6 años cumplidos y un cambio de marchas

El 31 de agosto del año 2007 arrancaba “Blog de un Grinch Cinéfilo”, un proyecto personal con el que quería hacerme un hueco dentro de la blogosfera dedicada al mundo del cine, en el que pudiera compartir todo lo que me apasionaba sobre el Séptimo Arte y donde poder crecer como redactor de reseñas, noticias y demás artículos. Cuando lo empecé no podía imaginarme que seguiría en activo seis años después con las ganas y la ilusión intactas, y es que han pasado muchas cosas en todo este tiempo, como un muy necesario cambio de título, una colaboración impagable en forma de rincón, un considerable aumento de visitas y seguidores y una mejora cualitativa de los textos que escribo (no hay más que comparar lo primero que escribí con lo último).

Este 6º cumpleaños coincide en el tiempo con un cambio muy importante que se va a producir en mi vida y que por ende también afectará al funcionamiento del blog: me marcho a Eslovenia a realizar un año de voluntario en un centro cultural (algo de lo que no podría estar más agradecido y emocionado). Ojo, con esto no quiero decir que el blog vaya a terminar su andadura aquí, sino que puede que el ritmo de publicaciones baje considerablemente. En realidad, ahora mismo desconozco de cuánto tiempo libre dispondré para escribir en el blog entre las horas que le dedicaré a mis labores y al turismo, pero espero al menos poder mantener las secciones fijas, como el actor/actriz del mes, la operación clásico y las reseñas de estrenos, aunque estas últimas irán más acordes con los estrenos cinematográficos en Eslovenia que los de España; allí las películas se suelen estrenar con antelación y en versión original, así que por ese lado el blog saldrá beneficiado.

Así que si se percatan de que el blog deja de estar tan activo de ahora en adelante ya conocen la razón. También quiero aprovechar la ocasión para agradecer a todos los que me leen por su incondicional apoyo, sin compromisos de ninguna clase. El número de comentarios o visitas nunca me ha preocupado demasiado porque de vez en cuando me entero de que el blog ha servido para descubrir alguna película o serie o para saber más de algún director o intérprete y eso es lo que cuenta para mí. ¡Para eso está, para ser de utilidad! The Other Fanboy es como un hijo para mí que se ha hecho más y más grande con los años y al que no podría abandonar.

De verdad, gracias a todos y espero que sigamos disfrutando juntos del maravilloso mundo del cine durante muchos años más.

(Como tenga que dejar el blog en los próximos meses voy a quedar fatal…)

Celebrities al infierno

Dir.: Seth Rogen, Evan Goldberg
Int.: Seth Rogen, Jay Baruchel, James Franco, Jonah Hill, Craig Robinson, Danny McBride, Emma Watson, Michael Cera
¿De qué va?: Jay Baruchel llega a Los Ángeles para pasar unos días en casa de su amigo Seth Rogen. Esa noche, van a una fiesta en la nueva casa de James Franco a la que asisten muchas celebridades, pero son sorprendidos por una serie de extraños y catastróficos acontecimientos que obligarán a los supervivientes a subsistir como puedan atrincherados en la mansión.

Reseña: Hace unos años, Seth Rogen y Jay Baruchel protagonizaron Jay and Seth vs. the Apocalypse, un cortometraje sobre dos colegas cuya amistad era puesta a prueba por el fin del mundo. Ese corto ha sido el germen de Juerga hasta el fin (This is the End), pues sigue girando en torno a la misma idea pero la expande añadiendo personajes, o más bien, actores y colegas de la misma generación que interpretan una versión caricaturizada de sí mismos. El resultado es una mezcla entre el humor gamberro masculino del estilo Judd Apatow y el cine apocalíptico, o lo que es lo mismo: Superfumados + Dogma + El fin de los días.

Para pillar todas las bromas que se gasta Juerga hasta el fin hay que tener algo de conocimiento previo sobre los actores que aparecen, su filmografía y de Hollywood en general, porque buena parte de los gags está destinada a ridiculizar su condición de estrellas y sus trabajos anteriores. Sin duda alguna, lo mejor de la película es la gran disposición que tienen todos para reírse de ellos mismos, tanto los protagonistas como los que sólo hacen un cameo (la mayoría brillantes): el encasillamiento y los cambios de peso de Seth Rogen, la pose intelectual y artística de James Franco o el desequilibrio mental de Michael Cera son algunas de las puyas que lanza el filme con la complicidad de los propios afectados.

La película cuenta tanto con gags muy buenos como con otros mediocres y otros que son simplemente malos, pero afortunadamente y a diferencia de Superfumados, muy referenciada en la cinta, de lo que más abunda es de los primeros. Estos se concentran mayoritariamente en los momentos en los que se ríen de los actores y sacan a relucir con mucho humor negro lo peor de la condición humana cuando se enfrenta a una situación extrema. En este aspecto se luce especialmente Danny McBride, que encarna una versión muy cabrona de sí mismo. Por el contrario, las situaciones en las que los personajes se enfrentan a las armas del Apocalipsis no están tan conseguidas y alargan innecesariamente la cinta en su último tramo.

En lo que se refiere a humor macabro, sangriento, bestia, guarro y testosterónico, Juerga hasta el fin es de lo mejorcito que te puedes encontrar, pero sólo si si eres fan de Saturday Night Live, Padre de familia, y similares. No deja de ser una comedia sobre la inmadurez masculina y la camaradería entre colegas como las que tan de moda se han puesto últimamente, pero con un toque distintivo otorgado por el el buen uso que se ha hecho de la autoparodia y el contexto apocalíptico de la historia. Una broma de Hollywood que esconde no pocas sorpresas y que supone un soplo de aire fresco en un verano inundado de superproducciones que se toman demasiado en serio a sí mismas.

7/10

O.C: Qué verde era mi valle (1941)

¿De qué va?: En un pueblo minero de Gales viven los Morgan, una familia unida de orgullosos mineros. Sin embargo, la bajada de los salarios provocará un enfrentamiento entre el padre y los hijos, que ven en la unión sindical de todos los trabajadores la única manera de hacer frente a los patrones. El cabeza de familia, en cambio, no quiere ni oír hablar de socialismo ni sindicatos.

Reputación: Un año después de dirigir Las uvas de la ira, John Ford se encargó de la adaptación cinematográfica de la novela How Green Was My Valley de Richard Llewellyn, aunque en un un principio la película iba a ser realizada por William Wyler, quien incluso llegó a comenzar la preproducción. Ford reconoció rasgos autobiográficos en la historia, pues al igual que su protagonista fue el menor de un gran número de hermanos, su familia conoció lo que suponía la emigración y también se apoyó en los valores tradicionales y cristianos para superar las dificultades que se le presentaban. El filme iba a rodarse en Gales en tecnicolor, pero la 2ª Guerra Mundial y los bombardeos nazis sobre las islas británicas lo impidieron. Finalmente se grabó en blanco y negro porque los colores de las flores de California no aparecían en los paisajes galeses y se notaba mucho la diferencia. El filme se proclamó el gran vencedor de la 14ª edición de los Oscar a pesar de que contaba con grandes adversarios, tales como Ciudadano Kane, El halcón maltés, La loba o Sospecha. Ganó 5 Oscars: mejor película, director, actor de reparto para Donald Crisp, fotografía y dirección artística. A lo largo de su carrera, John Ford ganó 4 estatuillas doradas, dos de ellas de forma consecutiva por Las uvas de la ira y Qué verde era mi valle. Sin embargo, no fue a recoger ninguna de ellas.

Comentario: Si la familia Joad emigraba en busca de un lugar donde poder ganarse la vida en Las uvas de la ira, el clan de los Morgan permanece en su ciudad a pesar de la precariedad laboral (lo cual no impide la marcha de los hijos mayores), por lo que en Qué verde era mi valle asistimos al proceso de degradación de una comunidad minera muy unida que se va disolviendo a causa de las rencillas laborales y la doble moral cristiana de sus habitantes. A pesar de que la película tenga una estructura episódica goza de cohesión al hilvanar las distintas tramas de forma clara y sencilla. La historia, vista siempre a través del hijo menor de la familia, está bañada de una fuerte melancolía y tristeza pero también de un sentimiento cálido y familiar que nunca resulta empalagoso. El trabajo de dirección de John Ford es una maravilla en todos los aspectos.

Próximo visionado: Fahrenheit 451 (1966)

Clear Eyes, Full Hearts, Can’t Lose!

Creador: Peter Berg
Int.: Kyle Chandler, Connie Britton, Aimee Teegarden, Taylor Kitsch, Zach Gilford, Minka Kelly, Adrianne Palicki, Scott Porter, Gaius Charles, Michael B. Jordan, Jurnee Smollett-Bell, Matt Lauria, Brad Leland
Emisión: 2006 – 2011, NBC, DirecTV y TNT
5 temporadas

Una de las maravillas de la era Internet reside en la posibilidad de recuperar series que dejamos pasar en el momento de su emisión, de verlas cuando y como queramos y de ahorrarnos los horrendos doblajes que no hacen justicia a las interpretaciones de los actores. Hace poco más de un año que empecé a ver Friday Night Lights, una serie ya concluida de la que no hacía más que leer maravillas y de la cual no me había interesado hasta ese momento porque no me atraía su temática futbolística. Ese es el mayor problema que acarrea la serie, que de entrada su argumento no resulta llamativo, pero les aseguro de que no habrá arrepentimiento alguno si se le concede una oportunidad.

Friday Night Lights está basada en la película homónima de 2004 dirigida por Peter Berg, también creador de la serie, que a su vez partía de un libro de no ficción de H.G. Bissinger que recogía la historia de un equipo de futbol americano de Texas en los años 80. La serie, en cambio, está ambientada en la actualidad y toma algunos apuntes de la historia y de los personajes del filme para contar algo completamente nuevo. El show arranca con un trágico suceso que se produce durante el primer partido de la temporada de los Dillon Panthers, quienes cuentan con un entrenador recién llegado, Eric Taylor, que despierta el escepticismo de los seguidores del equipo. Al mismo tiempo, su esposa, Tami, acepta un trabajo en el instituto como orientadora, y la hija del matrimonio, Julie, intenta integrarse en su nueva ciudad pese a su reticencia inicial.

El contexto en el que se ambienta la serie es un pueblo de la Texas profunda en el que viven el fútbol americano de su instituto como España lo hace con el fútbol, es decir, con una pasión desmesurada. Los partidos de los Panthers, filmados con brío y nervio, son considerados como el gran acontecimiento semanal de la localidad y los jóvenes jugadores son reconocidos como auténticas estrellas. Friday Night Lights acierta de lleno al mostrar tanto el lado bueno como el malo de la fiebre futbolística: Por un lado, el deporte une a la comunidad y da oportunidad a los chicos de alcanzar sus metas y alejarse del mal camino, pero por el otro parece que no hay nada más que el fútbol en esa ciudad, que se le da una importancia extralimitada y que acarrea esa fidelidad ambivalente propia del deporte: mientras el equipo gane adoraremos a sus jugadores y al entrenador, pero cuando empiece a perder… los odiaremos a muerte.

El fútbol es una parte esencial de la serie, pero complementa lo más importante, que es la historia de los personajes y su evolución. Aquí hay una riqueza pocas veces vista en series americanas de instituto porque se le ha concedido mucha libertad a los actores para que improvisen y actúen según crean que sus personajes lo harían, y eso algo muy beneficioso porque todo se percibe mucho más natural y alejado del estereotipo. Hay subtramas amorosas pero se le da más importancia a las inquietudes personales de cada uno, a lo que aspiran en sus vidas, lo cual llega a su cumbre en la 3ª temporada (la mejor para el que esto escribe) en la que la mayoría de los protagonistas adolescentes están a un paso de salir del instituto y empezar su vida adulta. En Friday Night Lights los personajes no están estirados hasta que pierden todo su sentido en la narración, sino que reciben un final lógico por decisiones creativas o porque ya no dan más de sí. Glee debería tomar apuntes al respecto.

La andadura televisiva de Friday Night Lights fue bastante ardua. A pesar de contar con el apoyo de la crítica desde su inicio nunca consiguió grandes audiencias, lo que la llevó a que su 2ª temporada se centrara más en los líos amorosos para captar más espectadores y que rozara la cancelación. Sin embargo, NBC llegó a un acuerdo con DirecTV para coproducir la serie, lo cual le brindó tres temporadas más. Con el final de la tercera se produjo un brillante giro de guión que ocasionó un cambio de dinámica en la historia y la sustitución casi al completo del reparto joven por una nueva generación. Los nuevos personajes no consiguen que nos olvidamos de su predecesores, pero salvo por alguno que otro que parece que va a cobrar importancia pero que sólo está de relleno, el resto no desmerece a la serie en absoluto.

Pero el pilar en el que se sostiene toda la serie es sin duda el matrimonio formado por Eric y Tami Taylor. Por separado resultan personajes muy ricos: él es un entrenador duro e inflexible que sin embargo se preocupa por sus jugadores como si de un padre se tratara (aunque no sea capaz de expresarlo siempre), y ella es un auténtico amor de mujer que se desvive por ayudar y guiar a los alumnos del instituto.  Juntos, forman una de las relaciones más auténticas y equilibradas que ha parido la ficción televisiva. Kyle Chandler, que ganó el Emmy al mejor actor con la última temporada, y Connie Britton están sublimes y parecen un auténtico matrimonio que se conoce al dedillo, que sabe solucionar sus problemas y que lleva largo tiempo juntos, apoyándose el uno en el otro.

 
Para no enrollarme más tan sólo quiero subrayar lo mucho que recomiendo Friday Nights Lights, que se ha convertido por sorpresa en una de mis series favoritas de siempre. Su visionado resulta una experiencia tan emocional que resulta tremendamente fácil encariñarse con sus personajes (Tyra, Tim, Landry, Lyla, Matt, Jess… ¡Hay tantos!), sentirse identificado con ellos e implicarse en sus historias, las cuales salvo por contadas salidas de tono son totalmente creíbles y auténticas. Gracias a ella ya no asocio Texas con el estado americano del country, los rodeos y la pena de muerte (que también) sino con el lugar en el que, al ritmo de la melancólica música de Explosions in the Sky, viví la historia de sueños y esperanzas de un entrenador de fútbol, de su familia y de sus jugadores. Texas Forever.

Sobre el Batman polémico, Bruja Escarlata y teletransporte

- La noticia que ha revolucionado la red esta semana no ha sido otra que la elección de Ben Affleck (To the Wonder) como el Batman que aparecerá en la secuela de El hombre de acero. Este hombre murciélago no tendrá que ver con el de las películas de Christopher Nolan y será un justiciero que lleva largo tiempo luchando contra el crimen, lo cual nos ahorra la historia de sus orígenes. Es bastante probable que Affleck haya firmado por varias películas y que Warner le haya dado la opción de dirigir la película de Justice League.

A muchos fans no les ha gustado el fichaje, tal es así que ya hay una petición online con más de 1.000 firmas para que el actor no encarne a Batman. A mí no me termina de convencer, pero al menos le doy un voto de confianza tal y como se lo di a Heath Ledger y Anne Hathaway en su momento (el tiempo me dio la razón). Zack Snyder dirigirá este esperado encuentro entre Superman y Batman donde repetirán papeles Henry Cavill, Amy Adams, Laurence Fishburne y Diane Lane. Su estreno a nivel mundial será el 17 de julio de 2015.

- Cambiamos a DC Comics por Marvel porque toca hablar de Los vengadores. Si bien el fichaje de Aaron Taylor-Johnson para que encarne a Mercurio ya ha sido confirmado, Saoirse Ronan ha rechazado el papel de su hermana, Bruja Escarlata, por falta de interés, así que Marvel y Joss Whedon han puesto sus ojos ahora en Elizabeth Olsen (Amor y letras). Según parece, las negociaciones ya están muy avanzadas y puede que en breve se haga oficial su contratación. Bruja Escarlata tiene el poder de lanzar hechizos que pueden alterar la realidad. Curiosamente, antes de The Avengers: Age of Ultron, veremos a Taylor-Johnson y Olsen como pareja en apuros en Godzilla.

- Seguimos con Marvel, porque el estudio le ha ofrecido a Bradley Cooper (R3sacón) el papel de Rocket Racoon en The Guardians of Galaxy, o mejor dicho, le ha ofrecido prestarle sus cuerdas vocales a dicho personaje, un mapache armado hasta los dientes. Hace unos días también se supo que Vin Diesel (Fast & Furious 6) había sido contratado para el papel de Groot, una especie de árbol mutante que también forma parte del equipo. El rodaje de este filme dirigido por James Gunn ya ha dado comienzo en Reino Unido con un reparto encabezado por Chris Pratt, Zoë Saldana, Dave Bautista, John C. Reilly, Benicio del Toro y Glenn Close.

Y hablando de Cooper, el actor producirá y se dejará ver en Red Blooded American, uno de los tres proyectos que se están preparando en Hollywood sobre la figura de Lance Amstrong. No obstante, no se sabe si Cooper encarnará al malogrado ciclista o a Tyler Hamilton, un compañero de equipo de aquél que lo acusó de doparse en una entrevista televisiva. Jay Roach (En campaña todo vale) dirigirá el filme que cuenta con un guión de Scott Z. Burns (Efectos secundarios). Es probable que no se pueda adelantar a la producción del otro biopic que dirigirá Stephen Frears con Ben Foster como protagonista.

- Kirsten Dunst (On the Road) será la protagonista femenina del filme de ciencia ficción que está preparando Jeff Nichols (Mud) y del que ya se conocen más detalles. Se titulará Midnight Special y se centrará en un padre y en su hijo de 8 años que se verán obligados a huir cuando el primero descubra que su descendiente posee poderes especiales. Michael Shannon y Joel Edgerton son los otros dos protagonistas de la cinta.

- Joel Edgerton (El gran Gatsby) también se dejará ver en Exodus, el próximo filme de Ridley Scott (Prometheus) que abarcará la vida de Moisés, al que dará vida Christian Bale. Por su parte, Edgerton encarnará al faraón Ramsés II. El rodaje del filme arrancará en septiembre en localizaciones de Reino Unido, Marruecos y España, de hecho, hace unas semanas se convocó un casting de extras en Almería, aunque también se rodarán escenas en Sevilla y en las Islas Canarias.

- Casey Affleck (Un golpe de altura) protagonizará To be Two, adaptación cinematográfica de un relato de ciencia ficción de Paul Broks que llevará a cabo David Lowery (Ain’t Them Bodies Saints). La película estará ambientada en una sociedad en la que se usa el teletransporte como si fuera un trasporte urbano, con el que incluso se puede enviar una persona a Marte al reconstruir sus átomos en dicho planeta y volatizar su origen. Sin embargo, aparece una máquina defectuosa que en vez de realizar la eliminación en el lugar de origen crea una copia del individuo que la utilice. El estilo del filme será similar al de Looper.

- Natalie Portman se ha desvinculado de MacBeth, pero sus responsables ya le han encontrado sustituta: Marion Cotillard (De óxido y hueso). De esta forma, la actriz francesa acompañará a Michael Fassbender en esta nueva versión de la obra de William Shakespeare que dirigirá Justin Kurzel. Al parecer, será muy fiel al texto original, encontrándonos con un noble (Fassbender) que, inducido por su esposa, Lady Macbeth (Cotillard), asesina al rey de Escocia para hacerse con el trono. El rodaje del filme arrancará en enero de 2014.

- Rachel McAdams (To the Wonder) se ha unido al reparto de Everything Will Be Fine, película que ya rueda, en 3D y en Montreal, Wim Wenders (Pina) con James Franco y Charlotte Gainsbourg (en sustitución de Sarah Polley) como protagonistas. El filme nos contará la historia de Tomas (Franco), un escritor que mata a un niño de 3 años tras atropellarlo. Una década después comprobaremos cómo le afectó el suceso tanto a Tomas como a Kate (Gainsbourg), la madre del pequeño. McAdams interpretará a la novia de Tomas, quien presencia el deterioro mental de su pareja.

- Aumenta el elenco de Cymbeline con los nombres de Anton Yelchin (Star Trek: En la oscuridad) y Dakota Johnson (Eternamente comprometidos), quienes se suman a Ethan Hawke, Ed Harris, Milla Jovovich y Penn Badgley. Recordemos que la cinta será una versión moderna de la obra Cimbelino de William Shakespeare en la que se producirá una guerra entre una banda de motoristas y un grupo de policías corruptos. Yelchin encarnará a Cloten, el hijo del personaje de Jovovich, mientras que Johnson será Imogena, hija del hombre al que interpretará Harris y a su vez hermanastra de Cloten. El rodaje de este filme de bajo presupuesto acaba de dar comienzo bajo la dirección de Michael Amereyda (Hamlet).

- Aún no se ha estrenado Los juegos del hambre: En llamas, pero sus responsables ya están buscando a los actores que se incorporarán a la tercera parte, Sinsajo, que se dividirá en dos partes. Si hace poco supimos que Julianne Moore podría encarnar a Alma Coin, ahora sí que sabemos oficialmente que Natalie Dormer (Juego de tronos) ha sido fichada para el papel de Cressida, una directora de televisión del Distrito 13. Francis Lawrence (Agua para elefantes) se hará cargo de estos largometrajes al igual que ya lo hizo con En llamas.

Versalles en el espacio

Dir.: Neill Blomkamp
Int.: Matt Damon, Jodie Foster, Sharlto Copley, Alice Braga, Wagner Moura, Diego Luna, William Fichtner, Emma Tremblay
¿De qué va?: En el año 2159, la raza humana se divide en dos grupos: los ricos, que viven con todas las comodidades en la estación espacial Elysium, y el resto, que sobrevive como puede en un planeta Tierra devastado y superpoblado. Max es un obrero en libertad condicional que tras sufrir un accidente busca la manera de llegar a Elysium para poder salvar su vida, aunque su misión se acabará convirtiendo en algo mucho más decisivo para el futuro de la sociedad humana.

Reseña: Hace cuatro años, Neill Blomkamp hizo una entrada triunfal en el Séptimo Arte con District 9, un filme de ciencia ficción presupuestado en unos ajustados 30 millones de dólares que llegó a amasar 200 a nivel mundial e incluso entró en la terna de las nominadas al Oscar a mejor película, algo inusual para el género fantástico. Su éxito a todos los niveles residía en que District 9 era una genial y dura metáfora sobre el apartheid sin tener que sacrificar la emoción y el espectáculo que va ligado al cine comercial. Por tanto, había mucha expectación en torno a lo que el cineasta podía hacer con el respaldo de un gran estudio detrás, y la duda de si seguiría en su línea de crítica social o si en cambio Hollywood le cortaría las alas.

La primera media hora de Elysium viene a demostrar la capacidad de Blamkamp de crear futuros distópicos que, salvo por el avance de la tecnología, guardan muchas semejanzas con la realidad en la que vivimos: la ineficacia de la salud pública, la impasibilidad  de los burócratas, las precariedad de los obreros en las fábricas, las duras medidas frente a la inmigración ilegal, e incluso la ciudad de Los Ángeles que retrata es idéntica a los barrios pobres de algunas zonas de África y Brasil. Además, el hecho de que los habitantes de la sofisticada Elysium hablen en francés establece una relación con el régimen monárquico pre-revolución francesa. En resumidas cuentas, un fantástico contexto político-social. Sin embargo, cuando la presentación acaba y comienzan los disparos y las ostias, la película da un bajón al volverse demasiado convencional.

Sin perder en ningún momento la corrección, el filme reduce la crítica social a discreto trasfondo de unos pasajes de acción en los que no paran de explotar cuerpos y donde no hay cabida para que los personajes salgan del estereotipo. Matt Damon es un buen héroe por accidente porque es majete y solvente en las escenas de acción, pero los flashbacks de su niñez insertados para simpatizar con él son tan manidos y cursis que no cumplen con su cometido. Tampoco se le saca todo el partido posible a una Jodie Foster en el papel de zorra despiadada y elegante que tan bien se le da; en cambio, Sharlto Copley se alza como el mayor villano de la historia en su recreación de un salvaje y demente mercenario tan obstinado como un Terminator. El resto de personajes ejercen poco más que una función de soporte del protagonista, por ejemplo, Alice Braga como su interés romántico y Diego Luna como el mejor amigo.

No sabemos hasta qué punto Blomkamp ha tenido que hacer concesiones de cara al estudio, pero lo cierto es que Elysium resulta un tanto decepcionante, sobre todo si la comparamos con su hermana mayor. En District 9, consiguió que simpatizáramos con unos extraterrestres con aspecto de gamba gigante y aquí no le queda otra que tirar del carisma de su estrella protagonista y de recursos sentimentaloides. No es mala película, pero a pesar de su ambición se trata de una obra menor en la que acción y crítica social están descompensadas. Esperemos que con su siguiente trabajo, para el que vuelve a contar con un pequeño presupuesto, Blomkamp vuelva a recuperar el equilibrio.

6/10

O.C: La fiera de mi niña (1938)

¿De qué va?: David Huxley es un tímido paleontólogo que está a punto de reconstruir el esqueleto de un brontosaurio y de casarse con su anodina secretaria. Pero un día, durante un partido de golf con el abogado de una solterona millonaria que podría invertir en el museo donde trabaja, conoce por casualidad a Susan Vance, una joven adinerada y caprichosa que lo manipulará para poder mantenerse cerca de él.

Reputación: La screwball comedy apareció en Hollywood como una comedia romántica alocada que aplicaba un tono slapstick a la eterna lucha de sexos y retomaba un erotismo más acorde con la sofisticación libertina de la época anterior a la implantación del código Hays de censura. Las películas fundadoras de este subgénero fueron Sucedió una noche (1934) y La comedia de la vida (1934), pero una de las más recordadas y aclamadas es Bringing Up Baby (La fiera de mi niña). El filme estaba basado en una historia corta publicada en un número de la revista Collier’s, de cuya adaptación cinematográfica se encargó de realizar Howard Hawks, quien contrató a la propia autora del relato, Hagar Wilde, y a Dudley Nichols, habitual colaborador de John Ford, para que escribieran el guión. Por aquel entonces, Katharine Hepburn ya arrastraba varios fracasos de taquilla, pero mantenía un contrato con la RKO, y dado que el personaje de Susan Vance tenía muchos puntos en común con la actriz, fue la opción más evidente. Sin embargo, Hawks se quejaría después de que la actriz se esforzaba demasiado en ser graciosa, y que por eso le costaba coger el tono de la película. Para el protagonista masculino se pensó en Cary Grant, que ya había coincidido con Hepburn en La gran aventura de Silvia (1935).

El rodaje del filme fue divertido y distendido, lo que provocó que se alargara más de lo previsto y que los costes aumentaran. Aunque la cinta funcionó en los pases previos, los resultados en taquilla no fueron los esperados y ni siquiera consiguió recuperar el dinero invertido en ella. Como consecuencia, Hawks fue despedido de la que iba a ser su siguiente película, Gunga Din, y Hepburn tuvo que rescindir su contrato con el estudio y admitir que era veneno para la taquilla, tal y como la había etiquetado el gremio de exhibidores. Sin embargo, a día de hoy La fiera de mi niña está considerada como una de las películas más míticas del Hollywood clásico.

Comentario: Me gusta mucho la screwball comedy. Puede que me pierda la mitad de gags por la velocidad en la que son lanzados a través de sus vertiginosos diálogos, pero me seduce el ritmo constante, los dobles sentidos y el ingenio que la caracterizan. Sin embargo, y a pesar de no quitarle todo el crédito que se merece, La fiera de mi niña no me ha terminado de conquistar. No sé si es porque las locuras de su trama se estiran demasiado en la narración hasta que pierden la gracia o porque el personaje de la Hepburn me repele en vez de conquistarme por su exceso de energía y entusiasmo, pero no me lo he pasado tan bien como esperaba. Como máximo exponente de la screwball comedy, me decanto sin duda alguna por Arsénico por compasión.

Próximo visionado: Qué verde era mi valle (1941)

Luz, fuego, destrucción

Dir.: Guillermo del Toro
Int.: Charlie Hunnam, Idris Elba, Rinko Kikuchi, Charlie Day, Burn Gorman, Ron Perlman, Clifton Collins Jr., Max Martini, Robert Kazinsky
¿De qué va?: Para combatir a los Kaiju, unas monstruosas criaturas que comienzan a salir del mar e inician una guerra mundial que acabará con millones de vida, la raza humana crea unos enormes robos para hacerles frente, los Jaegers, que son controlados simultáneamente por dos pilotos cuyas mentes están alineadas por un puente neuronal.

Comentario: Monstruos contra robots gigantes. Así se puede resumir perfectamente el argumento del nuevo trabajo de Guillermo del Toro, quien a pesar de haberse mantenido muy activo como productor, no había estrenado nada como realizador desde la secuela de Hellboy, hace 5 años. Pacific Rim no parte de ningún material previo, pero es un cruce a la vez que homenaje del cine oriental de monstruos gigantes, con Godzilla en cabeza, y del de robots gigantes, con la saga Transformers como actual referente. Una combinación muy friki, para qué negar lo evidente, que entusiasmará a los nerds y ahuyentará a los que hayan salido escarmentados de las películas de Michael Bay y del cine palomitero en general, pero la buena noticia es que el filme de Del Toro viene con capacidad para sorprender a los más escépticos.

La historia es sumamente simple, pero funciona bien para mantenernos lo suficientemente entretenidos durante los “tiempos muertos” que transcurren entre las grandes secuencias de acción en las que está sustentada la película. Se echa en falta alguna batalla que transcurra a plena luz del día, pero todas lucen de forma espectacular e incluso resultan elegantes; Del Toro las ha dirigido con una cámara firme, exenta del tembleque que se está adueñando de las cintas de acción actuales, y se vale de la escala, el sonido y la lentitud de los movimientos para que sintamos de primera mano la grandiosidad de sus artefactos y bicharracos. Puede que salgamos del cine un poco sordos ante tanto estruendo, pero también tendremos la sensación de que hemos estado frene a algo monstruoso y colosal de verdad en vez de ante juguetes destroza-edificios.

Del Toro también presta atención al componente humano de la historia y aunque los personajes no se salgan del arquetipo sus relaciones están bien trazadas y el reparto es atractivo y fresco, quizás porque no cuenta con estrellas de Hollywood. Charlie Hunnam cumple como el clásico héroe cuyo principal enemigo es su propia arrogancia, pero resultan más interesantes Rinko Kikuchi, cuya versión infantil protagoniza un flashback que supone uno de los mejores y más poéticos momentos de la película, y sobre todo Idris Elba, que se vale de su imponente presencia para demostrar que con un simple chasqueo de dedos se puede convertir en el dueño y señor de todo el espectáculo. Pacific Rim también goza de una eficiente vertiente cómica que proviene de la divertida subtrama protagonizada por el carismático Charlie Day, con cameos hilarantes incluidos en el paquete.

A decir verdad, Pacific Rim es uno de los blockbusters más sólidos de este verano porque da justo lo que promete: una espectacular y testosterónica batalla entre bicharracos y robots a lo Mazinger Z que no provoca vergüenza ajena, dirigida con sumo cariño y orgullo friki. En un mundo justo, habría sido un éxito en todos lados y no se estaría haciendo una cuarta parte de Transformers, pero espero que el éxito cosechado especialmente en el mercado asiático (dónde si no) le garantice una secuela en la que Del Toro pueda pulir los defectos y llevar la contienda a un nivel superior. Sin duda lo merece.

7/10

De birras y colegas

Con Drinking Buddies inauguro una nueva sección en el blog titulada “Cine en la red” dedicada a esas películas que se encuentran en el limbo de la distribución cinematográfica: ni tienen fecha de estreno en cines ni en el mercado doméstico, al menos en España. Hasta ahora las había comentado bajo la etiqueta de “Cine en DVD”, lo cual era algo inexacto, pero también es verdad que en breve la dinámica del blog cambiará bastante, pero ese tema lo dejamos para más adelante.

Drinking Buddies es un filme independiente que se estrenará el próximo viernes en los cines norteamericanos, pero que ya se puede visionar en los servicios de Video on Demand de dicho país, de ahí que se pueda encontrar en la red en perfecta calidad. Joe Swanberg es director y guionista de esta historia centrada en Lucas y Kate, dos colegas que trabajan en una cervecería y que comparten momentos de risas, bromas privadas y mucha cerveza, pero más allá de su complicidad no hay nada porque ambos tienen pareja, pero tras una escapada de fin de semana a la playa todo cambiará entre los cuatro.

Drinking Buddies tiene muchos puntos en común con El amigo de mi hermana. Ambas se han rodado con cuatro duros, están centradas en las relaciones de un grupo pequeño de personas y, lo que es más importante, se han rodado con un gran nivel de improvisación. El director le dio a los actores un boceto del argumento y el orden en el que los acontecimientos tenían que tomar lugar, pero el resto fue improvisado sobre la marcha. Con esto se crea una sensación de realismo e intimidad inauditas pero que también supone un arma de doble filo: nada de frases antológicas ni de diálogos ingeniosamente elaborados a lo Woody Allen o Aaron Sorkin, sólo personas charlando, discutiendo o balbuceando como tú, como yo y como cualquier hijo de vecino.

El problema es que todo es tan terrenal que cuesta conectar emocionalmente con lo que narra. La mayoría de la gente dirá “es que no pasa, se pasan toda la película bebiendo cerveza”, y es verdad, pero también hay que estar muy pendientes de cada gesto, cada mirada y cada frase que no se dice para captar todo por lo que le ronda por la cabeza a los personajes. Lo mejor de la película es la dinámica entre Olivia Wilde y Jake Johnson, quienes han forjado una química totalmente creíble, casi palpable. Ella está muy bien en el papel más agradecido de su incipiente carrera en el cine, donde hasta ahora no había podido hacer mucho más que el papel de tía maciza. Aquí no sólo sale naturalmente bella sino que demuestra unas dotes como actriz con las que puede sorprendernos en los proyectos adecuados.

Anna Kendrick y Ron Livingston tienen una participación más reducida, casi de soporte de la pareja central, pero también cumplen sobradamente. Drinking Buddies es una pequeña película que tiene el problema de no exprimir todo su potencial, pero que funciona como historia cercana y despojada de los tópicos de la comedia romántica made in Hollywood sobre la amistad y de cómo puede verse afectada cuando se produce tensión sexual, de si merece la pena arriesgarse o no en resolverla y de las cosas que buscamos y necesitamos de una pareja. Al final, todo se reduce a la siguiente cuestión: ¿Es conveniente embarcarse en una relación con tu mejor amigo, con cerveza y sin ella?

6’5/10

Levantarse por uno mismo

Parece que la crisis a los 30 en las mujeres es un tema que puede dar para mucho. Si el otro día hablamos de The Lifeguard, sobre una chica que a los 29 años sufre una crisis vital y decide regresar a su ciudad natal a revivir su adolescencia, hoy toca hablar de Lola Versus, que gira en torno a otra fémina a punto de cumplir los 30 cuya vida da un completo revés cuando su prometido la abandona tres semanas antes de su boda. La joven intenta sobreponerse a la ruptura con la ayuda de sus amigos y conociendo a gente nueva, al tiempo de que se da cuenta de que no tiene muy claro qué hacer con su vida.

Lola Versus, dirigida por el no muy conocido Daryl Wein (Breaking Upwards), es una película que ha pasado muy desapercibida por los cines y que no ha entusiasmado especialmente a la crítica. Se la ha acusado de modernilla y de congregar los tics propios de la comedia indie norteamericana, a saber: protagonista muy cool, personajes excéntricos, banda sonora alternativa, ambientada en los lugares más bohemios de la ciudad de Nueva York, referencias cultas y frases de listillo, etcétera. Todo muy en la línea de la televisiva Girls. Y aunque no les falte razón, lo cierto es que el filme no me ha parecido uno más del montón porque lo que cuenta me parece muy cercano y real y su envoltorio no me molesta en absoluto.

Como se decía al principio de (500) días juntos (con la que Lola Versus comparte productores), esto no es una historia de amor, sino el viaje de autodescubrimiento de una chica que no sabe qué hacer con su vida cuando debe dejar de pensar en pareja para hacerlo por sí misma. A todos nos ha pasado lo que a ella, sentirnos tan descolocados que empezamos a actuar por inercia, sin pensar muy bien en lo que hacemos y en el daño que le causamos a los demás. Lo mejor de Lola Versus es que, al contrario que la gran mayoría de comedias románticas, defiende la idea de que la felicidad hay que encontrarla dentro de uno mismo en vez de en otra persona, desmontando ese viejo mito Disney de que cuando por fin hallemos nuestra media naranja todos nuestros problemas se resolverán.

No quiero acabar sin alabar la interpretación de su protagonista, Greta Gerwig, nueva musa del cine indie americano. Gracias a ella resulta muy fácil empatizar con Lola aunque en el fondo no sea más que una hija bastarda de la egocéntrica y cosmopolita Carrie Bradshaw. Gerwig se muestra sumamente encantadora, simpática y natural, todo lo contrario a si la película hubiese sido protagonizada por Katherine Heigl. También hay que destacar la participación del próximo Robocop y protagonista de The Killing, Joel Kinneman, en el papel del prometido a la fuga, y la de Zoe Lister Jones como la clásica mejor amiga graciosa y pirada. En resumen, Lola Versus merece un visionado aunque puede que los fans de la comedia romántica más tradicional se sientan ultrajados ante su ensalzamiento del invidualismo.

7/10

O.C: Ran (1985)

¿De qué va?: En el Japón medieval, el poderoso rey Hidetora decide abdicar y repartir sus dominios entre sus tres hijos. El menor considera que la idea es absurda y que sólo servirá para causar problemas, lo que provoca la ira de su padre y que lo desherede. Muy pronto se dará cuenta de su error: la ambición hará que sus hijos mayores inicien una guerra para hacerse con el poder absoluto.

Reputación: Aunque Ran (que significa caos o tumulto) ha sido siempre considerada como una adaptación libre de la obra El rey Lear de William Shakespeare, Akira Kurosawa tuvo otra influencia a la hora de concebir la película: la parábola de la época Sengoku sobre el señor de la guerra Mori Motonari, quien tuvo tres hijos que le fueron leales durante toda la vida. Sin embargo, Kurosawa se preguntó qué hubiera pasado si esto no hubiera sido así. El director empezó a escribir el guión a mediados de la década de los 70, tras su intento de suicido por el fracaso de Dodesukaden (1970) pero después de haber obtenido el reconocimiento internacional gracias a Derzu Uzala (1975). Ran fue ideada como la producción de mayor envergadura rodada en Japón y, quizás, la última película de su director, aunque acabaría dirigiendo tres filmes más a posteriori. Antes de rodar Ran, Kurosawa tuvo que encargarse de Kagemusha, la sombra del guerrero (1980) con la que trazó ideas que desarrollaría más tarde en su película soñada y con la que logró convencer al productor francés Serge Silberman de que financiara parte de los 12 millones de dólares que costó la producción.

Casi tres años fueron requeridos para sacar adelante Ran: se diseñaron y fabricaron alrededor de 1.400 uniformes de todo tipo, casi todos confeccionados a mano; se mandó a construir un castillo con los mismos materiales que se utilizaban 500 años antes; se contrataron más de 1000 extras y se usaron 2000 caballos procedentes de Estados Unidos; y se consiguió rodar en dos de los castillos más importantes de Japón, Kumamoto y Himeji. Fue un rodaje duro y largo que tan sólo se detuvo un día como señal de luto por el fallecimiento de Yôko Yaguchi, la esposa de Kurosawa durante casi cuarenta años. Ran ganó muchos premios a nivel internacional, incluyendo un Oscar al mejor vestuario (también fue nominada a mejor director, fotografía y dirección artística).

Comentario: Debo admitir que no afronté Ran con demasiado entusiasmo e interés, pero la verdad es que me ha sorprendido para bien. Cuenta con un trama muy interesante que gira en torno a las consecuencias de la ambición desmesurada (atentos a la impagable femme fatale que es la esposa del hermano mayor), un diseño artístico impecable y a pesar de que dure más de dos horas y media no se me hizo pesada en absoluto, aunque hay escenas que podrían haberse quedado en la sala de montaje como muchos de los ataques de locura del patriarca. Eso junto a su a veces excesiva afectación, lo cual achaco más a la nacionalidad que a la herencia teatral, son los dos puntos flacos que le encuentro a esta impresionante, pesimista y trágica película con secuencias para el recuerdo; mi favorita: el sangriento e hipnótico asalto al castillo sin sonido, tan sólo acompañado de la música.

Próximo visionado: La fiera de mi niña (1938)

Crisis de verano

El regreso a la ciudad natal es uno de los recursos más utilizados en el cine, sobre todo en el cine independiente, para abordar la crisis vital de la vida adulta. Cuando todo no marcha como uno lo esperaba no hay nada mejor que reconectar con el pasado para salir del bache existencial. Así al menos lo hemos visto en películas como Beautiful Girls, Algo en común, Elizabethtown o en la maravillosa Young Adult, que le dio al tema un perverso giro de tuerca. Más convencional resulta el regreso a casa de Leigh, la protagonista de The Lifeguard, ópera prima de la también guionista Liz W. García.

Leigh es una periodista de Nueva York a la que le queda poco para cumplir 30 años y que al borde de la depresión decide dejar su trabajo y regresar a su ciudad, Connecticut, e instalarse indefinidamente en casa de sus padres. Allí buscará trabajo como socorrista de una piscina local, se pondrá en contacto con sus viejos amigos, que tampoco están pasando por el mejor momento de sus vidas, y entablará una especial relación con el hijo de 16 años del encargado de mantenimiento. Básicamente, Leigh huye de su existencia gris como adulta e intenta revivir su época de adolescente, teniendo un trabajo de estudiante y haciendo locuras varias.

La película se pone interesante cuando se centra en el contraste que se produce entre la protagonista, que añora la vida sencilla de su ciudad natal, con la de los chavales de la región, que sueñan con escapar de sus rutina y dramas familiares para vivir en cualquier otro lugar. En el medio se encuentran los amigos de Leigh, un treintañero armarizado con miedo a salir al exterior y la subdirectora del colegio, frustrada por sus intentos fallidos de ser madre y lo incomprendida que se siente respecto a su marido. La trama de The Lifeguard toca temas interesantes pero es incapaz de convertirlos en algo verdaderamente especial y atractivo, además que de la dirección de Liz W. García resulta muy amateur, no muy alejada de los telefilmes de sobremesa, y con tendencia a poner canciones cada dos por tres.

El principal reclamo de la cinta reside en Kristen Bell, una actriz a la que le sobra carisma y encanto pero que no ha terminado de encontrar su lugar en el cine. Desde luego que The Lifeguard es mejor elección que las comedias bobaliconas de Disney que protagonizó hace unos años, pero a pesar de su más que correcta interpretación, lamentablemente esta película no supondrá su despegue definitivo. De la galería de secundarios habría que destacar la presencia Mamie Gummer, hija de Meryl Streep (la nariz es igualita) que está intentando labrarse una carrera lejos de la sombra de su madre. The Lifeguard no es especialmente reseñable pero como pasatiempo ligero no está mal, aunque poco aportará a los que también se estén replanteando sus vidas. Recordad que como la comida que hace mamá, ninguna.

5’5/10