28/2/21

Hora de cotufas – 1x09 – Rodado en Tenerife


En la última década, Canarias en general y Tenerife en particular se han convertido en uno de los platós de cine predilectos de muchas producciones internacionales. Por ello, recibimos a Luis Adrián (ladrian_86) para enumerar las razones de este fenómeno cinematográfico y hacer un repaso por algunas de las películas más importantes que se han rodado en Tenerife, con estrellas de cine tan variopintas como Raquel Welch, Vin Diesel, Penélope Cruz y Matt Damon.

Disponible en ivoox y Spotify.

26/2/21

Music – Córneas quemadas


Dir.:
Sia
Int.: Kate Hudson, Maddie Ziegler, Leslie Odom Jr., Beto Calvillo, Mary Kay Place, Braeden Marcott, Juliette Lewis, Ben Schwartz, Héctor Elizondo
¿De qué va?: Music es una una joven autista que tras el fallecimiento de su abuela comienza a ser atendida por su medio hermana, Zu, un espíritu libre que vivía alejada de la familia y traficaba con drogas.

Reseña: El debut en la dirección de la cantante y compositora Sia empezó con mal pie desde su pobre y polémica defensa en Twitter ante las críticas por haber escogido a una actriz neurotípica para dar vida a una niña autista. “Esperad a ver la película” decía, y tenía razón, pues esa decisión de casting no es el mayor problema de Music, un musical que es un atentado ante el buen gusto y el sentido común. Es increíble lo mucho que desbarra la flamante nominada al Globo de Oro a mejor comedia/musical, a la altura de aquella vez en la que la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood consideró que The Tourist (2010) era una de las mejores cinco comedias de su año.


No voy a entrar a valorar si la representación que hace la película del autismo es o no veraz, pero si la comunidad autista se ha llevado las manos a la cabeza, por algo será. Aún así, tampoco hace falta estar muy informado para darse cuenta de lo problemática y ofensiva que es la forma en la que se trata el autismo en el film, pues Maddie Ziegler se limita a poner caras todo el rato, una versión exagerada de la danza interpretativa que realizaba para los videoclips de Sia. Pero es que además, parece que por ser autista el personaje de Music no tiene derecho a tener una evolución, o personalidad, ejerciendo tan solo de revulsivo redentor del personaje de Kate Hudson, así como de medio para introducirnos en un mundo onírico musical donde, supuestamente, los personajes consiguen expresar sus verdaderos sentimientos.

Pero la película no consigue levantar el vuelo ni en sus momentos musicales. Si bien algunas canciones que no están mal, la puesta en escena chillona, esquizofrénica y cutre las echa por tierra, por no hablar de un vestuario horroroso que parece un aborto de Agatha Ruiz de la Prada y Desigual, y unos intérpretes cuyas mandíbulas parecen a punto de desencajarse de tanto exceso gestual. Las canciones ni siquiera consiguen encajar con la narración y con las circunstancias de los personajes, y en su intento de ejercer de reverso luminoso de una realidad deprimente a lo Bailar en la oscuridad (2000), la película resulta tremendamente ridícula.

En definitiva, Music es una obra concebida para alimentar el ego de Sia, pero le ha salido el tiro por la culata. Su aproximación al autismo es tremendamente paternalista y condescendiente, mientras que las problemáticas que aborda (alcoholismo, violencia familiar, racismo… de todo un poco) se quedan en la superficie y son pegotes para intentar insuflar de validación e importancia social a un film que, en su empeño por transmitir buen rollo, da repelús. Que las protagonistas se llamen Music y Zu son indicios certeros de la clase de despropósito a la que nos enfrentamos, cuyo clímax final resulta tan absurdo y delirante que hay que verlo para creerlo.

2’5/10

24/2/21

O.C: Faces (1968)

¿De qué va?: Richard es un hombre de negocios de mediana edad que le dice de forma abrupta a su mujer, María, que quiere el divorcio. Mientras Richard comienza así una aventura con una mujer más joven, María disfruta de una noche en la ciudad con sus amigos en la que conoce a un muchacho.

Reputación: Mientras filmaba una parte del programa La hora de los famosos, John Cassavetes vio a Steven Spielberg curioseando por el set, como solía hacer por aquel entonces. Cassavetes se acercó a Spielberg y le preguntó a qué se quería dedicar, y cuando este último respondió que quería ser director, Cassavetes dejó que el joven dirigiera por él durante el resto de la jornada. Más adelante, invitó a Spielberg a trabajar en su nueva película como asistente de producción durante dos semanas; esa película era Faces, que fue financiada con el salario como actor de Cassavetes en cinco películas distintas. El montaje original del film rondaba las seis horas de duración; se realizaron diferentes versiones, pero todas fueron destruidas una vez se creó el montaje definitivo. En el Festival de Toronto se estrenó una versión de 183 minutos, pero se eliminaron escenas para su estreno comercial, quedándose finalmente en 130. Faces ganó el premio Pasinetti a la mejor película y el de mejor actor (John Marley) en el Festival de Venecia y fue nominada a tres Oscar: mejor actor de reparto (Seymour Cassel), actriz de reparto (Lynn Carlin) y guion original. Directores como Woody Allen y Robert Altman han reconocido la película como una de las fuentes de inspiración de sus obras.

Comentario: No sé si es que el día que me puse a ver Faces estaba muy empanado, pero me costó darme cuenta de que Gena Rowlands encarna a la amante y no a la esposa del protagonista, algo que había dado por hecho por ser quien es y por ser cabeza de cartel. Esa confusión que sentí se puede aplicar también a toda la película, con la que no conecté demasiado. Gente borracha, riéndose y gritando durante dos horas, componiendo un fresco en blanco y negro sobre el aburrimiento de la clase media norteamericana, el vacío sentimental que arrastra y el absurdo de la institución del matrimonio. Se tocan temas interesantes pero me parece todo tan caótico que no saco ninguna lectura clara aparte de las obvias y me aburro mientras pienso que Antonioni lo hizo mejor en su trilogía de la incomunicación.

Próximo visionado: El hombre que pudo reinar (1975)

22/2/21

Palmer – Tierno y calentito


Dir.: Fisher Stevens
Int.: Justin Timberlake, Ryder Allen, Juno Temple, Alisha Wainwright, June Squibb, Dean Winters, Wynn Everett
¿De qué va?: Tras 12 años en prisión, Eddie Palmer vuelve a casa para reconstruir su vida. Allí entabla una peculiar e inesperada conexión con Sam, un niño de una familia desestructurada.

Reseña: Hay películas más que suficientes para encajar en todos los estados de ánimo posibles. Igual que hay días que tenemos el cuerpo para ver cosas sesudas y contemplativas, en otros nos apetece ver un tipo de película que nos haga sentir bien y que resulte cálido y familiar, como la manta con la que nos cubrimos mientras la vemos. Pero no vale cualquier cosa, y es más complicado de lo que parece emocionar y hacer cómplice al espectador sin caer en el porno-drama y la sensiblería fácil. Pues bien, todos aquellos a los que les apetezca una peli bonita están de enhorabuena, porque el último estreno de Apple+, Palmer, es bonita como para recomendársela a tu madre con la seguridad de que le va a gustar.

Justin Timberlake encarna a un antigua estrella deportiva de instituto que acaba de cumplir una larga sentencia en prisión. El crimen que cometió es un tanto ridículo, blandito para impedir que el personaje nos cause demasiado rechazo. No pasa nada, es un detalle menor. El caso es que se va a vivir con su abuela (la siempre entrañable June Squibb), y por circunstancias de la vida, acaba pasando mucho tiempo con el hijo de la vecina “white trash” (Juno Temple clavándolo como siempre). El crío, sin embargo, juega con muñecas y es fan de un club de princesas de la tele, lo cual choca con el carácter adusto de Palmer. No hay que ser un genio para imaginar qué es lo que va a ocurrir a lo largo de la cinta, pero el camino resulta tan reconocible como reconfortante. Es sensible pero no se sobrecargan las tintas hasta el último acto, cuando ya estamos completamente comprometidos con los personajes y sus circunstancias.


La principal (y probablemente única) novedad que aporta Palmer a la temática de relaciones paternofiliales platónicas está en que el niño tenga una personalidad que desafía las convenciones de género en un entorno bastante rancio, lo cual trae consigo un mensaje de aceptación y empatía siempre necesario. Además, el pequeño Ryder Allen está estupendo y buena parte de la responsabilidad de que el film funcione se debe a que no tiene nada que ver con los niños repelentes que suelen protagonizar este tipo de historias, así como  a la relación que mantiene con un Justin Timberlake que como actor siempre ha funcionado bastante bien. Palmer es, en definitiva, una pequeña y efectiva “feel-good movie” sin trampa ni cartón que cumple con creces su objetivo de enternecer al personal.

7/10

19/2/21

Nuevo orden – Nación en llamas


Dir.:
Michel Franco
Int.: Naian González Norvind, Diego Boneta, Darío Yazbek Bernal, Mónica del Carmen, Eligio Meléndez, Patricia Bernal, Claudia Lobo, Eduardo Victoria
¿De qué va?: Una feliz pareja de la alta sociedad  mexicana acaba de celebrar su boda. Lo que se supone que iba a ser el mejor día de sus vidas está a punto de convertirse en una auténtica pesadilla cuando en medio del banquete se cuelan unos intrusos rebeldes dispuestos a acabar con todo el que se cruce en su camino.

Reseña: La sociedad mexicana es una olla a presión a punto de estallar: desigualdad, secuestros, violencia armada, corrupción… Los que no vivimos allí podemos hacernos una idea de lo que ocurre en el país por las escasas noticias que nos llegan y la visión que ofrecen películas con fines de crítica social, como Sin señas particulares (2020) o Nuevo orden. Esta última, aun siendo premiada en el Festival de Venecia, ha levantado ampollas en México por la forma en la que Michel Franco expone lo que podría ocurrir si la lucha de clases sigue tensándose hasta llegar a un sangriento punto sin retorno.

Una boda de la alta sociedad es el escenario elegido para mostrar el origen de una revuelta social iniciada por la clase social más desfavorecida. Franco evidencia la mezquindad y la amoralidad de los rebeldes, mientras que opta por una mayor sutilidad a la hora de entrever una de las razones del origen del caos, esto es, el desdén y la nula empatía con la que los ricos tratan a los pobres. El único posicionamiento claro de Franco es en contra del poder militar, pero es esa forma dispar de exponer las faltas de cada estrato social uno de los puntos más criticados del film. En realidad, la principal tesis de Nuevo orden es que el único gran beneficiado de que sucediese algo como lo que muestra sería el ejército… pero también se puede (¿mal?)interpretar como una advertencia sobre el peligro de que se produjese un levantamiento por parte de la clase oprimida que desembocaría en un escenario mucho peor que el actual.


Cinematográficamente hablando, Nuevo orden es un thriller notable, tenso y despiadado, cuyo nula misericordia hacia sus personajes recuerda al cine de Michael Haneke. No obstante, la mejor parte es la que transcurre en la boda y a partir de entonces la película nunca vuelve a estar a ese mismo nivel. Igualmente, los personajes son dibujados en el primer acto para luego diluirse como mecanismos narrativos de la visión de conjunto. Intrínsicamente controvertida, Nuevo orden es, en última instancia, una película sólida que merece ser vista para poder ser debatida y reflexionada.

7/10

17/2/21

O.C: El eclipse (1962)

¿De qué va?: Tras romper con su novio, Vittoria empieza una relación con Piero, un corredor de bolsa. Pronto, el compromiso del uno con el otro se pondrá a prueba durante un eclipse.

Reputación: Parte final de la trilogía no oficial sobre la incomunicación que rodó Michelangelo Antonioni junto con La aventura (1960) y La noche (1961). Asimismo, fue la última película que rodó en blanco y negro. Ganadora del Premio Especial del Jurado del Festival de Cannes, no fue un éxito comercial salvo en Japón, donde incluso algunas de sus escenas se han utilizado como imagen de fondo para karaokes. Su silenciosa secuencia final está considerada como una de las piezas más destacadas del cine Antonioni, pero en su momento, algunos de los exhibidores norteamericanos quedaron tan perplejos que no proyectaban los 7 últimos minutos de la película. Para Martin Scorsese es la mejor de la trilogía, mientras que Michael Haneke la ha mencionado como una de sus diez películas favoritas.

Comentario: Siento discernir con el maestro Scorsese pero para mí que la trilogía de la incomunicación va de más a menos, siendo El eclipse la que menos me ha gustado de las tres. Ya no queda mucho nuevo que contar, y aunque Monica Vitti siga siendo igual de arrebatadora y Alain Delon esté guapísimo, desconecté de la película en una secuencia demasiado larga en la sede de la Bolsa que no aporta nada a la trama de Vittoria, y a partir de ahí no conseguí reengancharme del todo. Eso sí, nadie ha plasmado el vacío emocional, el amor caprichoso y el egoísmo sentimental con tanta belleza como Antonioni, que cierra su trilogía de forma inmejorable con esa silencia secuencia apocalíptica.

Próximo visionado: Faces (1968)

15/2/21

El joven detective – Niño prodigio en caída


Dir.: Evan Morgan
Int.: Adam Brody, Sophie Nélisse, Peter McNeill, Maurice Dean Wint, Kaitlyn Chalmers-Rizzato, Sarah Sutherland
¿De qué va?: Cuando era niño, Abe Applebaum fue un celebrado detective. Ahora, con 31 años, continúa resolviendo misterios triviales entre resacas y ataques de auto-compasión, hasta que una joven clienta le trae su primer caso “adulto”: el brutal asesinato de su novio.

Reseña: En el colegio nos crearon unas expectativas absurdas sobre la vida adulta. Nos dijeron que si nos portábamos bien, sacábamos notas altas y éramos los primeros de la clase nos depararía un futuro brillante en el que todo nos iba a salir bien. Qué mentira más grande y qué importante es aprender a manejar la frustración y el fracaso desde pequeños. Así no nos dolería tanto el tortazo de realidad que recibimos luego, y nos iría mejor que a Abe Applebaum, el protagonista de la película canadiense El joven detective (The Kid Detective).

Abe fue un niño detective que gozó de gran popularidad en su ciudad. Sin embargo, cuando no pudo resolver el caso más importante que se le puso por delante, decepcionó a todos y cayó en desgracia. Ahora, siendo adulto, tiene problemas con el alcohol, comparte piso con un chaval, resuelve casos menores y ni siquiera es tomado en serio por su propia secretaria. Pero con la llegada de un caso inusual, un asesinato, se le presenta una gran oportunidad tanto para su carrera como para hallar la redención que tanto necesita. En la ópera prima de Evan Morgan conviven la esencia pura del cine negro con ráfagas autoparódicas. La película recuerda a otras aproximaciones modernas al noir como Brick (2005) o las televisivas Veronica Mars y Jessica Jones, pero El joven detective se distingue por desplegar un humor seco y negrísimo procedente de la humillación.

Muchos le cogimos cariño a Adam Brody desde principios de los años 2000 por dar vida a Seth Cohen en The O.C. Desde que terminó la serie no ha parado de trabajar, pero casi siempre en papeles secundarios y películas independientes. Este es su primer protagonista de peso y lo borda, transmitiendo de forma sutil la amargura que reconcome a su personaje. Una interpretación que encaja perfectamente con el tono desencantado, juguetón y deprimente que tiene la película. El film, que también produce, está concebido para su lucimiento y debería servir para que haya una mayor presencia de Adam Brody en el cine próximo Es justo y necesario.

El joven detective funciona a diferentes niveles: como el drama de un hombre que no sabe lidiar con las falsas expectativas que le crearon de pequeño, como comedia negra que satiriza sobre los clichés del cine negro y como thriller noir no especialmente enrevesado pero de inesperada y potente resolución. Tan hilarante como devastadora, no hará mucho ruido pero es lo suficientemente resultona y carismática como para generar culto en torno a ella. Una pequeña joya que despunta dentro de la sequía de estrenos por la que estamos atravesando.

8/10

13/2/21

Hora de cotufas – 1x08 – ¡Abajo el amor!


Nuestro lema para este San Valentín es… ¡Abajo el amor! Tenemos a Beatriz Fernández como estrella invitada para analizar una serie de películas de las que se puede extraer una moraleja en común sobre los peligros de caer en la trampa del amor romántico. Terapia fílmica para reivindicar que se está mejor solo y atiborrado de chocolate que atrapado en una relación tóxica.

Disponible en ivoox y Spotify.

12/2/21

O.C: Vestida para matar (1980)

¿De qué va?: Una misteriosa mujer alta y rubia con gafas de sol asesina a uno de los pacientes de un psiquiatra, y ahora anda al acecho de una prostituta que presenció el crimen.

Reputación: A finales de los años 70, Brian De Palma escribió un guion basado en la novela Cruising de Gerard Walker, pero no pudo conseguir los derechos de adaptación. Esta historia finalmente sirvió de base para la película A la caza (1980)  de William Friedkin, mientras que De Palma utilizó elementos de su guion descartado para un nuevo proyecto, Vestida para matar. El director y guionista también se basó en experiencias personales para concebir el guion, como cuando de niño siguió a su padre y utilizó un equipo de grabación para descubrir si estaba siendo infiel a su madre. El rol de Liz Blake lo escribió específicamente para que lo encarnase su esposa, Nancy Allen, mientras que para el de Kate Miller quiso a Liv Ullmann; esta lo rechazó por los altos niveles de violencia, así que fue a parar a Angie Dickinson. La película fue originalmente calificada como X por la MPAA, teniendo De Palma que luchar para que la rebajasen a una R. La respuesta de la taquilla fue positiva, con 31 millones de dólares recaudados en Estados Unidos, así como de la crítica, aunque fue nominada a tres Razzies: peor director, actriz (Nancy Allen) y actor (Michael Caine).

Comentario: Vestida para matar es un homenaje que rinde De Palma a Alfred Hitchcock. La referencia más obvia es Psicosis (1960), pero hay elementos que recuerdan a películas como La ventana indiscreta (1954) o Crimen perfecto (1954). Lo que hace De Palma no se queda en el mero refrito, sino que adquiere identidad propia y demuestra la habilidad que posee para construir y manejar el suspense, como queda patente en la mejor secuencia del film: el flirteo en el museo. Lo peor de la película es tanto su carga misógina como la imagen distorsionada y nociva que da sobre la transexualidad, con una supuesta base psicológica completamente errónea. Al margen de eso y si no se toma en serio, Vestida para matar es un thriller bastante disfrutable... cuyo visionado debería complementarse con el muy recomendable documental de Netflix Disclosure: Ser trans en Hollywood (2020).

Próximo visionado: El eclipse (1962)

11/2/21

Noticias del gran mundo – Serenidad en tiempos convulsos


Dir.: Paul Greengrass
Int.: Tom Hanks, Helena Zengel, Michael Angelo, Ray McKinnon, Mare Winningham, Elizabeth Marvel, Fred Hechinger, Bill Camp, Thomas Francis
¿De qué va?: Durante los días posteriores a la Guerra Civil estadounidense, el Capitán Jefferson Kyle Kidd se gana la vida viajando de ciudad en ciudad en pleno salvaje oeste, leyendo las noticias del periódico a los locales de cada comunidad. Kidd aceptará ayudar a Johanna, una niña de 10 años que fue secuestrada y posteriormente criada por la tribu india Kiowa.

Reseña: Paul Greengrass, el director que ha convertido la cámara nerviosa en su sello personal (la saga de Jason Bourne, United 93…) viaja al Viejo Oeste y, sorprendentemente, se relaja. Noticias del gran mundo es un western cocinado a fuego lento de fondo clásico y lectura contemporánea, una road-movie episódica donde la tensión marca de la casa solo aparece cuando se le requiere, pues su atención está puesta en la relación de dos solitarias almas de luto que se necesitan la una a la otra aunque no sean plenamente conscientes de ello.

Un veterano capitán de la Guerra Civil norteamericana se dedica a viajar por los pueblos del Oeste profundo para leer periódicos a aquellos dispuestos a escucharlo. Un día, se topa con una niña de ascendencia alemana que se ha quedado sola tras ser criada por una tribu india. Entonces, el capitán acepta el encargo de llevarla con sus parientes de sangre, en un viaje que, cómo iba a ser si no, estará lleno de peligros. Noticias del gran mundo no contiene ninguna relectura del western pero sí que establece algún paralelismo entre las problemáticas del Estados Unidos del siglo XIX y el del XXI, como puede ser el racismo, la censura de prensa o la violencia machista, a través de un viaje que parece que va haciendo “checklist” con cada situación prototípica del género (tiroteos, condiciones climatológicas adversas, pueblos de los que hay que salir pitando…). Todo filmado con la templanza de Greengrass y la belleza visual y sonora que otorgan la dirección de fotografía de Dariusz Wolski y la partitura compuesta por James Newton Howard.

Noticias del gran mundo goza de un palpitante corazón al ritmo que marcan Tom Hanks y Helena Zengel dando vida a la pareja protagonista. La evolución que experimenta su relación resulta tan previsible como placentera de ver por el oficio de ambos y la entrañable forma en la que es construida. De hecho, el dúo funciona tan bien que la película se resiente cada vez que intenta desviarse de él o cuando la deja en segundo plano. Pero Greengrass es listo y brinda un desenlace satisfactorio que redondea el mensaje del film sobre lo importante y necesario que es tanto la transmisión de historias como que la comunidad se reúna para escucharlas, lo cual convierte a Noticias del gran mundo en un involuntario homenaje a la experiencia colectiva de ir al cine en tiempos de crisis y añoranza.

7/10

9/2/21

Malcolm & Marie – Reproches


Dir.: Sam Levinson
Int.: John David Washington, Zendaya
¿De qué va?: Un cineasta regresa a casa para celebrar con su novia el estreno de su película, que le augura un potencial éxito de crítica e ingresos en taquilla. La noche, de repente, da un giro cuando las revelaciones sobre sus relaciones comienzan a aflorar, poniendo a prueba la fuerza de su amor.

Reseña: La creatividad puede dispararse en tiempos de crisis. Tras paralizarse la producción de la segunda temporada de Euphoria debido al confinamiento global de hace un año, el creador y la protagonista de la serie, Sam Levinson y Zendaya, decidieron rodar una película a partir de un guion escrito por el primero durante 6 días y con buena parte del equipo técnico de la serie. El resultado es Malcolm & Marie, un film en blanco y negro que enfrenta a dos personajes en un único escenario a lo largo de una noche que va a dar para mucho.

Malcolm es director de cine y Marie su novia (¿y musa?). Acaban de llegar de la première de su nueva película. Él está exultante, ella no tanto. Algo ha pasado que va a dinamitar la eufórica velada y la estabilidad de su relación. Así, el film de Levinson se desarrolla a través de dos vertientes: por un lado, la que indaga en su dinámica de pareja y en toda la mierda que permanecía latente hasta que ese malestar ha provocado que salga a borbotones. Por el otro, una crítica a la crítica de cine (valga la redundancia), hacia su pomposidad y su afán por trascender incluso por encima de la obra que se está analizando; lo más probable es que esta haya sido la causa por la que la prensa especializada norteamericana haya recibido la película con uñas y dientes. Particularmente, encuentro curioso que un director y guionista blanco hable con tanto conocimiento de causa sobre la experiencia de un cineasta afroamericano.


El principal hándicap que presenta Malcolm & Marie es su estructura reiterativa, que consiste básicamente en lo siguiente: se pelean, uno suelta un monólogo con el que cree haber desarmado al otro, el otro contrataca con otro monólogo mucho más rompedor, se reconcilian, se pelean y vuelta a empezar. Sin embargo, no se hace tan monótona como parece porque van saliendo nuevos problemas al tiempo que se profundiza en algunos ya mencionados a lo largo de las sucesivas discusiones. En cuanto a la pareja protagonista, John David Washington hace su mejor interpretación hasta la fecha (lo cual no era muy complicado) pese a lo irritante, gritón y excesivo que puede resultar su personaje. La forma en la que Zendaya aborda a Marie es más sutil y cautivadora; con el personaje más maduro que ha encarnado hasta la fecha, Zendaya se confirma como una fuerza de la naturaleza de talento desbordante. Además, la película la beneficia haciendo que todo el clímax dramático de la narración se concentre en ella.


Malcolm & Marie es un ejercicio de estilo que puede resultar divisivo e irregular, pero tiene a su favor una puesta en escena austera elevada por un elegante blanco y negro, una Zendaya que se come la pantalla a bocados y un buen puñado de reflexiones sobre la complicada dinámica del artista tanto con su musa como con la crítica, de las relaciones que entremezclan la intimidad con el trabajo, de la dependencia emocional no reconocida, del rencor mal gestionado y de cómo guardamos todo lo que nos molesta de la pareja para utilizarla como munición cuando mejor nos convenga. Eso sí, no me queda claro si la intención es que pensemos que Malcolm y Marie están hechos el uno para el otro, pero la idea que acaba imponiéndose es que ella puede aspirar a algo mejor.

7/10

6/2/21

O.C: Funny Girl (1968)

¿De qué va?: La vida de la comediante Fanny Brice, desde los días en los barrios judíos de clase baja de Nueva York hasta la cumbre de su carrera artística con las Ziegfeld Follies, pasando por su romance con Nick Arnstein, un jugador empedernido sin demasiada suerte.

Reputación: Isobel Lennart escribió originalmente Funny Girl como un guion para un film dramático que se titularía My Man bajo la producción de Ray Stark, cuya suegra era la auténtica Fanny Brice en cuya vida está inspirada la historia. Sin embargo, acabó transformándose en un musical de Broadway protagonizado por Barbra Streisand, aunque finalmente se decidió por adaptar este últimoall cine. Pese a no haber participado aún en ninguna película, Streisand fue la primera y única opción de Stark para dar vida a Fanny Brice en la gran pantalla. Columbia Pictures prefería a Shirley MacLaine para el papel, pero entre que las dos actrices eran amigas y que Stark amenazó con cancelar el proyecto si no era con Streisand, el estudio acabó cediendo. Para el papel de Nick Arnstein se pensó en primer lugar en Frank Sinatra, pero él puso como condición para participar que su personaje tuviese mayor tiempo en pantalla y más canciones. A Stark le parecía que Sinatra era demasiado mayor para el papel y al final este fue a parar a Omar Sharif. Sidney Lumet fue contratado como director, pero tras seis meses de pre-producción, abandonó el proyecto alegando diferencias creativas. Entonces, se le ofreció a William Wyler, que nunca había rodado un musical y que estaba preocupado de que su pérdida de oído podría ser un problema. Tras meditarlo, le dijo a Stark lo siguiente: “Si Beethoven pudo escribir la Sinfonía nº 3, William Wyler puede hacer un musical”.


Funny Girl fue la película más taquillera en Estados Unidos del año 1968 y recibió 8 nominaciones a los Oscar, incluyendo el de mejor película, pero que fue a parar a otro musical de Columbia Pictures, Oliver (1968). La única estatuilla que ganó fue la de mejor actriz protagonista para la por aquel entonces debutante Barbra Streisand, que lo ganó en un histórico empate junto con Katharine Hepburn por El león en invierno (1968), si bien esta última no estuvo presente en aquella ceremonia. En 1975, Streisand volvió a encarnar a Fanny Brice en Funny Lady, con la que no repitió el mismo éxito pero a la que no le fue del todo mal: 40 millones de dólares recaudados en Estados Unidos y Canadá, críticas mixtas y cinco nominaciones a los Oscar.

Comentario: Funny Girl tiene toda la magia propia de un musical de la era dorada de Hollywood, pero si por algo destaca es por haber sido una inmejorable carta de presentación para Barbra Streisand. Todo estaba a su favor: un personaje que ya había interpretado y que le venía como anillo al dedo, en un musical donde podía lucirse cantando y mostrando tanto su vis cómica como la dramática; “toda una actriz 360” como diría Paquita Salas. Además, la cámara la adora y sale guapísima. Otro que también derrocha magnetismo es Omar Sharif, pero sin embargo, la película da un bajón en su segunda mitad, cuando se centra en los vaivenes de la relación de Fanny y Nick, siendo este último una representación perfecta de la masculinidad frágil. Con todo, Funny Girl es un musical al que no le hace falta grandes coreografías porque todo su esplendor se concentra en el carisma arrollador de Streisand, tal y como se puede ver cuando canta Don’t Rain on My Parade, el número culmen del film.

Próximo visionado: Vestida para matar (1980)

5/2/21

La excavación – Recuperar el pasado


Dir.: Simon Stone
Int.: Carey Mulligan, Ralph Fiennes, Lily James, Johnny Flynn, Ben Chaplin, Ken Scott, Archie Barnes, Monica Dolan
¿De qué va?: Poco antes de la Segunda Guerra Mundial, el arqueólogo Basil Brown es contratado por una viuda británica llamada Edith Pretty para excavar sus tierras. De esta manera, durante su trabajo desenterrando, descubre algo asombroso.

Reseña: De pequeño soñaba con ser arqueólogo, aunque mi visión de la profesión estaba un tanto distorsionada por culpa de Indiana Jones y Lara Croft. De hecho, es posible que sea una de las profesiones que más desapercibidas han pasado por el cine, siempre ejerciendo de coartada teórica de los cazatesoros. La excavación es un film original de Netflix que no solo da una visión más realista de la profesión (algo que he podido confirmar con un amigo arqueólogo auténtico), sino que también e se preocupa por explicar su razón de ser, la importancia vital que tiene la recuperación de yacimientos arqueológicos para la humanidad.

La película está basada en un hallazgo realizado en Gran Bretaña en el año 1938, mientras el país se preparaba para sumarse a la Segunda Guerra Mundial. Lo que a priori parecía una excavación sin mucha importancia dirigida por un arqueólogo autodidacta, Basil Brown, pronto adquirió una gran popularidad y envergadura debido al inusitado valor de lo que se encontró allí, en los terrenos de Edith Pretty. En un principio parece que, de forma paralela a la excavación, se va a desarrollar una relación íntima entre Brown y Pretty, pero sorprendentemente el guion descarta rápidamente esa vía. Sin embargo, el componente romántico se desarrolla más adelante a través de una subtrama que, en realidad, queda un tanto descolgada del conjunto, pues resulta un tanto superficial y no aporta gran cosa a la tesis principal.

El trabajo como director de Simon Stone recuerda a Terrence Malick, ensimismado con  la naturaleza, siguiendo con suaves travellings a los personajes a través de la bucólica campiña inglesa, con una banda sonora evocadora a cargo del compositor debutante en cine Stefan Gregory. Ralph Fiennes y Carey Mulligan se aplican con su eficacia habitual para brindar unas interpretaciones sólidas, secundados por unos correctos Lily James y Johnny Flynn en la susodicha subtrama que supone lo más cuestionable de la cinta. En definitiva, La excavación es un film pequeño y muy bonito sobre la contraposición entre la fragilidad humana y la perdurabilidad de su obra y legado, así como de la importancia que tiene descubrir y cuidar nuestro pasado y aquello que recuperamos de él para conocernos a nosotros mismos como especie.

7/10

3/2/21

Palm Springs – Confinamiento en pareja


Dir.: Max Barbakow
Int.: Andy Samberg, Cristin Milioti, J.K. Simmons, Peter Gallagher, Meredith Hagner, Camila Mendes, Tyler Hoechlin, Chris Pang, June Squibb, Dale Dickey
¿De qué va?: Cuando el despreocupado Nyles y la reacia Sarah tienen un encuentro casual en una boda en Palm Springs, las cosas se complican al no poder escapar del lugar, de sí mismos ni el uno del otro.

Reseña: Hubo una época, no hace mucho, en la que la comedia romántica era uno de los géneros cinematográficos más taquilleros. Pero quizás por agotamiento del público, de la fórmula, o de los intentos de Katherine Heigl por convertirse en vano en la nueva novia de América, la rom-com americana dejó de ser la película ideal para una cita en el cine; los hombres heterosexuales en particular y Hollywood en general habían descubierto que las mujeres podían estar interesadas en otro tipo de películas. También se vio afectada por la sensación de que no era necesario pagar una entrada de cine por ver una película así, algo de lo que se ha beneficiado Netflix resucitando el género. Palm Springs no es de Netflix, sino de Hulu (y de Movistar en España), que compró sus derechos de distribución en el Festival de Sundance del año pasado, y aun siendo una comedia romántica con todas las de la ley, tiene un giro hacia el fantástico que la hace mucho más apetecible.

El componente de ciencia ficción de Palm Springs, el consabido bucle temporal, ya lo hemos visto empleado en multitud de películas y series. Siendo plenamente consciente de ello, el guion de Andy Siara se ahorra el inevitable desconcierto inicial del personaje atrapado y toma derroteros tan refrescantes como divertidos. La trama parece responder a una hipotética pregunta sobre qué habría ocurrido si en Atrapado en el tiempo (1993) Bill Murray hubiese arrastrado a Andie McDowell al bucle temporal, pero rápidamente se quita rápidamente la deuda que tiene con el film de Harold Ramis para forjar su propio camino. Ese bucle temporal en el que viven Nyles y Sarah es en realidad una representación a pequeña escala de la vida, de lo monótona, insignificante y absurda que puede llegar a ser… pero que se sobrelleva mejor con la complicidad de alguien que en soledad.


Ni Andy Samberg ni Cristin Milioti concuerdan con el prototipo del héroe y la heroína de la comedia romántica clásica. Por eso, ya de entrada forman una interesante pareja protagonista, algo que solo va a más conforme avanza el metraje, gracias tanto a la química que tienen como a la gran vis cómica de la que gozan ambos. Resulta fácil empatizar con ellos porque son un desastre, porque sus conflictos son reconocibles y porque la dinámica que se establece entre ellos es pura magia rom-com en todo su esplendor. De entre los secundarios cabe destacar a Meredith Hagner, que siempre borda el papel de rubia tonta, y a J.K. Simmons en un rol que ejerce un sorprendente y divertido contrapunto.


Palm Springs es la comedia romántica perfecta para los raros tiempos que corren. Una marcianada que es totalmente accesible, elevada por una estelar y entrañable pareja protagonista, genuinamente graciosa y con bastante sustancia emocional. No inventa nada pero consigue revitalizar temáticas trilladas sin caer en la ñoñería, en la autoconsciencia subrayada ni en la pose.  Un extraño fenómeno que con buen humor evidencia cómo nos relacionamos, sobrellevamos el remordimiento, construimos nuestra zona de confort y sufrimos el consecuente síndrome de la cabaña en situaciones excepcionales y claustrofóbicas que no siempre son exclusivas de la ciencia ficción.

8/10

2/2/21

Itinerario de estrenos de febrero 2021




*Fechas de estreno sujetas a cambios.


Nuevo orden: La nueva película del mexicano Michel Franco (Las hijas de Abril) se ambienta en una boda de alta alcurnia que se convierte en una lucha entre clases que deriva en un violento golpe de estado. Diego Boneta (Terminator: Destino oscuro) y Darío Yazbek Bernal (La casa de las flores) encabezan el reparto de un film que, pese a haber generado controversia y división de opiniones, ha ganado tanto el gran premio del jurado del Festival de Venecia como el premio Forqué a la mejor película latinoamericana.
Estreno: 19 de febrero
 



Dating Amber:
Comedia irlandesa dirigida y escrita por David Freyne (The Cured) que cuenta la historia de dos adolescentes que fingen salir juntos para detener los rumores que corren por el pueblo en el que viven acerca de su orientación sexual. Fionn O’Shea (Normal People), Lola Peticrew (Un bombo en el camino) y Sharon Horgan (¡Que suene la música!) protagonizan la cinta, que ha recibido mayoritariamente críticas positivas.
Estreno: 26 de febrero
 



Relic: Film de terror australiano sobre una hija, una madre y una abuela que son acosadas por un presencia que parece estar tomando el control de la anciana. La directora y guionista Natalie Erika James salta del cortometraje al largo con esta producción que ha recibido críticas muy positivas y que está protagonizada por Emily Mortimer (La posesión de Mary), Bella Heathcote (Wonder Women y el profesor Marston) y Robyn Nevin (Dioses de Egipto).
Estreno: 26 de febrero

1/2/21

Actriz del mes: Zendaya



Nombre completo: Zendaya Maree Stoermer Coleman

Fecha de nacimiento: 1 de septiembre de 1996

Lugar de nacimiento: Oakland, California (EE.UU.)

Filmografía destacada:

Untitled Spider-Man Sequel (2021)
Dune (2021)

Malcolm & Marie (2021)
Euphoria (Serie de TV) (2019 – ¿?)
Spider-Man: Lejos de casa (2019)
The OA (Serie de TV) (2019)
K.C. Agente especial (Serie de TV) (2015 – 2018)
Smallfoot (solo voz) (2018)
El gran showman (2017)
Spider-Man: Homecoming (2017)
Shake It Up! (Serie de TV) (2010 – 2013)

Méritos: Cuando se anunció que Zendaya sería la protagonista femenina de Spider-Man: Homecoming (2017), aquellos que no conocíamos la programación de Disney Channel no teníamos ni idea de quién era la muchacha. "Otra estrella de la factoría Disney que quiere dar el salto a las grandes ligas", pensamos. Pronto empezamos a ver que no solo dicha etiqueta podría quedársele pequeña, sino que también era alguien que, simple y llanamente, molaba, desde que vimos cómo vacilaba a los trolls que la atacaban por ser una actriz racializada dando vida un rol atribuido hasta entonces a mujeres blancas. En el 2019, un año después de terminar su última serie para Disney Channel, Zendaya daba el salto a HBO con Euphoria, otra serie juvenil pero con una visión mucho más descarnada y deprimente de la adolescencia. El resultado: Zendaya a sus 24 años se convierte en la ganadora más joven del Emmy a mejor actriz de drama de la historia de los premios.

Con su carrera musical aparcada, Zendaya encadena trabajos como actriz que refuerzan el fantástico momento que está viviendo. El próximo 5 de febrero llega a Netflix Malcolm & Marie, película rodada durante el confinamiento, co-protagonizada por John David Washington (Tenet) y dirigida por el creador de Euphoria, Sam Levinson. Las primeras reacciones apuntan a que los Oscar podrían ser los próximos en rendirse ante los pies de Zendaya, que actualmente se encuentra rodando la nueva película de Spider-Man y tiene pendiente de estreno el Dune de Denis Villeneuve, así como muchos proyectos que tendrán que esperar a que ruede la segunda temporada de la serie en la que ha podido demostrar su portentoso talento interpretativo. Siendo Zendaya la primera estrella indiscutible salida de la Generación Z, podemos albergar esperanzas sobre el futuro que nos depara.


Extras:

Tráiler de Malcolm & Marie

Tráiler de Dune

Ganando el Emmy a mejor actriz de drama por Euphoria

73 preguntas a Zendaya

Bruno Mars – Versace on the Floor

Zendaya – Replay