8/12/19

¡Elige al actor y a la actriz del 2019!



Los asiduos al blog ya sabrán de qué va esto, puesto que llevamos 10 años haciéndolo, pero para los recién llegados ahí va la explicación de rigor: en esta casa siempre votamos por estas fechas al actor y actriz del año de entre los que nos han acompañado durante los últimos 12 meses.

Para participar es muy fácil: simplemente tienen que pinchar en el enlace que encontrarán a continuación y votar a un actor y a una actriz de entre los seleccionados, a quienes crean que han destacado más en este año que se termina. Si necesitan refrescar la memoria, encontrarán mas adelante el anuario del 2019, con el intérprete y las películas que ha estrenado este año, y si además pinchan en el nombre, accederán a la entrada que se le dedicó a cada uno en particular. Sencillísimo.

El año pasado Ethan Hawke y Claire Foy fueron quienes se llevaron la gloria. La votación se cerrará la noche del 30 de diciembre para que podamos despedir el año conociendo los resultados. 

¡Muchas gracias por participar en esta décima (¿y última?) edición de 'Vota al actor y actriz del año'!



Para votar, visiten el siguiente enlace:




ENERO: Robert Redford (The Old Man & the Gun)





FEBRERO: Maharshala Ali (Green Book, True Detective, Alita: Ángel de combate)





MARZO: Brie Larson (Capitana Marvel, Vengadores: Endgame, Entre dos helechos: La película, Cuestión de justicia)





ABRIL: Julianne Moore (Gloria Bell, Bel Canto. La última función, After the Wedding)





MAYO: Joaquin Phoenix (Los hermanos Sisters, Joker)





JUNIO: Tessa Thompson (Men In Black: International, Vengadores: Endgame,
Creed II: La leyenda de Rocky, La dama y el vagabundo, Little Woods,
Entre dos helechos: La película
)





JULIO: Florence Pugh (Midsommar, Peleando en familia, Mujercitas)





AGOSTO: Brad Pitt (Érase una vez… en Hollywood, Ad Astra)





SEPTIEMBRE: James McAvoy (It: Capítulo 2, Glass, X-Men: Fénix oscura, La materia oscura)





OCTUBRE: Timothée Chalamet (Día de lluvia en Nueva York, The King, Beautiful Boy, Mujercitas)





NOVIEMBRE: Belén Cuesta (La trinchera infinita, Ventajas de viajar en tren, A pesar de todo, Litus, Parking, Mira lo que has hecho, Paquita Salas)





DICIEMBRE: Laura Dern (Historia de un matrimonio, Mujercitas, Venganza bajo cero,
Big Little Lies
)








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Ganadores 2018: Ethan Hawke & Claire Foy
Ganadores 2017: Adam Driver & Nicole Kidman
Ganadores 2016: Leonardo DiCaprio & Isabelle Huppert
Ganadores 2015: Michael Fassbender & Julianne Moore
Ganadores 2014: Philip Seymor Hoffman & Jessica Chastain
Ganadores 2013: Joaquin Phoenix & Emma Watson
Ganadores 2012: Michael Fassbender & Anne Hathaway
Ganadores 2011: Ryan Gosling & Natalie Portman
Ganadores 2010: Leonardo DiCaprio & Marion Cotillard
Ganadores 2009: Brad Pitt & Rachel Weiz

6/12/19

Puñales por la espalda – Un cadáver para incriminarlos a todos



Dir.: Rian Johnson
Int.: Daniel Craig, Ana de Armas, Chris Evans, Jamie Lee Curtis, Michael Shannon, Toni Collette, Don Johnson, Christopher Plummer, LaKeith Stanfield, Katherine Langford, Jaeden Martell
¿De qué va?: El renombrado novelista de misterio Harlan Thrombey invita a su extensa familia disfuncional a su mansión en su 85 cumpleaños con la esperanza de reunirlos a todos. Cuando es encontrado muerto en su mansión, el inquisitivo detective Benoit Blan es llamado para investigar. Muy pronto, todos en la familia se vuelven sospechosos.

Reseña: Rian Johnson debutó en el cine deconstruyendo el noir en clave adolescente con la estupendísima Brick (2005) y desde entonces se ha dedicado precisamente a eso, a dar giros de tuerca y jugar con las convenciones de géneros y temas que ya parecían agotados: policías y ladrones (Los hermanos Bloom, 2008), paradojas temporales (Looper, 2012) e incluso algo tan aparentemente intocable como la saga Star Wars (Los últimos Jedi, 2017).  Johnson no ha querido embarcarse en una nueva trilogía de la saga creada por George Lucas sin antes meter mano a otro de sus géneros favoritos: el whodunit, o lo que es lo mismo, la novela policíaca que gira en torno a un asesinato y múltiples sospechosos que tiene a Agatha Christie como principal referente. Puñales por la espalda (Knives Out) parte de una premisa que podría haber salido de un relato de Christie, pero descubriremos más pronto que tarde que no es lo que aparenta ser.


La película arranca con la presentación de la excéntrica galería de sospechosos de asesinar a la cabecilla de su clan, un anciano multimillonario al que todos necesitaban para mantener su cómodo estilo de vida… aunque también con algún que otro motivo para querer quitarlo de en medio. Lo que parece que será un relato clásico de un detective resolviendo un misterio pronto muta en algo distinto, donde lo de menos es la identidad del asesino, y si bien parece que Johnson revela información de forma prematura, tiene suficientes cartas bajo la manga para mantener en vilo al espectador y retorcer la trama a lo largo del resto del metraje. Sin embargo, el divertimento que ofrece Puñales por la espalda resulta moderado, y aunque parece que en cualquier momento se va a liar parda, la trama nunca termina de explotar.


Parte de la responsabilidad de que la película no resulte todo lo divertida que podría haber sido tiene que ver con lo desaprovechado que está su elenco de estrellas, concretamente aquellos que encarnan a los parientes del fallecido. Tras la presentación de cada uno de ellos, son relegados a un segundo plano en beneficio de Daniel Craig y, sobre todo, de Ana de Armas, el “arma secreta” de la película. Como brújula moral del circo de personajes presentes en el film y heroína a su pesar, la actriz cubana se luce, resultando tan empática e identificable que consigue que su puritanismo no nos haga arquear una ceja. Pese a lo bien que está ella y lo bien que se lo pasa Daniel Craig como detective pasado de rosca, nos quedamos con ganas de más momentos absurdos por parte de Toni Collette, Jamie Lee Curtis y todas esas alimañas que conforman la familia Thrombley.


Tenía las expectativas muy altas con Puñales por la espalda, pero no ha resultado ser tan redonda como cabría esperar. Si bien juega bastante bien con las expectativas del espectador y retuerce los lugares comunes del género, se cree más lista y rompedora de lo que en realidad es, algo que se agrava si es comparada con la reciente y superior en todos los aspectos Parásitos, con la que guarda alguna semejanza temática. A pesar de ello, no deja de ser un lujoso entretenimiento adulto de los que ojalá Hollywood hiciese más, e incluye una oportuna crítica social sobre el desdén y la hipocresía con la que los americanos tratan a los inmigrantes latinos, ya sean republicanos o demócratas. Y qué ganas me ha dejado de echar una partida al Cluedo.

7/10

4/12/19

Frozen II – Sintiendo la llamada



Dir.: Chris Buck, Jennifer Lee
¿De qué va?: El reino de Arendelle ha dejado de ser seguro, y un secreto del pasado de Elsa será la clave para salvarlo. Ella, su hermana Anna y sus fieles amigos se adentrarán en lo desconocido y viajarán por un antiguo bosque encantado en busca de respuestas.

Reseña: Isa P. no mató a Frozen (2013); fue la sobreexposición. Al menos para mí. Me gustó mucho la película, pero estaba tan en todas partes que la acabé aborreciendo. Tampoco entendía por qué le hacían mucho más caso que a otras producciones de Disney igual de meritorias como Vaiana (2016). Y mejor no hablemos de ese inaguantable e interminable cortometraje navideño que se proyectaba antes de Coco (2017)…. Debido a todo esto, encaré su inevitable secuela sin demasiada expectación, y cual fue mi sorpresa al redescubrir aquello que me había gustado tanto cuando vi la primera parte, en los albores del fenómeno en el que acabó convirtiéndose, y luciendo una madurez que le sienta de fábula.


Han pasado seis años desde el lanzamiento de Frozen, y se nota, no solo en una animación más depurada y espectacular, sino en los personajes, que desde el comienzo del film ya están cantando sobre lo que implica hacerse mayor, tomar decisiones y de las cosas que nunca cambian… Pero algo sí que va a cambiar, pues Elsa recibirá “la llamada” que embarcará a los protagonistas en una aventura a través de un bosque encantado bastante diferente a la que los convirtió en una familia. Elsa, Anna, Kristoff y Olaf, cada uno tiene su particular conflicto personal ya presentado en la canción del principio, pero lo mejor de todo es lo positivas que son sus relaciones: se quieren, se respetan, se apoyan, se escuchan, se dan abracitos, se preocupan los unos de los otros… Es pedagogía que no resulta ni aleccionadora ni moralista y de la que podríamos aprender todos, tanto niños como adultos.


Los personajes evolucionan tanto a través de sus relaciones como de un repertorio musical al mismo nivel que el del film original, o puede que hasta un poco mejor. Aquí tenemos dos himnos como Let it Go al precio de uno: Into the Unknown y Show Yourself. Cada uno de los protagonistas tiene un número individual (¡qué gran elenco de voces tiene su versión original!), siendo destacable el Lost in the Woods que entona Kristoff, una parodia de balada rock ochentera. Como en su precedente, en Frozen II hay drama, acción pero también mucho humor, incluso algún que otro gag autoparódico. Casi todos los chistes están concentrados en Olaf, que si bien parece el típico amigo que siempre se esfuerza en ser gracioso, debemos reconocerle que goza de un buen coñazo de momentos inspirados. Tampoco es que tenga mucha competencia, pues ninguno de los nuevos personajes destaca, salvo un pequeño lagarto que hará que Disney venda muchos peluches estas Navidades.


La importancia de los elementos naturales en la historia de Frozen II, al igual que los poderes de Elsa, favorece que la película se convierta en un espléndido espectáculo visual. Sin embargo, el trasfondo místico y espiritual es un tanto confuso, y se entremezcla con el pasado de Anna y Elsa con revelaciones que van desde lo obvio a lo embarullado. Con todo, Frozen II es una secuela notable que se esfuerza en ofrecer algo diferente y acorde con el tiempo que ha pasado desde que se estrenó su primera parte, y que expone la importancia de conocer y enmendar los errores del pasado para asegurar un futuro mejor. Gustará tanto a los fans de la original, salvo a algunos que la tengan colocada en un pedestal, como a aquellos que “la dejamos ir” tras todo el revuelo que se formó en torno a ella…. al menos de momento. No descarto que en unos meses acabemos también hartos del Into the Unknown.

8/10

2/12/19

Itinerario de estrenos de diciembre 2019




Los Ángeles de Charlie: Reboot de la saga inspirada en la serie de la década de los 70 sobre un nuevo trío de ángeles que une fuerzas para proteger al mundo de una peligrosa tecnología. Elizabeth Banks (El hijo) dirige, co-escribe y encarna a Bosley, el vínculo entre los ángeles y Charlie, mientras que Kristen Stewart (Personal Shopper), Naomi Scott (Aladdin) y Ella Balinska encarnan a las nuevas protagonistas. La película se ha saldado con un sonoro fracaso en la taquilla americana y críticas regulares, acentuadas por los trolls que se dedican a puntuar negativamente a todo lo que huela a feminismo aunque no lo hayan visto ni tengan intención de hacerlo.
Estreno: 5 de diciembre





Proxima: Alice Winocour (Disorder) dirige y co-escribe este drama que gira en torno a una astronauta cuya relación con su hija de 7 años se tambalea cuando es elegida para formar parte de la tripulación de una misión espacial que durará un año. Eva Green (Dumbo) y Matt Dillon (La casa de Jack) protagonizan la película, que ha recibido críticas notables y el premio especial del Jurado del pasado Festival de San Sebastián.
Estreno: 13 de diciembre







Star Wars: El ascenso de Skywalker: Cierre de la última trilogía (hasta la fecha) de la saga Star Wars que arrancó con El despertar de la fuerza (2015) y prosiguió con Los últimos Jedi (2017). J.J. Abrams vuelve a la dirección tras encargarse de la primera entrega, mientras que repite todo su elenco principal (Daisy Ridley, Adam Driver, John Boyega, Oscar Isaac…) con Keri Russell (The Americans) y el regreso de Billy Dee Williams, alias Lando Calrissian, como principales novedades. De su argumento no ha trascendido detalle alguno salvo lo que se intuye en su tráiler, y sobra decir que se trata del acontecimiento cinematográfico de estas Navidades.
Estreno: 19 de diciembre







Mujercitas: Nueva adaptación cinematográfico del clásico de la literatura americana de Louisa May Alcott a cargo de Greta Gerwig (Lady Bird). Saoirse Ronan (María, reina de Escocia), Emma Watson (La bella y la bestia), Timothée Chalamet (Día de lluvia en Nueva York), Florence Pugh (Midsommar), Laura Dern (Historia de un matrimonio), Eliza Scanlen (Heridas abiertas) y Meryl Streep (The Laundromat) encabezan el estelar elenco de la película, que ha cosechado muy buenas críticas narrando de forma distinta las vivencias de cuatro hermanas que viven en un pueblo de Nueva Inglaterra mientras la guerra civil hace estragos en toda América.
Estreno: 25 de diciembre








La verdad: Hirokazu Koreeda (Un asunto de familia) se embarca en su primera producción europea con esta historia sobre la complicada relación entre una veterana estrella del cine francés y su hija, la cual se torna aún más difícil cuando la primera publica su libro de memorias. Catherine Deneuve (Mala hierba), Juliette Binoche (High Life) y Ethan Hawke (Juliet, desnuda) conforman el trío protagonista del film que inauguró el pasado Festival de Cannes con críticas mayoritariamente positivas.
Estreno: 25 de diciembre






Cats: Adaptación cinematográfica del célebre musical de Andrew Lloyd Webber que ya ha levantado bastante expectación en la red por la forma en la que ha transformado a sus actores en gatos humanoides. Tom Hopper (La chica danesa) dirige el film con un reparto integrado por James Corden (Into the Woods), Jennifer Hudson (Sandy Wexler), Judi Dench (La espía roja), Ian McKellen (La bella y la bestia), Idris Elba (Fast & Furious: Hobbs & Shaw), Rebel Wilson (¿No es romántico?) y los cantantes Jason Derulo y Taylor Swift, entre otros. Esto es la gran incógnita de la temporada, pues de aquí puede salir tanto un exitazo como un desastre absoluto…. Veremos.
Estreno: 25 de diciembre




1/12/19

Actriz del mes: Laura Dern



Nombre completo: Laura Elizabeth Dern

Fecha de nacimiento: 10 de febrero de 1967

Lugar de nacimiento: Los Ángeles, California (EE.UU.)

Filmografía destacada:

Jurassic World 3 (2021)

Mujercitas (2019)
Historia de un matrimonio (2019)
Big Little Lies (Serie de TV) (2017 – 2019)
Venganza bajo cero (2019)
F is for Family (Solo voz) (Serie de TV) (2015 – 2018)
Jeremiah Terminator LeRoy (2018)
The Tale (2018)
Star Wars: Los últimos Jedi (2017)
Twin Peaks (Serie de TV) (2017)
El fundador (2016)
Certain Women (2016)
99 Homes (2014)
Alma salvaje (2014)
Bajo la misma estrella (2014)
Iluminada (Serie de TV) (2011 – 2013)
The Master (2012)
El recuento (TV) (2008)
Inland Empire (2006)
La ganadora (2005)
Ya nos somos dos (2004)
Yo soy Sam (2001)
Focus (2001)
Jurassic Park III (2001)
El Dr. T y las mujeres (2000)
October Sky (1999)
Un mundo perfecto (1993)
Jurassic Park (1993)
Corazón salvaje (1990)
Terciopelo azul (1986)
Zorras (1980)


Méritos: Al heredar la vocación y el talento de sus padres, Bruce Dern y Diane Ladd, Laura Dern estaba llamada a convertirse en estrella. Pero no lo tuvo fácil. Pese a convertirse en musa de David Lynch a raíz de su colaboración en Terciopelo azul (1986) y a protagonizar uno de los mayores blockbusters de los años 90, Jurassic Park (1993), la carrera de Dern se desarrolló a través de títulos mayoritariamente menores durante la década de los 2000. Sin embargo, nunca dejó de trabajar, y esa constancia fue recompensada años más tarde con títulos de mayor entidad, como por ejemplo la serie de culto de HBO Iluminada (2011 – 2013), de la que fue una de sus creadoras y guionistas, o Alma salvaje (2014), por la cual recibió una nominación al Oscar a mejor actriz de reparto.

En el año 2017 fuimos afortunados de contar con tres interpretaciones de Laura Dern antológicas, dando vida a la vicealmirante Amilyn Holdo de Los últimos Jedi, a la mítica Diane Evans de Twin Peaks y a Renata Klein, la pija y sobreprotectora madre de Big Little Lies por la que ganó tanto el Emmy como el Globo de Oro a mejor actriz de reparto en la categoría de miniserie… si bien se anunció a posteriori una segunda temporada que se emitió este año. Dern se desató en el regreso de la serie de HBO para alegría de los fans de Renata, quienes también están de enhorabuena con el estreno de Historia de un matrimonio, pues su rol de abogada matrimonial despiadada retiene todo el carisma de aquella. Suenan campanas de Oscar para Dern por este rol, que también está presente en la campaña de premios por formar parte del excelso elenco de la nueva versión cinematográfica de Mujercitas que ha dirigido Greta Gerwig, y en la que da vida a la matriarca de las hermanas protagonistas. La agenda de Laura Dern para el 2020 parece bastante despejada salvo por el rodaje de la tercera parte de Jurassic World, donde retomará el rol de Ellie, pero ya no como una actriz principiante conocida por ser hija de actores célebres, sino como la estrella y tremenda actriz en la que se ha convertido.



Extras:

Trailer de Historia de un matrimonio

Trailer de Mujercitas

Ganando el Globo de Oro a mejor actriz de reparto por Big Little Lies

Laura Dern repasa su carrera

Anuncio del fichaje de Laura Dern para Jurassic World 3

25/11/19

Historia de un matrimonio – De aquel amor, estos lodos



Dir.: Noah Baumbach
Int.: Adam Driver, Scarlett Johansson, Azhy Robertson, Laura Dern, Alan Alda, Ray Liotta, Julie Hagerty, Merritt Wever, Wallace Shawn
¿De qué va?: Nicole es una actriz que dejó una prometedora carrera en el cine comercial para trabajar en la compañía teatral de su marido Charlie, un director de teatro en pleno auge del que ahora se está divorciando. Con un hijo en común, la pareja acaba recurriendo a los abogados y tribunales para zanjar una vida en común llena de heridas abiertas.

Reseña: Chico conoce a chica. Se enamoran, se casan, tienen un hijo…. se acaba el amor. El nuevo film de Noah Baumbach empieza con postales de un romance pero pronto baja a la Tierra y a la cruda realidad: esta no es la historia de un matrimonio sino de su final. Baumbach se inspiró en el divorcio de sus padres para la película que lo colocó bajo el radar, Una historia de Brooklyn (2007), mientras que para el que probablemente sea su mejor trabajo hasta la fecha, el cineasta ha partido de su separación de la que fuese su esposa durante 8 años, la actriz Jennifer Jason Leigh. El conflicto es el mismo pero el punto de vista es diferente: ya no asistimos al desmoronamiento a través de la mirada de un adolescente, sino en primera persona y desde los lados opuestos de la trinchera.


Al principio Nicole y Charlie quieren separarse de forma amistosa, pero pronto afloran los viejos rencores, los reproches, los desencuentros, y todo adquiere una nueva dimensión cuando los abogados entran en juego. El retrato que se hace de ellos es feroz, mostrándolos como carroñeros que compartimentan estupendamente su vida y su trabajo: en el juzgado van directos a la yugular para destrozar a su oponente, pero fuera de él se llevan de fábula sin importar el reguero de víctimas que dejan atrás. Historia de un matrimonio es bastante ecuánime al abordar el punto de vista de la ex-pareja; cada uno ostenta su verdad, sus razones y sus errores. No nos costará demasiado entender a ambos, los motivos por los que se enamoraron y las razones de su separación, y por eso, verles discutir en una impresionante y verbalmente violenta escena, nos llega a doler como si se tratase de nuestros propios padres.


Buena parte del mérito de que Historia de un matrimonio resulte una experiencia tan inmersiva es de Baumbach, tanto por un sólido guion que alterna el drama y la comedia con una naturalidad pasmosa como por su excelente dirección de actores. En contadas ocasiones ha estado Scarlett Johansson tan bien aprovechada como aquí. Desborda emoción y carácter y mantiene una eléctrica química con Adam Driver que nace de la discrepancia. Él, siendo uno de los mejores actores de su generación, está más inmenso conforme su personaje se adentra cada vez más en la desesperación. A nadie que haya visto Big Little Lies le pillará por sorpresa lo que hace aquí Laura Dern, pero eso no va en contra de la elegancia, la garra y el carisma con los que abraza su personaje de abogada despiadada. Las aportaciones de Alan Alda, Merritt Wever, Ray Liotta y demás son significativas, pues todos gozan de momentos de lucimiento. El de Driver es una canción y un derrumbamiento, los de Johansson y Dern, sendos monólogos tan bien escritos como interpretados.


Historia de un matrimonio tiene momentos muy divertidos pero acaba sentando como una paliza. Solo se le puede poner un gran pero: lo que al principio parece una propuesta paritaria y ecuánime acaba centrándose en el punto de vista de él, mientras que el de ella se diluye y queda relegado a un segundo plano. Es comprensible hasta cierto punto, pues no deja de ser el relato de Baumbach sobre su propio proceso de divorcio, y al menos, el personaje de Johansson nunca queda desdibujado gracias a que el primer tramo del film le pertenece a ella. La melódica banda sonora compuesta por Randy Newman resulta tan irónica como el propio título de un film que su director ha rodado acentuando a través de la imagen la cada vez más profunda distancia emocional de su pareja protagonista. Es, en definitiva, la Kramer contra Kramer (1979) de aquellos que, en vez de ampararnos en romances aspiracionales, crecimos con ¡Olvídate de mí! (2004), Revolutionary Road (2008), (500) días juntos (2009) y Her (2013) como referentes; hemos dejado de creer en los finales felices, pero al menos, seguimos disfrutando del viaje.

9/10

24/11/19

El irlandés – El crepúsculo de los capos



Dir.: Martin Scorsese
Int.: Robert De Niro, Joe Pesci, Al Pacino, Stephen Graham, Bobby Cannavale, Harvey Keitel, Anna Paquin, Jesse Plemons, Aleksa Palladino, Jack Huston
¿De que va?: Frank Sheeran, veterano de la Segunda Guerra Mundial, estafador y asesino a sueldo, recuerda su participación en el asesinato de Jimmy Hoffa. Uno de los grandes misterios sin resolver del país: la desaparición del legendario sindicalista Jimmy Hoffa.

Reseña: Ahí va un secreto a voces: el cine de mafias no me entusiasma. No comparto esa fascinación hacia ese submundo testosterónico de padrinos, matones, dinero sucio, traiciones, asesinatos y chicas florero. Reconozco el gran valor artístico y cinematográfico de El padrino (1972) y su secuela, de Uno de los nuestros (1990) o Érase una vez en América (1984), pero como quien aprecia un cuadro famoso sin menosprecio pero con indiferencia. También siento un poco de rabia de que cada vez que vaya a comentar una película de este tipo tenga que pedir disculpas por antelación, como si de manera inconsciente supiera que soy corto de miras por no flipar con tales obras magnas. Por todo ello, encaré El irlandés más como un deber que por placer, sabiendo que no podía perderme uno de los acontecimientos cinematográficos de la temporada, pero sin compartir el entusiasmo generalizado porque Martin Scorsese haya regresado al cine de gangsters. 


Efectivamente, El irlandés es una clásica película de mafiosos, pero hay algo que la distingue de sus congéneres y que la hace particularmente interesante: una visión completamente desencantada de la vida criminal. Por supuesto que está bien cargada de corruptelas con múltiples jugadores poco fiables en las que es fácil perderse, pero también tiene espíritu crítico, cierto afán autoparódico y una ausencia absoluta de glamour que viene a confirmar que El irlandés supone para el cine de mafias lo que Sin perdón (1992) fue para el western; un homenaje y una carta de despedida a un género que tiempo atrás lo fue todo. La ambientación y el diseño de producción son, como cabría esperar, perfectos, pero sorprende que los espacios donde se desarrolla la trama sean tan sencillos, mundanales y humildes. Probablemente sea una de las pocas películas de mafiosos (quizás la única) en la que la circulación del dinero y la ostentación de él brille por su ausencia.


Para rematar la jugada, Scorsese ha juntado a tres actores cuya contribución ha sido clave para la mitificación del genero. Robert De Niro tiene que luchar contra unas lentillas que distraen y un efecto rejuvenecedor que no le sienta tan natural como a su compañeros de reparto, pero sale ganando con la que probablemente sea su mejor interpretación tanto de esta década como de la anterior; esa tristeza contenida que se va adueñando paulatinamente de su personaje no es nada fácil de conseguir. Lo de Joe Pesci se basa sobre todo en presencia y talante, mientras que Al Pacino se luce como hace muchísimo que no lo hacía con una interpretación carismática, desbordante y enérgica. Insufla humor al film sin caer nunca en la sobreactuación o la parodia, además de ser quien recita las mejores frases del guion. De lo mejorcito del reparto y del conjunto.


Puede que me hubiese gustado más El irlandés si durase 60 o 90 minutos menos. No es que sea una película densa de ver pero el que abarque varias décadas no justifica sus tres horas y media de duración; difícilmente cualquier película podría hacerlo. Pero curiosamente, se hace más llevadera en su último tramo, cuando termina de describir el ascenso criminal de su protagonista y se centra en su relación con Jimmy Hoffa y en las consecuencias de sus actos, en lo poco que queda por recoger de lo cosechado cuando el chiringuito se acaba. Con la estimable y reivindicable intervención de una silente Anna Paquin, la película concluye adentrándose con elegancia en la pérdida, la soledad, la incomunicación, la culpa, la lealtad y la muerte. Es, al fin y al cabo, el doloroso punto y final que Scorsese necesitaba poner a su relación con el mundo de la mafia.

7’5/10

21/11/19

Madre – El fin del luto



Dir.: Rodrigo Sorogoyen
Int.: Marta Nieto, Jules Porier, Alex Brendemühl, Anne Consigny, Fréderic Pierrot, Guillaume Arnault, Raúl Pietro, Blanca Apilánez
¿De qué va?: Elena recibe una llamada de su hijo de seis años, que le dice que está perdido en una playa en Francia y que no encuentra a su padre. Esas palabras desesperadas de su hijo fueron lo último que Elena supo de él. Diez años más tarde, Elena vive en la misma playa donde desapareció su hijo y conoce a un adolescente que le recuerda a él.

Reseña: Un plano secuencia, una habitación, dos mujeres y una angustiosa llamada telefónica. Con estos elementos, Rodrigo Sorogoyen rodó Madre (2017), un cortometraje cuyo impacto llegó a resonar en la última edición de los premios Óscar. No ganó la preciada estatuilla, pero dejó a todo el mundo intrigado con lo que podría ocurrir a continuación, pues a ese modélico ejercicio de suspense y tensión in crescendo le faltaba un desenlace. La respuesta viene en forma de largometraje homónimo que arranca con el propio corto y continúa con un salto temporal de diez años. Es solo la primera de una serie de elecciones narrativas que dejarán descolocado al espectador, y es que de entre los numerosos caminos por los que podía continuar la historia, Sorogoyen ha optado por uno de los más abruptos y arriesgados.


Madre es la historia de Elena, una mujer que ha sufrido una pérdida tan terrible que su vida ha pasado a girar en torno a la ausencia. Sus intentos de llevar una vida normal son en realidad concesiones de cara a la galería para que la dejen en paz y piensen que está bien. Pero no lo está. Sin embargo, un encuentro fortuito provoca que afloren sentimientos en ella que creía perdidos, y con ellos, una ínfima pero plausible esperanza de dar a la vida una segunda oportunidad. Madre muta de pesadilla a relato sobre la sanación, y lo hace transformando la incomodidad asfixiante del cortometraje por otro tipo de incomodidad, la que nace del desconcierto y de manipular los códigos morales. No es una película fácil, y muy pocos comulgarán con ella, así que prepárense para acalorados debates a la salida de la proyección.


Madre, la película, confirma la revelación que se produjo en el corto precedente: una actriz inmensa llamada Marta Nieto. No es que sea una recién llegada, pues formó parte del elenco de El camino de los ingleses (2016) hace ya más de diez años, pero no había tenido oportunidades de despuntar hasta ahora. Elena es un personaje complejo, antipático y esquivo que Nieto defiende con carácter, nervio y sensibilidad; solo necesita de pequeños gestos, como una sutil sonrisa que se disipa, o una mirada ausente, para expresar el gran abanico de emociones por los que atraviesa a lo largo del film. Si ya se merecía todos los premios por su interpretación en el corto, deberían lloverle las ofertas de trabajo por la fuerza, el magnetismo y la belleza con los que embruja la película.


Rodrigo Sorogoyen se mete de lleno en un poderoso e intimista drama femenino con el que sin embargo resulta complicado empatizar. La playa francesa donde se desarrolla la historia, los suaves movimientos de cámara, el brío de sus planos secuencia y las escasas pero hermosas notas musicales contribuyen a crear una atmósfera profundamente melancólica, pero su capacidad inmersiva se ve lastrada por una deliberada ausencia de asideros emocionales.La actitud de los personajes resulta caprichosa y supeditada a los cambios que demanda una narración que a ratos se torna monótona. Pese a sus problemas, no seré yo quien recrimine a Sorogoyen por haber hecho esta película de Madre y no la que muchos esperábamos, pues hay que reconocer su osadía por haber dado a un conflicto tremendo una vía de escape nada complaciente, pero retorcidamente hermosa.

7/10

Este artículo puedes leerlo también en Cinemagavia.


19/11/19

Ventajas de viajar en tren – Las capas de la cebolla




Dir.: Aritz Moreno
Int.: Pilar Castro, Ernesto Alterio, Luis Tosar, Quim Gutiérrez, Belén Cuesta, Javier Botet, Macarena García, Javier Godino, Stéphanie Magnin, Gilbert Melki
¿De qué va?: ¿Le apetece que le cuente mi vida? Con esta desconcertante pregunta la editora Helga Pato es abordada durante un viaje en tren. Su compañero de asiento es Ángel Sanagustín, un psiquiatra experto en trastornos de personalidad. Durante el viaje, Ángel le relata a Helga la sórdida y delirante historia del peor caso clínico al que se ha enfrentado jamás

Reseña: La comedia es el género que más dinero hace en el cine español. Pero no vale cualquier tipo de comedia. Tiene que hacer hincapié en las diferencias culturales, ya sea entre las diferentes regiones españolas o respecto al exterior. También tiene que haber algún tipo de enredo o engaño, que su humor sea blanco y familiar con alguna salida de tono escatológica y, muy importante, estar amparada por una cadena privada que la promocione hasta la extenuación y más allá en sus canales. Por eso, abracemos sin rubor la expresión cliché de “un soplo de aire fresco” al hablar de Ventajas de viajar en tren. Porque es una comedia (o algo) de las que no se hacen en España, diferente, rara y atrevida, con un reparto de lujo y una producción cuidada al detalle. Ahí va otro cliché perfecto para definirla: rara avis.


Basada en la novela homónima de Antonio Orejudo, el debut en largo de Aritz Moreno comienza con una extraña conversación en un tren para introducirse rápidamente en una historia que se introduce a su vez en otra historia y así sucesivamente hasta dar forma una especie de Origen (2010) donde realidad y ficción se entremezclan hasta que no se distingue dónde termina una y empieza la otra. Las historias que dan forma al conjunto son peculiares y descabelladas pero, en realidad, todas se basan en filias y trastornos psicológicos muy humanos, como la pérdida de la dignidad por alimentar una relación tóxica o las falsas expectativas que genera la cultura popular y el porno de cara a las relaciones sexuales. El cuidado diseño de producción colorista y de cuento de hadas colisiona armónicamente con la decrepitud y lo grotesco de los relatos, mientras que la sólida dirección de Moreno consigue que todo fluya con la peculiar naturalidad que despliega el film.


De la misma forma en la que el envoltorio choca (en el buen sentido) con el contenido, sorprende para bien ver a actores del star-system español como Luis Tosar o Quim Gutiérrez entregarse a personajes tan extremos e incluso ridículos. Todo el reparto está en perfecta sintonía con el tono de Ventajas de viajar en tren, pero destacan especialmente Ernesto Alterio, Javier Botet y Pilar Castro. Botet protagoniza la mejor historia y Castro la mejor secuencia, una que va acompañada musicalmente por El amor de Massiel, un himno desconocido de la música española que acompaña perfectamente la emoción creciente del momento en el que suena, al tiempo que encapsula en su letra todo el viaje emocional del personaje de Castro. De las mejores secuencias de la cosecha cinematográfica anual.


A Ventajas de viajar en tren le pesa sobre todo una trama que tiene que ver con niños que está innecesariamente estirada. Es el mayor inconveniente que le encuentro a una película extravagante, divertida y necesaria. Porque ya era hora de que el cine español nos obsequiara con un film que no sea apto para todos los públicos, que asquee y sorprenda, que se zambulla en la metaficción y que haga un humor absurdo y marciano que nos retrotraiga a la maravillosa Amanece, que no es poco (1989) tras ese intento fallido de recuperar su espíritu que fue Tiempo después (2018). Ojalá que Aritz Moreno pueda desarrollar una carrera tan estimulante como su insólita carta de presentación.

7’5/10

18/11/19

O.C: La posesión (1981)

¿De qué va?: Al volver de un viaje de negocios Mark descubre que su mujer, Anna, está cada vez más descontenta con su matrimonio y desea divorciarse. Aunque Anna lo niegue al principio, acaba confesando que tiene una aventura. Sin embargo, gracias a una compañía de detectives privados, Mark averiguará que hay una aterradora razón para el extraño comportamiento de su mujer.

Reputación: Andrej Zulawski escribió el guion de La posesión (Possession) en medio de su propio divorcio. Aunque le surgió la oportunidad de rodar la película en Estados Unidos, decidió que tuviese lugar en Alemania, ya que se encontraba cercano a su país y ciudad de origen. Zulawski siempre quiso a Isabelle Adjani para protagonizar el film, y aunque esta se negó en primer lugar, acabó siendo convencida por el director de fotografía, Bruno Nuytten. Si bien ganó el premio a mejor actriz tanto en el Festival de Cannes como en los César, Adjani declaró más adelante que le costó años superar al personaje de Anne y que jamás aceptaría un papel similar. Para Sam Neill, el co-protagonista masculino, parece que no fue una experiencia tan traumática, pues siempre ha dicho que es su película favorita de todas en las que ha participado. Para el diseño de la criatura que aparece en la película, Zulawski contó con Carlo Rambaldi, quien se había encargado anteriormente del aspecto de los extraterrestres de Encuentros en la tercera fase (1977) y de la cabeza del xenomorfo de Alien, el octavo pasajero (1979). La British Board of Film Classification (BBFC) incluyó La posesión en un listado denominado Videos Nasties compuesto por películas censuradas por su violencia gráfica, y no fue hasta el año 1999 que la cinta pudo ser estrenada en Reino Unido con su metraje original. También sufrió recortes en su lanzamiento norteamericano.


Comentario: La posesión es desconcertante, desagradable, excesiva, confusa, turbadora… y extrañamente hipnótica. Al igual que el Anticristo (2009) de Lars Von Trier, asistimos al derrumbe y la mutilación de un matrimonio condenado por fuerzas sobrenaturales que les superan. Con el muro de Berlín como telón de fondo, se produce el descenso a los infiernos de Anna (grandiosa Isabelle Adjani) arrastrando consigo a su marido y con su hijo en común como daño colateral. Doppelgängers, monstruosidades con erótico resultado, brotes psicóticos, el fin del mundo…  Las peores pesadillas se dan cita en un film esquizofrénico cuyo clímax tiene lugar en los pasillos de un metro, con la protagonista enfrascada en una coreografía demoníaca de gritos y viscosidades. Una película incapaz de dejar indiferente a nadie.

Próximo visionado: La mansión encantada (1963)

17/11/19

Doctor Sueño – Pálido resplandor



Dir.: Mike Flanagan
Int.: Ewan McGregor, Rebecca Ferguson, Kyliegh Curran, Cliff Curtis, Zahn McClarnon, Emily Alyn Lind, Zachary Momoh, Jocelin Donahue
¿De qué va?: Décadas después de sobrevivir al Hotel Overlook, Danny Torrance lucha por encontrar algo de paz a pesar de seguir irremediablemente marcado por aquel trauma. Pronto conocerá a Abra, una valiente niña dotada de un poderoso don extrasensorial que le pedirá ayuda para enfrentarse a la despiadada Rose la Chistera y a sus seguidores.

Reseña: Una hipotética secuela de El resplandor (1980) eran palabras mayores… salvo para Stephen King, que nunca se cortó al declarar que la versión cinematográfica que hizo Stanley Kubrick de su novela le horrorizaba… y no en el buen sentido. La continuación llegó a las librerías en 2013 bajo el título de Doctor Sueño (Doctor Sleep), y tras volver a ponerse de moda las adaptaciones de sus relatos gracias al éxito de It (2017), llegó el momento de hacerla realidad. También porque es muy probable que actualmente no haya alguien más idóneo para el encargo que Mike Flanagan, pues, además de haber ya adaptado material de King con buenos resultados en El juego de Gerald (2017), es uno de los mejores y más interesantes directores de cine de terror de la actualidad.


La clave de la eficacia de Flanagan es muy sencilla: está mas interesado en los personajes, su desarrollo y sus relaciones que en asustar al personal… pero cuando se propone meternos el miedo en el cuerpo lo consigue a lo grande, como se puede comprobar en su mejor obra hasta la fecha, la serie La maldición de Hill House (2018). En Doctor Sueño es evidente el interés de Flanagan por trasladar en imágenes la historia de Stephen King con claridad y fidelidad, otorgando tiempo para conocer y explorar los tres vértices sobre los que se sustenta la misma: Danny Torrance, Abra y Rose la Chistera. Sin embargo, tal es la dedicación de Flanagan por construir una narración sin trama ni cartón que en realidad se echa en falta algún golpe de efecto que anime una trama demasiado larga, pagada de sí misma y más previsible y obvia de lo que se cree.


Los únicos golpes de efecto que se reserva el film son alguna que otra escena macabra y las referencias a El resplandor, la película, que se concentran al principio y al final del metraje. Flanagan se ha acercado a la obra de Kubrick con reverencia pero tomando y manipulando sin pudor aquellos elementos que necesitaba para terminar de dar forma a Doctor Sueño. El resultado es una suerte de reconciliación entre King y Kubrick, aunque agrava la diferencia de chicha entre un material y otro, pues el interés hacia lo que ocurre en pantalla sube enteros con cada referencia a El resplandor, al menos para un servidor. Y no es por falta de temas: en Doctor Sueño se habla de la adicción, de la responsabilidad, de la culpa, de plantarle cara a nuestros miedos y de la redención, pero todo esto se traduce en una lucha entre el bien y el mal, entre personas con poderes y vampiros, que no luce demasiado.


Ewan McGregor como Danny Torrance está correcto, pero no hay nada especialmente reseñable en una interpretación que palidece ante la de Rebecca Ferguson, juguetona y perversa dando vida a la gran villana de la función. La actriz insufla vida a una película que, si bien consigue distanciarse lo suficiente de El resplandor, tampoco cuenta con suficientes virtudes y hallazgos como para destacar por sí sola. Aun así, sigo pensando que Mike Flanagan era el director más apropiado para la empresa, pues la cosa podría haber salido mucho peor, y quizás Doctor Sueño nunca estuvo llamada a resonar en la misma frecuencia que los pasillos del maquiavélico Hotel Overlook.

6/10

15/11/19

The Farewel – La familia que miente unida…



Dir.: Lulu Wang
Int.: Awkwafina, Shuzhen Zhoue, Tzi Ma, Jim Liu, Gil Perez-Abraham, Diana Lin, Yongbo Jiang
¿De qué va?: Billi es una mujer, de nacionalidad chino-americana, que regresa a su país natal cuando se entera de que su abuela padece un cáncer terminal y de que su familia ha decidido ocultárselo a la anciana. Billi debe apartar estos problemas a un lado para participar en una boda familiar que resultará ser el último gran evento en el que esté su abuela.

Reseña: Tras rodar varios cortometrajes, Lulu Wang dio el salto al cine en 2014 con Posthumous. La película, que versaba sobre un artista que ve cómo su obra se revaloriza cuando, por un error, se cree que se ha suicidado, no gustó y pasó muy desapercibida. Para su segundo largometraje, Wang se ha inspirado en su ámbito familiar, concretamente en la mentira que se creó para que su abuela no supiera que tenía cáncer.Sin embargo, le costó mucho encontrar financiación: los productores chinos la consideraban demasiado americana y los americanos no querían pagar una película con un elenco 100% asiático. Curiosamente, parte del conflicto de la protagonista de The Farewell, Billi, también tiene que ver con un choque de nacionalidades: al haberse mudado con sus padres a Estados Unidos siendo una niña, su sentimiento de pertenencia no está del todo claro.


Las cosas no le están yendo bien a Billi en Estados Unidos, y aunque le gustaría pasar todo el tiempo posible con su abuela… ¿que haría en China, si ni siquiera habla bien el idioma? Además, no está del todo convencida acerca de engañar a su abuela, la cual está enfrascada en la organización de una boda de pacotilla mientras el resto de la familia intenta poner buena cara. La directora acierta de pleno reparando tanto en los detalles y las situaciones en las que todos podemos vernos reflejados, sin importar nuestra procedencia, así como en aquello que caracteriza especialmente a la sociedad china. Una cultura que se empeña en guardar las formas y la compostura mientras los seres queridos están vivos, reservando la demostración a moco tendido de cuánto los querían para cuando ya no estén presentes. Este tipo de contradicciones, de sentimientos reprimidos y lealtad familiar son lo que hacen de The Farewell una película tan singular, íntima y moderada.


Sin embargo, la impresión que deja es que Lulu Wang podía haber ahondado más en la frágil estabilidad del clan, y sin embargo, siempre orbita sobre las dos mismas claves: la cuestionable ética de la gran mentira y el choque cultural entre América y China. De la misma forma en la que no se atreve a plantear conclusiones, tampoco carga las tintas en los elementos cómicos ni en los dramáticos de la historia. Por una parte, es de agradecer, puesto que The Farewell nunca cae ni en la autoparodia ni en el tremendismo, pero por la otra, un poco más de humor más allá del surgido en la incomodidad no le hubiese venido nada mal. Igualmente, la película está contada exclusivamente desde el punto de vista de Billi, mientras que, salvo por la abuela, los demás miembros de la familia están infrautilizados, cuando el conjunto podría haberse beneficiado por reparar un poco más en ellos.


The Farewell es una tierna y hospitalaria acogida a una familia reunida en torno a una mentira piadosa. Irónicamente, se siente legítima y sincera, aunque deje sin culminar parte de su potencial. Cuenta con un interpretación protagonista muy correcta por parte de Awkwafina, aunque en realidad la gran estrella es Shuzhen Zhao. En su exhibición de autoridad, protección, cariño, melancolía, perspicacia y testarudez, Zhao se convierte, no solo en la abuela que esta familia necesita, sino en la abuela por antonomasia; la que solo los más afortunados hemos tenido la suerte de disfrutar, aunque solo fuese por un breve período de tiempo.

6/10

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