22/3/17

Mi gran amigo Kong

Poster Kong

Dir.: Jordan Vogt-Roberts
Int.: Tom Hiddleston, Brie Larson, Samuel L. Jackson, John Goodman, John C. Reilly, Thomas Mann, Toby Kebbell, Jing Tian, John Ortiz, Shea Whigham
¿De qué va?: En los años 70, un grupo de exploradores y militares se reúne para viajar a una misteriosa isla del Pacífico que no aparece en los mapas, sin saber que está invadiendo los dominios de Kong, un gorila inmenso que no les recibirá con los abrazos abiertos precisamente…

Reseña: A Hollywood le cuesta mucho despedirse de sus figuras más icónicas, sobre todo cuando confían en que todavía pueden sacarle algún rendimiento económico. ¿Que el remake de King Kong de Peter Jackson no cumplió las altas expectativas de taquilla? No pasa nada, dejamos que pase un poco de tiempo y lo intentamos una vez más, sin tanto sentimiento pero con más acción. Para fortuna de los fans incondicionales, esta nueva aparición del gigantesco gorila es algo más que una mera explotación de la marca, gracias a su autoconsciencia, al buen hacer de sus responsables y a los escasos reparos que tiene de abrazar las convenciones del serie B… tanto para lo bueno como para lo malo.

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De entrada sorprende que, en vez de ambientar la historia en la actualidad o en los años 30 como el film original, se haya optado por los 70, justo después de que Estados Unidos se retirase de Vietnam. Esta elección no sólo sirve para que el director, Jordan Vogt-Roberts, homenajee Apocalypse Now en varias ocasiones y se flipe con la selección musical, sino para puntualizar el gran mal de los Estados Unidos (meterse las narices donde no les llaman, básicamente), y darle algo de trasfondo al militar al que da vida Samuel L. Jackson, un tipo que no podría soportar otra retirada indecorosa del campo de batalla. Lamentablemente, Kong: La isla calavera recae en el mismo problema que padecía el Godzilla de Gareth Edwards, que no es otro que una galería de personajes plano, plano, el cual se puede dividir en dos categorías: los héroes/supervivientes y la carnaza para los bicharracos. La película confía en el carisma natural de sus actores para que la platea pueda sentir alguna afinidad con los personajes, algo que ocurre fácilmente con Brie Larson, pero puede que no tanto con Tom Hiddleston, si tenemos en cuenta lo mal que ha manejado su imagen pública en el último año. El único que se salva es John C. Reilly, pues a pesar de entrar en escena a mitad de metraje se gana rápidamente la simpatía del personal, erigiéndose como el auténtico gancho emocional de la historia.

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Hay algo en lo que Kong sí mejora respecto a Godzilla: las dosis de entretenimiento. Vogt-Roberts rebaja la gravedad y seriedad de aquel film, va directa al grano, no tarda demasiado en mostrar a su criatura estrella en todo su esplendor, y alterna muy bien acción, comedia, suspense, truculencia y terror, ofreciendo una aventura equilibrada y deudora (en el buen sentido) del género pulp más gozoso y desvergonzado. Kong luce francamente bien y el resto de criaturas que pulula por la isla son variopintas, sorprendentes y originales. Además, la película viene cargada de imágenes de una potencia visual apabullante, quizás demasiado perfectas y calculadas, pero que consiguen su propósito, que no es otro que impedir que apartemos nuestra mirada de la pantalla y que nos asombremos con su belleza y exuberancia (fantástico trabajo de fotografía de Larry Fong).

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Si sólo se hubieran preocupado en trabajar un poco a los personajes para que no fuesen simples avatares, estaríamos hablando de una de las películas de aventuras más modélicas de la cosecha de blockbusters reciente. También habría estado bien elaborar un desenlace que no fuese tan insípido, superado ampliamente tanto por la escena que acompaña a los primeros créditos como por la que está escondida al final de éstos. Esta última no es que sea nada del otro mundo, pero alimenta el hype en torno a lo que está por llegar. En definitiva, a pesar de sus evidentes puntos débiles, Kong: La isla calavera es una reinvención digna, inteligente y muy disfrutable de la mitología del gorila más grande del mundo, que goza de una segunda oportunidad para lucirse ahora que la gritona de Ann Darrow está fuera del mapa.

7’5/10

20/3/17

Largo domingo de resaca

Poster Trainspotting2

Dir.: Danny Boyle
Int.: Ewan McGregor, Jonny Lee Miller, Robert Carlyle, Ewan Bremmer, Anjela Nedyalkova, Kelly Macdonald, Shirley Henderson, Pauline Turner, Scot Greenan
¿De qué va?: Han pasado 20 años desde que Mark Renton abandonara Escocia y la heroína. Ahora, Renton vuelve a su Edimburgo natal con el objetivo de rehacer su vida y reencontrarse con sus viejos amigos: David “Spud” Murphy y Simon “Sick Boy” Williamson. Sin embargo, Renton ignora que Begbie acaba de salir de la cárcel con fuertes deseos de venganza.

Reseña: Si algo hemos aprendido del boom de ‘revivals’ y secuelas tardías que hemos experimentados en los últimos años es que la nostalgia es un arma de doble filo. Porque al tiempo que nos reconfortamos recordando los viejos y buenos tiempos percibimos de forma más clara que nunca lo decepcionante que es nuestro presente respecto a las expectativas que nos habíamos creado, cuando éste aún era un futuro incierto pero prometedor. En T2: Trainspotting, esta agridulce melancolía se materializa en el personaje de Brenton, pues ese chaval delque nos despedimos veinte años atrás abandonando los vicios que había adquirido en Escocia para empezar una nueva y mejor vida, resulta que se ha convertido en un hombre gris, un proyecto de yuppy sin acabar, al que el pasado le pesa más que aquella gran bosa de dinero que le birló a sus colegas.

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La gran duda que se tenía en torno a esta secuela radicaba en que si se limitaría a ser un más de lo mismo o algo diferente y más maduro, acorde con la edad de los protagonistas. Pues bien, Danny Boyle se ha esforzado por alcanzar un término medio entre la repetición y la novedad, con una historia que incluye la nostalgia por aquellos frenéticos y alucinógenos 90 como parte esencial de su trama, al tiempo que hace que sus personajes lidien con conflictos y dilemas propios de los hombres en la cuarentena, como el remordimiento, las crisis de madurez, la necesidad de una estabilidad económica, el vínculo con los hijos o la importancia del legado. En cierta manera, T2: Trainspotting es desalentadora, en el sentido de que carece del espíritu juvenil y despreocupado de su precedente, lo cual, por otra parte, resulta bastante coherente.

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Aún así, la existencia de esta secuela no queda del todo justificada. La forma en la que saca a colación los temas que aborda no resulta especialmente atractiva ni rompedora, a través de un desarrollo argumental que a veces parece ir un poco a la deriva y que arrastra consigo a los protagonistas, de los cuales Robert Carlyle es el único que consigue brillar, más que nada porque su personaje, de naturaleza tan tragicómica, es el que mejor tratamiento ha recibido en esta secuela. En cambio, Renton (Ewan McGregor) era mucho más carismático cuando se drogaba, y su amistad con Sick Boy (Jonny Lee Miller) queda un poco forzada, puesto que en la primera parte apenas pasaban tiempo juntos. Tal vez el mayor problema de la película sea la experiencia que Danny Boyle ha ganado como director entre el estreno de la primera Trainspotting y su secuela; la inventiva de aquel entonces ha dado lugar a una pericia muy calculada que impide que la película tome riesgos y que algo nos sorprenda de verdad, aunque también es verdad que Boyle sigue demostrando mucho ingenio en lo que se refiere a recursos narrativos puramente visuales (la sombra de las personas ausentes, la escena del lavabo, el reencuentro entre Renton y Spud…).

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Sin tanto interés en retratar los vicios de la cultura pop como la cinta original, T2: Trainspotting es como la resaca después de una gran juerga, de esas de las que necesitas dos días para recuperarte porque ya no tienes el aguante de antaño. No estoy del todo seguro de que me haya gustado descubrir que Renton y compañía han tenido unas vidas tan anodinas como las de cualquier hijo de vecino, aunque fuese de esperar. El film también se muestra incapaz de presentar un repertorio musical que resulte tan icónico como el de su predecesora, aunque sí que consigue que terminemos el visionado dando botes recurriendo a ese Lust for Life de The Prodigy con el que cierra el círculo de este ejercicio de nostalgia y desencanto cuarentón.

6/10

13/3/17

Al pie de la acotación

Poster Fences

Dir.: Denzel Washington
Int.: Denzel Washington, Viola Davis, Stephen Henderson, Russell Hornsby, Mykelti Williamson, Jovan Adepo, Saniyya Sidney
¿De qué va?: Troy Maxon  es un trabajador del sistema de alcantarillado del Pittsburgh de los años 50 que de joven vio cómo su prometedora carrera como profesional de béisbol se truncó, dada la negativa de la liga profesional de admitir a jugadores negros. Ahora se tiene que conformar con una vida humilde, y aunque se esfuerza por ser un buen marido y padre, su frustración le corroe y amenaza con destrozar a su familia.

Reseña: La fidelidad está sobrevalorada. Me refiero en el cine, claro. Una película no tiene por qué ser estrictamente fiel a la obra en la que se basa. El proceso de adaptación entre un medio y otro puede ser más rico que la mera traslación al celuloide que muchos desean. Todo esto viene a cuento del miedo que los grandes estudios de Hollywood le tienen a los “talifanes”, a los que tienen que mantener contentos dada su capacidad para hundir una película antes de su estreno a través de su “influencia” en las redes sociales. Pero hay ocasiones en que esa literalidad en la traslación no tiene que ver con el público al que está destinado, sino con la profunda admiración que se tiene al material de origen. Si algo funciona, ¿para que cambiarlo?

FENCES

Probablemente fue eso lo que pensó Denzel Washington cuando se le ofreció la oportunidad de capitanear el salto al cine de Fences, aclamada obra teatral de August Wilson, figura clave de la dramaturgia afroamericana y que, para más inri, el doblemente oscarizado actor interpretó sobre las tablas de Broadway hace pocos años. Precisamente, esa falta de distancia que tiene Washington respecto a la obra es lo que termina por lastrar la propuesta, que es básicamente la misma pieza teatral representada en un decorado más realista. La película está tan teatralizada y es tan perezosa que los actores se mueven y se colocan como si estuvieran en el propio escenario del teatro, mientras que el ritmo se ralentiza hasta la exasperación por las larguísimas peroratas que suelta el protagonista de vez en cuando para entretener a sus colegas, con nada que aportar al conjunto. Washington se ha arriesgado tan poco que recurre al mismo reparto principal que lo acompañó en Broadway, siendo el montaje de imágenes que se suceden entre acto y acto lo único que probablemente sea nuevo respecto a su referente.

FENCES

El director y protagonista dispone de todos los elementos a su alcance para lucirse en un papel antipático y ególatra destinado a aglutinar premios. Sin embargo, Viola Davis le acaba comiendo la tostada a partir del momento en el que el conflicto estalla y su personaje también, sacando todas sus armas (voz rota, lágrimas, mocos, furia, tristeza, instinto maternal, resignación…) para robar cada escena, y esa empatía que desprende es lo que hace que la película mejore en su parte final, aunque nunca llegue a soltar el lastre de su herencia teatral. Y no es porque no trate temas suculentos e interesantes, como las consecuencias de la frustración personal, el hastío de la rutina, la envidia que puede sentir un padre de su hijo o los efectos colaterales del racismo, siendo este el gran elefante presente en cada uno de los escenarios en los que se desarrolla la historia. Pero a Fences le ha faltado alguien al que no le temblara el pulso a la hora de cortar diálogos y que aprovechase los recursos que el cine le brinda para ofrecer una interpretación diferente del texto de August Wilson, y en cambio, le ha sobrado veneración y respeto por este último

4,5/10

8/3/17

Desarmando al murciélago

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Dir.: Chris McKay
¿De qué va?: Bruce Wayne debe lidiar tanto con que Gotham City ya no necesite que vuelva a ser Batman nunca más como con la responsabilidad de criar a un niño que ha adoptado sin querer.

Reseña: Lo que más sorprendió de la ya de por sí sorprendente, imaginativa y divertidísima LEGO película fue lo robaescenas nato que resultó ser el personaje de Batman, con una vis cómica que no demostraba desde aquella mítica serie camp de los 60. Por tanto, a nadie le sorprendió que Warner decidiese rápidamente sacar un spin-off centrado en él, teniendo también en cuenta el valor lucrativo del que ha gozado siempre el Hombre Murciélago y el poco reparo que tienen en explotar al personaje. Afortunadamente, Batman: La LEGO película va más allá de ser un simple sacacuartos familiar para ofrecer una original e inventiva aventura, aunque no termine de alcanzar el inesperado nivel de calidad artística que tuvo la obra de la que parte.

LEGO BATMAN

“Pues me ha gustado más que la de Batman contra Superman”. Seguramente esa sea una de las frases más recurrentes a la salida de la proyección de esta película hecha con bloques de lego por ordenador, y todo porque tiene a raudales algo de lo que la película de Zack Snyder flaqueaba: diversión. El film vuelve a ser planteado como un gran juego de niños en el que los disparos y las explosiones son sonidos que hacemos con la boca, mientras que vemos, por primera vez, a Batman disfrutando y jactándose de ser quien es y teniendo una respuesta ingeniosa para cualquier situación. Aún así, Bruce Wayne no se libra de su resabido trauma familiar, pero éste es empleado para explorar la soledad autoimpuesta del superhéroe de una forma tremendamente hilarante, en la que incluso hay cabida para mofarse del vínculo paternofilial que mantiene con Robin y de la evolución que ha experimentado la franquicia cinematográfica a lo largo de los años. Incluso esa relación de odio y dependencia que ha mantenido siempre con el Joker es escudriñada en la cinta, siendo este último la versión más entrañable del villano que hemos llegado a conocer.

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Si bien la película empieza de forma genial y resulta loable que no recurra a los gags ya empleados en La LEGO película, en su recta final baja un poco el listón, cuando las risas ceden terreno a la acción y los mensajes positivos sobre la importancia de la familia y de la amistad. También es un poco decepcionante que el guion desaproveche a villanos tan carismáticos como Catwoman, Hiedra Venenosa o Dos Caras y los reduzca a meros figurantes de la trama. Aún así, Batman: La LEGO película es una notable, divertidísima y desprejuiciada incorporación a la saga cinematográfica del Hombre Murciélago, un necesario soplo de aire fresco al tratamiento cada vez más intensito y oscuro del personaje y un sano ejercicio de autoparodia afianzado por el magnífico trabajo vocal realizado por Will Arnett, quien, entre que es la voz del Batman Lego y de Bojack Horseman, merece subir a los altares de la interpretación animada, si es que eso existe.

8/10

6/3/17

La viuda de América

Poster Jackie

Dir.: Pablo Larraín
Int.: Natalie Portman, Peter Sarsgaard, Greta Gerwig, Billy Crudup, John Hurt, John Carroll Lynch, Richard E. Grant, Max Casella, Beth Grant
¿De qué va?: La vida de Jackie Kennedy cambia para siempre cuando su marido John F. Kennedy, presidente de los Estados Unidos, es asesinado en Dallas, Texas. Durante los días posteriores al suceso, la Primera Drama no sólo tiene que hacer frente a la pérdida de su marido, sino también afrontar el impacto que su muerte causa en el mundo entero.

Reseña: Los antecedentes no eran halagüeños. Los biopics de Diana de Gales y Grace de Mónaco hicieron un flaco favor a las respectivas carreras de Naomi Watts y Nicole Kidman, y fueron vilipendiados por ser demasiado adocenados e ignorar la transgresión implícita en la vida de ambos personajes. Por ello, la idea de una película biográfica de un personaje igual de aristocrático y glamuroso, Jacqueline Kennedy, no parecía especialmente tentadora. Sin embargo, Jackie no es un biopic al uso; de hecho, no debería ni considerarse como tal, porque está menos preocupado en retratar la vida de la que fuese la Primera Dama como en profundizar en el personaje y en las jugosas posibilidades temáticas y conceptuales que éste le ofrece partiendo de una doble vertiente, real e imaginada.

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Con la entrevista que concedió a la revista Time poco después de la muerte de John F. Kennedy como columna vertebral, el debut norteamericano del chileno Pablo Larraín explora la psique de Jackie a través de diferentes líneas narrativas: unas fielmente recreadas, como el tour televisivo que concedió para mostrar la redecoración que realizó en la Casa Blanca o el funeral de Kennedy, y otras que fantasean con su intimidad, como la última noche que pasó en el que fue su hogar durante casi tres años. De esta dicotomía surge un profundo análisis de la relación y el contraste entre la imagen pública y la privada, retratando a Jackie como una mujer que siempre supo transmitir a los medios y al público el mensaje adecuado para cada circunstancia, ya fuese el valor histórico de su redecoración o la transcendencia del legado de su marido; que fuese así o no era lo de menos, lo importante era orquestar el escenario de forma que el público no pudiese mirar a otro lado.

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Y si el público norteamericano era incapaz de apartar la mirada de Jackie, a nosotros nos ocurre lo mismo con Natalie Portman, que está absolutamente fantástica en la piel de la ex Primera Dama. No es sólo una cuestión de que imite a la perfección la cadencia de la voz y el lenguaje corporal, su interpretación resulta tan magnética como conmovedora a la hora de transmitir la inteligencia de Jackie, su duelo personal y el profundo terror y dolor que debió sentir durante esos días. Larraín, que es muy listo, nunca se distancia demasiado de la actriz, y planta la cámara en un primerísimo primer plano cuando la recién viuda llora y se quita la sangre y los sesos de su marido de la cara… para poco después negarse en rotundo a quitarse su icónico Channel rosa, con el fin de no restar ni un ápice de drama a lo que había ocurrido. Una vez más, la importancia de tener un control absoluto de la apariencia, aunque tras ella sólo hayan unas ganas terribles de esconderse del mundo.

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Jackie es, en definitiva, uno de los retratos femeninos más complejos, interesantes y turbios del cine reciente. Un falso biopic que se revela como una pesadilla inducida por la fantásticamente incómoda y perturbadora banda sonora compuesta por Mica Levi para la ocasión. Una película que no teme resultar antipática o incómoda, y que por ello puede ser acusada injustamente de distante y fría. Al contrario, Larraín, Portman y el guionista Noah Oppenheim nos arrastran a los convulsos días de dolor y furia de una mujer que supo mantener la compostura mientras su vida se venía abajo, moldeando la imagen de su marido hasta mitificarlo pese a sus claroscuros y a que ella nunca llegó a ser considerada algo más que un icono de moda. Y es que detrás de cada gran hombre, hay una mujer aún mayor.

9/10

5/3/17

Itinerario de estrenos de marzo 2017

Estrenos_Marzo


Kong: La isla calavera:
King Kong vuelve a la gran pantalla con este reboot inspirado en la novela ilustrada Kong: King of Skull Island de Joe DeVito. La historia se centra en un grupo de exploradores que se adentra en una misteriosa isla del Pacífico que no sale en los mapas, en busca del hermano de uno de ellos y de un suero de vital importancia, topándose por el camino con todo tipo de criaturas fantásticas y peligrosas. Jordan Vogt-Roberts (The Kings of Summer) dirige el film protagonizado por Tom Hiddleston (High-Rise), Brie Larson (La habitación), Samuel L. Jackson (xXx: Reactivated), John Goodman (Calle Cloverfield 10), John C. Reilly (Langosta) y Toby Kebbell (Un monstruo viene a verme). Hay primeras impresiones para todos los gustos, pero las positivas ganan por mayoría a las negativas.
Estreno: 10 de marzo



El fundador:
Biopic del creador de McDonald’s, Ray Kroc, quien tras conocer en los años 50 a los hermanos Richard y Maurice McDonald y su innovador sistema de cocina de hamburguesas, decidió arrebatarles la idea para iniciar un imperio de franquicias valorado hoy en día en un billón de dólares. John Lee Hancock (Al encuentro de Mr. Banks) dirige la película que protagoniza Michael Keaton (Spotlight), secundado por Laura Dern (Alma salvaje), Nick Offerman (Yo, él y Raquel), John Carroll Lynch (Jackie), Linda Cardellini (Vengadores: La era de Ultrón) y Patrick Wilson (Expediente Warren: El caso Enfield). Las críticas han sido generalmente positivas, destacando especialmente el trabajo de Keaton.
Estreno: 10 de marzo



La bella y la bestia:
Adaptación del clásico Disney homónimo que se le ha encomendado a Bill Condon (Mr. Holmes) con un elenco en el que figuran Emma Watson (Colonia), Dan Stevens (The Guest), Luke Evans (High Rise), Kevin Kline (Ricki), Josh Gad (Pixels), Ewan McGregor (T2 Trainspotting), Ian McKellen (Mr. Holmes), Emma Thompson (Bridget Jones’ Baby) y Stanely Tucci (Spotlight). La historia, pese a ser archiconocida por todos, podría seguir teniendo el suficiente gancho como para convertir el film en uno de los taquillazos del año. Las críticas de momento están siendo sorprendentemente optimistas.
Estreno: 17 de marzo



La cura del bienestar:
Ambicioso thriller psicológico orquestado por Gore Verbinski (El llanero solitario) ¡de dos horas y media! que gira al joven ejecutivo de una empresa que es enviado para traer de vuelta al CEO de su compañía , que se encuentra en un centro de retiro en un lugar remoto de los Alpes suizos. Pero al llegar allí, el chico empieza a sospechar que los tratamientos milagrosos del centro no son lo que parecen. Dane DeHaan (Life), Jason Isaacs (Infiltrado) y Mia Goth (Everest) protagonizan esta película que, a juzgar por las demoledoras críticas norteamericanas, no es tan buena como promete su potente tráiler.
Estreno: 24 de marzo



Ghost in the Shell:
Adaptación cinematográfica y norteamericana del aclamado manga nipón de Masamune Shirow sobre un híbrido entre cyborg y mujer que dirige un grupo operativo de élite, Sección 9, consagrado a detener a criminales, extremistas y delincuentes informáticos. Rupert Sanders (Blancanieves y la leyenda del cazador) es su director y Scarlett Johansson (Capitán América: Civil War) su flamante protagonista, secundada por Michael Pitt (Orígenes), Juliette Binoche (Los 33), Pilou Asbæk (La gran muralla), Takeshi Kitano (Outrage 2) y Michael Wincott (Hitchcock). De momento no hay valoraciones sobre la película, pero los avances son esperanzadores.
Estreno: 31 de marzo

1/3/17

Actor del mes: Ewan McGregor

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Méritos: Si hay algo en la carrera de Ewan McGregor que destaca, tanto para bien como para mal, es la constancia. Ha participado en grandes éxitos comerciales, fracasos estrepitosos, joyas indie, películas inanes, como protagonista, como secundario de lujo… Pero su carrera nunca se ve afectada en ningún aspecto, quizás porque los estudios y los directores confían más en él por la seguridad que da como actor que por el valor que pueda tener en la taquilla. El actor escocés ha llegado a un punto en el que puede sobrevivir a cualquier fiasco, incluso al que ha supuesto su debut detrás de las cámaras, American Pastoral, la adaptación cinematográfica de la aclamada novela de Philip Roth, que también protagonizó, cuyas malas críticas provocaron la cancelación de su estreno comercial en España hasta nuevo aviso.

Por suerte para él, ya nadie se acuerda de la película, y en la cartelera patria van a coincidir este mes tres películas en las que encarna a tres personajes icónicos, cada uno en su ámbito: en T2 Trainspotting recupera a uno de los personajes más importantes de su carrera, el yonqui Renton, ahora rehabilitado y… ¿reformado?; en La Bella y la Bestia da vida a un personaje tan querido de la película de Disney como es Lumiere, mientras que en Últimos días en el desierto da vida al mismísimo Jesús de Nazaret ¿Acaso existe un personaje más mítico que éste? Obi Wan Kenobi para los frikis, al que también encarnó en tres películas. Y para el mes que viene, más y probablemente mejor: el 27 de abril empezará a emitirse la tercera temporada de Fargo, donde McGregor tendrá un doble papel dando vida a dos gemelos, un vehículo de lucimiento perfecto que ya aprovecharon Billy Bob Thornton y Kirsten Dunst en temporadas precedentes y que podría propiciar el ver al protagonista de Moulin Rouge recogiendo galardones por primera vez en su carrera. Porque ya va siendo hora de reconocer el trabajo de uno de los intérpretes más polifacéticos, carismáticos y solícitos de la industria cinematográfica mundial.

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Doce icónicas interpretaciones de Ewan Mcgregor

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De izquierda a derecha y de arriba a abajo: el colocón de Trainspotting (1995) le dio a conocer entre la cinefilia mundial; sacó a relucir su vena más trasnochada en Velvet Goldmine (1998); en Moulin Rouge (2001) enamoró a Nicole Kidman y al mundo entero entonando el Your Song de Elton John; McGregor se fue a la guerra, qué dolor, qué dolor, qué pena, en Black Hawk derribado (2001); aprobó con nota emulando a Rock Hudson en Abajo el amor (2003); fue un soñador y un romántico empedernido en una de las mejores películas de Tim Burton, Big Fish (2003); interpretó a Obi Wan Kenobi en tres películas, pero fue en Star Wars: Episodio III – La venganza de los Sith (2005) donde pudo lucirse más por culpa del desengaño que sufrió con su pupilo Anakin; fue el dulce objeto de deseo de Jim Carrey en Philip Morris ¡Te quiero! (2009); vivió el apocalipsis más romántico del cine junto a Eva Green en Perfect Sense (2011); en Beginners (2011) encarnó a un tipo de los más normal que era pura y gozosa melancolía; no lo pasó tan mal como Naomi Watts pero sufrió de lo lindo por su familia en Lo imposible (2012); aunque La venganza de Jane (2016) fue un fracaso, él se lo pasó pipa dando vida al villano de la función.

¿Sabías que…?

- Fue compañero de piso de Jude Law cuando llegó por primera vez a Los Angeles en busca de trabajo como actor. A día de hoy siguen siendo amigos cercanos.

- Tras trabajar juntos en Tumba abierta (1994), Trainspotting (1996) y Una historia diferente (1997), Danny Boyle y McGregor se retiraron la palabra cuando éste se enfadó tras ver que el rol protagonista de La playa (2000) era para Leonardo DiCaprio y no para él. Sin embargo, ambos hicieron las paces en el 2015, de ahí que hayan podido volver a colaborar para la secuela de Trainspotting.

- Se embarcó en un viaje en motocicleta por todo el mundo en el año 2004 junto a su amigo y compañero de profesión Charley Boorman, que quedó capturado en una miniserie documental, Long Way Round.

- Fue considerado para el rol de Will Turner en Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra (2003), que al final fue a parar a Orlando Bloom. También fue tentado para protagonizar Un niño grande (2002) y el remake de Alfie (2004) que acabaría protagonizando su amigo Jude Law.

- Rechazó el papel protagonista de Matrix (1999) por el del joven Obi Wan Kenobi en La amenaza fantasma (1999), de la misma manera que terminó por no aceptar un papel en Ocean’s Eleven (2001) al decantarse por Black Hawk derribado (2001).

- Fue el primer intérprete extranjero en estar nominado en la categoría de mejor actor de reparto de los Goya por Lo Imposible, cuyo rodaje tuvo que cancelarse unos días cuando un extra de la película algo trastornado se dedicó a dejarle amenazas de muerte en el camerino. El tipo declaró que, a pesar de que describía en las notas cómo apuñalaba al actor, se trataba únicamente de poesía.

 

Extras:

Tráiler de T2: Trainspotting

Tráiler de La bella y la bestia

Tráiler de Últimos días en el desierto

Entrevista sobre American Pastoral

Catfish and the Bottlemen – Hourglass

Ceremonia de entrega Premio Donostia Ewan McGregor