28/4/16

Alfred & François

Hitchcock Truffaut


François Truffaut, uno de los abanderados de la Nouvelle Vague, realizó una serie de entrevistas a Alfred Hitchcock recogidas en un libro, El cine según Hitchcock, que no sólo se ha convertido en un manual cinematográfico imprescindible, sino en el impulso que necesitaba el director de Psicosis para salir del paso del menosprecio generalizado de la crítica norteamericana y ser reconocido como el gran maestro del suspense en particular, y del Séptimo Arte en general, que fue. El documentalista Kent Jones ha rescatado para Hitchcock Truffaut imágenes y audios de aquellos encuentros que desembocaron en una sólida amistad, y ha contado con la participación de algunos de los cineastas más importantes de la actualidad para abordar el importante legado de la filmografía de Hithcock.

Hitchcock Truffaut1

Dos directores de películas y formas de rodar tan diferentes, unidos tanto por su afición por innovar jugando con el lenguaje cinematográfico (cada uno en su ámbito), como por la pasión que sentían ambos por el cine. Una pasión que se contagia fácilmente cuando los oyes hablar, mediante una intérprete que media en la conversación traduciendo del inglés al francés y viceversa. No obstante, la película gira fundamentalmente en torno a Hitchcock, quedando Truffaut un tanto en la sombra, sin indagar demasiado en su faceta de admirador de su colega británico. Kent hace un rápido recorrido por la vida y la carrera de Hitch, desde sus inicios en el cine mudo hasta la crisis creativa que sufrió en sus últimos años, pasando por su estrecha colaboración profesional con su esposa, Alma Reville,  o por su declarada animadversión por el gremio de los actores, deteniéndose únicamente en las dos películas que con toda probabilidad sean las más importantes y revolucionarias de su obra: Vértigo y Psicosis.

Hitchcock Truffaut2

De entre todos los cineastas que han participado en el documental, son Martin Scorsese, David Fincher y James Gray quienes aportan las observaciones más interesantes sobre el legado de Hitchcock. A pesar de ello y de las curiosidades en torno al “cómo se hizo”, el film sabe a poco, puesto que sólo dura 80 minutos y da la impresión de que deja muchas cosas en el tintero; no hay mal que por bien no venga, pues se termina el visionado con muchas ganas tanto de leer el libro escrito por Truffaut, como de revisionar las grandes obras de Hitchcock y de ver aquellas que aún tenemos pendientes por descubrir. Documental imprescindible para recordar qué grande puede ser el cine y qué interesantes pueden ser aquellas personas que lo hacen posible.

8/10

25/4/16

Prematuramente separados

Poster Togetherness

Creador: Mark Duplass, Jay Duplass, Steve Zissis
Int.: Mark Duplass, Melanie Lynskey, Amanda Peet, Steve Zissis
Emisión: 2015 – 2016, HBO
2 temporadas

Tengo una vieja amiga (a la que le mando un besito) que una vez me dijo que ella empezaba las series cuando ya estaban terminadas. Así se aseguraba de que tenían un final cerrado, porque le cabreaba mucho cuando las cancelaban y la dejaban a medias. A mí me recordó lejanamente a esa actitud que tienen algunos de “no quiero una mascota porque lo voy a pasar muy mal cuando se muera”. Vamos, que la tristeza o, en el caso de las series, el coitus interruptus, es inevitable, lo que importa es el aprendizaje y la diversión que se experimenta durante el visionado… O al menos eso quería creer hasta el último caso de cancelación repentina que me ha tocado vivir: Togetherness.

Togetherness4

HBO nunca cancela una serie en su primera temporada. Si no están contentos con los índices de audiencia o la repercusión que suscita, le dan una segunda temporada antes de confirmar el fracaso, pero si la cosa no remonta la cancelación es inevitable. Ocurrió el año pasado con Looking, pero su relativa fama propició un desenlace en forma de tv-movie que debe emitirse en algún momento de este año. Dudo que vaya a pasar lo mismo con Togetherness, que ha pasado más desapercibida aún, y sus creadores, los hermanos Mark y Jay Duplass, ya tienen un contrato con Netflix para producir una serie de largometrajes que se estrenarán en dicha plataforma.  Ellos, ya enfrascados en la preparación de la tercera temporada, fueron los primeros sorprendidos ante la cancelación, y por eso la serie ha terminado tal que así, con un final que nos pilló a todos por sorpresa, pero no por lo que ocurre en el capítulo (que se veía venir), sino porque muchos nos olvidamos de que tanto la primera como la segunda temporada constaban tan sólo de ocho episodios cada una.

Togetherness2

Togetherness, que se emitía la misma noche que Girls, se vendió a partir de la idea de que los cuarentones están igual de perdidos en la vida que los veinteañeros. Sin embargo, los hermanos Duplass no son Lena Dunham, ni para lo bueno ni para lo malo. Ambos son cabecillas del mumblecore, un subgénero del cine independiente americano caracterizado por los diálogos improvisados y naturalistas y en el énfasis de estos por encima del argumento; de ahí que la premisa de la serie sea en apariencia tan sencilla y anodina: matrimonio con hijos de clase media que intenta revivir la llama de su relación se ve obligado a acoger en su casa a la hermana mayor de ella, metida en el dudosamente rentable negocio de los castillos hinchables, y al mejor amigo de él, un actor en paro. Lo dicho, no es gran cosa, pero cuando echa a andar, la serie desprende un discreto encanto que recuerda a las películas de los Duplass (Cyrus, Jeff y los suyos) que reside en el humor liviano, el candor de sus personajes y en sus tribulaciones, expuestas de manera tan sencilla como honesta.

Togetherness

La serie ha quedado como un interesante e inacabado díptico sobre las relaciones: en la primera temporada, los conflictos surgían ante la necesidad de compartir un mismo espacio físico, mientras que la segunda examina las carencias emocionales como consecuencia de la separación producida tras crear o reforzar los lazos afectivos. Lo mejor de Togetherness era ese cuarteto protagonista formado por Mark Duplass, Melanie Lynskey, Steve Zizzis y Amanda Peet, tan bien compenetrado y ajustado a los caprichosos vaivenes emocionales de sus personajes. Me da pena sobre todo el caso de Peet, actriz de gran carisma y solvencia cuya carrera nunca ha terminado de despegar ni en cine ni en televisión, pues ya son cuatro las series canceladas precipitadamente que ha protagonizado y, para más inri, el “final” de su personaje en Togetherness es bastante similar al del que encarnaba en Jack & Jill. Tal vez, ella también se apunte a esa regla de sumarse a series sólo cuando tengan asegurado un cierre digno.

24/4/16

La vida no es tan bella

Poster El hijo de Saul
¿Pueden haber aún nuevas formas de abordar la Segunda Guerra Mundial y el holocausto nazi? El húngaro László Nemes demuestra que sí, que a pesar del gran número de películas que han plasmado uno de los capítulos más oscuros y abominables de la historia del ser humano, aún es posible volver a él sin caer en la reiteración y la monotonía, gracias a su ópera prima, El hijo de Saúl, con la que ha conseguido, no sólo que Hungría gane su primer Oscar a la mejor película de habla no inglesa, sino que experimentemos el horror de un campo de concentración nazi en primerísima persona.

A lo largo de toda la película jamás nos separaremos de Saúl, un prisionero judío húngaro que forma parte del equipo que se encargaba de quemar los cadáveres de sus compañeros gaseados y limpiar las cámaras de gas. El magnífico prólogo ya establece la forma en la que seremos partícipes de esta historia: vamos a oír más de lo que consigamos ver, y nuestra imaginación hará el resto. Tampoco nos enteraremos mucho de lo que está ocurriendo en la pantalla, un efecto probablemente buscado para provocar desconcierto y confusión, pero que conlleva cierto riesgo, pues al no poder encontrar algo a lo que aferrarnos para seguir el hilo de la narración, el desinterés y la desconexión emocional puede hacer acto de presencia. También es verdad que es una película hecha para ser vista en una sala de cine, a oscuras y sin posibilidad alguna de escape o evasión.

El hijo de Saul2

Esa falta de apego afectivo también va ligada con la no menos atrevida premisa argumental: Saúl es un prisionero, muerto en vida, que se obceca con darle una sepultura digna a uno de los niños asesinados en la cámara de gas. El impertérrito Saúl se pasea por todo el campo de concentración, causando estragos allá donde pasa y ganándose el odio tanto de los soldados alemanes como de sus propios compañeros prisioneros. Su misión particular es la excusa perfecta para exponer el infierno que se vivía en aquellos campos desde que los prisioneros entraban hasta que sus cuerpos inertes eran deshechos, pero el impacto producido por la barbarie puede diluirse ante la irritación producida por sus acciones. El hijo de Saúl es muy buena película, con un inicio y un final perfectos, escenas muy potentes y un trasfondo ligeramente esperanzador que se deja entrever en la confianza puesta en unas nuevas generaciones que aprendan de los errores cometidos en el pasado, pero eché en falta un poco de orientación entre tanto caos para darle el medio punto que separa el notable bajo del alto.

7’5/10

21/4/16

Lo digital más vital

Poster El libro de la selva

Dir.: Jon Favreau
Int.: Neel Sethi, Bill Murray, Ben Kingsley, Idris Elba, Lupita Nyong’o, Scarlett Johansson, Giancarlo Esposito, Christopher Walken
¿De qué va?: Mowgli, un niño que ha sido criado por una manada de lobos, se ve obligado a abandonar la selva cuando el tigre Shere Khan promete acabar con él por el odio que siente hacia los humanos. Con la ayuda de la pantera Bagheera, Mowgli emprende un viaje hacia la aldea del hombre en el que se topará con diversos animales, unos amistosos como el oso Baloo y otros que por el contrario no son muy de fiar.

Reseña: Un renovado logo Disney que exhibe el castillo de la Bella Durmiente, combinando tridimensionalidad con trazos pintados a mano, anticipa la filosofía que se ha marcado Jon Favreau y su equipo para dar vida a esta nueva versión del clásico El libro de la selva: aunar lo mejor de lo viejo y de lo nuevo. Y por si no fuera pista suficiente, la narración arranca con la misma portada del libro que se abría en el año 1967 para contar la versión Disney del relato de Rudyard Kipling, con los mismos y reconocibles acordes musicales, pero con un primer capítulo que ya no versa sobre un bebé Mowgli encontrado en una canasta varada por el río, sino sobre uno ya crecidito en pleno entrenamiento por la selva junto a su padrino Bagheera.

El libro de la selva

Se trata de una de las muchas modificaciones que ha experimentado este remake respecto a la cinta original, evitando que se convierta en una traslación perezosa a acción real. Los cambios introducidos apuestan por dotar de un tono más oscuro, adulto y aventurero a la historia de Mowgli, convirtiendo su viaje en el monomito circular del héroe que madura a través de las lecciones que aprende por el camino. No obstante, el sentido del humor no se pierde, y permanecen aquellas canciones pegadizas que nos aprendimos todos aquellos fans de la película de dibujos, así como la personalidad de los diferentes y peculiares animales que se encuentra el niño por la selva, para los que han contado con un casting de actores que le va ni que pintado… ¿O es que puede haber alguien mejor que Bill Murray para darle voz al despreocupado cara dura de Baloo? ¿O alguien con una cuerdas vocales que puedan ser más seductoras que las de Scarlett Johansson como la hipnótica y peligrosa serpiente Kaa?

THE JUNGLE BOOK

No obstante, la voz no es lo único que contribuye a la credibilidad de unos animales que parlotean con el debutante y “riquiño” Neel Sethi, sino un fantástico e impresionante trabajo de animación digital que recrea una selva y una extensa galería de animales cuidada hasta el más mínimo detalle. Los efectos meteorológicos, los movimientos corporales, la luz, el sonido… todo contribuye a la inmersión en una película donde los series digitales resultan más tiernos, entrañables y humanos que nunca en el caso de los buenos, y más imponentes y aterradores en el caso de los malos, todos ampliamente capaces de expresar múltiples matices emocionales. La película también supone todo un golpe sobre la mesa de Favreau, quien ha realizado una película, la más inspirada de su carrera, que, a pesar de haberse rodado íntegramente frente a una pantalla verde, se siente viva y orgánica.

El libro de la selva3

El libro de la selva es, con diferencia, el mejor remake en acción real que ha hecho Disney hasta la fecha. Menos encorsetado que Cenicienta, mejor canalizado que Alicia en el país de las maravillas. Recupera las señas de identidad de su referente, utiliza la tecnología más puntera para recrear el mágico mundo del que parte y se atreve a introducir cambios sustanciales al cuento para resultar imprevisible (dentro de lo que cabe) y aportar nuevas lecturas (la forja de un camino propio, la solidaridad, la astucia como mejor arma…), logrando ese equilibrio imposible entre divertimento para niños y adultos. Debería ser el referente para toda la ristra de películas del mismo corte que llegarán en los próximos años; si nos van a bombardear con clásicos Disney remodelados, al menos que sean igual de dignos, sustanciosos y disfrutables que este.

8/10

19/4/16

O.C: Jesucristo Supestar (1973)

Poster Jesucristo Superstar¿De qué va?: La traición de Judas, la última cena, la crucifixión y todos los acontecimientos que marcaron los últimos siete días de vida de Jesús de Nazaret a ritmo de música rock.

Reputación: Adaptación cinematográfica de la exitosa obra homónima de Broadway con un repertorio de canciones compuesto por Tim Rice y Andrew Lloyd Weber que vendió millones de discos por todo el mundo. La idea de adaptarla a la gran pantalla fue propuesta a su director, Norman Jewison, durante el rodaje de El violinista del tejado (1971), y tras escuchar el álbum no tuvo duda alguna en ponerse manos a la obra. El reparto estaba compuesto principalmente por actores de la representación teatral: Ted Neely y Carl Anderson interpretaban respectivamente a Jesús y Judas, aunque en la versión de Broadway ejercían de actores suplentes (Neely ha encarnado a Jesús sobre las tablas aproximadamente durante 40 años). El rodaje se llevó a cabo principalmente en Israel y otros lugares de Oriente Medio, pero no en en la propia Jerusalén, sino en las ruinas de la antigua ciudad de Advat. Para prevenir la controversia que se podría generar por parte de la audiencia religiosa, el director optó por ambientar la película como una representación teatral llevada a cabo por un grupo de hippies viviendo plenamente el espíritu de la Era de Acuario. Además, algunas letras de canciones fueron cambiadas, tanto para enriquecerlas como para hacerlas más aceptables para el público cristiano. Fue nominada a 6 Globos de Oro y al Oscar a mejor canción, pero la película no obtuvo el mismo éxito que las representaciones teatrales, salvo en Chile, donde se mantuvo en cartelera durante dos años.

Jesucristo Superstar


Comentario: Jesucristo Superstar es la demostración de que una historia requete conocida puede ser contada de manera fresca y diferente, con un enfoque distinto que a su vez no trastoque su esencia más pura. En este caso, el optimismo, la esperanza, el amor y la rebeldía implícita en la historia de Jesucristo se impone al sentimiento religioso, la devoción y el sacrificio que exalta la Iglesia Cristiana de la misma. Vamos, que resulta totalmente coherente que una panda de hippies se haya adueñado de la crucifixión y la muerte del hijo de Dios para montar una ópera rock, con un reparto multiétnico vestido con los primeros trapos que pillaron, tanto túnicas como chalecos setenteros. Además, resulta muy interesante la cancha que se le da Judas y al conflicto moral que sufre por culpa del Mesías, las canciones son tremendamente pegadizas y mola mucho la encarnación festiva y lujuriosa que se hace de Herodes. En definitiva, un musical bíblico que hará las delicias de los infieles… pero tal vez no tanto de los devotos.

Próximo visionado: Nosferatu (1922)

17/4/16

Vino para erradicar el dolor

Poster La invitacion

Dir.: Karyn Kusama
Int.: Logan Marshall-Green, Michiel Huisman, Tammy Blanchard, John Carroll Lynch, Emayatzy Corinealdi, Mike Doyle, Jordi Vilasuso
¿De qué va?: Mientras asiste a una cena con amigos en su antiguo hogar, un hombre sospecha que su ex-mujer y su nuevo novio esconden siniestras intenciones para sus invitados.

Reseña: Una pareja se dirige en coche a una cena en casa de unos amigos cuando de repente atropella accidentalmente a un coyote. El animal gime gravemente malherido, así que el conductor decide rematarlo con una palanca. Es la opción más humanitaria, atajar el sufrimiento, aunque sea de forma violenta, en vez dejarlo agonizante en el arcén durante más tiempo. Esa obsesión por evitar el dolor del ser humano, tanto el físico como el emocional, es el elefante presente en todas las habitaciones de la casa donde se  desarrolla La invitación, ganadora del premio a mejor película del último Festival de Sitges, aunque de terror tenga poco y de ciencia ficción mucho menos… pero tensión y suspense a raudales.

La invitacion

Los que esperen un thriller en la línea de The Purge o la muy disfrutable Tú eres el siguiente se llevarán un chasco tremendo, pues La invitación es ante todo un drama sobre el duelo, la pérdida, el sufrimiento que produce y las formas de combatirlo, representado en las posturas opuestas que han adoptado, por un lado el protagonista, un muy competente Logan Marshall-Green, y por el otro su ex-mujer (Tammy Blanchard), ante la tragedia que acabó con su matrimonio dos años atrás. Conforme los personajes (un tanto arquetípicos) van definiéndose, el malestar y la inquietud se va adueñando de la velada al acrecentarse, sin prisa pero sin pausa, la paranoia del personaje de Marshall-Green, a través de pequeños y sospechosos detalles que podrían tener o no una justificación inocente.

La invitacion2

No hay trampa ni cartón en La invitación. Tampoco giros locos en su clímax final, resuelto con la elegancia y el saber hacer que ha caracterizado hasta entonces al film de Karyn Kusama, aunque ese acto final me sabe a poco. Al contrario de lo que pensará la mayoría, me gusta más la película mientras su protagonista intenta averiguar si la amenaza que percibe es externa o interna, y cuando el muy inquietante John Carroll Lynch acongoja a través de un monólogo mientras la cámara se va acercando lentamente a él. Poco más puedo decir sin desvelar más sobre la trama, pues cuanto menos se sepa de ella de antemano mejor, y sin expectativas de pasar miedo ni de nada. Sólo aceptar la invitación y dejarse llevar por la cena entre amigos más insana del año.

7/10

16/4/16

La política honrada y su séquito

Parks and Recreation
Creador: Greg Daniels, Michael Schur
Int.: Amy Poehler, Nick Offerman, Aubrey Plaza, Chris Pratt, Aziz Ansari, Jim O’Heir, Retta, Rashida Jones, Adam Scott, Rob Lowe
Emisión: 2009 – 2015, NBC
7 temporadas

De un tiempo a esta parte, tenemos la impresión de que ser corrupto es un requisito indispensable para ser político de éxito en España. No obstante, en todas partes se cuecen habas, siendo la televisión el formato perfecto para indagar en las intrigas que rodean a aquellos que abusan del poder para conseguir sus propios fines con el bienestar social como excusa quimérica. Al tiempo que el político corrupto se convirtió en el nuevo anti-héroe favorito de América gracias a House of CardsThe Good Wife ofreció una visión del panorama más realista y la danesa Borgen causó sensación más allá de sus fronteras, Parks and Recreation llegó a su final, una sitcom cuya comedia surge de revertir la situación habitual: una política íntegra trabajando para una ciudad que no la merece.

Parks and Recreation2

En un principio, Parks and Recreation tenía que haber sido un spin-off de The Office, una de las series que mejor han funcionado en la NBC. Sin embargo, sus creadores decidieron finalmente producir una serie independiente, que mantendría el formato de falso documental y a un personaje protagonista ingenuo en un ambiente hostil e incrédulo. Así nació Leslie Knope, la directora del departamento de parques y tiempo libre de la ciudad ficticia de Pawnee, Indiana, enclave orgulloso de la masacre de la población india. La serie arranca cuando Knope es convencida por Ann, una enfermera que con el tiempo se convertirá en su mejor amiga, de convertir un solar abandonado en un parque, encontrándose con mil trabas de la administración municipal y de varios colectivos ciudadanos. Buena parte de su gracia reside en lo catetos y conservadores que resultan los habitantes de Pawnee y el desprecio que suelen expresar hacia Leslie, en contraste al profundo amor que siente ésta por su ciudad y sus ideas innovadoras y progresistas; la polémica de los Reyes Magos y el “No te lo perdonaré jamás, Manuela Carmena”, podría haber salido perfectamente de una de las tramas de la serie.

Gif Leslie Knope

Su primera temporada, de tan sólo 6 episodios, no causó buena impresión, sobre todo debido a las comparaciones odiosas con The Office. Afortunadamente, la cadena decidió darle una segunda oportunidad, renovándola por una nueva temporada completa de 24 episodios con la que los guionistas consiguieron remontar y meterse en el bolsillo tanto a la crítica como al público, que nunca fue mayoritario pero sí lo suficientemente entusiasta y fiel como para que la serie aguantase siete años en antena, pese a haber estado al borde de la cancelación varios años. La clave del éxito residió en dejar aparcada la trama de la construcción del parque para desarrollar a todos los personajes secundarios para que no fuesen meras comparsas de su protagonista, eliminar a unos pocos que no encajaban dentro de la dinámica grupal, añadir dos que sí lo hacían y, en definitiva, convertir Pawnee en un gran ‘happy place’, término del diccionario seriéfilo surgido a raíz de Community con el que se conoce a aquellas series que suponen un lugar donde los telespectadores se encuentran felices, a gusto y entre amigos.

Parks and Recreation3

Y es que resulta difícil no sentirse como en casa con un reparto y unos personajes tan entrañables como los de Parks and Recreation. Igual de complicado resulta no convertirse en fan de Amy Poehler, cuyo título de reina de la comedia ha ganado en buena parte gracias a su encarnación de Leslie Knope, pues consigue lo que parecía imposible, esto es, que un político nos caiga bien, al tiempo que nos transmite su idealismo exacerbado, la pasión por su profesión y por quedarse en vela, ya sea realizando un informe perfectamente detallado o preparando un regalo para sus amigos, sin que nunca nos resulte cansina o insoportable. No hay ningún personaje descolgado en el reparto de la serie, todos están perfectamente definidos (increíble que jamás haya ganado un premio a mejor reparto de comedia) y lo que pueda escribir aquí en unas pocas líneas no les hará justicia alguna. Quienes hayan visto la serie, sabrán que la imperturbabilidad de Ron Swanson (Nick Offerman), el desprecio infinito que siente April Ludgate (Aubrey Plaza) por todo el mundo  o la desfachatez de  Tom Haverford (Aziz Ansari) nos han brindado numerosos momentos hilarantes a lo largo de sus 7 temporadas que da para una sucesión interminable de gloriosos gifs.

Parks and Recreation1

Tampoco hay que olvidar a un Chris Pratt antes de convertirse en el héroe de acción favorito de Hollywood, cuando aún era el gordito gracioso secundario de muchas comedias americanas; su Andy Dwyer pasó de ser el novio jeta a convertirse en el niño grande más entrañable jamás visto en televisión. Y cómo no, a Jerry (Jim O’Heir), pues el mobbing al que es sometido este pobre y siempre bienintencionado hombre se convirtió en el mejor ‘running-joke’ de la serie. Por no hablar de las numerosas apariciones esporádicas de personajes memorables como Jean-Ralphio (Ben Schwartz), Mona-Lisa (Jenny Slate), Bobby Newport (Paul Rudd) o Tammy Two (Megan Mullally), y de cameos como el de la mismísima Michelle Obama.  Parks and Recreation está pidiendo a gritos que la rescate Netflix para ser sometida a un ‘binge-watching’, y así enmendar el error de que no se haya emitido en ningún canal de la televisión española…. porque lo de pedir que la clase política tome apuntes de Leslie Knope sería demasiado utópico.

14/4/16

Espiral del silencio

Poster Julieta
Dir.: Pedro Almodóvar
Int.: Emma Suárez, Adriana Ugarte, Inma Cuesta, Darío Grandinetti, Daniel Grao, Rossy de Palma, Michelle Jenner, Pilar Castro, Susi Sánchez
¿De qué va?: Cuando Julieta está a punto de abandonar Madrid para mudarse a Portugal, un encuentro fortuito en la calle le hará recordar un hecho trágico del pasado que creía haber superado. Aturdida por los emociones que vuelven a ella, Julieta decide cancelar la mudanza y escribir un relato para esclarecer ese pasado largamente enterrado.

Reseña: En el año en el que se celebra el décimo aniversario del estreno de la última incontestable gran película de Pedro Almodóvar, Volver, llega Julieta, su esperado regreso al universo femenino tras el fallido intento de recuperar el espíritu de las comedias disparatadas de sus inicios que supuso Los amantes pasajeros (2013). Sin embargo, el director manchego no se ha limitado a recuperar una de las señas de identidad por las que su cine se ha granjeado seguidores y reconocimiento en todo el mundo, sino que ha optado por seguir por esa vía de experimentación de géneros y estilos ajenos que empezó con La piel que habito (2011) llevándose a su terreno los tres relatos cortos de Alice Munro en los que se basa, pero con una sobriedad y una contención inusitadas en su carrera.

Julieta3

Silencio es el título del tercero de los relatos de Munro, y fue también el de la película hasta que se anunció que Martin Scorsese estrenaría este mismo año un film titulado igual, Silence; no en vano, es la palabra clave en la triste historia de la vida de Julieta. Tanto ella como las personas que la rodean sufren a costa de la incomunicación, de los secretos, de la ausencia de conversaciones dolorosas pero importantes, y por eso, cuando después de tanto tiempo la verdad sale a la luz el impacto que produce es mil veces mayor. Todos los conflictos y las relaciones que se establecen en el film están de alguna manera u otra conectadas por un mutismo que también marcará la odisea particular de la protagonista, que al igual que aquella de Homero que enseña a sus alumnos, estará marcada por el mar y por la partida y ausencia de una persona cercana que, según descubrirá mucho más tarde, no conocía en absoluto.

Julieta2

Almodóvar toma la arriesgada decisión de dividir a su Julieta en un díptico entre dos actrices cuyo físico no resulta especialmente similar. No obstante, tanto Emma Suárez como Adriana Ugarte realizan una labor impecable transmitiendo la pesadumbre y el conflicto interior del personaje que interpreta cada una en sendas etapas muy diferentes de su vida, conectadas a través de una escena en la que el director justifica plenamente la fragmentación de la protagonista. A su alrededor se mueven una serie de personajes supeditados a ella, de apariciones breves pero agradecidas, aunque en el caso de Inma Cuesta se echa en falta indagar un poco más en su personaje. Lo curioso del asunto es que el gran antagonista de la historia es un personaje que brilla por su ausencia, alguien al que sólo vemos a través de los ojos de Julieta, pero cuya presencia se respira como la de la Rebecca de Hitchcock; no por casualidad, el personaje al que da vida Rossy de Palma guarda cierto parecido con la mítica ama de llaves de aquella película.

Julieta1

Julieta es, a mi jucio, la película más consistente de Pedro Almodóvar de la última década. Aun siendo su obra más austera, sin rastro de su reconocible sentido del humor y del esperpento, contiene algunos detalles artificiales que desconciertan de vez en cuando: ausencia de acentos regionales, efectos digitales deficientes o alguna que otra línea de diálogo impostada. Sin embargo, su mayor hándicap se encuentra en esa frialdad, aparentemente buscada, que dificulta la conexión emocional con el drama al que estamos asistiendo, algo que se evidencia en un final que sería el colmo del anticlímax si no fuera por el tema de Chavela Vargas que acompaña los créditos. Se ve con sumo interés y admiración ante la incontestable habilidad de su director de concebir poderosas imágenes cinematográficas, pero no remueve las entrañas, por lo que es difícil que pueda provocar entusiasmo más allá de su incondicional club de admiradores.

7/10

12/4/16

El espejo, las brujas y los amantes de Teruel

Poster Las cronicas de Blancanieves

Dir.: Cedric Nicolas-Troyan
Int.: Chris Hemsworth, Charlize Theron, Emily Blunt, Jessica Chastain, Nick Frost, Sheridan Smith, Rob Brydon, Alexandra Roach, Sam Claflin
¿De qué va?: Mucho antes de que Ravenna cayese vencida por Blancanieves, la malvada reina fue testigo de cómo su hermana Freya sufría una horrible traición que la hizo huir del castillo y formar su propio ejército de cazadores en su reino de hielo. Entre sus filas se criaron Eric y Sara, a quienes no les sirvió de mucho ser los mejores guerreros cuando rompieron la regla más importante de Freya: no alojar amor en sus corazones.

Reseña: Érase una vez, una película llamada Blancanieves y la leyenda del cazador, nacida en el caldero de Hollywood tras mezclar la fórmula mágica que moderniza y convierte en acción real cuentos clásicos con ingredientes de las cintas de aventuras y fantasía más populares de los últimos años. El resultado fue como un refresco de burbujas: azucarado y apetecible, pero poco nutritivo, y no quitaba la sed. Sin embargo, fue lo suficientemente lucrativo para que sus responsables decidieran dar continuación a la pócima, pero sin contar con dos de sus principales factores, su director y su protagonista femenina, debido a motivos extra cinematográficos que no vamos a mencionar para no caer en el sensacionalismo.

Huntsman

Así, llega Las crónicas de Blancanieves: El cazador y la reina del hielo, con la primera susodicha tan sólo presente en espíritu. Kristen Stewart sale ganando al no volver y nosotros también, pues supondría traer de vuelta a la versión más desganada y rancia de la actriz, inmersa actualmente en una estupenda racha artística. La película se articula como precuela y secuela de su predecesora, tomando como referencia a los otros dos personajes principales de aquella: el cazador y, lo mejor de la función, la malvada reina a la que dio vida Charlize Theron, añadiendo asimismo a dos nuevos personajes femeninos a la ecuación. El reemplazo del director Rupert Sanders por el que fuese responsable de su segunda unidad, Cedric Nicolas-Troyan, otorga continuidad formal al relato, tanto para lo bueno como para lo malo: una identidad estética y narrativa atractiva pero muy deudora de otras películas.

Huntsman

A los ecos de El señor de los anillos, Juego de tronos y El laberinto del fauno presentes en Blancanieves y la leyenda del cazador, hay que sumar los de Frozen y Las crónicas de Narnia, traídos a colación de la reina gélida que encarna una solemne Emily Blunt. El diseño de vestuario a cargo de Colleen Atwood (Into the Woods, Alicia en el país de las maravillas, Memorias de una geisha…) podría considerarse lo más llamativo e inaudito de una película que flojea, no tanto por “inspirarse” a destajo, como por su pereza a la hora de plantear los supuestos giros sorprendentes de la trama; no sólo el tráiler desvela buena parte de ellos, cualquiera con un poco de bagaje cinematográfico podrá anticipar fácilmente los previsibles vericuetos por los que se mete la película, sin perder su gran capacidad para mantener entretenido al personal, eso sí.

The Huntsman

Lo mejor es, con permiso del cuarteto de enanos que aporta comicidad al asunto, ver a tres de las mejores actrices de la actual cantera de Hollywood reunidas en una misma película. Pero aunque mole verlas pasándoselo pipa y sacando su vena más caricaturesca (va por ti, Charlize), da cierta lástima no verlas en un producto que suponga un reto a la altura de su talento. También resulta curioso que, a pesar de retratar al personaje de Jessica Chastain como una de las mejores guerreras del reino, sea Chris Hemsworth el que termine partiendo la pana él solito… O que la película verse, a fin de cuentas, sobre dos hermanas frígidas, una por convicción y otra por engaño, que caen derrotadas ante el poder del AMOR. Así de grande, bonito y anticuado. Si la pócima vuelve a funcionar, no les extrañe tener un nuevo refrito resultón bajo el paraguas de Las crónicas de Blancanieves en un par de años. ¿Fin del cuento?

5/10

10/4/16

El corcel desbocado

Banner BoJack Horseman
Creador: Raphael Bob-Waksberg
Int.: Will Arnett, Alison Brie, Amy Sedaris, Aaron Paul, Paul F. Tompkins
Emisión: 2014 – ¿?, Netflix
2 temporadas

A pesar de que el campo de la animación ha demostrado con creces tener un potencial ilimitado tanto en la pequeña como en la gran pantalla, a mucha gente le cuesta ver algo de dibujos más allá de Dreamworks y Disney/Pixar. Hay una sensación generalizada de que la animación adulta es un campo reservado para los frikis, aunque también es verdad que Hora de aventuras, South Park, Padre de familia o el cine de Ghibli se prestan mucho a ser devoradas por ese sector del público que luego se gastará una pasta en adquirir el merchandising de turno. El problema que trae consigo es que buena parte de esas películas y series pasan a ser consideradas como algo minoritario, y muchas veces no reciben el crédito que merecen. Hasta ahora no he tenido mucha suerte intentando que mis amigos le den una oportunidad a BoJack Horseman, serie de Netflix que debería estar nominada a los premios de la televisión, no en el apartado de animación (en el que ya ganó en los últimos Critics Choice), sino en el de comedia, aunque esté más bien enmarcada en el género de la ‘dramedia’, en la línea de Girls y Transparent.

Bojack Horseman

La serie se ambienta en un mundo idéntico al nuestro, salvo por el hecho de que en él conviven humanos con animales antropomorfos. Bojack Horseman es un caballo que fue la estrella de una sitcom de los 90 muy del estilo de Padres forzosos, pero en la actualidad es un muñeco roto, una vieja gloria que vive de las rentas del pasado. Alentado por su representante, la gata Princess Carolyn, Bojack decide recuperar su popularidad gracias al empujoncito que supondrá la publicación de una autobiografía que redactará Diane, escritora en la sombra contratada por la editorial, y que resulta ser la novia de Mr. Peanutbutter, una celebridad perruna que protagonizó una serie similar a la de Bojack. Pero la vida del caballo tiene muchos capítulos oscuros, escándalos, errores y arrepentimientos con los que tendrá que volver a lidiar durante la preparación de su libro.

Bojack Horseman4

Con un sospechoso parecido a la vida de Charlie Sheen, Bojack Horseman es el retrato de una celebrity en declive, representando, con gran sentido del humor, todas las consecuencias negativas que puede acarrear el éxito y una vida de excesos en Hollywood: Bojack es cínico, hipócrita, inseguro, narcisista e irresponsable, entre otras virtudes propias del ‘star-system’. Pero todo eso conlleva una serie de consecuencias negativas a través de las cuales BoJack comenzará a percatarse poco a poco de lo miserable que es en realidad. Ahí reside una de las mayores virtudes de la serie: es divertidísima y ágil como pocas, alternando de manera brillante el humor absurdo con el satírico, y mientras uno baja las defensas entre las muchas risas, de repente recibe un dardo envenado en forma de diálogo rompe-esquemas, que se vale de la desgraciada figura de Bojack para proyectar lo jodidos que estamos todos en lo que respecta a las relaciones humanas, al tiempo que nos preguntamos si de verdad nos hemos vuelto tan cínicos, solitarios e insoportables como él.

Bojack Horseman2

Momentos oscuros y agridulce aparte, o puede que también gracias a ellos, se trata de una de las mejores comedias serializadas de la actualidad, con un reparto de voces perfecto en  el que Will Arnett, Alison Brie y el resto de intérpretes principales aporta una gran diversidad de matices que contribuye a humanizar a sus personajes y a que no los veamos como simples caricaturas; mención especial para Todd, el atolondrado y entrañable compañero de piso de BoJack al que Aaron Paul presta su voz. También habría que destacar el estelar reparto de voces invitadas que ha congregado la serie: Lisa Kudrow, Olivia Wilde, J.K. Simmons, Alan Arkin, Christine Baranski, Amy Schumer, Melissa Leo… e incluso Daniel Radcliffe, Naomi Watts y, sobre todo, Margo Matindale encarnando a sus descacharrantes alter egos animados. Por todo ello y a la espera de su tercera temporada, seguiré recomendando BoJack Horseman, con la convicción de que cuando por fin la persuasión dé sus frutos, entenderán por qué fui tan pesado hablando de las maravillas de la serie sobre un caballo actor intentando arreglar su carrera y su vida como sólo muchos sabemos hacer: dando tumbos.

8/4/16

O.C: Nausicaä del Valle del Viento (1984)

Poster Nausicaa¿De qué va?: Mil años después de una horrible Guerra Mundial, la humanidad apenas sobrevive a las afueras de un bosque, plagado de hongos tóxicos e insectos mutantes, que cubre gran parte de la Tierra. Nausicaä es la princesa guerrera de El Valle del Viento, al que intentará proteger cuando el reino vecino de Tolmekia invade el lugar para intentar revivir a un mortífero Dios de la Guerra, con el fin de que acabe con sus enemigos y con el bosque contaminado.

Reputación: Adaptación de los dos primeros volúmenes de un manga que Hayao Miyazaki escribió y dibujó desde febrero de 1982 hasta marzo de 1994. La obra original es mucho más larga y compleja que la película, contando con más personajes y localizaciones. Aunque muchos la consideran la primera producción de Ghibli, lo cierto es que fue hecha antes de que el estudio de animación fuese propiamente fundado, por lo que en realidad se trata de un producto de Topcraft, que realizó otras películas animadas norteamericanas, como El Hobbit (1977). El estudio fue fundado oficialmente un año después, en 1985, cuando el equipo de la clausurada Topcraft se unió a Miyazaki, y su primera producción fue El castillo en el cielo (1986). La película fue un gran éxito en Japón, lo que propició tanto la creación de Ghibli como su exportación al resto del mundo.

un film de Hayao Miyazaki

Sin embargo, fue una versión muy modificada de la película la que llegó a los cines norteamericanos; bajo el título de Guerreros del viento, se recortaron 30 minutos de metraje (por considerarla demasiado lenta),  los actores de doblaje trabajaron sin conocer el argumento al completo y la protagonista pasó de llamarse Nausicaä a Zandra. Miyazaki quedó tan disgustado que, según cuenta la leyenda, al oír que Harvey Weinstein quería recortar una parte de La princesa Mononoke (1997) para hacerla más atractiva para el mercado yanqui, el director le mandó una katana auténtica junto a una nota que decía “Sin cortes”. No obstante, Miyazaki aclaró una vez que el que hizo eso fue su productor. Cuando Disney se hizo con los derechos de distribución americana de las películas de Ghibli, volvió a lanzar la película en 2005 manteniéndose fiel a la versión original, con un reparto de voces estelar que incluía a Uma Thurman, Shia LaBeouf y Edward James Olmos, entre otros.

Nausicaa2

Comentario: Nausicaä del Valle del Viento es Ghibli en su esencia más pura, sin adulterar, pero también sin pulir. A lo largo de su metraje podemos percatarnos de aquellos rasgos que definieron a posteriori tanto la carrera de Miyazaki como la del estudio de animación que co-fundó: el respeto por la Naturaleza, la denuncia sobre la contaminación global y los peligros que conlleva, las trágicas consecuencias de los conflictos bélicos, la figura de una heroína fuerte, curiosa y sensible, seres tan extraños como entrañables… Miyazaki perfeccionó su estilo en obras posteriores que se consideran más icónicas a día de hoy, pero Nausicaä, a pesar de desbarrar un poco en su tercio final, tiene un enorme encanto que proviene del pesimista a la par de esperanzador futuro ideado por su autor, y cierto regusto a los juegos de rol clásico de 8 bits, al transmitir esa ingenuidad, fantasía y sentido aventurero que los caracterizaban.

Próximo visionado: Jesucristo Superstar (1973)

7/4/16

Sublevación sexual

Poster Kiki el amor se hace

Dir.: Paco León
Int.: Álex García, Natalia de Molina, Paco León, Ana Katz, Belén Cuesta, Candela Peña, Luis Callejo, Luis Bermejo, Alexandra Jiménez
¿De qué va?: Dacrifilia, Elifilia o Somnofilia son algunas de de las particulares formas de obtener placer que experimentan los protagonistas de cinco historias de sexo y amor que coinciden en un calenturiento verano en Madrid.

Reseña: Las películas españolas son todas sobre sexo, culo y tetas. Recuerdo oír eso hasta hace prácticamente nada, cuando la industria cinematográfica patria empezó a ganarse la confianza del público a través de una oferta variada, rica en géneros y competitiva. Mucho le ha costado quitarse la etiqueta de “guarra” como para que ahora llegue Paco León con una peli sobre un grupo de gente que no para de hablar de kikis y que está obsesionada con alcanzar el orgasmo. Sin embargo, el director/guionista/intérprete demuestra que el sexo en el cine no tiene por qué ser rancio, perjudicial o asqueroso, sino algo alegre, saludable y, ante todo, natural.

Kiki2

Arrancando con un estupendo montaje de créditos iniciales que nos mete directamente en la cachonda atmósfera de tonos pastel y música festiva de la película, León presenta cinco historias que se desarrollan alternativamente en torno a carencias afectivas y filias sexuales que ejercerán de detonante para que sus personajes, pertenecientes a todos los estratos sociales que conforman la idiosincrasia española, se muevan en busca del placer. Pero en vez de estigmatizar esas conductas peculiares y burlarse de ellas, el film se revela como un despreocupado canto a la diferencia, al amor libre y al sexo sin tapujos siempre y cuando no perjudique a nadie (en contra de su voluntad). Qué más da si nos pone algo que a otros les puede parecer asqueroso. Si la cosa funciona…

Kiki

A lo largo de la película uno se ríe mucho, y a carcajadas, gracias en buena parte a un reparto coral en perfecta sintonía, con una gran habilidad para la improvisación y para caer simpáticos y entrañables; curiosamente, muchos de ellos conservan su nombre real en la película. Sin desmerecer en absoluto el trabajo de los actores, son las actrices las que roban la función: mención especial merece Candela Peña protagonizando los momentos más descacharrantes del conjunto, Belén Cuesta alzándose de forma inesperada como la gran revelación del grupo, y Alexandra Jiménez, perfecta y encantadora como protagonista de la historia más agridulce y emotiva, compuesta de cuatro escenas, todas potentísimas.

Kiki3

Kiki, el amor se hace sufre de algún problema de fluctuación tonal en alguna de sus tramas, por no hablar de la forma, un tanto súbita y forzada, en la que resuelve algunas de sus situaciones, pero eso  no resulta un impedimento para que pueda considerarse como una de las películas más divertidas y con  más buen rollo que se han asomado a la cartelera en los últimos tiempos. Ni siquiera supondrá una decepción que no sea tan “guarra” como aparenta, al tiempo que, difícilmente, su amplio repertorio de chistes sexuales puede considerarse ofensivo. Ante todo, Paco León se confirma como un cineasta muy a tener en cuenta, poseedor de una impronta personal que lo sitúa como un más que eficiente abanderado del nuevo costumbrismo español.

7’5/10

4/4/16

Grandes anfitrionas, fiesta pasable

Poster Hermanisimas

Dir.: Jason Moore
Int.: Tina Fey, Amy Poehler, Ike Barinholtz, Maya Rudolph, Dianne Wiest, James Brolin, John Leguizamo, John Cena, Bobby Moynihan
¿De qué va?: Dos hermanas deciden, ante la decisión de sus padres de vender la casa donde se criaron, montar una fiesta en ella como las que organizaban cuando asistían al instituto, e invitar a todos sus amigos de aquella época.

Reseña: Nadie que no haya visto 30 Rock o Parks and Recreation puede entender la admiración que sentimos los fans de esas dos series por sus respectivas ‘almas máter’, Tina Fey y Amy Poehler. Ser fan de ellas por su impecable labor como presentadoras de los Globos de Oro en tres años consecutivos es quedarse en la punta del iceberg humorístico de dos de las actrices cómicas más infalibles que ha parido Estados Unidos, y que empezaron a darse a conocer en el emblemático Saturday Night Live. Precisamente es una de las guionistas del longevo programa americano, Paula Pell, quien firma esta Hermanísimas, segundo largometraje protagonizado por Fey y Poehler tras Baby Mama (2008), con el que mantiene una conexión al producir un intercambio de roles en sus protagonistas, pues ahora es Amy quien encarna a la responsable y Tina a la díscola.

Hermanisimas

La química entre ambas y lo bien que se entienden resulta indiscutible desde el primer hasta el último minuto de una comedia en la que las hermanas intentan rendir homenaje a sus años de juventud organizando una fiesta que sirve de pretexto para ironizar acerca de las típicamente americanas juergas en casa, sustituyendo a los desorientados adolescentes por unos no menos despistados cuarentones que están demasiado amargados con las responsabilidades de la vida adulta para dejarse llevar desde un principio por la fiesta, con una hermana intentando aprender a ser generosa al permitir que sea la otra la que disfrute como jamás lo hizo durante su juventud. Sin embargo, los gags cobran más protagonismo que las ideas narrativas del guión, y no siempre están a la altura del talento cómico de su reparto ni de lo entrañables que resultan sus interpretaciones.

SISTERS

En el film nos encontramos con numerosas caras conocidas que han pasado por el Saturday Night Live y que, al igual que Fey y Poehler, enriquecen un libreto que podría pasar como un capítulo normalito de dicho programa (pasando por alto lo desaprovechada que está Kate McKinnon); destaca especialmente Maya Rudolph como la archienemiga del personaje de Fey, mientras que John Cena continúa desarrollando esa sorprendente vis cómica que nos descubrió en Y de repente tú. Hay escenas muy divertidas en Hermanísimas, como la que se produce en el salón de belleza, pero nada justifica que su duración se extienda hasta las dos horas de metraje, dejando la sensación de que, al igual que ocurrió Baby Mama, no se trata del mejor vehículo para el lucimiento de estas dos jabatas de la comedia. ¿Quizás a la tercera irá la vencida?

6/10

3/4/16

Itinerario de estrenos de abril 2016

Estrenos_Abril

Abril empieza con la incógnita de si la resaca del estreno de Batman v Superman se prolongará a lo largo de varias semanas, o si bien la negativa acogida tanto de la crítica como de parte del público le pasará factura. Sobre todo, será interesante ver si la confrontación de superhéroes de la casa rival, que llegará a finales de mes, le superará en cifras y entusiasmo. No obstante, lo nuevo de Almodóvar y el nuevo cuento clásico Disney remodelado prometen animar bastante la taquilla a lo largo de este mes. En cualquier caso, hay mucha variedad y mucho estreno interesante, echen un vistazo:


Kiki, el amor se hace:
Remake de la cinta australiana The Little Death (2014), llevado a cabo por Paco León (Carmina y amén), y que versa sobre cinco historias en las que el amor y curiosas filias sexuales se entremezclan durante un verano caluroso en Madrid. Álex García (La novia), Natalia de Molina (Techo y comida), Alexandra Jiménez (Embarazados), Belén Cuesta (8 apellidos catalanes), Candela Peña (Las ovejas no pierden el tren), Luis Callejo (Resucitado), Luis Bermejo (Magical Girl) y el propio León encabezan el reparto coral de la película. En general, ha tenido críticas positivas.
Estreno: 1 de abril


Julieta: El nuevo trabajo de Pedro Almodóvar (Los amantes pasajeros) supone su regreso al mundo intimista femenino, que tocó por última vez hace una década en Volver (2006). La historia gira en torno a Julieta, una mujer que sufre en silencio la muerte de su marido y padre de su hija Antía, quien al cumplir los 18 años la abandona, sin dar ninguna explicación. Julieta la buscará por todas partes, descubriendo lo poco que sabe de su propia hija. Emma Suárez (Murieron por encima de sus posibilidades) y Adriana Ugarte (Palmeras en la nieve) encarnan a Julieta en diferentes edades, arropadas por Daniel Grao (La mula), Inma Cuesta (La novia), Michelle Jenner (Tenemos que hablar), Darío Grandinetti (Relatos salvajes), Rossy de Palma (Anacleto: Agente secreto) y Susi Sánchez (Truman). El preestreno se realizó el pasado viernes y de momento parece que ha gustado… A ver qué opina Carlos Boyero esta vez.
Estreno: 8 de abril


Las crónicas de Blancanieves: El cazador y la reina de hielo: Secuela de Blancanieves y la leyenda del cazador que arranca años antes de los acontecimientos narrados en esta, contando la historia de la hermana de la malvada bruja Ravenna, Freya, que sufrió una horrible traición que le heló el corazón y le hizo huir del reino. Cuando descubre que su hermana ha muerto, ordena a su legión de cazadores a ir a por su espejo mágico, pero cuando descubre que con él puede resucitarla, el reino estará en peligro una vez más. El especialista en efectos visuales Cedric Nicolas-Taylor debuta en la dirección con Chris Hemsworth y Charlize Theron repitiendo sus respectivos papeles, y sin Kristen Stewart pero acompañados por Emily Blunt (Sicario) y Jessica Chastain (Marte). De momento no hay comentarios sobre la película.
Estreno: 8 de abril


El libro de la selva: Remake en acción real y CGI del clásico Disney El libro de la selva (1967). Jon Favreau (Chef) nos trae de vuelta la historia de Mowgli, el niño que es criado por una manada de lobos y vive una aventura increíble cuando debe abandonar su hogar para emprender el viaje a la ciudad de los humanos. El pequeño Neel Sethi encarna a Mowgli, arropado de animales generados por ordenador que cuentan con las cuerdas vocales de Bill Murray (Rock the Kasbah), Idris Elba (Beasts of No Nation), Scarlett Johansson (Vengadores: La era de Ultrón), Ben Kingsley (El desafío. The walk), Christopher Walken (Jersey Boys) y Lupita Nyong’o (Star Wars: El despertar de la fuerza).
Estreno: 15 de abril


Capitán América: Civil War: Tercera entrega de la saga del Capitán América, en la que a raíz de la destrucción colateral de las batallas de los Vengadores, aumentan las presiones políticas para instaurar un sistema de control y responsabilidades que determine cuándo los superhéroes deben actuar. Esta nueva situación divide al equipo, entre el bando que defiende la medida, liderado por Iron Man, y el que se opone a ella, el bando del Capi. Los hermanos Anthony y Joe Russo, responsables de Capitán América: El soldado de invierno y de la futura Avengers: Infinity War, son los directores del film, que cuenta en su reparto con sospechosos habituales del universo Marvel (Chris Evans, Robert Downey Jr., Scarlett Johansson, Jeremy Renner, Paul Rudd, Elizabeth Olsen, Sebastian Stan, Anthony Mackie, Don Cheadle…) y con los grandes fichajes de Chadwick Boseman (I Feel Good) como Pantera Negra y Tom Holland (En el corazón del mar)  como el nuevo Spider-Man.
Estreno: 29 de abril


Demolición: Jean-Marc Vallée (Alma salvaje) dirige este drama sobre un joven banquero neoyorquino que trata de superar el trastorno emocional que le ha dejado la trágica muerte de su esposa demoliendo su casa con sus propias manos. Jake Gyllenhaal (Nightcrawler), Naomi Watts (La saga Divergente: Leal) y Chris Cooper (Agosto) conforman el trío protagonista de esta película que se presentó en el pasado Festival de Toronto con críticas un tanto regulares.
Estreno: 29 de abril


Trumbo: La lista negra de Hollywood: Biopic en torno a la figura Dalton Trumbo, uno de los guionistas más aclamados de la Meca del Cine, hasta que en 1947 su nombre fue incluido en una lista negra junto a los de otros artistas que fueron encarcelados y dejados de lado por sus creencias políticas. Jay Roach (En campaña todo vale) dirige el film por el que Bryan Cranston (Breaking Bad) consiguió este año su primera nominación al Oscar a mejor actor, y que también recibió una nominación del Sindicato de Actores a mejor reparto, conformado por Diane Lane (Batman v Superman), Helen Mirren (La dama de oro), John Goodman (Calle Cloverfield 10), Elle Fanning (Maléfica), Louis C.K. (La gran estafa americana) y Michael Stuhlbarg (Steve Jobs), entre otros. Sus críticas fueron buenas pero no excepcionales, de ahí su ausencia en la temporada de premios salvo por las menciones a Cranston.
Estreno: 29 de abril

 

ACTUALIZACIÓN (06/04/16): Demolición se retrasa hasta el 1 de julio.

2/4/16

Actriz del mes: Alexandra Jiménez

Alexandra Jimenez2
Nombre completo:
Alexandra Jiménez Arrechea

Fecha de nacimiento: 4 de enero de 1980

Lugar de nacimiento: Zaragoza, España

Filmografía destacada:

La llave de la felicidad (2017)
100 metros (2016)
Nacida para ganar (2016)

Kiki, el amor se hace (2016)
Embarazados (2016)
Barcelona, noche de invierno (2015)
Los miércoles no existen (2015)
Anacleto: Agente secreto (2015)
Requisitos para ser una persona normal (2015)
Las brujas de Zagarramurdi (2014)
Casi inocentes (2013)
Esto no es una cita (2013)
Familia (Serie de TV) (2013)
Promoción fantasma (2012)
Cheers (Serie de TV) (2011)
La pecera de Eva (Serie de TV) (2010 – 2011)
No controles (2010)
Spanish Movie (2009)
Los Serrano (Serie de TV) (2004 – 2008)
Fuera de carta (2008)
La fiesta (2003)


Méritos: Ya lo dijo Leticia Dolera durante la promoción de Requisitos para ser una persona normal: “Cuando Alexandra Jiménez haga un papel dramático nos vamos a caer de espaldas”. Y mientras tanto, la actriz zaragozana se mantiene como una de las más solicitadas del panorama cinematográfico español, encadenando comedias una tras otra. Hace poco más de una década que la conocimos como África, un personaje que se ganó rápidamente el cariño de los seguidores de Los Serrano. Sin embargo, tras finalizar la serie, ninguno de sus proyectos televisivos, entre los que se encuentra el infame remake español de Cheers, ha terminado de cuajar, siendo todos cancelados más temprano que tarde. El único que se puede salvar de la quema es La pecera de Eva, serie que llegó a durar cuatro temporadas en la que su papel de psicóloga infantil le permitió demostrar que tenía tablas para mucho más.

Gracias en buena parte a las comedias que ha realizado junto al director Javier Ruiz Caldera (Spanish Movie, Promoción fantasma y Anacleto: Agente secreto) ha conseguido hacerse un hueco en la industria del cine español que le ha permitido estrenar hasta cuatro películas durante el 2015, al tiempo que ejercía de presentadora de una temporada de El club de la comedia. Este año se presenta igual de productivo para Jiménez: tras estrenar a principios de año Embarazados, su co-protagonista, Paco León, la dirige en Kiki, el amor se hace, una comedia sexual coral en la que encarna a una mujer con una fijación particular por un determinado tejido. A finales de mes, presentará en el Festival de Cine Español de Málaga Nacida para ganar, tal vez su papel cinematográfico con más protagonismo hasta la fecha, y actualmente se encuentra rodando junto a Dani Rovira 100 metros, biopic sobre el deportista con esclerosis múltiple Ramón Arroyo. Algunas voces ya reclaman nominación al Goya por su interpretación en Embarazados o Kiki, el amor se hace; demasiado pronto para empezar a hacer cábalas, pero ya va siendo hora de que Alexandra Jiménez deje de ser reivindicada para ser un valor consolidado.

Kiki


Extras:

Tráiler de Kiki, el amor se hace

Tráiler de Nacidas para ganar

Entrevista sobre Kiki, el amor se hace

Entrevista sobre Embarazados en Late Motiv

Corto ‘Por ser como eres’

Test coolinario de Nacho Rubio