31/10/14

Descubriendo el amor

En el año 2010, el director y guionista brasileño Daniel Ribeiro presentó Eu Não Quero Voltar Sozinho, un cortometraje  sobre un adolescente ciego, Leonardo, cuya vida cambia con la llegada de Gabriel, un alumno nuevo en la escuela. En tan sólo 10 minutos, Ribeiro cuenta una entrañable y tierna historia sobre el descubrimiento del primer amor, con una salida del armario completamente natural y sencilla. El corto ganó numerosos premios allá por donde se presentó y lo pueden ver subtitulado al español a continuación:


Poster The Way He LooksCuatro años después, Ribeiro debuta en el largo con Hoje eu quero voltar sozinho (o The Way He Looks, su título para el mercado internacional)  que no es otra cosa que una versión extendida de la historia del corto, contando con los mismos actores protagonistas. Así, una vez más presenciamos el encuentro entre Leonardo (Ghilherme Lobo) y Gabriel (Fabio Audi), con los celos de la mejor amiga del primero, Giovana (Tess Amorim), de por medio, pero algunos detalles de la relación entre los tres cambian, de la misma forma que descubrimos a nuevos personajes, como los sobreprotectores padres de Leonardo, y se abren nuevas tramas, como las intenciones del protagonista de vivir un tiempo en el extranjero a pesar de las reticencias de su madre.

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La naturalidad, simpatía y complicidad del trío protagonista permanecen intactas en la película. También la fuerza del intimismo de ciertas escenas clave (esa sudadera olvidada…), a las que se les añade alguna más y una encantadora y recurrente canción de Belle & Sebastian, pero desafortunadamente la magia concentrada en el corto queda diluida en la poco más de hora y media que dura el largo.  La ingenuidad del original ya no lo es tanta con esas nuevas tramas y personajes que adornan y respaldan el tema central, pero que nunca la equiparan en eficacia a pesar de dar importancia a la búsqueda de independencia de Leonardo.

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Aun con todo, es muy buena película, pese a quedar un tanto deslucida si se la compara con su fantástico referente, pero es una muestra perfecta de que el cine de temática gay no tiene por qué ser afectado ni trágico ni exageradamente idealizado, sino ser, simple y llanamente, una realidad cercana y reconocible, con sus idas y sus venidas, y que no tiene por qué estar exclusivamente enfocado al público homosexual, sino que espectadores de cualquier sexo y condición puedan sentirse identificados y partícipes. Por cierto que la película ha sido elegida por Brasil para representar al país en la próxima edición de los Oscar.

Eu Não Quero Voltar Sozinho: 9

Hoje eu quero voltar sozinho (The Way He Looks): 7

30/10/14

Paradigma hipster

Poster God Help the Girl

Dir.: Stuart Murdoch
Int.: Emily Browning, Olly Alexander, Hannah Murray, Pierre Boulanger, Cora Bisset, Sarah Swire, Mark Radcliffe, Stuart Maconie
¿De qué va?: Eve, una joven australiana internada en un hospital de Glasgow, escribe canciones para superar los problemas emocionales que la han llevado hasta allí. Un día conoce a James y a Cassie, dos músicos que, al igual que ella, se encuentran en plena encrucijada vital, y los tres deciden fundar una banda.

Reseña: En el año 2004, el vocalista del grupo indie-pop Belle & Sebastian, Stuart Murdoch, compuso una serie de temas que él mismo no consideró apropiados para el grupo porque tenían un sonido y unas letras más propios de una “banda de chicas”. Así pues, en 2009 lanzó un álbum, God Help the Girl, en el que una serie de cantantes y vocalistas femeninas prestaban sus cuerdas vocales para dar forma a las canciones, aunque Murdoch siempre pensó en ellas como la banda sonora de una película musical. Años más tarde y con la ayuda de una exitosa campaña de crownfunding, el sueño de Murdoch se hizo realidad, con una ópera prima cinematográfica titulada God Help the Girl.

God Help the Girl

La película es la materialización de los sentimientos que evoca el proyecto musical de Murdoch en particular y las canciones de Belle & Sebastian en general, quienes ya estaban en marcha mucho antes de que el concepto ‘hipster’ saliera a la palestra. Así, la melancolía otoñal, las contradicciones juveniles, el optimismo grisáceo y la tristeza retroalimentada reinan en un filme cuya principal flaqueza reside en un hilo narrativo muy endeble. Básicamente, la historia gira en torno a las tribulaciones de la protagonista, cuyo comportamiento a veces resulta caprichoso e incomprensible, y a sus intentos de escapar del hoyo en el que está sumida con la ayuda de dos jóvenes que quieren comenzar una banda. Murdoch confía plenamente en el potencial de las canciones al tiempo que descuida lo que acontece entre una y otra: en ocasiones diálogos interesantes, en otras, trámites poco sustanciosos para pasar a la siguiente pista.

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Las carencias de God Help the Girl quedan más o menos cubiertas gracias al encanto que desprenden sus pegadizos temas y su trío protagonista, con una Emily Browning en cabeza que parece interpretar una versión indie y alternativa de su personaje en la menospreciada Sucker Punch. Si tienes alergia a todo lo que tenga que ver con la subcultura hipster probablemente la aborrezcas; no hace apología pero trae consigo algunos de sus tics más reconocidos, como el rollito vintage. No es un espectáculo musical ni pretende serlo, es más bien un teatrillo artesanal, honesto y humilde, retocado con un filtro de Instagram. Eso sí, me parece inconcebible que la estupenda canción que da título a la película no tenga su hueco en la misma más allá de cuatro versos tarareados, ni siquiera en los créditos finales.

7/10

29/10/14

O.C: El guateque (1968)

Poster El guateque¿De qué va?: Hrundi V. Bakshi es un patoso actor hindú que es despedido de un rodaje tras volar por los aires un set accidentalmente. De forma inesperada, recibe una invitación para asistir a una sofisticada fiesta organizada por el productor de la película. Gracias a Hrundi, en la fiesta se producirán las situaciones más disparatadas.

Reputación: La única colaboración entre el director Blake Edwards y el comediante Peter Sellers ajena a la saga de La pantera rosa fue El guateque (The Party), que también supuso el primer rodaje de Sellers en Hollywood. Fue una filmación particularmente tensa por la difícil situación por la que atravesaba la relación entre Sellers y Edwards en aquel entonces. La película fue improvisada a partir de un esquema de 56 páginas, siendo cada escena rodada en secuencia completa y construida en base a la escena anterior. Para ayudar al experimento, Edwards tenía un sistema de TV con reproducción instantánea acoplado a la cámara para poder revisar el trabajo inmediatamente después de la grabación. Fue uno de los primeros directores en usar esta técnica tan común hoy en día. La película está muy inspirada en las obras de Jacques Tati: Bakshi llega a la fiesta en un Morgan de tres ruedas que recuerda al coche de Monsieur Hulot en Las vacaciones del señor Hulot (1953), toda la historia del filme rememora a la secuencia del restaurante en Playtime (1967), y la cómica interacción con objetos inanimados y gadgets también evoca a las películas de Tati, especialmente a Mi tío (1958).

El guateque

Comentario: Me decidí por ver El guateque justo ahora porque la revista Cinemanía la colocó en el segundo puesto de su ranking de las 100 mejores comedias de todos los tiempos (la primera es El gran Lebowski). Sinceramente, me parece que la medalla de plata le queda un tanto grande a la película, y es que su apuesta por el humor físico y prácticamente mudo no supera a sus referentes, en especial a Charlie Chaplin (a Tati no lo conozco pero me lo apunto para próximas entregas de la Operación Clásico). Además, la película se me hizo bastante larga, con un desenlace demasiado atolondrado, y, entrando en el subjetivismo puro y duro,  Sellers no me cae especialmente bien, sobre todo después de ver el biopic Llámame Peter en el que no sale muy bien parado. Destaco dos cosas: el camarero borracho al que da vida Steve Franken, soberbio, y el gag del papel higiénico y la cisterna, básicamente porque he vivido situaciones similares en la vida real…

Próximo visionado: Las vacaciones del señor Hulot (1953)

28/10/14

El último vuelo

Poster El viento se levantaEl visionado de El viento se levanta trae consigo una carga de tristeza añadida al saber que se trata del último trabajo de Hayao Miyazaki, quien anunció su retirada del cine durante la presentación de la película en el Festival de Venecia. Y si a eso le añadimos el cese temporal de la actividad del Studio Ghibli para someterse a una reestructuración, podemos decir sin lugar a dudas que no son buenos tiempos para la animación nipona. El consuelo que nos queda es el de poder recuperar y revisitar el estupendo catálogo que nos ha dejado Miyazaki y el estudio que fundó.

El viento se levanta

El viento se levanta gira en torno a Jiro Horikoshi y a las dos pasiones que tuvo en su vida: la aviación y su esposa Nahoko. Desde pequeño siempre soñó con volar, aunque le faltaba vista como para ser aceptado como piloto. Por ello, decide trabajar diseñando aviones y se unió a la división aeronáutica de una compañía de ingeniería de 1927 para la que creó cazas de combate japoneses que luego se utilizarían para la 2ª Guerra Mundial. Aunque se trate de una película basada en la vida de Jiro y que recorre varios acontecimientos destacados de su vida, como el terremoto de Kanto de 1923 o el retraso tecnológico de Japón, la mayor parte de los detalles de su vida personal son ficticios.

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¿Pero para qué empañar con la realidad una ficción tan hermosa como la que nos presenta la película? La historia de amor de Jiro y Nahoko bebe de las fuentes del melodrama clásico, de esos romances tan puros como ingenuos que son trucados por las guerras y las enfermedades, y Miyazaki lo retrata con suma delicadeza y sentimiento. Por cierto, siempre es recomendable ver las películas en su versión original, pero la americana ha contado con un elenco de voces nada desdeñable y muy respetuoso con su referente japonés: Joseph Gordon-Levitt, Emily Blunt, Stanley Tucci, John Krasinski y Martin Short prestan sus cuerdas vocales a los personajes principales.

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El último trabajo de Miyazaki es el menos fantasioso, el más pegado a la realidad, pero sigue conservando la lírica y la belleza a pinceladas que caracteriza a toda su obra. Pasa de puntillas por el tema de que las naves que diseñó Jiro fueron utilizadas para la devastación de, entre otras, Pearl Harbor, aunque la historia no queda descolgada por ello. Su pasión era la aviación pero no era un simpatizante de la guerra, como se puede ver en la escena en la que contempla los aviones que ha ayudado a crear en llamas. Quizás sea por esa ausencia de fantasía por la que El viento se levanta no transmite ese áurea de obra maestra que sí tiene El viaje de Chihiro y también le falta la simpatía y el desparpajo de Ponyo en el acantilado, pero es a fin de cuentas una despedida bonita y tremendamente melancólica de un hombre que alzó el vuelo al plasmar sus sueños en imágenes que deslumbran a niños y mayores de ayer, hoy y siempre.

7’5/10

26/10/14

Dejad que el mal brote

Poster Breaking Bad

Creador: Vince Gilligan
Int.: Bryan Cranston, Aaron Paul, Anna Gunn, Dean Norris, Betsy Brandt, RJ Mitte, Bob Odenkirk, Jonathan Banks, Giancarlo Esposito
Emisión: 2008 – 2013, AMC
5 temporadas

Hay series que, al margen de su calidad, se convierten en hitos televisivos por las pasiones que levantan a su paso: Twin Peaks, Friends, Perdidos, Sexo en Nueva York… A todas ellas la caja tonta se les quedó pequeña al arrastrar una legión de seguidores cuya fuerza motora propició sus respectivos apartados dentro del índice de la historia televisiva. La última en ganarse su pedacito de cielo ha sido Breaking Bad, quien tras aterrizar en la cadena AMC sin hacer mucho ruido comenzó poco a poco a captar seguidores gracias al efecto recomendación, hasta convertirse en el fenómeno televisivo y cultural que es hoy en día a nivel mundial. Más de un año después de su final sigue generando noticias mientras se espera el estreno de su spin-off. La última, la retirada de los muñecos basados en los personajes de la serie de las tiendas Toys R Us a petición de una consternada madre de Florida.

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La creación de Vince Gilligan es una de esas series que al principio exige mucha paciencia al espectador. La primera temporada, recortada en 7 episodios por la huelga de guionistas, ocurre en un pequeño período de tiempo (en realidad, toda la serie se ambienta en poco más de un año) y se contenta con presentar su premisa (un profesor de química que tras ser diagnosticado con un cáncer decide fabricar drogas para asegurar el futuro económico de su familia), guardando sus mejores cartas para las cuatro temporadas restantes. Uno de los aspectos más positivos de Breaking Bad es que a pesar de que podían haberla estirado mucho más, sus responsables decidieron acabarla en el momento que le correspondía. La insistencia por estirar el chicle ha propiciado que series tan buenas como Dexter nos hayan dejado con un sabor agridulce tras sus agónicas últimas temporadas.

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Nada sobra en los 62 episodios que dura Breaking Bad. A lo largo de ellos presenciamos cómo Walter White, un discreto y buen hombre, padre de familia, descubre a través de una versión corrompida del sueño americano al cabrón que había permanecido dormido en su interior, al que bautiza como Heisenberg. Y lo peor, o mejor, dependiendo de cómo se mire, es que disfruta sacando toda esa rabia y esa mala leche que tenía contenida desde hace tantos años, y que siente menos remordimientos con cada nuevo crimen que comete. El tipo es un auténtico sociópata, y aún así, se mete al público en el bolsillo y los pone en contra de su esposa, Skyler, que se convirtió en uno de los personajes más odiados de la serie cuando lo único que pretendía era proteger a su familia de la nueva y muy peligrosa vocación de su marido (este tema da para debate incendiario). Todos los personajes principales de la serie terminan en una situación completamente diferente a como los descubrimos: Walter, Skyler, el cuñado que trabaja para la DEA e incluso Jesse Pinkman, el niñato al que Walter recurre para introducirse en el mundo de la droga y que acaba convirtiéndose en su socio y protegido. Bryan Cranston, Anna Gunn y Aaron Paul recibieron varios Emmys por sus trabajos, especialmente merecidos en la recta final de la serie, cuando la serie pone la quinta y sus personajes son llevados al límite de las consecuencias de sus actos pasados.

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En realidad, me sorprende que Breaking Bad se haya convertido en un fenómeno de masas, pues su estilo poco tiene que ver con el batiburrillo y la velocidad que demandan los espectadores cuando forman parte del gran público, demandando que siempre esté pasando algo en pantalla, y cuanto más rápido y atropellado, mejor. En cambio, Breaking Bad tiene un ritmo tranquilo y pausado, que se recrea mucho en detalles nimios y silencios, para truncarlo de repente con un brutal suceso violento. A veces se produce cuando la tensión ya resulta insostenible, otras, la mayoría, de forma totalmente inesperada, y cuando esos sucesos brutales son consecuencia de una serie de pequeños actos sin consecuencia ni alcance aparentes, como el que se produce al final de la segunda temporada, es cuando la cabeza directamente nos explota.

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Por todo lo expuesto, por todo lo que mola la figura de Heinseberg y por mucho más es por lo que Breaking Bad está considerada como una de las mejores series americanas del siglo XXI, si no la que más. A mi juicio, es una consideración un tanto desorbitada, no tanto por el valor artístico de la serie, que lo tiene y mucho, sino porque otras producciones, muy buenas, no han recibido ni la mitad de las atenciones que ella. Quizás haya sido también culpa del ‘hype’ que me esperaba una recta final mucho más cruel y sádica de lo que en realidad es; hay capítulos de The Walking Dead de una dureza mucho más rotunda, pero eso es cosa mía, que vi la serie a destiempo y sabiendo más o menos por dónde iban los tiros. Si eres un fan acérrimo de Breaking Bad y la echas mucho de menos, te digo lo mismo que a los frikis de Juego de tronos: “¡Hay otras series muy buenas ahí fuera!”. Y si eres uno de esos raritos que nunca han oído hablar de Walter White, Heisenberg, Los Pollos Hermanos o del Yo, bich! te digo… “Tienes la opción de iniciar una de las bajadas a los infiernos más alucinantes que podrás experimentar en tu vida seriéfila. Tú mismo”.

16/10/14

Hasta que el matrimonio nos separe

Poster Perdida

Dir.: David Fincher
Int.: Ben Affleck, Rosamund Pike, Neil Patrick Harris, Tyler Perry, Carrie Coon, Kim Dickens, Patrick Fugit, Missi Pyle, Casey Wilson
¿De qué va?: El día de su quinto aniversario de boda, la esposa de Nick Dunne, Amy, desaparece misteriosamente. A medida que la investigación policial avanza las sospechas recaen sobre Nick, quien debido a su extraña conducta también se convierte en el centro de atención de todos los medios de comunicación.

Reseña: Hace un año y medio, me encontraba en un centro comercial buscando algún libro que me llamara la atención. De repente, reparé en uno que se llamaba Perdida, con una de esas tiras informativas que ponen a las novelas para atraer su venta. En ésta rezaba “No has leído nada igual”. Tenía razón. Se trataba de una novela genialmente escrita que partía de una situación tan trillada como la de la desaparición de una mujer para hacer una disección afilada de la institución del matrimonio, al tiempo que desarrollaba una intriga que ya a mitad de la lectura daba un giro de 180º para retorcerse hasta su final de tal manera que me dejó pensativo y entumecido después de terminarlo. Ahora llega su adaptación cinematográfica y del mismo modo podría venir acompañada del eslogan “No has visto nada igual”.

Perdida

No todos los escritores son aptos ni para escribir guiones ni para adaptar sus propias obras, pero Gillian Flynn sí ha tenido la capacidad de perspectiva para dilucidar qué partes de la novela no eran necesarias para la película y qué otras se podían cambiar para aligerar la acción, y le ha quedado un guión muy compacto, que no deja cabos sueltos y que resuelve de manera muy eficaz la narración alterna de la novela. David Fincher contribuye de la manera en la que sólo él está capacitado, con esa obsesión por el perfeccionismo que lo caracteriza: montaje virtuoso, composición del plano ajustada al milímetro, fotografía tan gris y opaca como nítida, actores que dan lo mejor de sí y una banda sonora compuesta por Trent Reznor y Atticus Ross, en su tercera colaboración profesional, que enfatiza la desconfianza, la alienación y la amargura que se respira en la película.

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A mí no me acabó de convencer la elección de Ben Affleck como protagonista. No por la aprensión que le tiene casi todo el mundo, sino porque no me lo imaginaba en el papel. Ahora me parece que su fichaje fue más que idóneo, pues tanto su imagen pública como sus características interpretativas se ajustan perfectamente al personaje: simpático, pero algo inexpresivo, alguien sometido a lupa por los medios cuyas reacciones pueden fácilmente malinterpretarse. Rosamund Pike está directamente brutal. Dado que es el gran misterio de la película, es difícil decir algo de ella sin que aparezca la sombra del spoiler, así que sólo diré que su compromiso con el personaje es impresionante y que éste debería ser por méritos propios el espaldarazo definitivo a su despegue. Interpretaciones secundarias como las de Carrie Coon, Kim Dickens y Neil Patrick Harris también son muy loables, pero es incontestable que nos encontramos ante los mejores trabajos de las carreras de Ben Affleck y Rosamund Pike.

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Afortunadamente, todos los temas que tocaba Flynn en la novela están en la película y su valor permanece íntegro: la manipulación que ejercen los medios de comunicación, las ideas preconcebidas de la sociedad sobre el comportamiento humano, o mi favorita, cómo hoy en día proyectamos una imagen para agradar a los demás que no tiene que ver con lo que somos en realidad, y como esa ilusión explota cuando decidimos pasar nuestra vida conviviendo junto a otra persona. El desenlace no es del gusto del gran público porque no tiene que ver con los aparatosos finales a los que estamos acostumbrados. Al contrario, es una solución incómoda, velada y profundamente triste, y por eso resulta perfecta para una obra que no busca agradar, sino aturdir, sorprender y hacernos reflexionar sobre si nuestras relaciones también van camino de la autodestrucción mutua.

9/10

14/10/14

Inmundicia humana

Poster Filth

Dir.: Jon S. Baird
Int.: James McAvoy, Jamie Bell, Imogen Poots, Eddie Marsan, Jim Broadbent, Shauna Macdonald, Brian McCardie, John Sessions
¿De qué va?: El detective Bruce Robertson es el detective de policía más maleducado, pervertido, misántropo y adicto a las drogas y al sexo de Edimburgo. A pesar de ello, Robertson quiere un ascenso, y para ello intentará resolver un caso de asesinato y le pisará la cabeza de todos sus colegas. Él está al mando y cuando resuelva el caso y consiga el ascenso, su mujer volverá con él.

Reseña: Mucho antes de que los antihéroes se pusieran de moda en la ficción televisiva, Irvine Welsh publicó Filth (titulada Escoria en España), un libro sobre el policía más despreciable y asqueroso que se pueda encontrar en la literatura universal. La narración, contada en primera persona, repara incluso en detalles repugnantes sobre el eccema que al tipo le sale en sus genitales y le da voz propia a una tenia alojada en sus intestinos que descubre y examina sus secretos más oscuros e inconfesables. Después de admirar y odiar a partes iguales a Don Draper, Walter White y a Dexter Morgan, puede que ya no nos sorprenda tanto encontrar a un personaje tan carismáticamente malvado, pero a asquerosidad no le gana nadie.

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Eso sí, el director Jon S. Baird ha rebajado un poco los niveles de repugnancia para la adaptación cinematográfica, cambiando a la tenia parlanchina del libro por alucinaciones de diversa índole, aunque le reserva un pequeño guiño. En líneas generales, la trama se mantiene bastante fiel, contagiándose del estado esquizofrénico de su protagonista y mutando de comedia gruesa y negra a tragedia personal, al tiempo que se  descubren las costuras detrás de esa fachada socarrona. James McAvoy se desmadra  dando vida a un tipo que está continuamente al límite, y su sobregesticulación le viene ni que pintada al personaje. Logra que nos pongamos de su lado a pesar de lo cabrón que es y que seamos partícipes insidiosos de las jugarretas que les hace a sus compañeros de trabajo, pero, sobre todo, lo borda cuando deja entrever la desesperación que sufre por dentro.

Filth

Su descarnado desenlace es idéntico al de la novela, pero Baird ha añadido un elemento más para otorgarle una vía redentora al personaje que en realidad no le hacía ninguna falta, porque la historia nunca pretende ser una fábula moralista, sino la escalada de locura de un mal hombre que por mucho que lo intente nunca cambiará. Aunque le sobre algún que otro efecto psicotrópico, Filth nos brinda la interpretación más memorable de James McAvoy hasta la fecha y resulta ser una tragicomedia con un gran ritmo, grotescamente disfrutable y, como tal, es la prueba irrefutable de que todos nos sentimos irremediablemente atraídos por ciertas asquerosidades, como explotar granos.

7’5/10

12/10/14

O.C: Easy Rider (1969)

Poster Easy Rider¿De qué va?: Dos jóvenes motoristas de Los Ángeles se embarcan en un viaje cruzando Estados Unidos con el objetivo de asistir al carnaval Mardi Gras, en Nueva Orleans. A lo largo de su periplo se van encontrando personajes de lo más estrafalario, entre ellos un autoestopista de una comunidad hippie y un abogado alcohólico que les hace un gran favor sacándoles de la cárcel y que luego decide unirse a ellos.

Reputación: Desde el momento de su estreno, Easy Rider se convirtió en referencia para toda una generación de motociclistas y simpatizantes de la contracultura estadounidense, recaudando 100 veces más de su coste inicial y convirtiéndose en una de las películas más taquilleras del año. Sus protagonistas y máximos responsables, Dennis Hopper y Peter Fonda, se inspiraron en la película italiana La Escapada, en la cual dos tipos cruzan Italia en un descapotable. La traducción americana de su título fue The Easy Life, que fue la razón por la cual titularon su película como Easy Rider en vez de The Loners, como estaba previsto. Otra idea que tomaron prestada de La Escapada fue la de introducir temas pop como parte de la banda sonora, pero adaptándolo a sus gustos particulares: Jimi Hendrix, The Band, Byrds y Steppenwolf fueron algunos de los músicos y bandas que cedieron los derechos de sus canciones al filme. Se rodó prácticamente sin guión, muchas de sus escenas fueron fruto de la improvisación, como en la que los dos protagonistas se pasean por Nueva Orleans y acaban en un cementerio completamente colocados; todo lo que se grabó fue producto del LSD que se tomaron los actores. Aunque antes del rodaje eran muy amigos, Hopper y Fonda se volvieron enemigos irreconciliables al finalizarlo. Hopper intentó borrar el nombre de Fonda de los créditos del guión, le puso una demanda e intentó que los grupos que eran amigos de él no participaran en la banda sonora del filme. Ganó el premio a mejor ópera prima del Festival de Cannes y fue nominada a dos Oscar: mejor guión y actor de reparto para Jack Nicholson.

Easy Rider

Comentario: Entiendo por qué Easy Rider se ha convertido en objeto de culto de moteros de todo el mundo. La película transmite a la perfección la sensación de libertad, independencia y subversión que experimentan estos colegas que se echan a la carretera, sintiendo el aire en la cara y atravesando imponentes paisajes de la geografía americana, haciendo los que les da la real gana y sintiéndose los señores del asfalso. Son una nueva generación de vaqueros y las motos sus caballos. La estupenda banda sonora y la interpretación de Jack Nicholson son los puntos más fuertes de una película que interesará más bien poco al que no esté incluido en su público objetivo, pues aunque en general se deje ver tiene momentos bastante irritantes, como el colocón en el cementerio. Se la regalo a sus fanáticos.

Próximo visionado: El guateque (1968)

10/10/14

Pantalones de campana ensangrentados

Poster La isla minima

Dir.: Alberto Rodríguez
Int.: Raúl Arévalo, Javier Gutiérrez, Antonio De La Torre, Nerea Barros, Jesús Castro, Salva Reina, Manolo Solo, Jesús Carroza, Cecilia Villanueva
¿De qué va?: En 1980, dos policías, ideológicamente opuestos, son expedientados y castigados a desplazarse a un remoto pueblo de las marismas del Guadalquivir a investigar la desaparición de dos hermanas durante las fiestas. Juntos, deberán superar sus diferencias para poder dar caza al culpable.

Reseña: Un asesinato, un detective en busca de la verdad, una chica en peligro, múltiples sospechosos, pistas, una ciudad corrompida… Los ingredientes del cine negro son tan reconocibles como valiosos para contar múltiples historias que, al tiempo que desenredan un misterio, exploran la oscuridad que se esconde tanto en sus personajes como en el entorno en el que se mueven. Durante la investigación del crimen no sólo descubrimos aspectos del culpable, sino también de la sociedad en la que éste habita, pues, al fin y al cabo, el criminal es producto de ella.

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Alberto Rodríguez ha adaptado el código del cine negro para construir un misterio que se ambienta en un pueblo de mala muerte de Andalucía, en plena Transición Española. El que se supone que es un capítulo luminoso, optimista y alegre de la historia de España se convierte en la película en una falsa promesa de que las cosas van a ir a mejor, en un entorno sofocante, húmedo y lúgubre cuyo espíritu turbador y opresivo recuerda a la Dalia Negra y otros célebres asesinatos de la ciudad de Los Ángeles en los años 40. Los referentes de Rodríguez son obvios, pero consigue adaptarlos al contexto patrio sin que sea un mero ‘corta y pega’; su esforzada dirección brinda secuencias que beben directamente de la sequedad, la elegancia y la inquietud de David Fincher, y sale reforzado con el impecable trabajo de fotografía de Alex Catalán, que otorga textura, densidad y una belleza retorcida a cada plano, minuciosamente confeccionado por su director.

Isla Minima Una pelicula de Alberto Rodriguez Produccion Atipica Films

Las comparaciones con True Detective son inevitables pero innecesarias. Ambas comparten ciertos elementos de la trama pero sus intenciones van en sentidos diferentes. Mientras que la miniserie de HBO llegó a un punto en el que prestó más atención a la relación de la pareja de detectives que a la identidad del asesino, en La isla mínima ocurre lo contrario: si bien hay un choque ideológico entre los protagonistas (uno representa el cambio, el otro la España de la dictadura) es la investigación del crimen la que conduce siempre el hilo principal de la historia, que se ramifica en varias subtramas que en mayor o menor medida influyen en el caso, aunque no todas gocen de un final satisfactorio. La estructura recuerda un poco a El sueño eterno, pero sin llegar a su nivel de complejidad. Fantástico trabajo interpretativo de Raúl Arévalo y Javier Gutiérrez, sobre todo de este último al tener el personaje más turbio y ambiguo, y debo decir que se está hablando muy poco de Nerea Barros, portentosa en las cuatro escenas contadas en las que aparece, con uno de los rostros afligidos más bellos que ha dado el cine español.

Isla Minima Una pelicula de Alberto Rodriguez Produccion Atipica Films

Los principales reparos que le achaco a la película son argumentales. Aun pareciéndome uno de los mejores guiones del cine español reciente, hay algunas formas de hacer avanzar la trama y ciertas reacciones de los personajes que no me acaban de cuadrar, y todavía no me acabo de aclarar si el final, que abre tantos interrogantes pero da forma a la metáfora que envuelve el filme, me parece una genialidad o un giro propio de un Shyamalan trasnochado…. o puede que ambas. Ante todo, La isla mínima es un noir de denominación ibérica con empaque y distinción y que prueba que en España somos capaces de hacer entretenimiento muy digno enfocado a un público adulto; basta con quitarse el miedo a perder el favor del público familiar y los complejos.

7’5/10

8/10/14

Felpa de rebajas

MUPMW_006F_G_SPA-ES_68.5x98.5.inddTras varios años cogiendo polvo en algún trastero, los Teleñecos (o Muppets, como se supone que tenemos que llamarlos ahora) regresaron por todo lo alto con una película en la que se reían de su propia condición de juguetes rotos en una trama, no especialmente original, pero cargada de nostalgia, ironía y autorreferencias.  El retorno se saldó con una gran éxito, 165 millones de dólares recaudados a nivel mundial, así que Disney se apresuró a encargar una secuela dirigida por su mismo director, James Bobin. Pero parece que no echábamos tanto de menos a Gustavo y cía después de todo, y es que esta secuela ha recaudado tan sólo 78 millones, casi 100 menos que su predecesora.

MUPPETS MOST WANTED

La película arranca justo donde terminó la primera para poner a los Teleñecos en la tesitura de qué hacer a continuación. Alentados por un manager al que da vida Ricky Gervais, deciden hacer una gira por teatros de toda Europa, pero lo que ignoran es que acabarán envueltos en una intriga internacional encabezada por Constantine, el delincuente número 1 del mundo y la viva imagen de la rana Gustavo. Como pueden comprobar, la trama no es que sea el no va más, pero la película gana respecto a la anterior una mayor variedad de localizaciones, y con la salida de la cursi pareja que formaban Jason Segel y Amy Adams, los Teleñecos adquieren auténtico protagonismo, como en las películas de antaño. Sus nuevos acompañantes son intérpretes de comicidad más que demostrada en la pequeña pantalla: Tina Fey (30 Rock), Ty Burrell (Modern Family) y el mencionado Gervais (Extras, Derek). No podemos decir que se les haya sacado todo el provecho posible, pero al menos congenian perfectamente con el tono humorístico de la cinta y se nota que se lo están pasando como niños.

MUPPETS MOST WANTED

El repertorio de cameos es tan extraño como variopinto: Christoph Waltz (que rechazó el papel de Burrell por problemas de agenda), Tom Hiddleston, James McAvoy, Salma Hayek, Danny Trejo, Saoirse Ronan, Frank Langella… Mucho más enfocado al público cinéfilo que a los críos. Sin embargo, la mayoría están bastante desaprovechados, en papeles sin gracia que podría interpretar perfectamente cualquier extra. Las canciones también salen perdiendo en comparación, pues aunque ninguna resulte infumable tampoco la hay que sea verdaderamente memorable y pegadiza como la oscarizada Man or Muppet o Life’s a Happy Song, y en cuanto a los gags, muchos son efectivos y otros tantos rutinarios. En definitiva, El tour de los Muppets no es mala secuela pero se queda un escalón por detrás de su predecesora y, teniendo en cuenta el escaso interés que ha generado, es bastante probable que no veamos a los Teleñecos por un tiempo, al menos en la pantalla grande. Pues a mí eso sí que me da pena, ya ven.

6/10

6/10/14

Cadena de favores

Poster La entrega

Dir.: Michaël R. Roskam
Int.: Tom Hardy, Noomi Rapace, James Gandolfini, Matthias Schoenaerts, John Ortiz, Ann Dowd, James Francheville, Michael Aronov
¿De qué va?: En Brooklyn, un solitario camarero que trabaja en un bar que funciona como “buzón de dinero” de la mafia local, rescata a un cachorro de pitbull de un cubo de basura. Sus problemas empiezan cuando aparece el dueño del perro, un hombre con problemas mentales, y se produce un atraco en su bar que lo pone en el punto de mira de criminales y policías.

Reseña: Érase una vez, un tranquilo y taciturno camarero que vivía en un barrio de Brooklyn. El chico trabajaba en el bar de su primo, utilizado como lugar de tránsito del dinero que la mafia local blanqueaba. Acostumbrado a estar cabizbajo y asentir con la cabeza, el camarero nunca se metía en problemas y se mostraba totalmente inofensivo. Un día, encuentra un cachorro malherido en el cubo de basura de una atractiva vecina y se produce el rescate, no sólo del perrito, sino del propio rescatador y de la chica, porque ellos también son animales solitarios, abandonados a su suerte en un territorio hostil, en busca de una segunda oportunidad.

THE DROP

Animal Rescue es el título original del relato de Dennis Lehane del que parte esta historia, pero La entrega (The Drop) es como han llamado finalmente a la película. Cada titular tiene que ver con los dos temas principales de la cinta: por un lado, el rescate del cachorro, y por el otro, el envío de dinero negro a través de los bares de un barrio de Brooklyn. Ambos discurren de forma paralela pero terminan cruzándose a través de un personaje clave que provoca el estallido que nuestro (anti)héroe necesitaba para reaccionar ante la violencia y el mal que lo rodea y entrar, a su pesar, en el juego. Un cambio en su actitud que se resuelve perfectamente en un primer plano de Tom Hardy, alma máter del filme en un registro completamente nuevo y diferente respecto a su último estreno, Locke, y a todo en lo que lo hemos visto previamente.

THE DROP

El actor cuenta con una réplica perfecta de la mano de Noomi Rapace, en un rol similar al que encarnó en Dead Man Down (ay, que se nos encasilla…), de Matthias Schoenaerts, imponiendo nerviosismo y desasosiego con su mera presencia, y James Gandolfini en su papel póstumo, dando vida a un hombre que vive resentido por haberse visto obligado a ceder su trono a tipos más peligrosos y poderosos que él tiempo atrás. El elenco es tan convincente y digno como los demás valores de la producción: dirección, montaje, fotografía… y guión, escrito por el propio artífice del relato original, Dennis Lehane, premiado en el pasado Festival de San Sebastián.

La entrega

Sin embargo, si echamos un vistazo a las otras historias de Lehane llevadas a la gran pantalla (Mystic River, Shutter Island y Adiós pequeña, adiós) comprobaremos que La entrega se queda un escalón por debajo, básicamente porque no alcanza ni la intensidad ni la ambición de aquéllas. Su director, el belga Michaël R. Roskam, se contenta, y no es poco, debutando en Hollywood con un thriller noir muy competente y refinado que explora las vidas de un grupo de personas normales y corrientes que intentan luchar contra la ley no escrita de que tu entorno y el lugar de donde vienes decide por ti quién debes ser en la vida.

7/10

2/10/14

Itinerario de estrenos de octubre 2014

Estrenos_Octubre

Tras el enorme éxito cosechado el año pasado, vuelve la Fiesta del Cine, que se celebrará los próximos 27, 28 y 29 de octubre. Lejos quedan las primeras ediciones en las que las películas sólo costaban 2 euros, ahora son 2,90, y, en realidad, hay que pensarse bien si vale la pena la conglomeración en las salas y las larguísimas colas en la taquilla para disfrutar de la promoción, y es que, por ejemplo, al cine al que suelo ir la entrada sólo cuesta un euro más todos los miércoles. Con fiesta o sin ella, lo cierto es que se nos presenta un mes muy interesante, con estrenos muy potentes como lo nuevo de David Fincher y de los hermanos Dardenne. Además, tiene pinta de que será un gran mes para el cine español por la cantidad de títulos patrios con gran poder de convocatoria que coincidirán en cartelera, con Torrente en cabeza. Aquí les dejo mi selección:

La desaparición de Eleanor Rigby: Hace un año, el director y guionista Ned Bedson presentó en Toronto The Disappearance of Eleanor Rigby: Him y The Disappearance of Eleanor Rigby: Her, un díptico que cuenta una historia de amor desde dos puntos de vista diferentes, el de él y el de ella. Harvey Weinstein compró los derechos de las películas pero instó al director a que realizara un nuevo montaje que fusionara las dos cintas en una, que es la versión que se verá tanto en España como en el resto del mundo. El díptico original se podrá ver en algunos cines norteamericanos y se espera que se edite para el mercado doméstico. James McAvoy (X-Men: Días del futuro pasado) y Jessica Chastain (Mamá) conforman la pareja protagonista, secundados por Isabelle Huppert (Dead Man Down), William Hurt (La huésped), Viola Davis (El juego de Ender) y Jess Weixler (La mirada del amor) entre otros. La película ha obtenido críticas decentes, pero peores que las que recibió el proyecto como fue concebido originalmente.
Estreno: 3 de octubre


Perdida (Gone Girl):
David Fincher (Los hombres que no amaban a las mujeres) vuelve a los cines con la adaptación cinematográfica de la exitosa novela homónima de Gillian Flynn, que también se ha encargado de escribir el guión. La historia arranca con la desaparición de Amy Dunne en el día del quinto aniversario de su boda. Su marido, Nick, tiene una extraña conducta que lo convierte en el principal sospechoso para la policía y los medios. Ben Affleck (Runner, runner), Rosamund Pike (Mejor otro día), Neil Patrick Harris (Mil maneras de morder el polvo), Tyler Perry (En la mente del asesino) y Patrick Fugit (Amor sin control) encabezan el reparto de este thriller que, a tenor de las críticas, es una inmejorable adaptación de la sorprendente, perturbadora y recomendadísima novela en la que se basa.
Estreno: 10 de octubre


El viaje de tu vida (Tracks): Horroroso título que parece sacado de un reality show el que le ha endosado su distribuidora española a esta película basada en las memorias de Robyn Davidson, quien en 1977 se empeñó en cruzar cerca de 3.000 km del desierto australiano en la única compañía de su perro y de tres camellos. Un reportero del National Geographic se encargó de dar con ella de vez en cuando para retratar su odisea. John Curran (Stone) dirige y Mia Wasikowska (Sólo los amantes sobreviven) y Adam Driver (Amigos de más) protagonizan esta hermosa película que tuve la ocasión de disfrutar hace unos meses en un cine de Eslovenia.
Estreno: 17 de octubre (simultáneo en salas y DVD)
Reseña


Dos días, una noche: Los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne (El niño de la bicicleta) dirigen este drama social sobre una muchacha que dispone de sólo un fin de semana para ir a ver a sus compañeros de trabajo y convencerlos de que renuncien a su paga extraordinaria para que ella pueda conservar su puesto. El filme, protagonizado por Marion Cotillard (El sueño de Ellis) y Fabrizio Rongione (Diaz: No limpiéis la sangre), obtuvo críticas excelentes en su presentación en el Festival de Cannes (aunque se fue de vacío), y ha sido la elegida para representar a Bélgica en la próxima edición de los Oscar.
Estreno: 24 de octubre


Filth, el sucio: Adaptación cinematográfica de la novela Filth de Irvine Welsh (Trainspotting), editada en España bajo el título Escoria. Gira en torno al detective de policía más maleducado, pervertido, misántropo y adicto a las drogas y al alcohol de Edimburgo, en su particular guerra por alcanzar su ascenso soñado aunque tenga que pisar las cabezas de sus compañeros de trabajo por el camino. James McAvoy protagoniza el filme acompañado por Imogen Poots (Mejor otro día), Jamie Bell (Snowpiercer), Eddie Marsan (Bienvenidos al fin del mundo) y Jim Broadbent (La Week-End). Ha obtenido críticas generalmente positivas, que ensalzan especialmente la interpretación de su protagonista. En breve, reseña.
Estreno: 31 de octubre


[REC] 4: Apocalipsis: Último capítulo de la saga española de terror por excelencia iniciada hace ya 7 años por Paco Plaza y Jaume Balagueró. Este último se ha encargado en solitario de cerrar la franquicia después de que su compañero rodase la tercera parte, Génesis, y ha vuelto a contar con la protagonista de la cinta original, Manuela Velasco. La reportera Ángela Vidal es la única superviviente de la terrible infección que se propagó en un edificio de viviendas en Barcelona, y es evacuada a un barco para ser sometida a observación. Aunque parece que la situación está por fin controlada, el caos vuelve a desatarse y la semilla del mal renace adoptando nuevas y terribles formas. La cinta se presentó en el Festival de Toronto recibiendo críticas dispares.
Estreno: 31 de octubre

1/10/14

Actor del mes: James McAvoy

James McAvoy13

Méritos: Cuando nombramos por primera vez a James McAvoy como actor del mes, hace ya seis años, se encontraba realizando su bautismo en el cine hollywoodiense con Wanted. Se busca, tras haber llamado la atención de la crítica con Expiación. Por aquel entonces decíamos que el escocés prometía, y lo cierto es que no nos ha defraudado. En este tiempo ha trabajado tanto en Reino Unido como en Nortemérica, alternando producciones pequeñas con propuestas más comerciales, entre las que destaca su participación protagonista en una de las franquicias más taquilleras de la historia, X-Men.

Tras romper las taquillas el pasado verano con X-Men: Días del futuro pasado, este mes lo tenemos por partida doble en la cartelera española. El próximo viernes se estrenará La desaparición de Eleanor Rigby, un drama romántico co-protagonizado por Jessica Chastain que en realidad es una mezcla de dos películas, una desde el punto de vista de él y otro desde el de ella, fusionadas por orden de su distribuidor, Harvey Weinstein. Unas semanas más tarde, y con bastante retraso respecto al resto del mundo, nos llegará Filth, en la que McAvoy encarna a un policía escocés putero, drogadicto, manipulador, pervertido, misántropo y grosero. Una joyita de personaje que le ha valido varios premios británicos y que nos descubre la faceta más oscura del actor, al que también vimos este año fugazmente en una película de tono diametralmente opuesto,  El tour de Los Muppets. ¿Qué podemos decir de James McAvoy? Pues que progresa adecuadamente y que esperaremos con entusiasmo su próxima evaluación, dentro de otros seis años.

James McAvoy


La evolución de James McAvoy en 12 películas

James_McAvoy

De izq. a der. y de arriba a abajo: Uno de sus primeros papeles fue en la miniserie bélica Hermanos de sangre (2001); empezó a caernos bien como el rebelde tetrapléjico al que dio vida en Bailo por dentro (2004); comenzó a darse conocer entre el gran público como el fauno de Las Crónicas de Narnia: El león, la bruja, y el armario (2005); en El último rey de Escocia (2006) no salió bien parado de trabajar para el sanguinario presidente de Uganda Idi Amin; sirvió de inspiración romántica para La joven Jane Austen (2007) antes de protagonizar la película que lo consagraría como joven revelación, Expiación (2007); en Wanted. Se busca (2008) se zambulló de cabeza en el género de acción; defendió a una de las acusadas del asesinato de Abraham Lincoln en el drama histórico La conspiración (2010); ha prestado su voz a los protagonistas de las cintas de animación Gnomeo y Julieta (2011) y Arthur Christmas: Operación regalo (2011); en Filth (2013) da vida a su personaje más extremo hasta la fecha; encarna a Charles Xavier, alias Profesor X, en X-Men: Primera generación (2011), Días del futuro pasado (2014) y lo volverá a hacer en Apocalypse (2016); lo próximo, dar vida al doctor Victor Von Frankenstein en Frankenstein (2015), nueva versión del mítico relato de Mary Shelley.


¿Sabías que…?

- Está casado desde el año 2006 con la actriz Anne-Marie Duff, a la que conoció en el rodaje de la serie Shameless (UK) y con la que tiene un hijo.

- Su director favorito es Ken Loach, con el que nunca ha colaborado.

- Sus películas favoritas son Los Goonies, Regreso al futuro, La gran evasión, Breve encuentro, Kes y Mi nombre es Joe.

- Es un gran admirador del Celtic Football Club y ha manifestado que uno de sus sueños sería interpretar a Jimmy Johnstone, una de las leyendas futbolísticas del equipo.

- Dijo que era “desesperadamente alérgico” a los caballos y que sufrió terriblemente rodando escenas para La conspiración.

- Tras ganar el Rising Start Award en 2006, ha estado nominado a los BAFTA en dos ocasiones, por El último rey de Escocia y Expiación. Por esta última posee su única nominación a los Globos de Oro. Ha recibido mucho más cariño de las asociaciones de premios británicas que de las americanas.

- Sus fans se denominan a sí mismos “McAvoyeurs”.


Extras

Tráiler de La desaparición de Eleanor Rigby: Ellos

Tráiler de Filth, el sucio

Entrevista a McAvoy y Fassbender sobre X-Men: Días del futuro pasado

Recogiendo el Jameson Empire Award a mejor actor por Filth

Ice Bucket Challenge