje de Alfred Hitchcock y primero en el que ejerció labores de producción, basado en la novela Before the Fact (1932) de Anthony Berkeley Cox, que publicó bajo el pseudónimo de Francis Iles. A Joan Fontaine le gustó tanto el personaje de Lina que le mandó una nota al director ofreciéndose a interpretarlo gratis. No hizo falta llegar a ese extremo, y su entusiasmo y dedicación fue recompensado con el Oscar a mejor actriz, siendo la única interpretación de un film dirigido por Hitchock poseedor de una estatuilla dorada (también logró nominaciones a mejor película e historia). Fue la primera ocasión en la que Hitch trabajó con Cary Grant, repitiendo con él en otras tres películas: Encadenados (1946), Atrapa a un ladrón (1955) y Con la muerte en los talones (1959), siendo esta última la más célebre de todas. Tal y como se recoge en el libro de Truffaut, El cine según Hitchock, el director rodó un final mucho más oscuro, pero el estudio le obligó a cambiarlo ante la mala respuesta del público en los pases de prueba. La película se convirtió en tal éxito de taquilla que le permitió a Hitchcock gozar de una mayor libertad creativa en sus trabajos posteriores, los cuales empezaron a contener su famoso apellido en sus respectivos títulos.

Sospecha

Comentario: La filmografía de Hitchcock tiene tantas películas tremendas e icónicas, que un thriller tan bien ejecutado como Sospecha puede pasar desapercibido. Aún así, sería injusto menospreciar esta película que arranca como una comedia romántica desvirtuada (Lina decide casarse para espantar al fantasma de la soltería interminable) y progresa transformándose en una cinta de suspense que pivota sobre el comportamiento extraño de la figura masculina, manipulando eficazmente y de forma constante la percepción que tiene tanto la protagonista (fantástica Joan Fontaine) como el espectador sobre él. Lástima que no dejasen terminar la historia como Hitchcock deseaba, mucho más impactante que el desenlace definitivo. Mirando el lado positivo, gracias al cambio tenemos esa tensa secuencia final en la carretera, que es, junto con aquella en la que Cary Grant sube las escaleras sosteniendo un baso de leche fluorescente, la escena más memorable del film.

Próximo visionado: El hombre elefante (1980)

23/5/16

Con rabos y a lo loco

Poster TangerineLa democratización digital ha traído muchas cosas buenas. Hoy en día, realizar un corto o una película está al alcance de cualquiera que tenga un teléfono móvil, pudiéndose hacer auténticas virguerías. El cineasta Sean Baker rodó su quinta y más exitosa película, Tangerine, con tres iPhones 5 y una aplicación móvil que le costó 8 dólares, y si no hubiese dicho nada no se habría dado cuenta nadie, porque la calidad de la  imagen es tan nítida como la de cualquier cámara digital. No obstante, la técnica debe ir acompañada de talento, energía e ingenio, que es, al fin y al cabo, lo que convierte esta película en algo tan notable y refrescante.

Sin-De Rella es una prostituta transgénero que sale de la cárcel en la víspera de Navidad. En plena celebración de su libertad, su mejor amiga, Alexandra, le dice que su novio y proxeneta Chester le ha estado engañando, creyendo que ella ya estaba informada. Decidida a descubrir la ciudad, Sin-De  iniciará enfurecida una búsqueda por la ciudad de Los Ángeles. Esta premisa, que podría haber sido perfectamente la de un drama social en la línea de Princesas (2005), se rebela como el detonante de una estupenda comedia, que sigue a lo largo de un día las peripecias de sus protagonistas por los barrios menos glamurosos de L.A., sí, pero también los más vivos y auténticos, alcanzando el culmen en una escena donde todas las tramas convergen, dando lugar a una tragicómica situación a la altura de los clásicos americanos del ‘slapstick’.

Tangerine

Tangerine es la antítesis de La chica danesa, una película protagonizada por personas transexuales que supone una celebración de la diferencia sin afectación y sin recalcar su carácter reivindicativo. Los gags fluyen con la misma naturalidad que posee su reparto, en el que destaca  Mya Taylor, la amiga y confidente de la particular Cenicienta de este cuento, justa ganadora del Independent Spirit Award a mejor actriz de reparto. La película hace reír, y mucho, con las ocurrencias de sus personajes, pero Baker se guarda para el final la tristeza implícita en sus historias, dejando un regusto agridulce, pero necesario para que la película no quede desconectada de la realidad. Netflix ha tenido el buen ojo de rescatar Tangerine para distribuirla en España a través de su plataforma streaming, y yo no puedo hacer otra cosa que recomendar encarecidamente que rescaten este pequeño y desinhibido diamante orgulloso de ser en bruto.
8/10

20/5/16

Como cerdos en un lodazal

High Rise

Dir.: Ben Wheatley
Int.: Tom Hiddleston, Jeremy Irons, Sienna Miller, Luke Evans, Elisabeth Moss, James Purefoy, Sienna Guillory, Keeley Hawles, Stacy Martin
¿De qué va?: El doctor Robert Lang se muda a su nuevo apartamento en un lujoso rascacielos donde los residentes no tienen intención de dejarlo en paz. Resignado a las complejas dinámicas sociales que lo rodean, Lang se convierte en un buen vecino, pero cuando las luces se empiezan a apagar y los ascensores dejan de funcionar, la salud mental de Lang se desintegra al mismo tiempo que el edificio.

Reseña: Si eres de los que creen en la bondad innata del ser humano, esta no es tu película. Si por el contrario crees que la propia raza humana será la responsable directa de su extinción, bienvenido seas. Basada en la novela homónima del profético J.G. Ballard, High-Rise se ancla en los años 70 para hablarnos de un futuro próximo en el que las diferentes clases sociales habitan un rascacielos donde la diferencia de libertades y privilegios entre los de arriba y los de abajo provocará, cómo no, una batalla campal que sacará el animal salvaje que todos llevamos dentro. Es como la hija bastarda y descocada de La naranja mecánica (1971) y Snowpiercer (2013), heredando la violenta desidia burguesa de la primera y el pesimismo social de la segunda.

High Rise4

Aquella pareja de excursionistas bobalicones que se revelaban como auténticos asesinos en serie de Turistas (2012) bien podrían haber sido inquilinos del rascacielos protagonista de la nueva película de su director, Ben Wheatley, que trata al edifico donde se desarrolla casi toda la acción como un personaje más: es una figura robusta, distante y segura de sí misma que va debilitándose paulatinamente hasta que se revela como el caos putrefacto que en realidad es. La gracia está en que la tesis de la propuesta consiste en afirmar que esa anarquía demencial es, en realidad, el estado por el cual las personas seremos coherentes con nuestra propia naturaleza. La lucha de clases es tan inevitable como el momento en el que perderemos las formas y actuaremos bajo instintos tan primarios y amorales como los que sacan a relucir los personajes en el tercio final de la historia, resultando ser más feroces y carroñeros que los propios animales.

High Rise2

Wheatley se contagia de esa vorágine decadente en la que se sumergen los vecinos del rascacielos, pero la faltan tablas para evitar que la claridad narrativa se resienta. En consecuencia, el conflicto estalla casi sin avisar y todo lo que sucede a continuación resulta inconexo y confuso, sobrecargando la película con metáforas que no hacen más que subrayar varias ideas que ya se comprenden por sí solas. Otras, en cambio, necesitan de un segundo visionado para poder ser digeridas de lo sutiles que resultan, por lo que no sería de extrañar que High Rise fuese la película más trastornada y contradictoria del año, pero también una de las más fascinantes y farragosas.

High Rise3

Aun siendo excesivamente estilizada, el look entre la moda setentera y el retro-futurismo no deja de ser hipnótico, destacando asimismo el espectro sonoro, con una taciturna y lúgubre versión del SOS de Abba a cargo del grupo Portishead como joya de la corona, y un reparto, liderado por un estupendo y desinhibido Tom Hiddleston, comprometido con la enajenación de los personajes a los que encarnan, cuyas acciones no siempre entendemos. Quizás no haya nada que entender y todo sea una feliz aberración con todo el (sin)sentido del mundo. O una interpretación hueca de la novela de Ballard. O todo a la vez. Sospecho que a cualquier apreciación que se haga de la película no le faltará razón.

7/10

17/5/16

Temerosos de Dios

Poster La bruja

Dir.: Robert Eggers
Int.: Anya Taylor-Joy, Ralph Ineson, Kate Dickie, Harvey Scrimshaw, Ellie Grainger, Lucas Dawson
¿De qué va?: En la Nueva Inglaterra del año 1630, un matrimonio de colonos cristianos, con cinco hijos, vive aislado cerca de un bosque. Cuando el hijo recién nacido desaparece y los cultivos no crecen, los miembros de la familia se rebelan los unos contra los otros, mientras un mal sobrenatural les acecha de cerca.

Reseña: En los últimos años, se ha producido una llegada de cineastas noveles que han insuflado con ideas nuevas y creativas al maltrecho género de terror, jugando con sus mecanismos y sus golpes de efecto para elaborar historias que no se conforman con sobresaltar al espectador a base de los sustos manidos de siempre: a Fede Álvarez (Posesión infernal), Jennifer Kent (Babadook) y David Robert Mitchell (It Follows) hay que sumar ahora a Robert Eggers, cuya encomiable ópera prima, La bruja, llega dispuesta a entusiasmar a unos pocos y a irritar a aquellos incautos que se acerquen al cine creyendo que van a ver una película de miedo convencional. La culpa es de Universal, por hacer una campaña de marketing tramposa en la línea de la de El bosque (2004).

La bruja2

Porque La bruja no es una película de terror, sino sobre el terror. El terror que experimenta una familia puritana del siglo XVII hacia el aislamiento, a la amenaza de inanición, a las leyendas que hablan de brujas que se comen a los niños, a alejarse de su Dios y, en consecuencia, a ser castigados y ganarse un merecido puesto en el infierno. Eggers desmantela la fe y la armonía de esta familia valiéndose de elementos cotidianos e inofensivos y detalles perturbadores, creando una atmósfera densa y lúgubre, con la inestimable ayuda de la sombría partitura de Mark Korven y de una dirección de fotografía que enfatiza el carácter pictórico y espeluznante de sus imágenes, sin grandes alardes técnicos, pues muchas veces se resuelven los momentos más inquietantes con un simple plano-contraplano, y en algunos casos con un único plano sostenido.

La bruja3

Y mientras la violencia se va haciendo más y más patente entre los miembros de la familia, encarnados por unos intérpretes perfectamente aclimatados (los jóvenes Anya Taylor-Joy y Harvey Scrimshaw deslumbran), el director expone las maneras y costumbres de la época, haciendo especial hincapié en la represión sexual y la discriminación femenina, dejando entrever que las brujas no son más que la consecuencia de una sociedad patriarcal que utiliza a las mujeres para las tareas del hogar y para procrear, siendo repudiadas y proscritas cuando se atreven a contradecir a sus mayores o a pensar por sí mismas. ¿Existen las brujas o son producto de la histeria colectiva de una comunidad que censura cualquier atisbo de libertad o de razonamiento crítico?

La bruja

La bruja provocará los abucheos y las risas de todos aquellos que se desesperen al encontrarse con una película que no les mantiene despiertos a base de golpes de efecto. Para todos los demás, se trata de una película hermosamente perturbadora, cocinada a fuego lento, que utiliza las convenciones del género para componer un relato perfectamente cohesionado, entre el costumbrismo y la fábula, entre lo clásico y la innovación, sobre la fragilidad del ser humano, y sobre cómo sólo hace falta tocar unas teclas para que todo se venga abajo y la rendición ante el Mal se produzca. Sus imágenes aspiran a convertirse en iconos del cine contemporáneo.

8/10

16/5/16

El fin del arcoíris

Poster La ultima apuesta

Dir.: Anna Boden, Ryan Fleck
Int.: Ben Mendelsohn, Ryan Reynolds, Sienna Miller, Analeigh Tipton, Alfre Woodard, Robin Weigert
¿De qué va?: Inmerso en una racha de mala suerte y dificultades financieras, Gerry forma equipo con Chris, un carismático jugador de póker, en un intento de que por fin le sonría la fortuna. Los dos se embarcan en un viaje por carretera a través del sur de Estados Unidos con intención de recuperar todo lo que han perdido.

Reseña: Los arcoíris son hermosos, un espectro que da color a un escenario gris, que parece que pueden ser tocados… pero no son más que una ilusión óptica. La dupla de directores formada por Anna Boden y Ryan Fleck los utiliza en su último trabajo conjunto, La última apuesta (Mississippi Grind), como metáfora de la esencia de la ludopatía: la posibilidad de ganar parece tan real y es tan seductora que resulta casi imposible resistirse a seguir jugando, pero como el arcoíris, esa ilusión no tarda en desvanecerse… aunque las nubes permanecen.

Mississippi Grind2

En las Antípodas del glamour que caracteriza a la gran mayoría de películas sobre juegos de azar, La última apuesta se centra en el retrato de su pareja protagonista y en los aspectos que los asemejan y diferencian entre sí: Gerry está atrapado en una espiral de autodestrucción, convencido de que en algún momento su mala suerte debe terminar, y justo lo hace cuando conoce a Chris, pretendido amuleto de la suerte que, a diferencia de su nuevo amigo, sí sabe cuando tiene que parar, pero que va por la vida sin rumbo fijo, cambiando de ciudad y de amigos cada vez que se aburre.

Mississippi Grind

Ambos son un desastre y un tanto amorales, pero gracias a lo bien construidos que están y a las interpretaciones de Ben Mendelsohn y Ryan Reynolds, tan diferentes como complementarias entre sí, les seguimos con interés a través de su viaje por carretera, en busca de una fortuna tan ilusoria como los gigantes que perseguía Don Quijote, y con la misma empatía que sentimos por el profesor drogadicto al que daba vida Ryan Gosling en Half Nelson, o por el adolescente encerrado en un psiquiátrico de Una historia casi divertida, anteriores trabajos de Fleck. Mendelsohn y Reynolds conducen la película sin problemas, el primero desde la contención y el segundo valiéndose de su habilidad para la verborrea, pero también habría estado bien dar más cancha a esas acompañantes profesionales a las que dan vida unas encantadores Sienna Miller y Analeigh Tipton.

MSG

La última apuesta es la mejor película que se ha hecho sobre adictos a juegos de azar desde el estreno de The Cooler (2003), aunque es normal que haya pasado desapercibida porque, además de no dar más minutos de los suficientes a las partidas, se fundamenta principalmente en la dinámica del dúo protagonista, sin grandes aspavientos. Su mayor ‘pero’ está en que Fleck y Boden no consiguen rematar la faena en su desenlace, introduciendo una benevolencia que hasta entonces había brillado por su ausencia en la historia de estos perdedores amantes de los arcoíris.

7/10

14/5/16

Equidad para todos y para todas

Poster Freeheld

Dir.: Peter Sollett
Int.: Julianne Moore, Ellen Page, Michaen Shannon, Steve Carell, Josh Charles, Luke Grimes, Mary Birdsong, Dennis Boutsikaris
¿De qué va?: A Laura Hester, condecorada policía de Jersey, le diagnostican cáncer, y quiere dejar su pensión ganada durante años a su pareja de hecho, Stacie. Sin embargo, los funcionarios del condado deniegan su petición, dando pie a una batalla por conseguir la igualdad.

Reseña: Existen pocas armas de doble filo en el cine como el “basado en hechos reales”. Si bien existe un sector del público que se muestra muy entusiasta ante las películas que parten de historias reales “más grandes que la vida” y consideran que son buenas per se, también es cierto que en general este subgénero transmite cada vez más pereza por el escaso margen de maniobra que padece narrativa y estéticamente, además de ejercer no tanto una función informativa y de difusión como de vehículo de lucimiento de los actores involucrados, normalmente estrellas que ven aquí la oportunidad perfecta para demostrar su valía y de paso ganarse unos cuantos premios.

DSC_4314.NEF

La mayor baza de Freeheld, Julianne Moore, ya ganó todos los galardones habidos y por haber con Siempre Alice el año pasado, y para más inri encarnando asimismo a una persona enferma, por lo que el film no fue tenido en cuenta en la última temporada de premios. Quizás el emotivo tema que canta Miley Cyrus en los créditos finales tendría que haber tenido mejor suerte, pero ya está. Freeheld es una película tan bienintenciada como inofensiva y convencional. Consta de una primera parte bastante anodina, en la que se nos presenta la forma en la que se conocieron Laurel y Stacie y cómo la primera escondía su condición sexual por miedo a que afectase a su proyección profesional, para luego mejorar sustancialmente cuando entra en el meollo de la cuestión, con la lucha por conseguir los mismos derechos de pensión para las parejas de hecho, abordando temas como el miedo a no ser aceptados por lo que somos, el terrible sistema sanitario americano o las secuelas de vivir en una sociedad que se rige, aún a día de hoy, por el patriarcado más rancio.

DSC_3871.NEF

La película tontea con el ‘porno drama’ y el exceso a través del entusiasta (y un tanto oportunista) abogado judío al que encarna Steve Carell, además de añadir un par de clichés para reforzar la historia, como ese compañero de policía armarizado. Sin embargo, su estrategia de manipulación funciona, por lo que resulta muy fácil dejarse llevar y contagiarse de la emoción y el espíritu combativo de la historia de Laurel y Stacie. Si bien la interpretación de Ellen Page no pasa de correcta, son Julianne Moore y Michael Shannon quienes realizan los trabajos más destacables del conjunto. Moore revalida su habilidad para transmitir tanto fuerza como vulnerabilidad mientras una enfermedad terrible la consume, y Shannon traza con convicción y sin trampas un personaje que consigue vencer su hermetismo y su aparente antipatía por conseguir justicia para su compañera y amiga. Que sí, que se le ven las costuras, pero Freeheld reúne suficientes ingredientes como para destacar en la programación de sobremesa para la que parece estar destinada.

6/10

12/5/16

Ladrones, policías y viceversa

Poster Triple 9

Dir.: John Hillcoat
Int.: Casey Affleck, Chiwetel Ejiofor, Anthony Mackie, Aaron Paul, Woody Harrelson, Kate Winslet, Clifton Collins Jr., Gal Gadot
¿De qué va?: Un grupo de criminales y policías corruptos de Los Ángeles planea utilizar el código “triple 9”, utilizado para alertar de que un agente ha caído, para distraer la atención de un importante robo que deben llevar a cabo para la mafia rusa.

Reseña: El peor enemigo del cine se encuentra actualmente en la ficción televisiva, dado el salto de calidad que ha experimentado esta última desde aquel año en el que Perdidos, Mujeres desesperadas y Veronica Mars llegaron para cambiar la forma en la que consumíamos series, y a la entrada en el mercado de Netflix, Amazon y demás productoras que le han comido la tostada a las cadenas generalistas. El cine ha dejado de considerarse superior a la televisión por el mero hecho de consumirse en pantalla grande, mientras que la “caja tonta” ha sabido aprovechar herramientas como la posibilidad de evolucionar a sus personajes a lo largo de los años para fidelizar y cautivar a la audiencia.

Triple92

Todo esto viene a cuento porque a Triple 9 no le hace ningún bien estrenarse años después de que The Wire y Breaking Bad revolucionasen el thriller criminal, pues no tiene nada nuevo que ofrecer al género. John Hillcoat, que ya había demostrado su habilidad para las atmósferas turbias y violentas (The Road, Lawless) recrea Los Ángeles como un lugar sucio, corrupto y amoral, donde la policía no es más que una pieza de la partida de ajedrez de los que mueven los hilos de la urbe desde sus grandes mansiones o desde la propia cárcel. Hasta ahí, todo bien, todo muy entretenido y rodado con pericia, pero la historia en sí no sólo tiene poca chicha, sino que enfatiza y se recrea en el sexismo del mundo criminal con una galería de personajes femeninos a cada cual más accesorio, con Gal Gadot y Teresa Palmer presentes sólo para enseñar el culo.

Triple9

Ni siquiera se salva Kate Winslet, pues pese a que uno de los mayores reclamos de la película resida en ver a la oscarizada actriz ejerciendo de mafiosa rusa-israelí, de botas tan rojas como la sangre que se ha derramado bajo sus órdenes, jamás queda patente del todo lo despiadada y letal que se supone que es, quedando más bien reflejada como una camorrista de boquilla. Y con Casey Affleck ejerciendo de referente moral mientras mastica chicle con la boca abierta en cada plano, el resto del lujoso reparto contribuye a la sensación continua de déjà vu asumiendo roles en los que estamos muy acostumbrados a verlos: Aaron Paul como drogata con crisis de conciencia, Clifton Collins Jr. haciendo de tío del que siempre hay que desconfiar, Woody Harrelson haciendo de Woody Harrelson… Tal vez se deba a que a estas alturas estamos curados de espanto, pero Triple 9 está lejos de provocar la conmoción que pretende.

5/10

10/5/16

O.C: Nosferatu (1922)

Poster Nosferatu¿De qué va?: Hutter y su mujer Ellen son un matrimonio que vive en la ciudad de Wisborg en el año 1838. Un día, un agente inmobiliario manda a Hutter a Transilvania a cerrar un negocio con el conde Orlok sobre una propiedad que linda con la casa de la pareja. Una vez en su castillo, el joven amanece con dos pequeñas marcas en el cuello, y aunque en un principio las atribuye a los mosquitos, pronto descubre que su anfitrión es en realidad un vampiro

Reputación: Obra clave del expresionismo alemán, surgida a raíz del deseo de F.W. Murnau de realizar una adaptación cinematográfica de la novela Drácula de Bram Stoker, pero su estudio no logró hacerse con los derechos del relato. Sin embargo, el director decidió seguir adelante alterando un poco la historia y cambiando los nombres de los personajes, lo cual provocó que la viuda de Stoker le demandase por infringir los derechos de autor y ganase el juicio en consecuencia. El tribunal ordenó que se quemaran todas las cintas de la película, pero esta se pudo salvar gracias a que ya se habían distribuido una serie de copias por todo el mundo, permaneciendo escondidas por particulares hasta la muerte de la viuda de Stoker. Dado que se realizaron montajes diferentes para cada país, existen varias versiones del film, si bien recientemente se han editado versiones restauradas con casi todo el metraje original.

Nosferatu

En 1979, Werner Herzog dirigió un remake titulado Nosferatu, el vampiro de la noche, un homenaje a la que el director considera la mayor película alemana jamás hecha, y que se saldó con un gran éxito de taquilla y público. Más tarde, en el año 2000, se estrenó La sombra del vampiro, descripción ficticia del rodaje que se vale de una leyenda urbana que afirma que Max Schrek, Nosferatu en la película, era un vampiro en la vida real. Recientemente se ha anunciado que Robert Eggers, director de la aclamada La bruja, dirigirá y escribirá una nueva versión de la obra de Murnau.

Nosferatu2

Comentario: Nosferatu es, simple y llanamente, pura poesía gótica. Carecerá de interés para todos aquellos que sólo consideren las películas como una mera distracción, pero su visionado debe ser obligatorio, tarde o temprano, para todo aquel que se considere un auténtico cinéfilo, aunque no le tenga que entusiasmar necesariamente. Yo tuve la suerte de poder ver una de las mejores versiones restauradas que pululan por ahí en una sala de cine, y aunque fue una gran e irrepetible experiencia, admito que bostecé en varias ocasiones, en buena parte fruto del cansancio acumulado, y a que requiere cierto esfuerzo para verla del tirón. Da lo mismo, es una obra cuya repercusión en el cine alemán, europeo e internacional resulta incontestable, siendo, con bastante probabilidad, el plagio más valioso de la historia del cine. Todo el mundo recuerda, no sin razón, las apariciones espectrales de Nosferatu como la imagen más icónica, pero, tal vez por conocerla de antes, me quedo con el escalofriante plano del desfile de ataúdes por las calles del pueblo donde se ambienta la película.

Próximo visionado: Sospecha (1941)

9/5/16

La flor del Oeste que quiso ser salvaje

Poster La venganza de Jane

Dir.: Gavin O’Connor
Int.: Natalie Portman, Joel Edgerton, Ewan McGregor, Noah Emmerich, Boyd Holbrook, Rodrigo Santoro
¿De qué va?: Un día, el marido de Jane regresa a casa con 8 heridas de bala. La banda del cruel Bishop lo ha acribillado, y pese a haber sobrevivido, es cuestión de tiempo que los forajidos aparezcan para rematar la faena. Jane decidirá entonces preparar una buena defensa para su hogar, recurriendo a un viejo amor y acérrimo enemigo de su marido para que le preste su ayuda.

Reseña: Natalie Portman es uno de esos casos en los que nosotros, el público, somos testigos del crecimiento de un actor o actriz a través de una carrera cinematográfica que comienza en la más tierna infancia. Tras el punto de inflexión que supuso ganar el Oscar a mejor actriz por Cisne negro, la actriz pasó una temporada alejada de las cámaras disfrutando de su reciente maternidad. En cierta manera, Portman afronta con La venganza de Jane una nueva etapa de su carrera, la madurez, y no deja de ser llamativo que lo haga con una historia de vendettas como aquella con la que se asomó por primera vez a la gran pantalla, Léon, el profesional (1994).

DSCF2654.RAF

Sin embargo, traducir en imágenes el guión de Brian Duffield que Portman rescató de la Black List de mejores libretos de Hollywood sin producir, no ha sido un camino de rosas, teniendo que lidiar con la marcha de la directora original, cambios de reparto, retoques de guión, retrasos, etcétera. Para todos los contratiempos que ha sufrido, la película se ve con facilidad y luce francamente bien (gracias en buena medida al meritorio trabajo de la directora de fotografía Mandy Walker), pero resulta escasamente destacable. En una época en la que el género western goza de interesantes y modernas relecturas (Los odiosos ocho, Slow West, Bone Tomahawk…), La venganza de Jane se muestra incapaz de aportar nada novedoso más allá de su premisa, sobre una mujer que, cansada de vivir en constante huida, está decidida a plantarle cara a sus problemas…. El inconveniente está en que su evolución no está especialmente definida, ni la preparación a la que se somete para convertirse en, supuestamente, una aguerrida pistolera.

La venganza de Jane2

En cambio, la película se centra más en el triángulo amoroso que conforman la protagonista, su moribundo marido (un aletargado Noah Emmerich) y su despechado ex amante (pasable Joel Edgerton), mientras que la banda liderada por un malévolo pero desaprovechado Ewan McGregor avanza por la llanura.  En cuanto a Natalie Portman, estaba mucho más convincente y portentosa en su pequeño papel en Cold Mountain, donde curiosamente vivía una situación muy similar. Por desgracia, La venganza de Jane engrosa la lista de producciones de la casa Weinstein que habrían sido mucho mejores si se hubiesen concebido antes de sufrir recambios y retoques constantes, pues es evidente que había una historia cruda y potente que fue desdibujada para pulir los aspectos más incómodos, y de paso hacer una exaltación de los valores familiares. Esperemos que la madurez artística le aguarde mejores cosas a la Portman.

5’5/10

8/5/16

Dalton se aferró a su máquina de escribir

Poster Trumbo

Dir.: Jay Roach
Int.: Bryan Cranston, Diane Lane, Helen Mirren, Louis C.K., Elle Fanning, John Goodman, Michael Stuhlbarg, Alan Tudyk
¿De qué va?: En los años 40, la carrera de Dalton Trumbo, el guionista mejor pagado de Hollywood, dio un vuelco cuando entró en la lista negra de la Comisión de Actividades Antiamericanas por sus ideas políticas, afines al comunismo.

Reseña: Hollywood no fue siempre ese idílico lugar en el que sus estrellas se reúnen para apoyar causas tan nobles como la regulación de la tenencia de armas, la erradicación del acoso en las aulas o la preservación del medio ambiente. En plena Edad del Oro de su cine, la paranoia comunista orquestada por el senador McCarthy condenó al ostracismo a un grupo de profesionales cinematográficos en base a acusaciones infundadas y desorbitadas lanzadas por sus propios compañeros. Dalton Trumbo fue la cara más visible de las víctimas de la caza de brujas realizada en la Meca del Cine por su inquebrantable entereza e ingenio, que le permitió sobrevivir al boicot que sufrieron los llamados “10 de Hollywood”. En resumidas cuentas, su lucha fue carne de biopic.

Trumbo2

Trumbo. La lista negra de Hollywood goza de un valor de interés intrínseco para todo aquel cinéfilo de pro al abordar tanto el que tal vez sea el capítulo más avergonzarte de la historia de la industria cinematográfica estadounidense, como por seguir el declive y posterior ascenso de Dalton Trumbo, desde que fue encarcelado hasta que volvió a triunfar con Espartaco sin tener que firmar su trabajo con un pseudónimo. La película se sigue con interés perpetuo y todos los valores de producción están a un buen nivel pero, sin embargo, carece de incentivos que la hagan destacar y diferenciarse de otras películas biográficas. El director Jay Roach se conforma con cumplir con el objetivo funcional de rendir culto a la figura de Trumbo, pero hasta la forma en la que se acerca a los claroscuros del personaje resulta previsible y ‘light’.

Trumbo

Bryan Cranston cumple con lo que se espera de cualquier intérprete que se meta en la piel de una personalidad tan carismática, esto es, lucirse hasta llegar a la sobreactuación que tanto chifla a los encargados de conceder premios cada año; hace un buen trabajo, pero no brillante. A su lado, Diane Lane sufre un rol de esposa y madre ofensivamente insulso, limitándose a ser comprensiva y mediar en una trama familiar que bien podría haberse reducido para profundizar en las consecuencias del ‘macarthismo’ entre el resto de integrantes de Los 10 de Hollywood. La presencia en el reparto de una espléndida Helen Mirren y de Michael Stuhlbarg, John Goodman y Louie C.K. es muy agradecida, pero en última instancia, Trumbo no pasa de una simple y llana corrección. No deja de ser curioso que uno de los momentos más emotivos de la cinta se encuentre en los créditos finales, con el extracto de una entrevista que se realizó al Trumbo auténtico, lo cual me hace sospechar que el documental Trumbo y la lista negra (2007) puede ser más estimulante que esta realidad ficcionada.

6/10

6/5/16

La rebelión del Boy Scout

Poster Civil War

Dir.: Anthony Russo, Joe Russo
Int.: Chris Evans, Robert Downey Jr., Sebastian Stan, Scarlett Johansson, Anthony Mackie, Don Cheadle, Jeremy Renner, Chadwick Boseman, Paul Bettany, Elizabeth Olsen, Paul Rudd, Emily VanCamp, Tom Holland, Daniel Brühl, William Hurt
¿De qué va?: Después de que otro incidente internacional involucre a Los Vengadores, causando bajas civiles, aumentan las presiones políticas para instaurar un sistema que exija más responsabilidades y determine cuándo se deben contratar los servicios de los superhéroes. Esta nueva situación dividirá a Los Vengadores, y los separará aún más cuando Bucky, el Soldado de Invierno, entra en escena.

Reseña: Tras la espantada de Joss Whedon, Marvel ha depositado buena parte de la responsabilidad de su universo cinematográfico en los hermanos Anthony y Joe Russo. Ellos, que en un primer momento parecían un fichaje un tanto arbitrario, realizaron un trabajo tan impecable en Capitán América: El soldado de invierno, que tanto el estudio como los fans se han puesto de acuerdo en que son la opción más idónea para dirigir esa apoteosis que supondrá el díptico de Avengers: Infinity War. Pero antes, los Russo ponen punto y final a la trilogía protagonizada por el Capitán América con Civil War, que a su vez sirve de campo de entrenamiento para lo que les depara el futuro.

Marvel's Captain America: Civil War

L to R: Sharon Carter/Agent 13 (Emily VanCamp), Sam Wilson/Falcon (Anthony Mackie), Natasha Romanoff/Black Widow (Scarlett Johansson), and Steve Rogers/Captain America (Chris Evans)

Photo Credit: Zade Rosenthal

© Marvel 2016

Pese a ser una secuela, El soldado de invierno era una película muy sólida que se sostenía por sí sola, escasamente deudora del resto de marcas de la franquicia. En cambio, Civil War no es sólo continuación de aquella, sino también de Vengadores: La era de Ultrón, al tiempo que presenta las credenciales de dos nuevos superhéroes de la franquicia; un ejercicio de malabarismos del que el dúo de directores sale airoso gracias a un guión que hilvana con cuidado las diversas hebras argumentales para que no sean simples pegotes, y aún así, da la impresión de que la historia no se resentiría sin la inclusión de Spider-Man, Ojo de Halcón y otros personajes, es más, el conflicto principal habría salido fortalecido y el trasfondo político podría haber cobrado más importancia. No obstante, si la película tiene algún problema de ritmo es porque se toma su tiempo para que los protagonistas cuelguen la capa, interactúen entre ellos como el grupo de colegas y compañeros de armas que son, y expongan sus conflictos y dilemas, de forma tan superficial como eficiente, a la hora de escoger entre dos bandos, cada uno con su parte de razón.

Marvel's Captain America: Civil War

L to R: Falcon/Sam Wilson (Anthony Mackie), Ant-Man/Scott Lang (Paul Rudd), Hawkeye/Clint Barton (Jeremy Renner), Captain America/Steve Rogers (Chris Evans), Scarlet Witch/Wanda Maximoff (Elizabeth Olsen), and Winter Soldier/Bucky Barnes (Sebastian Stan)

Photo Credit: Film Frame

© Marvel 2016

De todas formas, resulta un tanto paradójico que uno de los mejores personajes de la película sea también el más innecesario: el Spider-Man de Tom Holland justifica el reboot del superhéroe tan sólo cuatro años después del anterior, y supone todo un “placer friki” verlo pelear junto a otros personajes de la factoría Marvel, en una secuencia de pelea campal en un aeropuerto que consagra a los hermanos Russo como excelentes conductores de este tipo de set-pieces perfectamente coreografiados, priorizando la acción física por encima de las explosiones y poderes mágicos, sin perder jamás la orientación ni incurriendo en el caos. Dicha escena es el plato principal de una película que arranca con una cámara deliberadamente inquieta, heredada de la saga Bourne, y concluye con un duelo violento y emocionante que debería marcar el devenir de la saga. La presencia del villano tampoco era fundamental, pero posee matices que le hacen destacar de una poco carismática galería de villanos en la que hasta ahora sólo había despuntado Loki.

Civil War3

Fundamentada como un thriller internacional, esta Civil War no tiene prácticamente nada que ver con la que se vivió en el cómic, pero a estas alturas del partido poco importa, pues hace tiempo que el universo cinematográfico y televisivo de la Casa de las Ideas emprendió el vuelo para forjar su propio camino ajeno a su referente de papel. Aquí la fórmula Marvel se perfecciona, logrando una mejor coexistencia entre seriedad, espectáculo y humor y, si bien no resulta tan redonda como las mejores películas de la casa (Los Vengadores, El soldado de invierno y Guardianes de la galaxia), sobre todo por sus deudas con lo precedente y por lo que está por llegar, supone un notable inicio de la Fase 3, y cierra, de momento, el viaje realizado por el Capitán América, que empezó como un patriótico soldado de la Segunda Guerra Mundial y termina como el líder de un levantamiento contra los sistemas mundiales de vigilancia invasiva. Toma ya.

7’5/10

5/5/16

Itinerario de estrenos de mayo 2016

Estrenos_Mayo

Los próximos 9, 10 y 11 de mayo se celebra una nueva edición de la Fiesta del Cine, en la que se podrá disfrutar de entradas a 2,90 euros en todos los cines asociados. No soy especialmente fan de esta promoción, pues las colas en las taquillas suelen ser tremendas y las salas se suelen llenar de gente que no está habituada a comportarse en un cine. Sólo supone un ahorro de un euro respecto al precio de los miércoles, así que hay que pensarse bien si de verdad merece la pena. De una manera u otra, la cartelera tiene películas más interesantes que la Fiesta celebrada en mayo del año pasado, y es una buena opción para rescatar aquellas que se han quedado pendientes; yo les recomiendo El libro de la selva, Kiki, el amor se hace, Julieta y Capitán América: Civil War (mañana reseña). Hay para todos los gustos, como en el itinerario de estrenos de este mes:

Triple 9: Thriller criminal dirigido por John Hillcoat (Lawless. Sin ley) cuyo título hace alusión a un código policial que significa ayuda inmediata. Un grupo de policías corruptos de la ciudad de Los Ángeles planea activar esta alerta para desviar toda la atención hacia la otra punta de la ciudad del lugar en el que están planeando realizar un gran golpe que les permita dejar de ser extorsionados por la mafia rusa. Críticas regulares para un film cuyo mayor aliciente está en su extenso reparto: Casey Affleck (Interstellar), Chiwetel Ejiofor (El secreto de una obsesión), Anthony Mackie (Capitán América: Civil War), Aaron Paul (De padres a hijas), Norman Reedus (The Walking Dead), Woody Harrelson (Los juegos del hambre: Sinsajo – Parte 2), Gal Gadot (Batman v Superman: El amanecer de la justicia) y Kate Winslet (La modista) en modo mafiosa chunga.
Estreno: 6 de mayo


La venganza de Jane:
Western protagonizado y producido por Natalie Portman (Thor: El mundo oscuro) que le ha traído no pocos quebraderos de cabeza a la actriz: abandono de su directora, Lynne Ramsay, en los primeros días de rodaje por desavenencias con uno de los productores, la marcha de su director de fotografía y un desfile de actores que ficharon y se desentendieron consecutivamente del proyecto (Michael Fassbender, Jude Law, Bradley Cooper). Finalmente, Gavin O’Connor (Warrior) tomó las riendas de la producción con Joel Edgerton (El regalo), Ewan McGregor (Mortdecai) y Noah Emmerich (The Americans) secundando a Portman, pero eso no ha impedido que la película se haya estrenado con tres años de retraso y el sambenito de “gafada”. A todo esto, la película versa sobre una joven que debe defender su casa y a su marido malherido de una banda de delincuentes con la ayuda de un viejo amor.
Estreno: 6 de mayo

 
Freeheld: Drama basado en la historia real de una pareja de mujeres que ya fue objeto de un corto documental nominado al Oscar. A una de ellas, policía condecorada de Nueva Jersey, le diagnosticaron un cáncer terminal, y tuvo que ir hasta los tribunales para que permitieran que su pareja pudiera beneficiarse de su pensión cuando ella ya no estuviese. Peter Sollett (Nick y Norah, una noche de música y amor) dirige la película protagonizada por Julianne Moore (Los juegos del hambre: Sinsajo – Parte 2), Ellen Page (X-Men: Días del futuro pasado), Michael Shannon (El hombre de acero) y Steve Carell (La gran apuesta). Presentada en el Festival de Toronto y en el de San Sebastián, ha recibido comentarios muy tibios.
Estreno: 6 de mayo


High-Rise: Adaptación cinematográfica de la novela homónima de J.G. Ballard dirigida por Ben Wheatley (Turistas) y protagonizada por Tom Hiddleston (La cumbre escarlata), Jeremy Irons (Batman v Superman: El amanecer de la justicia), Sienna Miller (El francotirador), Luke Evans (Fast & Furious 7) y Elizabeth Moss (La verdad). La historia gira en torno al doctor Robert Laing y su llegada a un enorme rascacielos donde se desarrolla un mundo aparte e ideal. Sin embargo, al poco tiempo el recién llegado empezará a sospechar que esa sociedad no es tan utópica como aparenta… El film se ha presentado en numerosos festivales, como el de San Sebastián, despertando sensaciones y opiniones muy polarizadas.
Estreno: 13 de mayo


La bruja:
La ópera prima del director y guionista Rogert Eggers es una fábula de terror, ambientada en la Nueva Inglaterra de 1630, sobre una familia cristiana que habita cerca de un lúgubre bosque. Cuando su hijo recién nacido desaparece y la cosecha no crece, los miembros de la familia se enfrentan entre sí, mientras son acechados de cerca por un mal sobrenatural. La película ganó el premio al mejor director del Festival de Sundance de 2015 y ha obtenido muy buenas críticas, convirtiéndose en un fenómeno similar al de It Follows el año pasado.
Estreno: 13 de mayo


La última apuesta (Mississippi Grind): Nuevo film de la dupla de directores y guionistas formada por Anna Boden y Ryan Fleck (Una historia casi divertida) sobre dos adictos al juego que se embarcan en un viaje por carretera por el sur de Estados Unidos con el objetivo de recuperar todo el dinero que han perdido. Ryan Reynolds (Deadpool), Ben Mendelsohn (Slow West), Sienna Miller y Analeigh Tipton (Lucy) protagonizan esta cinta que obtuvo buenas críticas y una nominación al Independent Spirit Award a mejor actor para Mendelsohn.
Estreno: 13 de mayo


X-Men: Apocalipsis: Última entrega de la trilogía de precuelas de la saga X-Men, en la que la academia de Charles Xabier se pone en jaque cuando Apocalipsis, el primer mutante de la historia y el más poderoso de todos, despierta tras miles de años dormido y recluta a sus cuatro jinetes para acabar con toda la humanidad y así empezar un nuevo orden mundial. Bryan Singer (X-Men: Días del futuro pasado) se mantiene en la dirección con un reparto en el que repiten en sus respectivos roles James McAvoy, Michael Fassbender, Jennifer Lawrence, Nicholas Hoult, Evans Peters, Rose Byrne y Lucas Till, con las incorporaciones de Oscar Isaac (Star Wars: El despertar de la fuerza), Sophie Turner (Juego de tronos), Olivia Munn (Mortdecai), Tye Sheridan (Joe), Kodi Smith-McPhee (Slow West) y Alexandra Shipp (Straight Outta Compton).
Estreno: 20 de mayo


Dos buenos tipos: Thriller setentero de Shane Black (Iron Man 3, Kiss Kiss Bang Bang), sobre un detective y un matón a sueldo que se ven obligados a colaborar juntos para resolver el caso de una joven desaparecida, la muerte de una estrella porno y una conspiración criminal que llega a las altas esferas. Russell Crowe (De padres a hijas) y Ryan Gosling (La gran apuesta) protagonizan el film, cuya premier se celebrará en el Festival de Cannes fuera de concurso.  Kim Basinger (La gran revancha) y Matt Bomer (Magic Mike XXL) secundan al dúo estelar.
Estreno: 27 de mayo


Alicia a través del espejo: Secuela de la taquillera reinvención en acción real del cuento de Lewiss Carroll que estrenó Disney en 2010 con James Bobin (El tour de los Muppets) sustituyendo a Tim Burton en la dirección. Mia Wasikowska, Johnny Depp, Anne Hathaway y Helena Bonham Carter regresan para esta aventura en la que Alicia se embarcará en un nuevo viaje a través del País de las Maravillas para rescatar al Sombrerero Loco del malvado Tiempo, al que da vida Sacha Baron Cohen (Agente contrainteligente).
Estreno: 27 de mayo

 

ACTUALIZACIÓN: Dos buenos tipos se retrasa dos semanas, hasta el 10 de junio.