31/1/13

O.C: ¿Quién teme a Virginia Woolf? (1966)

Poster Quién teme a Virginia Woolf

¿De qué va?: George y Martha llevan 20 años casados y se profesan un odio salvaje. El matrimonio invita a una velada en casa a un joven profesor universitario y a su esposa. La presencia de esta pareja no impide que George y Martha se humillen y maltraten como de costumbre. A través de este cruel juego sale a relucir la verdad tanto sobre los anfitriones como de los invitados.

Reseña: La obra teatral ¿Quién teme a Virginia Woolf? de Edward Albee se estrenó con gran éxito en 1962. Una de las críticas que recibió fue “Esta obra sólo deberían verla mujeres con la mente sucia”. El productor Jack Warner decidió rápidamente conseguir los derechos cinematográficos de la obra pese a que muchos le aconsejaron que no lo hiciera puesto que era una historia demasiado ácida para Hollywood. Se le confió la escritura del guión a Ernest Lehman (Con la muerte en los talones) y en un principio se pensó en Bette Davis y James Mason para los papeles principales. Al autor de la obra la actriz le parecía la elección perfecta porque como él mismo dijo “Me hubiese encantado ver a Bette Davis haciendo de Bette Davis”. Seguidamente para el rol masculino se tanteó a Henry Fonda, pero su agente lo rechazó sin pensárselo dos veces. Al final fue Lehman quien tomó las riendas de la elección del equipo artístico y técnico. Fue él quien le ofreció el papel a Elizabeth Taylor, quien no sabía si podía hacerlo, pero fue convencida por su marido, Richard Burton, de que lo aceptara. La pareja fichó por la película, lo cual ayudó a su promoción puesto que siempre fueron el objetivo de la prensa sensacionalista por sus continuas discusiones y reconciliaciones.

Quién teme a Virginia Woolf

El director de teatro Mike Nichols fue elegido para dirigir el filme pese a no tener experiencia previa en el cine. Se rodó en blanco y negro porque, según afirmaron los productores, “las películas serias se ruedan en blanco y negro” y de esa forma los personajes parecían más temibles. La película fue nominada a trece Oscars, en todas las categorías en las que podía obtener mención. Al final ganó cinco: mejor actriz principal, actriz de reparto (Sandy Dennis), dirección de arte, diseño de vestuario y fotografía en blanco y negro; curiosamente fue la última película en ganar en esta categoría antes de que fuese eliminada.

Quién teme a Virginia Woolf2
Comentario: De la misma manera en la que Tenemos que hablar de Kevin podría servir como herramienta de control de natalidad, ¿Quién teme a Virginia Woolf? podría funcionar para que la gente le cogiera miedo al matrimonio. El retrato que hace el filme sobre dicha institución sagrada es bárbaro, poniendo a una joven e idealista pareja frente a un espejo donde se ven dentro de 10 años, como dos viejos amargados, infelices, que se odian mutuamente pero que serían incapaces de vivir el uno sin el otro. Las miserias de ambas parejas van saliendo a la luz a lo largo de una velada que se alarga más de la cuenta en su tramo final, aunque vale la pena pasar el mal rato que reporta la incómoda situación por las soberbias interpretaciones de sus actores. Mike Nichols cerró el círculo hace unos años con Closer, película de temática y planteamiento similar. Resulta muy curioso comprobar cómo han evolucionado las relaciones de pareja a lo largo de los años a través de ambos filmes.

Próximo visionado: El circo (1928)

30/1/13

Amor y otros trastornos

Poster El lado bueno de las cosas

Dir.: David O. Russell
Int.: Bradley Cooper, Jennifer Lawrence, Robert De Niro, Jacki Weaver, Chris Tucker, John Ortiz, Julia Stiles, Anupam Kher
¿De qué va?: Tras pasar ocho meses en una institución mental, Pat vuelve a casa de sus padres con la intención de reconciliarse con su ex mujer. Sin embargo, el mundo de Pat se pone del revés cuando conoce a Tiffany, una chica con sus propios problemas y no muy buena fama en el barrio.

Reseña: Películas sobre enfermedades mentales como Alguien voló sobre el nido del cuco, Inocencia interrumpida, Una historia casi divertida o la aún inédita en España Veronika decide morir, lanzaban la cuestión de si los considerados locos no serían en realidad las personas que viven una vida auténtica, en vez de esas que se autodenominan cuerdas y que son felices mientras se conforman con ser una más del rebaño.  Todas ellas defendían igualmente el derecho a experimentar un período de locura transitoria para poder encontrarnos a nosotros mismos. El lado bueno de las cosas (Silver Linings Playbook) también sigue está máxima con las dosis justas de drama, comedia y romance.

El lado bueno de las cosas

David O. Russell ya había dirigido películas sobre personas excéntricas, véase Extrañas coincidencias, pero curiosamente, en el presente filme modera el nivel de rarezas a la vez que nos dice que no sólo las personas diagnosticadas con una enfermedad mental son las que padecen algún tipo de locura; también hay madres que sienten un exacerbado amor por sus hijos, hombres con rituales y manías muy particulares, personas obsesas por el orden, etcétera. En definitiva, todos tenemos nuestra tara, sólo hay que aprender a vivir con ella, ver su lado bueno y si podemos contar con el apoyo de la familia y de nuestros amigos mejor que mejor.

El lado bueno de las cosas2

El director y guionista encuentra en el reparto a su mejor aliado para contar la historia basada en la novela de Matthew Quick, pues todos los intérpretes despliegan un gran carisma y una enorme química cuando interactúan entre ellos. Bradley Cooper por fin ha encontrado un vehículo para su lucimiento interpretativo, pues lleva un gran peso de la película demostrando plenamente sus dotes tanto para la comedia como para el drama. Tampoco va corta en magnetismo Jennifer Lawrence, cuya presencia sensual y perturbadora roba la atención en cada plano en el que aparece, al tiempo que refleja los distintos matices de su personaje con suma naturalidad. Hacía años que Robert De Niro no estaba tan bien, resultando tan enternecedor como su esposa en la ficción, Jackie Weaver. Lástima que esta última quede relegada a un muy discreto segundo plano a partir de mediados del segundo acto.

El lado bueno de las cosas3

Poco después de que Weaver pase a ser casi una figurante, la película va dejando atrás de forma gradual el tema de la locura que nos ha dejado escenas impagables, como las dos cenas de la pareja protagonista o sus brotes psicóticos, hasta culminar en un tercer acto que parece falto de ideas y por ello se decanta por amoldarse a las convenciones del género romántico. Al menos guarda un sensacional número de baile que funciona como exaltación de la máxima del Vive como quieras de Frank Capra, con el que también comparte la idea de la extravagante convivencia familiar. No está nada mal echar un vistazo al lado bueno de las cosas, aunque se disfruta más sin albergar grandes expectativas, porque tampoco es la excepcional película que promoción y premios nos ha intentado vender.

8/10

29/1/13

Tráiler de Inside Llewyn Davis y L’Ecume des Jours: Folk y nenúfares

Vamos con los muy prometedores avances de los nuevos trabajos de Joel y Ethan Coen (Valor de ley) y de Michel Gondry (The Green Hornet). Los hermanos cineastas ya han completado su último trabajo, Inside Llewyn Davis, por lo que es bastante probable que se proyecte por primera vez en el Festival de Cine de Cannes. El protagonista de la historia, el citado Llewyn Davis, es un cantautor de folk que intenta abrirse paso en el panorama musical de Nueva York durante la década de los 60. El personaje está inspirado en el músico Dave Van Ronk, también conocido como ‘The Mayor of MacDougal Street’.

Inside Llewyn Davies

Oscar Isaac (El legado de Bourne), Carey Mulligan (Shame), Justin Timberlake (In Time), Garrett Hedlund (Country Strong) y John Goodman (El vuelo) encabezan el reparto de este filme que puede ser una de las apuestas más importantes de cara a los Oscar del año que viene; al menos, una nominación a la fotografía y a actriz de reparto para Mulligan no me parece muy descabellado… A continuación, el tráiler subtitulado:


El otro avance sin desperdicio de esta semana es el de L’Ecume des Jours, o como se llamará internacionalmente Mood Indigo. Tras su aventura hollywoodiense con The Green Hornet, Michel Gondry vuelve a su Francia natal para realizar la adaptación cinematográfica de la novela La espuma de los días de Boris Vian. Su argumento versa sobre dos parejas de amigos, Colin y Chloë y Chick y Alise, cuyas vidas llenas de diversiones, alegrías y proyectos cambian al completo cuando un nenúfar empieza a crecer en el interior de Chloë.

L'ecume des jours

En el elenco de la película figuran Audrey Tautou (La delicadeza), Romain Duris (Los seductores), Omar Sy (Intocable) y Gad Elmaleh (El capital). La película tiene un estilo visual muy marca de la casa, similar a la fantasía artesanal de la muy bonita y recomendable La ciencia del sueño, también de Gondry. El estreno de L’Ecume des Jours  se producirá el próximo 24 de abril en Francia, sin que de momento haya fecha para Estados Unidos ni para España. Esperemos que no tarde mucho en llegar. Les dejo con el tráiler:

28/1/13

Joven, salvaje y libre

Poster Bestias del sur salvaje

Dir.: Benh Zeitlin
Int.: Quvenzhané Wallis, Dwight Henry, Levy Easterly, Lowell Landes, Pamela Harper, Gina Montana, Nicholas Clark, Jovan Hathaway
¿De qué va? Cuando una gran tormenta eleva las aguas alrededor de una comunidad construida en una zona pantanosa, la pequeña Hushpuppy descubre que el orden natural de las cosas que tanto ama está a punto de derrumbarse. En un intento desesperado por reparar la estructura del mundo y así salvar a su padre y su hogar, la niña deberá aprender a sobrevivir a una catástrofe de proporciones épicas.

Reseña: La cuota de cine independiente anual de las películas nominadas al Oscar ha sido cubierta en la presente edición por Bestias del sur salvaje, filme que empezó a hacer mucho ruido cuando se presentó en el festival de Sundance del año pasado. Tiene todos los ingredientes que debe reunir la película alternativa y de moda de rigor: director debutante, un intérprete revelación, un presupuesto ínfimo, correcto empaque visual, grabada cámara en mano y la lente puesta en lugares humildes y desconocidos para el gran público que se maravillan/espantan por la forma en la que viven las sociedades más marginales.

Bestias del sur salvaje

Lo curioso es que la película de Benh Zeitlin no hace una crítica sobre la forma en la que están excluidas ciertas civilizaciones subdesarrolladas, sino que hace una reivindicación de la vida humilde, aprovechando lo que la Madre Naturaleza nos da, resistiendo ante los fenómenos meteorológicos y, en definitiva, teniendo la libertad de decidir cómo uno quiere vivir.  Para ello se vale de la mirada limpia e inocente de una cría, la estupendamente natural Quvenzhané Wallis, que afronta los obstáculos que se le presentan con determinación y mucha imaginación. Su historia adquiere un toque de realismo mágico producto de combinar drama social con cuento de hadas, siendo ella la princesa de un reino en peligro.

Bestias del sur salvaje2

Su padre, el rey, la quiere con locura aunque no siempre sea capaz de demostrárselo ni actúe como un progenitor debería. El actor que lo encarna, Dwight Henry, también hace una labor muy loable. El trabajo de fotografía es bueno pero destaca sobremanera la vitalista y fantástica banda sonora compuesta por Dan Romer y el propio Zeitlin. El filme tiene una ajustada duración de 90 minutos, lo cual es de agradecer en una temporada en la que abundan las películas de más de dos horas, y aunque tiene puntuales bajadas de ritmo mantiene el interés de forma constante.

Bestias del sur salvaje3

Para mi gusto, el filme falla cuando se quiere poner trascendental y filosófico, con una narración en off a cargo de la protagonista demasiado metafísica para asociarla con los pensamientos de una cría de 6 años. Se la ha intentado comparar con Donde viven los monstruos, pero lo que diferencia a una película de la otra es que la cinta de Spike Jonze nunca se olvidó de la condición infantil del personaje central (lo cual fue objeto de la gran mayoría de críticas negativas que tuvo), además de que el componente fantástico estaba mejor insertado que aquí. A pesar de sus excesos poéticos, Bestias del sur salvaje es una fábula muy estimable por su poderío visual, su genuina historia y su discurso a favor del estilo de vida pueblerino que tantos palos y burlas ha recibido desde que empezó la revolución industrial.

7/10

27/1/13

Ganadores de los premios OFB 2012

‘And the OFB goes to….’

Mejor película
Argo
Arrugas
El caballero oscuro: La leyenda renace
Como locos
Moonrise Kingdom
Shame
Los Vengadores
La vida de Pi
Young Adult
¡Rompe Ralph!

Shame


Premio especial de los seguidores
1º: Shame  (27%)
2º: El caballero oscuro: La leyenda renace (17%)
3º: ¡Rompe Ralph! (13%)

Shame2


Mejor director

Ben Affleck por Argo
Wes Anderson por Moonrise Kingdom
Ang Lee por La vida de Pi
Steve McQueen por Shame
Joss Whedon por 
Los Vengadores

Wes Anderson


Mejor actor protagonista

George Clooney por Los descendientes
Michael Fassbender por Shame
Joseph Gordon-Levitt por 50/50
Hugh Jackman por Los Miserables
Michael Shannon por Take Shelter
Matthias Schoenaerts por 
De óxido y hueso

Michael Fassbender


Mejor actriz protagonista

Marion Cotillard por De óxido y hueso
Elizabeth Olsen por Martha Marcy May Marlene
Charlize Theron por Young Adult
Naomi Watts por Lo imposible
Rachel Weisz por The Deep Blue Sea
Michelle Williams por 
Mi semana con Marilyn

Rachel Weisz


Mejor actor de reparto

Matthew McConaughey por Magic Mike
Ewan McGregor por Lo imposible
Tom Hiddleston por The Deep Blue Sea
Eddie Redmayne por Los Miserables
Max von Sydow por 
Tan fuerte, tan cerca

Mattew McConaughey


Mejor actriz de reparto

Jessica Chastain por Take Shelter
Anne Hathaway por Los Miserables 
Carey Mulligan por Shame
Janet McTeer por Albert Noobs
Shailene Woodley por 
Los descendientes

Anne Hathaway


Mejor guión original

Wes Anderson y Roman Coppola por Moonrise Kingdom
Diablo Cody por Young Adult
Drake Doremus y Ben York Jones por Como locos
Steve McQueen por Shame
Chris Terrio por 
Argo

Young Adult


Mejor guión adaptado

George Clooney y Grant Heslov por Los idus de marzo
Ignacio Ferreras y Paco Roca por Arrugas
John Logan por La invención de Hugo
David Magee por La vida de Pi
Alexander Payne, Nat Faxon y Jim Rash por 
Los descendientes

Los descendientes


Mejor montaje

Argo
El caballero oscuro: La leyenda renace
Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres
La vida de Pi
Los Vengadores

Argo


Mejor fotografía

Kiko de la Rica por Blancanieves
Janusz Kaminski por Caballo de batalla
Claudio Miranda por La vida de Pi
Robert Richardson por La invención de Hugo
Robert D. Yeoman por 
Moonrise Kingdom

La vida de Pi


Mejor diseño de producción
Blancanieves 
La invención de Hugo
Los Miserables
Moonrise Kingdom
La vida de Pi

La invención de Hugo


Mejor vestuario

Blancanieves
Blancanieves
 (Mirror, mirror)
Blancanieves y la leyenda del cazador
La invención de Hugo
Los Miserables

Vestuario_LosMiserables


Mejor banda sonora instrumental

Michael Danna por La vida de Pi
Alexandre Desplat por Moonrise Kingdom
Harry Escott por Shame
Dustin O’Halloran por Como locos
Alfonso de Vilallonga por 
Blancanieves


Mejor banda sonora adaptada

De óxido y hueso
Eternamente comprometidos
Los juegos del hambre
Los Miserables
Los Muppets

Los Muppets

Mejor canción

"Breath of life" de Blancanieves y la leyenda del cazador
"Inmigrant Song” de Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres
"Life’s a Happy Song" de Los Muppets
"Man or Muppet" de Los Muppets
"Safe and Sound" de 
Los juegos del hambre


Mejores efectos visuales
El caballero oscuro: La leyenda renace
La invención de Hugo
Lo imposible
Los Vengadores
La vida de Pi

Efectos_LaVidaDePi


Mejor película de animación

Arrugas
Brave
Frankenweenie
Madagascar 3: ¡De marcha por Europa!
¡Rompe Ralph!

Rompe Ralph


Mejor película española

[REC] 3: Génesis
Arrugas
Blancanieves
Seis puntos sobre Emma
Lo imposible

Arrugas

Mejor reparto
El caballero oscuro: La leyenda renace
El exótico Hotel Marigold
Los Miserables
Moonrise Kingdom
Los Vengadores

Reparto_LosMiserables


Mejor actor revelación

Dane DeHaan por Chronicle
Tom Holland por Lo imposible
Suraj Sharma por La vida de Pi
Matthias Schoenaerts por 
De óxido y hueso

Matthias Schoenaerts


Mejor actriz revelación

Macarena García por Blancanieves
Felicity Jones por Como locos
Elizabeth Olsen por Martha Marcy May Marlene
Shailene Woodley por Los descendientes

Elizabeth Olsen


Mejor escena

El desenlace de [REC]3: Génesis
El ataque del tsunami de Lo imposible
"I Dreamed a Dream" de Los Miserables
La cesárea de Prometheus
La batalla en plano secuencia de 
Los Vengadores

I Dreamed a Dream


Lo más “WTF?” del año

El culebrón del no-estreno de La cabaña en el bosque
La subida del IVA
El maquillaje de J. Edgar
La cursilería de Rock of Ages
El final de 
Salvajes

Salvajes

 

Recuento de premiados

Shame: Mejor película, premio especial de los seguidores y actor protagonista

Los Miserables: Mejor actriz de reparto, vestuario, reparto y escena

La vida de Pi: Mejor fotografía y efectos visuales

Moonrise Kingdom: Mejor director

The Deep Blue Sea: Mejor actriz protagonista

Magic Mike: Mejor actor de reparto

Young Adult: Mejor guión original

Los descendientes: Mejor guión adaptado

Argo: Mejor montaje

La invención de Hugo: Mejor diseño de producción

Like Crazy: Mejor banda sonora instrumental

Los Muppets: Mejor banda sonora adaptada

¡Rompe Ralph!: Mejor película de animación

Arrugas: Mejor película española

De óxido y hueso: Mejor actor revelación

Martha Marcy May Marlene: Mejor actriz revelación


Ediciones anteriores: 2011, 2010, 2009, 2008, 2007

26/1/13

Oda de amor y muerte

Poster Amor

Dir.: Michael Haneke
Int.: Jean-Louis Trintignant, Emmanuelle Riva, Isabelle Huppert, Alexandre Tharaud, William Shimell
¿De qué va?: Georges y Anne son dos profesores de música clásica jubilados que han sobrepasado los ochenta años. Un día, Anne sufre un infarto. Al volver del hospital, un lado de su cuerpo está paralizado. El amor que ha unido a la pareja durante tantos años se pondrá a prueba.

Reseña: Amor es una película de miedo, pero no de las que das un brinco por el susto que te da el golpe de música de rigor (prácticamente no hay banda sonora), sino de esas cuyo terror te cala los huesos y te deja trastornado cada vez que piensas en ella. Amor es tan cruel como Funny Games, aunque es más potente porque está despojada de los recursos metalingüísticos de aquélla, resultando ser algo más natural y por tanto más aterrador. Aquí la amenaza no es exterior, proviene de dentro del hogar y nos crea un nudo en la garganta, porque sólo los que vivamos más tiempo, los afortunados que lleguemos más allá de los 70, seremos los que experimentemos un calvario tal que así.

Amor2

El filme comienza como muchas pelis de terror, mostrando el final para luego dar comienzo a un largo flashback en el que veremos qué ha pasado entre las cuatro paredes donde se desarrolla toda la acción para que el resultado sea ése. El mal no es un ser sobrenatural, sino el ciclo natural de la vida, cuando llega el momento de que nuestras facultades fallan y nos convertimos en personas incapaces de valerse por sí mismas. Es entonces cuando aparece la negación, la vergüenza de no ser autosuficientes y, finalmente, la resignación de que nuestro fin se acerca. En Amor se abarca todo este proceso pero no tanto desde el punto de vista del enfermo sino de la persona que duerme a su lado y de la aflicción que siente cuando ve que su compañera de vida se está marchitando.

Amor3

Jean-Louis Trintignant y Emmanuelle Riva realizan una de esas magníficas interpretaciones sin fisuras, que se perciben tan auténticas como si una cámara invisible se hubiera colado en su casa para grabarles. Riva ha sido quien más alabanzas ha recibido (de ahí su nominación al Oscar) porque expresa perfectamente la degeneración y el sufrimiento de su personaje, pero Trintignant le hace una réplica perfecta como la persona que siente una inmensa frustración al verse incapaz de apaciguar su dolor. Isabelle Hupert realiza una pequeña pero estimable intervención como la hija del matrimonio que, al igual que pasa en muchas familias, duda sobre qué sería lo mejor para sus padres, si dejarlos en su casa o confinarlos en una residencia.

Amor

Aunque pueda parecer que Amor es la película más accesible de la filmografía de Michael Haneke, el director continúa con su estilo pausado, dilatado y naturalista en el sentido de que introduce en el metraje planos estáticos y acciones cotidianas y no pasará al siguiente hasta varios segundos después de que la habitación haya quedado vacía (por poner un ejemplo). Esto hará las delicias de sus cada vez más seguidores pero crispará a los que piensen, como un servidor, que se podía haber contado en menos tiempo la misma historia sin perder ni un ápice de su mensaje e impacto.

Amor4

Lo bueno de Haneke es que, a diferencia de otros cineastas objeto de culto del sector gafapasta que no voy a mencionar por miedo a represalias, es que aunque te hayas aburrido durante las tres cuartas partes del metraje y no hayas entendido ciertas cosas (a mí la metáfora de la paloma me chirría bastante), su mensaje siempre acaba calando hondo y se te queda anclado en el subconsciente. De ahí que se haya convertido en el nuevo autor europeo venerado en Hollywood, donde tanto el cine como la vida van a otro ritmo y hay ciertos temas que son considerados tabú.

8/10

25/1/13

O.C: El rapto de Bunny Lake (1965)

Poster El rapto de Bunny Lake

¿De qué va?: Recién instalada en Londres, Ann Lake lleva a la escuela a su hija Bunny el primer día de clase; pero, cuando vuelve a recogerla, no hay rastro de la niña. La madre denuncia la desaparición a la policía, pero la investigación de los agentes no conduce a ninguna parte, es como si se la hubiera tragado la tierra. Poco a poco, en la comisaría empiezan a preguntarse si no se tratará de una fantasía de Ann.

Reputación: El rapto de Bunny Lake (Bunny Lake is Missing) es una de las últimas películas de Otto Preminger (Laura) que sin embargo fue un fracaso comercial el año en el que se estrenó. El guión fue escrito por el matrimonio formado por John y Penélope Mortimer, quienes se basaron en la novela homónima de Evelyn Piper. La productora, Columbia Pictures, quería a Jane Fonda para el papel protagonista, pero Preminger insistió en que Carol Lynley tenía que ser quien lo interpretara. Keir Dullea, conocido por protagonizar tres años años después 2001: Una odisea en el espacio, encarnó a su hermano y Sir Laurence Olivier al detective que lleva el caso. La película fue nominada a 2 premios Bafta, mejor dirección artística y fotografía. En 2005 se estrenó Plan de vuelo: Desaparecida con Jodie Foster como protagonista y con un argumento muy similar pero ambientado en un avión. Entre el año 2007 y 2009 el director Joe Carnahan preparó un remake con Reese Witherspoon como cabeza de cartel, pero a cinco semanas de comenzar el rodaje la actriz se apeó alegando diferencias creativas con el realizador, lo cual desembocó en la cancelación del proyecto.

El rapto de Bunny Lake

Comentario: El rapto de Bunny Lake es una cinta de suspense que inquieta desde los títulos de crédito iniciales que llevan la firma de Saul Bass, que no por casualidad también había creado muchos de los títulos de las películas de Alfred Hitchcock, y es que el filme de Preminger bebe directamente de las fuentes del director de Psicosis. La trama se sigue con mucho interés y cuenta con una galería de sospechosos muy sugerente, además de que el recelo en torno a la madre de la criatura desaparecida está muy bien llevado, pero después de que ésta visite el tétrico taller de muñecas y se descubra el pastel la película da un bajón al irse por derroteros incoherentes y propios de un malo telefilme de sobremesa. No es tan buena como Laura, la obra más conocida de su director, pero no tampoco está nada mal y cuenta con una potente fotografía.

Próximo visionado: ¿Quién teme a Virginia Woolf? (1966)

24/1/13

Pulp Western

Poster Django desencadenado

Dir.: Quentin Tarantino
Int.: Jamie Foxx, Christoph Waltz, Leonardo DiCaprio, Kerry Washington, Samuel L. Jackson, Don Johnson
¿De qué va?: Dos años antes de estallar la Guerra Civil en Estados Unidos, el Doctor King Schultz, un cazarrecompensas alemán, busca la ayuda de un esclavo llamado Django para localizar y asesinar a los hermanos Brittle. A cambio, Schultz ayuda a Django a rescatar a su esposa, Broomhilda, que está esclavizada en la plantación del infame Calvin Candie.

Reseña: Pasa algo muy curioso con el cine de Quentin Tarantino, y es que, como cinéfilo de pro que es, sus trabajos están cargados de referencias, homenajes y remedos de multitud de películas y subgéneros denostados que el gran público ni conoce ni ha visto. Todas se convierten en taquillazos aclamados, pero estoy seguro que la gran mayoría no habrá visto en su vida ninguna de las películas de kung-fu de serie B que reverencia Kill Bill, ni sabrá lo que es un spaghetti-western tal y como es Django desencadenado (a mí también se me escapan muchos de los guiños). El éxito del estilo de Tarantino radica en picotear de todo, cuanto más bizarro mejor, pasarlo por la batidora y añadirle su inconfundible sello personal. Pero por mucho que copie a otros, no estaría donde está si no fuera el genial dialoguista que es. También creo que nadie es capaz de hacer zooms tan molones como él.

Django desencadenado2

Django desencadenado es un spaghetti-western de pura cepa en el que se dan cita muchos de los temas característicos del género del oeste en general: venganza, esclavismo, amor, cazarrecompensas, camaradería, un hombre solo ante el peligro… Al ser una de las historias más lineales de Tarantino la historia está más cohesionada pese a que se distingan dos partes muy diferenciadas de la película e incluya pasajes que se distancian un poco de la trama principal, como el glorioso sketch sobre el Klu Klux Klan. Los diálogos siguen siendo igual de afilados y la sangre salpica tanto como en Kill Bill, llegando ambos a un clímax común en una larga secuencia que se produce en una única habitación donde la tensión es tan palpable como la que experimentamos en la primera secuencia de Malditos bastardos o en el encuentro final entre La Novia y Bill.

Django desencadenado

Lástima que Tarantino no consiga superar la emoción vivida en ese apogeo salvaje durante los 20 minutos de película restantes a mayor gloria de Jamie Foxx, absoluto protagonista aunque los secundarios se lo coman con papas. Si los tuviera que ordenar por preferencia, pondría en primer lugar a Christoph Waltz, quien demuestra que la verborrea de Tarantino le sienta como un guante derrochando carisma por los cuatro costados. En segundo lugar iría Samuel L. Jackson en un personaje tan detestable como valioso para el tema central de la película, pues no hay nada peor ni tan peligroso que una persona que va en contra de los suyos. Ese mayordomo racista y con malas pulgas resulta impagable. Y por último pero no menos meritorio estaría Leonardo DiCaprio en un rol, el de paleto engreído, histriónico y cruel, totalmente opuesto a lo que el actor suele hacer y que borda de la misma manera. El contrapunto femenino lo pone la bella Kerry Washington, y aunque su papel se reduce a gritos y lloros lo hace muy bien.

Django desencadenado3

Si Lincoln es la versión seria (y aburrida) sobre la esclavitud, Django desencadenado es puro y gozoso espectáculo sobre uno de los episodios más bochornosos de la historia americana. Resulta muy curioso el detalle de que sea un personaje alemán el que se horrorice con las prácticas esclavistas de los yanquis (todos tenemos un pasado y nadie es mejor que nadie) y que su evolución en la historia sea opuesta a la de su pupilo. Como ya he dicho sólo le pongo dos grandes peros: que el protagonista sea el menos carismático de la filmografía de Tarantino y esos últimos 20 minutos con más errores que aciertos (cierto cameo, el caballito…). En definitiva, Quentin sigue en su particular línea, con todo lo bueno y lo malo que eso puede conllevar a sus fans y a sus detractores.

8/10

22/1/13

¡Oh, presidente! ¡Mi presidente!

Poster Lincoln

Dir.: Steven Spielberg
Int.: Daniel Day-Lewis, Sally Field, Tommy Lee Jones, David Strathairn, Joseph Gordon-Levitt, Lee Pace, Hal Holbrook, Gulliver McGrath
¿De qué va?: En 1865, mientras la Guerra Civil Americana se acerca a su fin, el presidente Abraham Lincoln propone la instauración de una enmienda que prohíba la esclavitud en los Estados Unidos. En una carrera contrarreloj para conseguir los votos necesarios para ser aprobada, Lincoln se enfrenta al desafío más grande de su carrera política.

Reseña: Se ha dicho mucho que Lincoln es la película menos “spielberiana” de la filmografía del conocido como Rey Midas de Hollywood, al ser un filme en el que prima el guión, autor del dramaturgo Tony Kushner, por encima del sentido del espectáculo y la emoción para toda la familia que tanto le gusta al cineasta. Yo no estoy de acuerdo con esa afirmación, porque aunque sea verdad que se trata de su película más intimista, su búsqueda de la grandilocuencia y la emotividad destinada al gran público permanece intacta, convirtiendo al filme en un super discurso creado para alimentar el ego del pueblo norteamericano.

Lincoln3

Lincoln no es un biopic sobre la vida del famoso presidente de los Estados Unidos, sino una recreación de los acontecimientos que se desarrollaron en torno a la aprobación de la 13ª enmienda que abolió la esclavitud. La figura de Lincoln sólo es la punta de una pirámide asentada sobre un numeroso grupo de personajes que jugaron diferentes papeles en la aprobación de la ley. Es necesario tener alguna noción de política americana para no perderse en en la trama y en las largas conversaciones que se llevan a cabo en los despachos, y aún así, desconozco la emoción y el interés que pueden sentir algunos ante los eternos y arrítmicos diálogos sobre estratagemas políticas y en los momentos en los que a Lincoln le da por contar batallitas ante la admiración de los que lo rodean.

Lincoln2

En realidad, el conflicto se reduce a que Abraham Lincoln es un santo que quiere abolir la esclavitud por encima de todo, que los demócratas son muy retrógrados, que los sureños son muy muy malos y que los negros esperan a ser salvados por su presidente. La película no quiere saber nada de que la abolición de la esclavitud haya sido ante todo una estrategia para debilitar al Sur durante la guerra, prefiere potenciar la leyenda del presidente, un hombre recto y formidable que jugaba con su hijo pequeño mientras se decidía el futuro de América. Ni siquiera se aprovecha la subtrama del hermano mayor (un fugaz Joseph-Gordon Levitt) que quiere luchar en la guerra con la contradicción que supone que su padre, líder de uno de los frentes rivales, no consienta que ponga su vida en peligro como sí hacen sus votantes. Aquí todo es blanco o negro, y el dilema moral queda relegado a un segundo plano.

Lincoln

Como es de esperar, Daniel Day-Lewis hace una interpretación irreprochable, de ésas que asocian a actor y personaje de por vida, aunque la verdad es que me pareció más interesante la labor de Tommy Lee Jones como el más aireado defensor de la causa. Sally Field también está muy bien aunque su Mary Todd me pareció algo irritante y el personaje de herencia teatral más marcada. El extenso reparto está plagado de actores de renombre en papeles menores que les impiden estar a la altura del trío de personajes principales. El apartado técnico y artístico también raya un gran nivel, con una notable banda sonora de John Williams que puede pasar desapercibida y ciertas imágenes que parecen cuadros de la época, pero tratándose de Steven Spielberg es lo menos que se puede pedir. El resto son dos horas y media farragosas de intriga política y teatralidad desenfocada a mayor gloria de la figura del presidente norteamericano, héroe y estrella del pueblo yanqui desde tiempos inmemorables.

5/10