25/3/15

Caso abierto entre flores de cannabis

Poster Puro vicio
Dir.: Paul Thomas Anderson
Int.: Joaquin Phoenix, Josh Brolin, Owen Wilson, Katherine Waterston, Reese Witherspoon, Benicio del Toro, Martin Short, Jena Malone
¿De qué va?: Doc Sportello es un peculiar detective de la ciudad de Los Ángeles durante los años 70 que recibe la visita de su ex, Shasta, quien le pide ayuda para encontrar a su amante, un magnate inmobiliario que tenía la intención de devolver a la sociedad todo lo que le había robado. Sportello se ve enredado entonces en una intriga en la que los escrúpulos chispean por su ausencia.
 
Reseña: Es incontestable: Paul Thomas Anderson ha alcanzado la madurez... pero tal vez no de la forma en la que lo deseábamos unos cuantos. Con The Master no solo demostró que posee un pleno dominio del lenguaje cinematográfico como director, sino que su labor de guionista se ha refinado, enriqueciendo el contenido implícito de la historia hasta tal punto que el mensaje puede resultar tan críptico como distante, no ya para el gran público, que nunca ha sido el target objetivo del cine de Anderson, sino para el sector cinéfilo que quedó maravillado con Boogie Nights, Magnolia o Pozos de ambición.
 
Puro vicio

Puro vicio continúa la senda indescifrable de The Master, aunque, a juzgar por los comentarios de los que han leído la novela de Thomas Pynchon en la que se basa, no había otra manera de llevarla a la gran pantalla manteniendo su espíritu intacto. La película comienza como una sencilla investigación detectivesca, la búsqueda de una persona desaparecida, y conforme se van descubriendo nuevos datos, aparecen nuevos personajes y surgen nuevas incógnitas, el hilo de la trama se va enrevesando hasta que ni el propio protagonista se ve capaz de desenredarlo... sobre todo porque va de marihuana hasta arriba. Puro vicio se revela como una suerte de El sueño eterno setentero en el que la resolución del misterio es una simple excusa para dibujar un retrato de Estados Unidos construido a través de esbozos y breves alusiones a su contexto histórico, político; económico y social, más deprimente de lo que aparenta su jocosa atmósfera. 
 
Puro vicio2

La película resulta psicotrópica, no a nivel visual sino narrativo, y en medio de la vorágine se encuentra un Joaquin Phoenix en estado de gracia. Quién si no podría protagonizar una película tan indescifrable y alienada, después de hacer creer al mundo entero que se le había ido la olla cuando rodaba el falso documental I'm still here... Quizás Shia LaBeouf. Pero el caso es que Phoenix demuestra que tiene una gran expresividad cómica mientras interactúa con una larga serie de personajes a cada cual mas esperpéntico. A algunos los veremos en varias ocasiones, como al indescifrable agente de policía al que da vida Josh Brolin o la sugerente e hipnótica femme fatale interpretada por Katherine Watertson, y a otros los avistaremos una vez y nunca más, alimentando la confusión generalizada.

Puro vicio3

Puro vicio tiene gracia, encanto y algo de lógica hasta cierto punto que ronda la hora y media de película. Pero a partir de entonces resulta muy tentador rendirse ante el esfuerzo de encontrar sentido y lecturas ocultas a lo que está sucediendo, sobre todo en los últimos treinta minutos, que se hacen muy cuesta arriba, y es que 148 minutos de metraje son excesivos para una película de estas características se mire por donde se mire. Así pues, Puro vicio no es un filme para nada desdeñable, pero tampoco garantiza una recompensa por haberle dedicado un esfuerzo extra. Paul Thomas Anderson ya juega en modo experto, porque tiene ese estatus que le permite hacer lo que le salga de los mismísimos, mientras prestigiosos investigadores de la universidad de Cambridge investigarán qué droga hay que tomar para desentrañar Puro vicio. Gustar no implica entender, y este es un ejemplo de ello a medias.

6/10

17/3/15

Sálvese quien pueda

Poster Fuerza mayor

Dir.: Ruben Östlund
Int.: Johannes Kuhnke, Lisa Loven Kongsli, Vincent Wettergren, Clara Wettergren, Kristofer Hivju, Fanni Metelius, Karin Myrenberg
¿De qué va?: Una familia pasa las vacaciones de invierno en los Alpes. Al segundo día, se produce una avalancha justo al lado del restaurante donde están comiendo, y mientras la madre llama a su marido para que la ayude a salvar a sus hijos, éste ha salido corriendo para salvar su vida. Finalmente, la avalancha se detiene antes de llegar al restaurante, sin ocasionar daños, pero el universo familiar ya se ha resquebrajado.

Reseña: Hace unos años, mi madre me despertó en medio de la noche porque se estaba quemando un coche justo al lado de nuestra casa. Raudo y veloz, me levanté de la cama, y ante mí tenía tres objetos que podía llevarme antes de que mi casa fuera “pasto de las llamas”: mi cartera, mi móvil y mi reloj de pulsera. ¿Adivinan cuál de ellos escogí? Exacto, el reloj. Los bomberos vinieron y todo quedó un susto, pero yo me sentía como en aquel gag de Scary Movie en el que Carmen Electra escoge un plátano en vez de una pistola, un cuchillo o una granada para defenderse del asesino. No podemos estar seguros de cómo reaccionaríamos en situaciones extremas, y en el caso en el que actuásemos de la forma más estúpida o incorrecta posible… ¿sería fruto del instinto de supervivencia intrínseco del ser humano, egoísmo puro y duro o una inofensiva metedura de pata?

Fuerza mayor

Esa es la pregunta que ronda sobre la familia protagonista de Fuerza mayor, después de que el padre haya quedado en evidencia al intentar salvarse de una avalancha mientras su esposa se quedaba a proteger a los hijos que tienen en común. La anécdota en sí misma se convierte en una bola de nieve que se hace más y más grande conforme la incomodidad ante lo sucedido se hace patente en la pareja. La virilidad del padre, esa cualidad tan admirada en la sociedad mundial, es puesta en entredicho ante su mujer e hijos, al tiempo que aquella se empieza a cuestionar por qué está casada con un gañán así, a pesar de que todo había ido bien hasta entonces. Un resort de lujo, en medio de un blanco páramo de los Alpes, es el idílico, aséptico y apropiadísimo escenario de estas vacaciones que utiliza el director sueco Ruben Östlund para diseccionar las fisuras de la clásica y perfecta familia de anuncio, con una capacidad para hurgar en las verdades veladas e incómodas no muy alejadas del ojo crítico de Michael Haneke.

Fuerza mayor3

El saber estar y la parquedad propias del norte de Europa otorgan un particular e inesperado cariz cómico a la película, sobre todo cuando un silencio incómodo impera sobre los personajes, y su ritmo es deliberadamente lento y parsimonioso, pero no aburre en absoluto porque resulta muy fácil acomodarse a él y engancharse a la historia, salvo para aquellos que necesitan ser continuamente bombardeados de cosas para mantenerse entretenidos. Tan bien dirigida como interpretada, Fuerza mayor se revela como una ingeniosa y mordaz parábola que nos hace ver que el modelo de familia moderna no se diferencia demasiado al tradicional, y que la concepción de cómo debe ser un hombre y cómo debe ser una mujer es algo que tenemos muy arraigado dentro de nosotros por muy abiertos de mente que nos consideremos y, lo peor de todo, es que nos sentimos más seguros así, cuando todo está tal y como debería ser por tradición, aunque no nos atrevamos a confesarlo en voz alta.

8/10

15/3/15

Las dos caras del amor

Poster La desaparición de Eleanor Rigby

Tras varios cortometrajes, Ned Benson decidió dar el salto al largo con la historia del distanciamiento de una pareja. Su novia de por aquel entonces, una tal Jessica Chastain, le dijo que el punto de vista de la mujer estaba muy poco desarrollado en el guión que había escrito, que por qué no le daba más importancia, y así fue como surgió la idea de rodar La desaparición de Eleanor Rigby como dos películas complementarias sobre una misma historia, pero contadas desde dos puntos de vista diferentes, el de él, Conor, y el de ella, la Eleanor del título, cuya desaparición tras un trágico suceso sufrido por la pareja desencadena la trama.

Ambas películas, bajo el subtítulo de Him (Él) y Her (Ella) respectivamente, se presentaron en el Festival de Toronto causando muy buenas reacciones y la compra de los derechos de distribución por parte de Harvey Weinstein. Sin embargo, el productor, famoso por su afición al ‘tijeretazo’, instó a Benson para hacer un nuevo montaje que unificara las dos películas por motivos comerciales, que digo yo, para qué compras algo si luego vas a cambiar lo que lo hace especial… Pero bueno, así fue como surgió, a pesar del enfado de Jessica Chastain (gran impulsora del proyecto), La desaparición de Eleanor Rigby: Ellos, la versión que llegó a los cines. Las dos películas originales se proyectaron en cines del circuito independiente americano y están presentes en una edición especial del DVD, aunque también gozarán de proyecciones especiales en Madrid y Barcelona esta semana.

Eleanor Rigby3

La forma en la que está plasmado el proyecto tal y como está concebido es muy interesante. No existe un orden preestablecido sobre qué película ver antes porque en función de cuál sea la primera, la percepción sobre la historia cambia completamente. Por ejemplo, si empezamos por Él, ella es presentada como una gran incógnita, no sabemos por qué actúa en la manera en la que lo hace, mientras que si iniciamos la historia con Ella, él nos parecerá un acosador, un tipo incapaz de otorgar  el espacio que necesita su mujer. Sólo al ver las dos partes tendremos una visión global del asunto, con ciertos matices, puesto que hay escenas conjuntas cuyo diálogo cambia en función del punto de vista, algo que también se ha utilizado recientemente en la serie The Affair. La fotografía de ambas películas es distinta (colores fríos para él, cálidos para ella), los flashbacks cambian en función de los recuerdos que prevalecen en la memoria de cada uno,  y ambos cuentan con sus propios personajes secundarios, los cuales realizan algún que otro cameo en la película del contrario.

Eleanor Rigby2

La versión unificada, Ellos, no es desdeñable. El montaje es hermético, no deja cabos sueltos ni parece que faltan cosas, de hecho, el ritmo mejora, pero no tiene tanta profundidad emocional y pierde muchas de las subtramas de una galería de secundarios espléndida compuesta por William Hurt, Isabelle Huppert, Viola Davis, Bill Hader, Jess Weixler, Ciarán Hinds... La principal pega que tiene es que desaparece todo lo que hace original a la historia, y aunque el tema de estudio siga estando presente, esto es, dos formas diferentes e incluso opuestas de asimilar y gestionar una tragedia personal (nada que ver con el romanticismo que el tráiler y el marketing nos han vendido), no se diferencia demasiado de otras películas que también lo han abordado. Y es que La desaparición de Eleanor Rigby es un proyecto cinematográfico que me causa más admiración que apasionamiento; me conmueve pero no me conquista del todo.

THE DISAPPEARANCE OF ELEANOR RIGBY

Quien sí me enamora, una vez más, es Jessica Chastain, volcándose al completo en un personaje que lucha por seguir adelante a pesar de las heridas emocionales y a que no tiene ni idea de qué hacer con su vida. James McAvoy es un fantástico partenaire, lidera su película con soltura y expresa con suma convicción la confusión que siente Conor por el alejamiento de su esposa. En resumen, aunque no sea todo lo sobresaliente que podía haber sido, hay que ver La desaparición de Eleanor Rigby, las dos partes individuales, empezando por cualquiera de ellas, y si hay ganas de más, sólo entonces, se ve Ellos. Proyectos tan originales y sugestivos como este no merecen ser ignorados.

Él y Ella: 7’5

Ellos: 6’5

14/3/15

El largo velatorio

The Leftovers

Creador: Damon Lindelof, Tom Perrotta
Int.: Justin Theroux, Amy Brenneman, Christopher Eccleston, Liv Tyler, Chris Zylca, Carrie Coon, Margaret Qualley, Ann Dowd, Emily Meade
Emisión: 2014 – ¿?, HBO
1 temporada

Tras el final de Perdidos, Damon Lindelof se convirtió en persona non grata para millones de personas. Me lo imagino comprando en el supermercado ante la mirada asesina de la cajera, del charcutero y de los los demás clientes. Él gritaría “¡Los personajes siempre fueron más importantes que los misterios de la isla!” y todo el mundo apartaría su vista de él con indignación. Que conste que yo fui de esos que quedaron satisfechos con el desenlace, pero el hecho de que Lindelof haya tenido que salir del paso en numerosas entrevistas y vía Twitter demuestra que el sentimiento generalizado fue el de decepción.

The Leftovers5

Por ello, muchos se mostraron escépticos ante la noticia de que Lindelof tenía nueva serie, aunque fuese bajo la protección de la reputadísima HBO, y es que volvía a tratarse de una ficción construida a partir de un gran e intrigante misterio: un día como cualquier otro, el 2% de la población mundial se desvanece sin dejar rastro y sin explicación alguna. Aunque parezca una cifra insignificante, este suceso deja al planeta conmocionado intentando entender lo que ha pasado y provocando multitud de reacciones dispares. Al igual que la novela de Tom Perrotta (también co-creador de la serie) en la que se basa, The Leftovers se centra en las consecuencias del suceso en una pequeña localidad de Estados Unidos, donde el sheriff intenta mantener cierta apariencia de tranquilidad al tiempo que se suceden extraños incidentes a su alrededor.

The Leftovers3

Al igual que en Perdidos, aquí se alterna el misterio inexplicable con el drama íntimo, pero Lindelof ha aprendido de la experiencia previa y en ningún momento antepone lo primero a lo segundo y nosotros, que ya sabemos que no vamos a obtener respuesta a muchas de las incógnitas, nos lo tomamos con filosofía y prestamos mayor atención a lo que de verdad importa, el tema central de la serie, que no es otro que las diversas formas de duelo del ser humano: los hay que  siguen con sus vidas de la forma más normal posible, otros que necesitan la adrenalina para rellenar el vacío que ha quedado en sus vidas, los que intentan encontrar una explicación y los que por el contrario aceptan lo ocurrido y se obstinan en hacer recordar a la sociedad lo que ha pasado a través de medios poco ortodoxos. Reacciones muy diferentes pero todas con un objetivo común: gestionar la pérdida y el sentimiento de culpa. ¿Por qué ellos y no nosotros?

The Leftovers4

En efecto, The Leftovers es puramente cortavenas, algo que se enfatiza aún más con la excelente banda sonora compuesta por Max Ritcher, muy deudora de Philip Glass, todo hay que decirlo. La serie comienza un tanto irregular, sobre todo por el desconcierto que crea esa secta de mudos por convicción que visten de blanco impoluto y fuman de forma convulsiva, además de que el conflicto familiar del protagonista, un Justin Theroux aficionado a presumir de atributos cuando sale a correr por el vecindario, no es lo más potente del conjunto, sino las tramas de varios secundarios, que, afortunadamente, gozan de episodios centrados en ellos que resultan ser los mejores de la temporada. Me refiero al sacerdote encarnado por Christopher Eccleston, escéptico ante la idea de que Dios se haya llevado a las buenas personas, pero sobre todo a Nora, una mujer que ha perdido a su marido y sus dos hijas en la “ascensión”. El drama de esta mujer, tan frágil a la vez que fuerte, reforzado por la excelente interpretación de Carrie Coon (vista también en Perdida) es tan formidable como desgarrador; uno de los grandes personajes que nos ha dado la ficción televisiva americana durante el año pasado.

The Leftovers2

Otros secundarios, como Liv Tyler, no terminan de despegar del todo, aunque confío en que eso sucederá en la segunda temporada, que se emitirá a lo largo del verano que viene. La novela de Perrotta finaliza donde terminó la primera temporada, en un episodio final muy perturbador, así que habrá que ver cómo se las ingenian para desarrollar la trama sin caer en la redundancia y sin irse por los cerros de Úbeda. Los premios no han reparado en ella, así que reúne todos los requisitos para convertirse en una serie de culto. Por lo pronto, cuenta con un buen número de seguidores que se han enganchado gracias a una primera temporada que va de menos a más y que están expectantes por saber cuál será la siguiente fase de este peculiar duelo colectivo. Démosle un voto de confianza a Lindelof, que el pobre tampoco ha matado a nadie.

13/3/15

O.C: La tía Tula (1964)

Poster La tia tula¿De qué va?: Tras la muerte de su hermana Rosa, Tula recibe en su casa la compañía de su cuñado Ramiro y de sus dos sobrinos. La convivencia entre Tula y su cuñado no está exenta de roces y tensiones, sobre todo cuando Emilio, que planea casarse con Tula, pretende que Ramiro la convenza de aceptar su proposición.  Pero Ramiro se siente atraído por su cuñada, aunque esta prefiere mantenerse casta y pura.

Reputación: El año pasado fue el 50 aniversario del estreno de La tía Tula, película con la que Miguel Picazo debutó en el cine adaptando una novela de Miguel de Unamuno, cuya historia pasó a ser ubicada en la España franquista, 30 años después de la muerte del escritor. El filme triunfó en el Festival de San Sebastián, donde ganó los premios de mejor película española y director, y fue considerada por el régimen como de “interés especial”, aunque eso no impidió que el metraje sufriera la censura de hasta ocho cortes, desde planos inocentes de carteles llamando al recato en un cementerio hasta una escena en la que Tula se aplicaba desodorante delante del espejo, por considerarla demasiado erótica. En alguna ocasión, Picazo ironizaba diciendo  que de meter tanta tijera habían dejado la película en un tráiler. Incluso fue elegida por la Academia de Hollywood para representar a España en los Oscars, pero el Ministerio de Cultura lo impidió. Para el papel protagonista, Picazo contactó con Aurora Bautista, estrella del cine de Cifesa, la productora más cercana al gusto del régimen, y aunque al principio no estaba segura de ser la adecuada para el papel finalmente aceptó, debido especialmente a la insistencia del director, que aplazó el rodaje un año para cuando ella quedara libre de sus compromisos teatrales.

La tia Tula

Comentario: Al igual que Calle mayor (1956), La tía Tula es un retrato certero y crudo sobre la vida provinciana de la España franquista. Miguel Picazo realizó una inteligente reescritura de la novela de Unamuno, no demasiado fidedigna en cuanto a acontecimientos pero sí en espíritu, pues el personaje de Tula, tan devota, virtuosa y reprimida ella, resulta el vehículo perfecto para plasmar la opresión a la que se veía sometida la mujer en aquellos tiempos, tanto por convicción religiosa como por presión social. Muy bien dirigida y cargada de una gran tensión sexual, la película cuenta con una gran interpretación de Aurora Bautista, aunque haya momentos que esté demasiado afectada, pero plasma muy bien la soledad a la que está abocada su personaje. No sobra ninguna escena y, aunque es una lástima que no dispongamos de la película tal y como fue concebida, el resultado final no es nada desdeñable; irónicamente, la censura a veces ayudó a que las películas fuesen mejores, al centrarse en lo explícito y no reparar en lo implícito del contenido.

Próximo visionado: Al final de la escalera (1980)

11/3/15

Purificación por fuego

Poster Maps to the Stars

Dir.: David Cronenberg
Int.: Julianne Moore, Mia Wasikowska, John Cusack, Robert Pattinson, Olivia Williams, Evan Bird, Sarah Gadon, Carrie Fisher
¿De qué va?: La familia Weiss está bien asentada en Hollywood, pero cada uno de sus miembros esconde un oscuro secreto. El padre es un gurú de autoayuda con una clientela de alto nivel, la madre maneja de forma despiadada la carrera de su hijo, un niño actor que acaba de salir de rehabilitación con 13 años, y la hija vuelve a la ciudad tras salir de un psiquiátrico y empieza a trabajar para una actriz en decadencia que vive atormentada por el fantasma de su legendaria madre.

Reseña: Desde que el mundo cayó rendido y aterrorizado ante los delirios de grandeza de Norma Desmond en El crepúsculo de los dioses, en Hollywood se han cocido varios ejercicios de introspección para enseñar al mundo lo que se esconde tras las cámaras, los focos y las mansiones del famoso distrito de Los Ángeles, una realidad que poco tiene que ver con la imagen impoluta y glorificada que la industria, los managers, la prensa y demás agentes del show business construyen alrededor de sus estrellas. Una de las visiones más descarnadas del star-system es la que nos presenta David Cronenberg con Maps to the Stars, volviendo a generar controversia tras la ininteligible parábola sobre el capitalismo de Cosmopolis.

Maps to The Stars3

El panorama que nos enseña Cronenberg sobre Hollywood no es muy alentador, incluso exagerado por acumulación, pero nada nos suena especialmente inaudito, porque es lo que vemos con cada escándalo que se filtra a la prensa. Se trata de un entramado de celos profesionales, campañas de lavado de imagen, actos imprudentes, perversiones sexuales, adicciones, bajas autoestimas, etcétera, que gira en torno al culto por la imagen pública, el dinero, la fama y el éxito. Vemos siempre a las estrellas tan bien vestidas, arregladas y políticamente correctas en la alfombra roja cuando en realidad se sientan en el váter a hacer sus necesidades como cualquier hijo de vecino. Están malcriados, se creen superiores y que sus problemas son más importantes porque el propio sistema y el público ha permitido que sea así. Hollywood no es un paraíso, sino un purgatorio de almas perdidas y condenadas a la perdición.

MTTS_01158.NEF HAND OUT PRESS PHOTOGRAP / FILM STILL FROM THE MOVIE MAPS TO THE STARS. PROVIDED BY Billy Gordon-Orr <Billy.Gordon-Orr@dmsukltd.com>

El ánima superior en este baile de muertos en vida que es Maps to the Stars viene de la mano de una superlativa Julianne Moore. La oscarizada actriz (¡qué gustazo poder decirlo!) pone tono de voz de Lindsay Lohan para encarnar a una actriz desesperada por que los focos vuelvan a posarse en ella y salir de la sombra de su difunta madre, una actriz mítica, mientras se toma un cóctel de pastillas para seguir a flote. Moore demuestra que no tiene miedo a nada saliendo muy airosa de un personaje que es puro kamikaze. Ella se alza como lo mejor de la película y de un reparto muy correcto en el que también sobresale, aunque no tanto, la sombría ambigüedad de Mia Wasikowska.

Maps to the Stars

Maps to the Stars funciona mejor por trozos sueltos que en su conjunto, pues a pesar de que posea ciertas ideas, imágenes y chascarrillos (no olvidemos que esto es una comedia satírica) muy acertados, en su conjunto resulta irregular, excesiva, redundante y tremendista. Probablemente, todo lo que vemos en la película esté basado en la realidad, aunque no todo lo que ocurra debajo del cartel de Hollywood tiene que ser así de tremebundo; o al menos, eso quiero creer.

6/10

9/3/15

Amor de y para malas personas

You're the worst

Creador: Stephen Falk
Int.: Chris Geere, Aya Cash, Desmin Borges, Kether Donohue, Janet Varney, Shane Francis Smith, Todd Robert Anderson, Allan McLeod
Emisión: 2014 – ¿?, FX
1 temporada

No sé ustedes pero yo estoy cansado de ver en el cine y en la televisión cómo Míster y Miss Perfección, cuyos escasos defectos son considerados adorables, terminan enamorándose al superar una serie de “insalvables” obstáculos. Creo que en pleno siglo XXI ya sabemos que ni las personas ni las relaciones así no existen y quizás por ello el género de la comedia romántica está tan de capa caída últimamente. Puesto que los últimos estrenos comerciales han fracasado, ha sido el sector indie el que en cierta manera ha rescatado el género para sacarlo de su encorsetamiento y moldearlo a los tiempos que corren, aunque siempre se cuela alguna que otra película que nos vende la misma historia de siempre con un filtro de realismo que no se cree nadie.

YOU'RE THE WORST - Pictured: (L-R) Chris Geere as Jimmy, Aya Cash as Gretchen. CR. Byron Cohen/FX

You’re the Worst es el homólogo televisivo a esa nueva corriente de la comedia romántica. Producida por FX, filial de FOX que ha empezado a hacerle algo más que sombra a la HBO (es la responsable de Fargo, American Horror Story, The Americans y muchas más) y creada por Stephen Falk, productor y guionista de varios episodios de Weeds, cuenta la historia de cómo Jimmy, un escritor sin éxito, conoce a Gretchen mientras intenta arruinar la boda de su ex-novia. Pasan la noche juntos y se lo pasan tan bien y el sexo es tan guarro y divertido que deciden seguir viéndose a pesar de que saben que no durará. ¿Por qué? Porque son muy malas personas: mezquinos, despreciables, egoístas, antipáticos, crueles… Están hechos el uno para el otro si es que no se autodestruyen antes, como les pasaba a Scarlett y Rhett en Lo que el viento se llevó. En los diez episodios en los que se compone su primera temporada vemos su relación avanzar y cómo intentan eludir los lugares comunes de las relaciones tradicionales, tales como los celos, el cariño, las dudas y hasta puede que el amor.

You're the worst3

La química entre el británico Chris Geere y la norteamericana Aya Cash, Jimmy y Gretchen en la ficción, es brutal y es gracias a lo odiosos que son que resultan tremendamente carismáticos. Además, tienen características poco comunes en el prototipo del héroe y la heroína románticos, como que él sea un fetichista de pies femeninos o que ella tenga su apartamento como un estercolero. No podía faltar un ‘sidekick’ para cada uno de ellos, ese amigo fiel con el que los protagonistas puedan compartir sus confidencias y que aporten tramas secundarias a la historia. En el caso de él, esa función recae en Edgar (Demin Borges) un ex combatiente de la guerra de Irak con Síndrome de Estrés Postraumático que intenta readaptarse a la sociedad, y en el de ella es Lindsay (Kether Donohue), una recién casada con un tipo anodino que intenta convencerse a sí misma de que la vida marital es mejor que el desenfreno y la locura sexual que la dominaban antes de pasar por el altar, alzándose como la gran robaescenas de la serie.

You're the worst2

You’re the Worst consigue que el tránsito por los caminos tradiciones de la comedia romántica sea refrescante gracias a su enfoque genuinamente sarcástico y elocuente, a veces hasta demasiado (¿Por qué no se me ocurrirán a mí esas réplicas tan tajantes e ingeniosas? ¿Por qué?). La clave para que una rom-com funcione es que deseemos de verdad que la pareja protagonista termine junta y aquí se consigue con creces, porque la personalidad negativa de ambos es exagerada, sí, pero eso los hace más humanos que a los que solemos aguantar en esta clase de historias. La serie ha sido renovada para una segunda temporada, a pesar de que no gozara de muy buenas audiencias, lo cual demuestra que a la cadena le ha gustado y que confía en ella. Siempre y cuando la historia de Jimmy y Gretchen tenga un cierre en condiciones casi que prefiero que no dure demasiado, que ya sabemos lo que ocurre cuando el chicle se estira demasiado…

7/3/15

Un amigo para Ava

Poster Ex Machina

Dir.: Alex Garland
Int.: Domhnall Gleeson, Alicia Vikander, Oscar Isaac, Sonoya Mizuno
¿De qué va?: Caleb es un programador que gana un concurso cuyo premio consiste en pasar una semana de vacaciones en la remota mansión privada del presidente ejecutivo de su compañía. Sin embargo, el auténtico propósito de la visita es el de que Caleb participe en un test que pondrá a prueba la última invención de su jefe: la primera inteligencia artificial auténtica del mundo que habita en el cuerpo de una preciosa mujer robot llamada Ava.

Reseña: El séptimo arte ha fantaseado en numerosas ocasiones con lo que podría pasar si los robots convivieran con las personas: desde tomarlos como de la propia familia (Inteligencia Artificial, Eva), pasando por darles trabajo como defensores de la ley (Terminator) hasta rebelarse (Yo, robot) y acabar con la raza humana (Terminator), el espectro de posibilidades ha quedado bastante cubierto. A estas alturas, es bastante difícil contar algo nuevo sobre el tema, y quizás por ello, para su debut como director, el guionista Alex Garland (28 días después, Sunshine) ha optado por simplificar y retomar la cuestión original: ¿Puede una inteligencia artificial tener conciencia propia?

Ex Machina3

Una casa aislada que combina minimalismo con modernidad y cuatro personajes tan bien dibujados como misteriosos. Estas son las armas que utiliza Garland para construir una historia que recuerda a The Man from Earth, aquella pequeña joya del año 2007, al priorizar el discurso y  cómo evoluciona la relación de los personajes y la inquietud en constante in crescendo que la pirotecnia, nula en la cinta de Richard Schenkman y muy controlada y supeditada al guión en Ex Machina. Ningún diálogo sobra, unos giran en torno a las connotaciones morales de la robótica y otros indagan un poco más en los personajes o nos despistan acerca de sus verdaderos propósitos. Llega un punto de la narración en el que la trama queda un tanto estancada, algo que se intensifica debido a su carácter teatral, pero todo da un vuelco con un episodio final que si bien puede ser un tanto predecible no pierde por ello ni un ápice de impacto, tensión y lógica interna.

Ex Machina2

Alex Garland ha sido muy listo al fichar a tres de los intérpretes más en boga de la actualidad, de hecho, dos de ellos, Oscar Isaac y Domhnall Gleeson estarán en el nuevo episodio de Star Wars. Este último ejerce de ancla moral de la historia, mientras que Isaac emplea todo su carisma para cautivarlo tanto a él como a nosotros, aunque sepamos que esconde algo turbio, pero así consigue que nos enganchemos aún más. Y cerrando el triángulo (o el cuadrado, si tenemos en cuenta la silenciosa presencia de Sonoya Mizuno) tenemos a Alicia Vikander, quien está magnífica como robot: preciosa y cálida, pero sin perder nunca el referente de su naturaleza artificial. Los tres actores principales son sin duda alguna una acertadísima elección de casting.

Ex Machina

En definitiva, Alex Garland aprueba con buena nota su salto a la dirección. Su guión actualiza y da un nuevo enfoque al mito de Prometeo y al trillado tema de los peligros de la inteligencia artificial y de las nuevas tecnologías, hace un inteligente y mesurado uso del apartado visual para enriquecer la historia, crea una atmósfera tan sofisticada como espeluznante y se vale de un trío protagonista magnífico para conducir el filme. No armará mucho revuelo entre los que no sean devotos de la ciencia ficción, pero sin duda es una experiencia cinematográfica tan competente y sugestiva como el propio robot en torno al que gira la película.

7’5/10

4/3/15

La importancia de espiar con clase

Poster Kingsman

Dir.: Matthew Vaughn
Int.: Colin Firth, Taron Egerton, Samuel L. Jackson, Michael Caine, Mark Strong, Sophia Cookson, Jack Davenport, Mark Hamill, Sofia Boutella
¿De qué va?: Un veterano agente secreto inglés acoge bajo su protección a un joven sin refinar para ser entrenado en un programa secreto de entrenamiento de superespías, al tiempo que investiga una amenaza global procedente de un genio retorcido.

Reseña: Sin armar mucho ruido, Matthew Vaughn se está marcando una carrera tremenda a golpe de reforma del concepto de ‘blockbuster’, ya sea del cine mafioso (Layer Cake), del de espadas y brujería (Stardust) o el de superhéroes (Kick-Ass, X-Men: Primera generación). La clave del éxito de Vaughn reside en que, en vez de intentar demostrar que está reinventando la rueda, dirige sus esfuerzos en jugar con las claves y clichés del género que aborda, con algo de distancia irónica pero sin descuidar la historia y a los personajes. Lo que hace es un complicado equilibrio entre compromiso y desparpajo que da lugar a divertimentos tan adultos y gratos como Kingsman. Servicio secreto.

Kingsman3

Parodias de James Bond hay muchas y películas sobre adiestramiento de jóvenes superhéroes/espías/asesinos otras tantas. Kingsman es un híbrido de ambas y lo que la diferencia del resto de “intentos de” es que, en primer lugar, no toma a su público como idiotas o críos, y en segundo, que la dirección de Vaughn es fluida e inventiva, dándole un nuevo aire a situaciones demasiado familiares y arreglándoselas para sorprendernos en el momento menos pensado, y aquí también hay que alabar el trabajo de Jane Goldman, su co-guionista habitual. El sarcasmo y el humor meta-cinematográfico está muy medido para no saturar, pero cuando estalla la violencia el despiporre es máximo. Cierta escena que se produce dentro de una iglesia resulta tremendamente descarnada, impactante y frenética, además de estar coreografiada, grabada y editada a la perfección; desde ya una de las escenas más memorables del año.

Kingsman2

Pocos podían imaginarse a Colin Firth como un héroe de acción, pero lo cierto es que el intérprete sale airoso al aunar la característica flema inglesa y la elegancia clásica del gentleman con la exigencia física del héroe de acción; que tiemblen Liam Neeson y Jason Stathan. De todas formas, Firth no es es tan protagonista de la película como lo es Taron Egerton, un chaval que está empezando su carrera y que ya apunta muy buenas maneras: no sólo se desenvuelve muy bien en la comedia, la acción y los interludios dramáticos, sino que tiene un atractivo pícaro a lo Harrison Ford que le abrirá muchas puertas (no en vano, suena para encarnar a un joven Han Solo en un spin-off de Star Wars). Respecto a los secundarios, se agradece que Mark Strong no encarne al villano por una vez y que este papel vaya a parar a un Samuel L. Jackson tan temible como cómico.

Kingsman

Kingsman. Servicio secreto demuestra que otro tipo de blockbuster es posible, uno que no se alimente únicamente de explosiones sin ton ni son, chascarrillos fáciles y buenorras con mucha delantera. Incluso se vale de problemáticas políticas y sociales para armar la trama, como la dependencia mundial a la telefonía móvil, la tiranía ejercida por las altas esferas o el despotismo respecto a los estratos de la sociedad más humildes, algo que se remonta 50 años atrás, al estreno de My Fair Lady, hermana espiritual del filme de Matthew Vaughn, quien se ha ganado por mérito propio mi plena confianza para todos sus proyectos venideros.

8/10

2/3/15

Itinerario de estrenos de marzo 2015

Estrenos_Marzo

Después de los Oscar, lo que apetece son entretenimientos de calidad, sin aspiraciones de amasar premios. A lo largo de marzo contaremos con un buen puñado de estrenos que cumplen con estos requisitos, aunque también llegarán los últimos coletazos de los Oscar, como es el caso de Selma (reseña), cuyo estreno español se producirá el próximo 6 de marzo. Hay dos películas en concreto que aspiran a suceder a El francotirador y 50 sombras de Grey como los primeros taquillazos del año. A ver si adivinan cuáles son:

Map to the Stars: El nuevo filme de David Cronenberg (Cosmopolis) es una sátira sobre Hollywood y la obsesión por la popularidad que se centra en una familia cuyo patriarca es un famoso terapeuta televisivo con una clientela de alto nivel y su hija, recién salida de un psiquiátrico, empieza a trabajar para una actriz en horas bajas que vive atormentada por el fantasma de su legendaria madre, de cuya vida se está preparando un biopic. Julianne Moore (Siempre Alice), Mia Wasikowska (El viaje de tu vida), John Cusack (El encargo), Robert Pattinson (Cosmopolis), Olivia Williams (El séptimo hijo) y Sarah Gadon (Drácula, la leyenda jamás contada) encabezan el reparto de esta película que ha recibido críticas muy polarizadas y por la que Moore ganó el premio a mejor actriz tanto en el Festival de Cannes como en el de Sitges, además de una nominación al Globo de Oro.
Estreno: 6 de marzo


Puro vicio: Paul Thomas Anderson (The Master) reescribe para el cine la novela Inherent Vice de Thomas Pynchon, que se ambienta en la ciudad de Los Ángeles en los años 70 y sigue los pasos del detective privado Doc Sportello en su investigación de la desaparición de un magnate inmobiliario, que es amante de su ex-novia. Joaquin Phoenix (El sueño de Ellis), Josh Brolin (Una vida en tres días), Katherine Waterson (La desaparición de Eleanor Rigby), Owen Wilson (Noche en el museo: El secreto del faraón), Reese Witherspoon (Alma salvaje), Benicio del Toro (Escobar: Paraíso perdido) y Jena Malone (Los juegos del hambre: Sinsajo – Parte 1) son algunos de los actores que ha reunido Anderson para este filme que fue nominado al Oscar a mejor guión adaptado y al de vestuario y que ha recibido buenas críticas, aunque eso no ha impedido que numerosos espectadores abandonasen la proyección porque no entendían la película.
Estreno: 13 de marzo


Chappie: Tras la decepción generalizada que generó Elysium y antes de hacerse cargo de una nueva entrega de la saga Alien, Neill Blomkamp vuelve a la carga con una fábula de ciencia ficción sobre el primer robot creado con la habilidad de pensar y sentir por sí mismo, lo cual ocasionará que sea perseguido por poderosas y destructivas fuerzas que intentarán asegurarse de que sea el último de su especie. Hugh Jackman (X-Men: Días del futuro pasado), Dev Patel (El exótico Hotel Marigold), Sigourney Weaver (Exodus: Dioses y reyes) y Sharlto Copley (Maléfica), prestando su voz a Chappie conforman el reparto de la película, cuya recepción por parte de la prensa especializada permanece en secreto debido a un embargo que se levantará con su estreno americano el próximo viernes.
Estreno: 13 de marzo


Pride (Orgullo): Basada en hechos reales, cuenta la historia de cómo se aliaron en el verano de 1986 el colectivo de gais y lesbianas con el de los mineros para luchar y manifestarse en contra de las restrictivas medidas políticas de Margaret Thatcher. Matthew Warchus (Círculo de engaños) dirige esta comedia social protagonizada por Bill Nighy (Yo, Frankenstein), Imelda Staunton (Maléfica), Dominic West (The Affair), Paddy Considine (Bienvenidos al fin del mundo) y Andrew Scott (Jimmy’s Hall). Fue nominada al Globo de Oro a mejor comedia y ha tenido muy buena acogida entre público y crítica.
Estreno: 19 de marzo


Cenicienta: Remake en acción real de la versión Disney del cuento de Cenicienta dirigido por Kenneth Branagh (Jack Ryan: Operación Sombra) y protagonizado por Lily James (Downton Abbey), Cate Blanchett (El Hobbit: La batalla de los cinco ejércitos), Richard Madden (La promesa) y Helena Bonham Carter (El extraordinario viaje de T.S. Spivet). La historia es conocida por todos: una joven huérfana queda a cargo de su madrastra, que la relega a ser una sirvienta al servicio de ella y de sus dos engreídas hijas. Su suerte podría cambiar cuando conoce a un príncipe encantador que organizará un baile en su castillo… La película se presentó en el Festival de Berlín y, sorprendentemente, tuvo críticas mayoritariamente positivas, que destacaron la dirección de Branagh y la interpretación de Blanchett.
Estreno: 27 de marzo


ACTUALIZACIÓN

El año más violento: Según las estadísticos, 1981 fue el año más violento que ha vivido la ciudad de Nueva York. J.C. Chandor (Cuando todo está perdido) utiliza ese contexto para narrar los intentos de un inmigrante y su familia por sacar adelante su negocio mientras la violencia y la corrupción amenazan con destruir todo lo que han logrado hasta ese momento. Oscar Isaac (Las dos caras de enero), Jessica Chastain (La señorita Julia), David Oyelowo (El mayordomo), Alessandro Nivola (Condenados) y Albert Brooks (Si fuera fácil) protagonizan un filme que ha recibido muy buenas críticas y algunos premios, como el National Board Award, pero que quizás por su estreno tardío y su escasa visibilidad no ha tenido repercusión en los Oscars.
Estreno: 19 de febrero

1/3/15

Actriz del mes: Reese Witherspoon

Reese Witherspoon


Méritos: Cuando Reese Witherspoon fue elegida actriz del mes por primera vez en este blog, allá por abril del 2008, su carrera ya había empezado a decaer tras haber ido en constante ascenso. Fruto de la maldición del Oscar o no, lo cierto es que la rubia actriz bajó el ritmo, estrenando una película al año, sin que ninguna de ellas pueda ser considerada como un éxito de taquilla ni de crítica. Tal vez el estrepitoso fracaso de Esto es la guerra y el éxito crítico de Mud, acontecidos el mismo año, le hizo darse cuenta de que prefería bajarse el sueldo y participar en producciones pequeñas y admiradas que ejercer de rutilante estrella de un blockbuster fallido. Y así, tal vez, fue como se produjo el cambio.

Se acabaron las damiselas en apuros. Witherspoon aprovechó la productora que había fundado años atrás para respaldar películas que tuvieran grandes y fuertes personajes femeninos, y así fue como compró los derechos de la novela de Gyllian Flynn, Perdida, consiguiendo a David Fincher para que la convirtiese en un peliculón, y los de las memorias de Cheryl Strayed, Wild (Alma salvaje), que la han vuelto a colocar en el radar de la crítica y los premios de la industria con una de esas interpretaciones fantásticas a las que nos tenía acostumbrados tiempo atrás; sólo por la escena en la que intenta colocarse la mochila ya merecía la nominación al Oscar. Este mes llega a España Puro vicio (Inherent Vice), en la que la actriz actúa a las órdenes de Paul Thomas Anderson y repite con Joaquin Phoenix tras En la cuerda floja. En verano llegará la road-movie Hot Pursuit, en la que forma pareja cómica con Sofía Vergara, y próximamente empezará a rodar Downsizing, en la que volverá a trabajar con Alexander Payne 16 años después de Election, encarnando a la esposa de un hombre (Matt Damon) que se da cuenta de que llevaría una vida mejor si encogiera. Quién sabe si Witherspoon volverá a las andadas, pero por ahora, es un auténtico placer tenerla de vuelta.

Puro vicio


La evolución de Reese Witherspoon en 12 películas

Reese_Witherspoon
De izquierda a derecha y de arriba a abajo: Su primer papel en el cine fue en el drama romántico sureño Un verano en Louisiana (1991); en Freeway (1996) encarnó a una Caperucita Roja moderna de armas tomar; fue teletransportada a Pleasantville (1998), una serie de televisión en blanco y negro a la que le dio color; encarnó a una ambiciosa y odiosa aspirante a representante estudiantil en la sátira política Election (1999); protagonizó Crueles intenciones (1999), adaptación juvenil de Las mentes peligrosas e hito del cine adolescente americano; con el éxito de Una rubia muy legal (2001) se ganó la categoría de estrella y volvió a interpretar a la icónica Elle Woods en una secuela estrenada dos años más tarde; a lo largo de su carrera ha protagonizado varias comedias románticas bastante prescindibles, como Ojalá fuera cierto (2005); su encarnación de June Carter en En la cuerda floja (2005) le valió un Oscar y numerosos premios; se enfrentó a la mismísima Meryl Streep en Expediente Anwar (2007), thriller sobre la paranoia post 11-S; en Agua para elefantes (2011) tenía más química con los animales del circo que con su partenaire, Robert Pattinson; con su pequeño papel en Mud (2012) empezó a darle a su carrera un necesario cambio de aires; con Alma salvaje (2014), Reese Witherspoon recupera la atención de la crítica y regresa a los Oscar casi 10 años después de su triunfo.


¿Sabías que…?

- Cuando empezó a actuar, consiguió una audición para El cabo del miedo. En el avión que cogió para acudir a la reunión con Martin Scorsese y Robert De Niro un pasajero le habló de ellos, puesto que Witherspoon no tenía ni idea de quiénes eran. Eso la puso tan nerviosa que fue incapaz de articular palabra alguna en la audición, por lo que perdió el papel frente a Juliette Lewis.

- Rechazó los papeles protagonistas de películas de terror como Scream y Leyenda urbana.

- Fue considerada para los roles femeninos protagonistas en las películas Batman Begins, El demonio bajo la piel y El intercambio.

- Algunas compañías discográficas se acercaron a ella para producirle un álbum musical tras el éxito de En la cuerda floja, oferta que ella rechazó.

- Su lista de películas favoritas incluye Esplendor en la hierba, Un mar de líos, El gran hotel Budapest, Lo imposible y Jackass presenta: Bad Grandpa.

- Robert Pattinson interpretó a su hijo en La feria de las vanidades, pero su escena fue cortada del montaje final. Curiosamente, siete años después interpretaron a dos amantes en Agua para elefantes.

- En el 2007 lideró la lista de actrices mejor pagadas de Hollywood por los 15 millones de dólares que cobró por su participación en películas como En la cuerda floja, Ojalá fuera cierto o Una rubia muy legal 2, cuando el sueldo de la película original había sido de 2’5 millones. Debido a que ¿Cómo sabes si…? fue un gran fracaso en taquilla, tuvo que bajar su caché, percibiendo 2 millones por Agua de elefantes o 12 por Esto es la guerra.

- En abril de 2013, Witherspoon fue detenida por perturbación del orden al increpar, bajo los efectos del alcohol, a un policía que había detenido el coche que conducía su marido, el publicista Jim Toth, al ver que circulaba de forma extraña. El video de la detención saltó a la red (ver apartado de extras) y la actriz se disculpó públicamente dos semanas más tarde en un programa de televisión.


Extras:

Tráiler de Puro vicio

Tráiler de Hot Pursuit

Benedict Cumberbatch & Reese Witherspoon / 9 Kisses / The New York Times

Reese Witherspoon es arrestada por la policía