31/5/11

El rincón de Chechu: Arte de artes

No es la melancolía, no es el pasado, no es el dolor. Qué llaves misteriosas posee y qué puertas abre con ellas, qué sensaciones de días olvidados revive, qué lágrimas rescata y vuelve a echar a rodar sobre las mejillas. No es la tristeza, no es el amor, no es la mentira. Qué palabras hace callar y cuánto tiempo acompaña. Sobre la hierba húmeda de una mañana de verano, a través de la ventanilla del coche, en la soledad nocturna de una habitación, entre las paredes oscuras de un bar. Nunca se esconde, nunca se extraña porque siempre está ahí. Acompañándonos fiel, creciendo, cambiando, permaneciendo de la misma forma que crecen, cambian y permanecen los corazones.

Todavía guardo recuerdos de infancia en los que había un jardín, sillas, vasos de vino y gente sentada en círculo. Casi puedo sentir ahora las notas vibrando, las palabras poderosas sobre el acorde, el nítido timbre de mi abuela en el atardecer, elevándose sobre los árboles de la casa y volando sobre la ría, allá hacia la otra orilla, hacia lo que a mí me parecía, a esa ingenua edad, el otro lado del mundo. Y el viento casi sin soplar, moviendo tan sólo algunas hojas, el sol enrojeciéndose cada vez más sobre la línea de mar, esa línea horizontal que separa los dos azules de la vida. Las tardes y noches de verano cantaban en mi jardín. Ahora desgraciadamente ya no están aquellas guitarras ni aquellas voces, agudas o poderosas, emocionantes o graciosas, gallegas siempre; pero ha quedado en mí el amor por la música, evolucionando y transformándose conmigo, sintiendo y llorando y riendo las mismas cosas que yo.

No Direction Home 
Hoy les hablaré de la voz y de los versos de un maestro que vive conmigo desde hace tanto y que me ha guiado cuando iba sin dirección. Les hablaré de él mientras me mira desde esa fotografía en blanco y negro junto a la ventana. Inmortal, ajeno a los setenta años que ha cumplido hace unos días. Sencillo, con la luz de esta tarde gris iluminando su guitarra. Concentrado, tímido, genial, Dylan.

Poster No Direction HomeNo Direction Home es un documental espléndido, pero también es un  verso alentador que recorre los caminos con nosotros a la vez que avanzamos. ¿No les ocurre que, de todas las veces que han escuchado una canción, hay una que se queda para siempre grabada en su memoria? Yo he oído Like a Rolling Stone infinidad de veces, pero nunca como hace algo menos de un año. Había pasado ocho horas sentado sobre el Atlántico, adormecido por los motores del avión, aplanado por dos niños pequeños, ruidosos como el infierno, que tenía sentados junto a mí. Estábamos llegando al aeropuerto de Nueva York y yo miraba por la ventanilla con esa ilusión infantil de descubrir de pronto la ciudad elevándose sobre el mundo. Entonces ocurrió uno de esos instantes mágicos que lo dejan a uno sin aliento: el skyline abriéndose salvaje a mis ojos a la vez que Bob Dylan me decía al oído "How does it feel, to be on your own, with no direction home". Y qué quieren que les diga. Lloré sin poder evitarlo.

No Direction Home3Pero bueno, a lo que iba. Todo aquel que haya escuchado alguna vez una  canción de Dylan debería ver No Direction Home. En él se refleja el viaje de un mito desde sus tiernos inicios hasta su fama mundial, se retrata la lucha de un artista sencillo y profundamente sensible por el hombre y por la justicia, pero sobre todo por la música. Porque es un documental valiente: aborda de pleno las críticas al cantante, tanto las polémicas por su falta de compromiso social en algunas ocasiones como el vacío al que le condenó su público original tras dar el famoso giro del folk al rock, introduciendo a la armónica y a la guitarra sonidos eléctricos y baterías. Por lo que significó en su nacimiento y la sensibilidad que demostraba en sus acordes cercanos y sus letras poderosas, algunas personas no entendieron el cambio: para ellos era una traición. Sin embargo, la historia ha demostrado que ese chiquillo de pelo largo y mirada perdida no estaba moviéndose de un género a otro o asesinando uno con las huellas del otro. Estaba evolucionando y aportando al mundo de los cantautores una nueva visión, un nuevo camino. Y todo este proceso lo escuchamos de primera mano, en material inédito y con entrevistas sorprendentes e íntimas, de los propios labios del genio.

No Direction Home4 
De todas formas, no sólo se centra en eso. Recorre las carreteras que recorrió y traza un dibujo perfecto, de contornos nítidos, sobre lo que fue, lo que es y lo que pretende ser el cantante. Cuáles son sus motivaciones, sus miedos, de qué forma compone, qué opina sobre la música y sobre muchos otros temas, cómo eran sus giras, quién lo amó o quién lo detestó, a quién quería o a quién aborreció. El retrato -o autorretrato, más bien- de un genio de nuestro tiempo, de quizás el mejor cantautor del siglo XX. Pero no se puede decir más porque cada persona conoce a un Dylan diferente. Todos tenemos el nuestro, empapado de nuestra propia vida, Blowing in The Wind o Maggie's Farm significan cosas muy distintas para cada uno de nosotros. Masters of War no será lo mismo para un argentino que para un español, y en Song to Woody el protagonista puede ser otro cantante o puede ser nuestro propio padre. Por eso No Direction Home es un punto de origen, una referencia, el anclaje real de tantos sueños y tantos recuerdos en la lluvia.

No Direction Home2 
Qué voy a decir que no se halla dicho ya sobre la música. Escoge sin que nos demos cuenta los instantes más pequeños y valiosos y los lleva de la mano allá donde estemos, nos sorprende con ellos en las situaciones más desesperadas o en las calles más llenas de gente. Es lo que oímos dentro de nosotros, con esa capacidad única de unir e individualizar, con esa fuerza sobrenatural que sublima las banalidades, que recarga las almas y llena los cuerpos de calor, que sube en el ascensor anodino o lleva muy lejos los pensamientos. Que emociona y hace sentir, y hace amar, y cría a los niños y enamora a las parejas. Que remueve conciencias. Que se eleva sobre los países. No es miedo y no es alegría, no es nostalgia y no son lágrimas, no es amor y no es emoción: es vida.

29/5/11

Los amigos de Ludo

CARTEL def
Dir.: Guillaume Canet
Int.: François Cluzet, Marion Cotillard, Benoît Magimel, Gilles Lellouche, Jean Dujardin, Laurent Lafitte, Valérie Bonneton, Pascale Arbillot
¿De qué va?: Un grupo de amigos tiene la costumbre de pasar juntos las vacaciones de verano. Este año deciden no romper la tradición a pesar de que uno de ellos, Ludo, ha sufrido un terrible accidente días antes de partir. Ya en la playa, deberán afrontar esas pequeñas mentiras que se cuentan los unos a los otros y que ponen en peligro su amistad.

Reseña: Dicen que la industria del cine francés goza de muy buena salud, tanto por lo bien que se vende fuera de sus fronteras como por la excelente acogida que suele tener entre sus congéneres, algo que ocurre de manera muy irregular, sin ir más lejos, en España. La película más taquillera del 2010 en Francia no fue Origen ni Toy Story 3 sino una comedia dramática generacional titulada Pequeñas mentiras sin importancia (Les petits mouchoirs) dirigida por Guillaume Canet, conocido por su amplia faceta como actor y por ser el que comparte catre con Marion Cotillard, la cual protagoniza esta película junto a otros reconocidos intérpretes galos. ¡Qué se le va a hacer! Ellos tienen a Guillaume Canet y nosotros a Santiago Segura.

Pequeñas mentiras sin importancia 
Demagogias aparte, Pequeñas mentiras sin importancia no cuadra dentro de lo que se puede considerar una película destinada al taquillazo: es una comedia dramática que dura dos horas y media y ni siquiera es lo suficientemente cómica o banal como para arrastrar a un público masivo, pues trata temas como la infelicidad, la inmadurez o la muerte sin edulcoramientos, pero los más de 32 millones de euros recaudados en Francia vienen a certificar las simpatías del pueblo galo respecto al filme. En cierto modo es comprensible, porque la película te convierte en uno más de ese heterogéneo grupo de amigos en el que podemos ver reflejados a nuestros conocidos o incluso a nosotros mismos, además de identificar esas pequeñas mentiras que nos sirven para autoengañarnos, aunque tarde o temprano acaben por ocasionar ese daño que tanto esquivábamos.

Pequeñas mentiras sin importancia3 
En general todos los personajes muestran algún síntoma de inmadurez, pero de manera individual cada uno parte de un estereotipo en concreto (el fiestero, el mujeriego, la liberal, el obseso del control, la ecologista…) pero quizás gracias a su abultado metraje no se quedan encallados en un boceto sino que se desarrollan y se les coge cariño rápidamente gracias  al magnífico trabajo del elenco al completo; es como si de verdad les uniera un longevo vínculo de amistad, que también podría ser.

Pequeñas mentiras sin importancia2 
Se trata de la tercera película que dirige Guillaume Canet, y ya muestra un gran manejo del lenguaje cinematográfico: desde el impresionante plano secuencia que desencadena la acción de la película hasta esos momentos de intimidad entre colegas, sabiendo siempre dónde colocar o cómo mover la cámara para captar la esencia del momento. Llegado el desenlace se le va un poco la mano con el sentimentalismo, al igual que le pasa con el metraje pese a que en ningún momento se vuelva pesado, pero al menos nos queda una exaltación de la amistad un poco idealizada quizás, pero sincera y honesta, que te hace sentir bien y afortunado por tener a los que consideras como amigos auténticos, pese a que siempre haya ese trasfondo amargo de que hay cosas que incluso la amistad no puede superar, por muy positivo y buenrollista que se ponga Canet al final.

7’5/10

28/5/11

Romances alternativos ‘made in Hollywood’

Si una película indie americana pasa desapercibida en su país de procedencia su exportación al resto del mundo se tornará muy complicada. Lo más probable es que pase por las carteleras sin pena ni gloria o que vaya directamente al mercado doméstico, en ambos casos con mucho retraso respecto a su estreno norteamericano. Management y Gigantic son dos comedias románticas independientes que datan del 2008, son de directores debutantes, tienen repartos atractivos y han aparecido por sorpresa tres años después en las estanterías de los pocos videoclubs que quedan, o ni eso, porque Management ha sido retrasada en el último momento.  Y luego se preguntan por qué recurrimos a las descargas ilegales…


Poster ManagementSue es una vendedora de arte barato que durante su estancia en un motel conoce al encargado de mantenimiento, Mike, hijo de los propietarios del establecimiento. Tras un pequeño acto carnal que no significa nada para ella, Mike se enamora sin remedio y decide seguirla por todo el país.

Es una lástima que Management, ópera prima del guionista y dramaturgo Stephen Belber, haya pasado tan inadvertida a diferencia de las burdas comedias románticas que estrena Jennifer Aniston con gran éxito cada cierto tiempo.  Con esta película la eterna Rachel Green retoma esos papeles que le ha brindado el cine independiente (The Good Girl, Amigos con dinero) para distanciarse de ese prototipo de heroína romántica al que se ha acomodado. Además, crea una química con el infravalorado Steve Zahn mucho más interesante y atractiva que la que ha tenido con otros de sus partenaires como Adam Sandler o Gerard Butler. Management gira en torno al choque de personalidad entre ambos personajes, la forma en la que él va rompiendo el muro que ella ha construido a su alrededor para mantenerse separada del mundo, al tiempo que cada uno intenta madurar en vano a su manera.

Management 
No es una película de muchas risas ni de gran calado dramático pero consigue enganchar por el carácter entrañable de la relación de los protagonistas, como en una de las mejores escenas del filme, en la que Aniston le da una inyección de realismo a Zahn entre lágrimas. No obstante, Management también congrega algunos ‘tics’ del cine indie, caso de varias marcianadas o de Woody Harrelson haciendo de sí mismo (¡otra vez!), pero la verdad es que sin ser nada del otro mundo es una película bastante peculiar y curiosa de ver.

6/10


Poster GiganticUn chico que desde pequeño tiene el deseo de adoptar un niño chino, una tienda de colchones, un padre anclado en los años 60, un vagabundo psicópata, un orondo judío con problemas de espalda, una chica con miedo a madurar… Son algunos de los ingredientes de Gigantic, una comedia indie dirigida por el desconocido Matt Aselton que lamentablemente se queda en medio de la nada.

Y es que después de haberla visto no me ha quedado muy claro qué pretendía contar el director. A la trama romántica no se le da la envergadura necesaria y las demás subtramas quedan demasiado dispersas, sin que desemboquen en algo que tenga un sentido completo. Se esfuerza demasiado en transmitir extravagancia por los cuatro costados pero se olvida de dar consistencia a la historia.

Gigantic 
La pareja protagonista es atractiva, pero hemos visto a ambos haciendo mejores versiones de los mismos personajes en otras películas: Zooey Deschanel en (500) días juntos y Paul Dano en Pequeña Miss Sunshine, donde tenía más carisma que en ésta aunque se pasara casi toda la película sin abrir la boca.  Gigantic tiene algunas cosas rescatables pero en general es un batiburrillo de rarezas y pijadas que no conducen a ninguna parte.

4’5/10

27/5/11

O.C: Breve encuentro (1945)

Poster Breve encuentro

¿De qué va?: Laura Jesson es una madura mujer casada madre de dos hijos que vive feliz con sus obligaciones, hasta el día en el que conoce casualmente en la estación del tren a Alec Harvey, un médico también casado con el que vuelve a encontrarse en el mismo lugar cada jueves. Entre ellos nacerá un amor prohibido por sus restrictivos matrimonios y el conservadurismo social.

Reputación: Breve encuentro fue una de las primeras películas que rodó David Lean antes de ponerse al frente de grandes superproducciones como Lawrence de Arabia o Doctor Zhivago. Fue la película que le otorgó el prestigio internacional, a lo que contribuyó una de las primeras Palmas de Oro concedidas por el Festival de Cine de Cannes y tres nominaciones a los Oscar: mejor director (la primera ocasión en la que un director británico era nominado), actriz protagonista (Celia Johnson) y guión, el cual estaba basado en una pieza teatral de Noël Coward, que también colaboró en la adaptación de algunas de sus obras llevadas a la gran pantalla por Lean, como Sangre, sudor y lágrimas, La vida manda o El espíritu burlón.

Breve encuentro 
Comentario: A través de una confesión fantaseada por una esposa aparentemente perfecta y atenta descubrimos la relación prohibida y oculta de dos personas corrientes que no sabían lo que era la felicidad hasta el momento en el que se encontraron. El romance es discreto, apocado, de miradas que se cruzan y gestos vacilantes, pero en el fondo es tan apasionado y las interpretaciones de los actores tan auténticas que nos es imposible desdeñar a esta inocente pareja condenada al fracaso. Si ya de por sí es una película con inmensos valores artísticos, sienta el precedente de filmes posteriores cuyos protagonistas se debatían entre una vida acomodada de una felicidad superficial o arriesgarse a dejar todo atrás y empezar una vida diferente sin garantías de no haber cometido un error. Unos se atrevieron a saltar al vacío mientras que los otros se quedaron en la misma situación que la protagonista de Breve encuentro, pensando qué hubiera pasado si…

Próximo visionado: ¿Quién puede matar a un niño? (1976)

24/5/11

El rincón de Chechu: Huyamos

V-FX-0009 
Vemos la vida avanzar como quien mira un escaparate, y no nos damos cuenta de lo que sucede alrededor. Nuestra mirada es azarosa, errática, se clava en las cosas más banales y se dirige hacia los carteles más llamativos, dejando fuera todo lo demás que está ahí pero no se ve, todas las ambiciones y todas las ideas, y todas las morales y objetivos a los que el hombre debería tender. No sé si será por el inevitable transcurrir del tiempo, por la inercia que llevamos todos juntos desde hace tanto hacia ningún sitio, o por nuestra propia degradación como sociedad o como especie. El camino mal entendido hacia el progreso y el bienestar es demasiado rápido y demasiado cómodo. Las vidas, las mentes, los corazones se atrofian y se dejan ir. El ruido, los cristales, las oficinas. Velocidad, vorágine, descontrol.

No puedo pensar con claridad. Después de un fin de semana negro, azul y negro, en el que he llorado tanto por mi Dépor, después del examen de esta mañana y antes del que tendré mañana también, me doy un respiro donde mejor estoy. En mi casa, en mi cuarto, sentado en la silla acolchada desde la que les hablo cada semana, mirando las letras que nacen espontáneas en la pantalla, presionando con rapidez las teclas que me permiten plasmar lo que siento y que me rescatan y me guardan para siempre. La palabra escrita, gracias a dios, todo lo sobrevive. Así que hoy, en esta pausa de la rutina, voy a hablarles precisamente de lo que nos envuelve estos días. De todos esos escaparates y de todo ese maquillaje, de las caras, de las muecas, de los gestos de victoria y de la desoladora huella de la derrota. Hoy, cansado y atropellado por dos días grises, escribo sobre cine político.

V 
En primer lugar les diré que la venganza no es un plato que se sirva frío, y todo aquel que haya visto V de Vendetta lo sabe. V, el misterioso terrorista, vive escondido en las cloacas de una ciudad, Londres, convertida en capital de un estado totalitario y derechista, dominador de Inglaterra en un futuro hipotético (¿?). Lleva máscara y capa, toda una alegoría al hombre común de estos tiempos: anónimo, silencioso. Su misión es destrozar el gobierno, pero no sólo eso: su objetivo es reventar un sistema que asfixia a los ciudadanos y los dirige exactamente hacia donde quiere que estén, gracias al control absoluto de los medios de comunicación y a la concentración de poderes.

Poster V de Vendetta¿Les suena de algo? El hecho de que se trate de una película y la  veamos con la inevitable lejanía que imprime una pantalla de cine no consigue deshacer los paralelismos, los rasgos inequívocos que la desenmascaran como una crítica voraz y absolutamente genial de los propios sistemas en los que nos encontramos ahora. ¿Democracia? En absoluto. El oleaje que deslavaza nuestra sociedad está disfrazado de participación, de libertad de opinión y expresión, de cordialidad, pero nada más lejos de la realidad: nos encontramos sumergidos en una férrea partitocracia, en el control total de la sociedad por parte de los partidos políticos, que se sirven de los medios y de la falsa separación de poderes para ello. ¿Quiénes son nuestros políticos? No son, desde luego, brillantes, y no son tampoco honrados. Son gente común que un día fue joven y que se afilió a ciertas juventudes organizadas, son paisanos mediocres que estudiaron alguna carrera -logro nada dificultoso, por cierto- y que fueron trepando poco a poco, como víboras que se devoran, hacia las altas esferas. ¿Quién exige qué a un presidente del gobierno? Parece mentira que necesitemos títulos para conducir un coche y no para llevar un país. Qué diría Montesquieu si comprobase que el control legislativo, ejecutivo y judicial están copados por el mismo grupo. La Constitución de 1978 ha ido pudriéndose y alargándose, viéndose modificada por leyes como la de 1985, histórica en estos momentos por dar a los partidos la posibilidad de meter mano en el Tribunal Supremo, gracias al nombramiento de magistrados. Y así nos va.

MilkPero vámonos a otro filme en el que se comprueba cómo pueden  funcionar las cosas bien. Éste está basado en hechos reales, ambientado en el San Francisco de los años 70 y narra la historia de un homosexual -Sean Penn- que aspira a representar a su distrito en el ayuntamiento de la ciudad. Mi nombre es Harvey Milk, comienza diciendo en sus discursos. La actuación de Penn es buena, aunque personalmente no me la creí demasiado: demasiado forzada su feminidad, aunque en ningún momento deje de ser creíble. En ese aspecto me decanto sin dudarlo por James Franco, pésimo actor que no me interesa pero que en esa cinta demuestra cómo es un hombre gay del montón, sin estridencias ni tópicos, sin caídas de ojos ni movimientos exagerados de mano. Por otra parte, el guion falla y muestra unos hechos que podrían haber sido dotados de mucho más peso y emoción si se hubiese ahondado en los personajes más que en su efecto social. Pero no es ahí a donde quiero llegar: yo quiero resaltar el funcionamiento impecable de un sistema de elección personal, de un sistema de voto y representación por pequeños distritos y de un mecanismo que permite la libertad de expresión y de gobierno. Aquí nos entumecemos en las manos de un engranaje electoral bipolar y masificado, donde no se elige sino que se señala, donde no se participa sino que se legitima a la fuerza, donde la tan útil y demagoga palabra "consenso" se iza como una bandera vacía. Donde la participación y el destino se dejan en mano de imbéciles que tuvieron la suerte o la mala sangre de llegar hasta donde están.

Las uvas de la ira 
Las uvas de la ira expresa las consecuencias que pueden venir, pero las expresa en la gran depresión estadounidense de hace ochenta años. La historia nos lleva, de la mano de un inconmensurable Henry Fonda, a un paseo desolador y sucio por las miserables vidas de los obreros y campesinos de la América posterior al crack. Campos de cultivo sobrepoblados de hombres, casas deshechas y abandonadas, gente hacinada en campamentos improvisados, niños llorando de hambre, mujeres llorando de pena, hombres llorando de rabia, ancianos llorando de dolor. Y sin nada que hacer, ningún lugar al que acudir. Y lo más importante, ningún gobernante rico y despreocupado al que pedir explicaciones. Las personas sufriendo en sus carnes las consecuencias brutales del más salvaje capitalismo, que ya avisaba en sus inicios del cáncer que esconde en su interior. ¿Llegaremos a esa situación de nuevo? ¿Tendremos que vagar por los puertos gallegos, por los campos castellanos, por los olivares andaluces, en busca de un mísero duro que llevarnos al bolsillo?

Las uvas de la ira2 
Yo espero que no, aunque hoy esté desolado. La derecha ha ido estallando en traca por todo el territorio español. Ante la crisis económica, potenciar el consumo. Ante el desempleo, la banca. Ante la duda y el miedo, el libre mercado. Ahora las audiencias no son más que consumidores potenciales, las caras no son más que votos, los periódicos no son más que panfletos, los políticos no son más que mediocres listillos con poder. A qué punto hemos llegado. A dónde vamos a ir a parar. El capitalismo ladra de nuevo potente, feroz, salvador. Antes decía que miramos la vida como un escaparate. Espero que llegue el día en que sin querer alguien se vea a sí mismo reflejado en el cristal y distinga su pelo, su mirada vacía, su piel y sus manos de hombre, y dé la vuelta y salga corriendo y no vuelva nunca más.

22/5/11

Sobre una casa torcida, okupas y adictos al sexo

El festival de Cannes no sólo sirve para presentar algunas de las películas más importantes que veremos en los próximos meses, sino también para conocer nuevos proyectos que se presentan en él buscando vías de financiación y/o distribución. De algunos de ellos hablaremos en el presente bloque de noticias.

Maggie Gyllenhaal- Comenzamos con Voice From The Sky, un thriller sobrenatural que protagonizará Maggie Gyllenhaal (La niñera mágica y el Big Bang). Basado en una novela de Silvio Raffo y ambientado en Italia, cuenta la historia de una enfermera que cuida a un niño que le prometió a su madre moribunda no pronunciar palabra alguna hasta que regresara su espíritu, y como es de esperar, unas fuerzas malignas no tardan en hacer su aparición. Eric Howell dirigirá la película.

Pero antes de rodar Voice From The Sky, la hermanísima de Jake Gyllenhaal compartirá protagonismo con Viola Davis (Come, reza, ama) en Still I Rise, título provisional de un drama que dirigirá Daniel Barnz (Beastly) basado en hechos reales. Ambas actrices encarnarán a dos madres dispuestas a pasar a la acción para mejorar la educación pública en Estados Unidos. El rodaje arrancará mañana mismo en la ciudad de Pittsburgh.


- Otra que hará doblete en breve es Gemma Arterton (Tamara Drewe), pues ha sumado dos nuevos proyectos a su agenda. El primero es Crooked House, adaptación cinematográfica de la novela La casa torcida de Agatha Christie que dirigirá Neil LaBute (Un funeral de muerte). Julie Andrews (Rompedientes), Matthew Goode (Tenías que ser tú) y Gabriel Byrne (Aritmética emocional) también formarán parte del elenco de esta historia que gira en torno al asesinato de un millonario griego que vivía con todo su clan en una residencia de estructura inclinada, siendo todos sus familiares sospechosos del crimen. La película contará con 20 millones de dólares de presupuesto y comenzará a rodarse este verano.

Gemma Arterton 
El próximo mes de Octubre, Arterton se pondrá bajo las órdenes de Neil Jordan (Entrevista con el vampiro) para rodar Byzantium, película en la que la protagonista de Prince of Persia encarnará a una mujer vampiro que convierte a su hija, encarnada por Saoirse Ronan (Camino a la libertad), a su condición sobrenatural. Helena Bonham Carter (El discurso del rey), Ralph Fiennes (Harry Potter y las reliquias de la muerte: Parte 1) y Jeremy Irvine (War Horse) secundarán a las actrices. Este proyecto contará con menos de la mitad del presupuesto de Crooked House, 8 millones de dólares.


- Ryan Gosling (Blue Valentine) debutará como director con The Idolmaker, un remake de Forjador de ídolos. El actor también protagonizará el filme encarnando a un cazador de talentos musicales que busca a un cantante que interprete los temas que él compone mientras trabaja de camarero en el restaurante de su hermano. Se desconoce cuándo comenzará la producción, pues Gosling tiene otros rodajes pendientes de los que ya hemos hablado en semanas anteriores (Gangster Squad, The Place Beyond the Pines y el remake de La fuga de Logan).

Ryan Gosling


- El inagotable James Franco (Howl) será un abogado adicto a la cocaína en Cherry, drama que dirigirá Stephen Elliot sobre una chica de 18 años que se muda a San Francisco y encuentra trabajo en el mundo del porno. Aún no se sabe quién encarnará a la susodicha, pero otros actores que sí están confirmados son Heather Graham (Resacón en Las Vegas), Dev Patel (Airbender: el último guerrero) y Lili Taylor (Enemigos públicos). La primera será una antigua estrella del porno metida a directora, el segundo el mejor amigo de la protagonista, de la que está locamente enamorado, y la última encarnará a su alcohólica madre. El rodaje comenzará el próximo mes de Junio.

James Franco


- Se está preparando una curiosa adaptación moderna del cuento de Peter Pan que protagonizarán Aaron Eckhart (Campo de batalla: La Tierra), Sean Bean (Juego de tronos) y AnnaSophia Robb (La montaña embrujada). En esta ocasión, el Capitán Garfio será el detective Hook (Eckhart), que está tras la pista de un secuestrador de niños, para lo que contará con la ayuda de su jefe Smee (Bean) y de Wendy (Robb), la única superviviente que ha vuelvo del País de Nunca Jamás donde el psicópata lleva a sus víctimas. Ben Hibon, encargado del fragmento animado de Harry Potter y las reliquias de la muerte: Parte 1, dirigirá la película que llevará por título Pan.

Pan


- Julianne Moore (Los chicos están bien), Alexander Skarsgard (True Blood) y Steve Coogan (Los otros dos) encabezarán el reparto de What Maisie Knew, adaptación cinematográfica de la novela homónima de Henry Jones que dirigirán Scott McGehee y David Siegel (La huella del silencio). El relato se centra en una niña de seis años que sufre el divorcio de su madre, una estrella del rock (Moore), y su padre (Coogan), un merchante despistado. Skarsgard será el nuevo marido de la madre. El rodaje comenzará en Nueva York durante el mes de Agosto.

What Maisie Knew


- ¿Recuerdan que les hablé del nuevo proyecto del director Lee Daniels (Precious) titulado The Paper Boy, que iba a contar con Bradley Cooper y Alex Pettyfer como protagonistas? Pues cambien a estos dos por Matthew McConaughey (El inocente), Tobey Maguire (Brothers) y Zac Efron (Siempre a mi lado), que son quienes finalmente protagonizarán la cinta junto a Sofía Vergara (Modern Family). Recordemos que se trata de la adaptación cinematográfica de una novela de Pete Dexter sobre dos periodistas que investigan el caso de un condenado a muerte a petición de una mujer enamorada de éste, consiguiendo que se reabra el caso a través de actuaciones inmorales y poco éticas.

The Paper Boy

- Katie Holmes (Dawson crece) y Chace Crawford (Gossip Girl), actores pertenecientes a series juveniles de diferentes generaciones, serán pareja en Responsible Adults, comedia romántica que dirigirá Jon Poll (Charlie Bartlett). Holmes será una estudiante treintañera de medicina que se dará cuenta de que el joven de 22 años del que se siente especialmente atraída era el crío que cuidaba cuando trabajaba de niñera hace 15 años, lo que no supondrá ningún problema para él puesto que siempre estuvo enamorado de ella. La ciudad de Los Ángeles acogerá la filmación de la película a partir del próximo otoño.

Holmes & Crawford


- Colin Firth (El discurso del rey) y Emily Blunt (Destino oculto) serán una pareja de okupas en una comedia negra sin título que dirigirá Dante Ariola bajo un guión escrito por Becky Johnston (Siete años en el Tíbet). Firth interpretará a un hombre cansado de su vida que finge su propia muerte y adquiere una nueva identidad, conociendo a otra mujer (Blunt) que está en su misma situación, por lo que juntos deciden habitar casas vacías haciéndose pasar por sus propietarios.

Firth & Blunt


- Hace mucho tiempo se anunció un proyecto italiano para Penélope Cruz (Piratas del Caribe: En mareas misteriosas) titulado Venuto al mondo que la volvería a reunir con Sergio Castellitto, con el que ya colaboró en No te muevas. Pues por fin contamos con novedades, y es que el rodaje de la película comenzará el próximo mes de Septiembre y con Emile Hirsch (Destino: Woodstock) a bordo. La historia, basada en una novela escrita por Margaret Mazzantini, esposa de Castellitto, se centra en Gemma (Cruz), una mujer que viaja con su hijo a Sarajevo, donde murió el padre de éste (Hirsch), que trabajaba como fotógrafo de guerra.

Cruz & Hirsch


- Mark Ruffalo (Los chicos están bien) y Tim Robbins (City of Ember) serán dos hombres que se ayudan mutuamente cuando ingresan en un programa de 12 pasos para controlar su adicción al sexo en Thanks For Sharing, cinta que supondrá el salto a la dirección del guionista Stuart Blumberg (Los chicos están bien) y que contará con Edward Norton como productor ejecutivo. El rodaje comenzará en Otoño en Nueva York.

Ruffalo & Robbins


- Liev Schreiber (Salt) y Naomi Watts (Caza a la espía), matrimonio en la vida real, volverán  a coincidir en pantalla tras conocerse filmando El velo pintado en el drama pugilístico The Bleeder, donde también se dejará ver Christine Hendricks (Como la vida misma).La película nos contará la vida de Chuck Wepner, un boxeador famoso por un combate contra Muhammad Alí que sirvió de inspiración para la película Rocky. Jeff Feuerzeig (The Devil and Daniel Johnson) dirigirá el filme.

Liev Schreiber and Naomi Watts attend the after party following the 64th Annual Tony Awards at Rockefeller Center on June 13, 2010 in New York City.


- Nicole Kidman (Nine) se encuentra en negociaciones para protagonizar la nueva película  de James Wan (Insidious), creador de la saga Saw. Tan sólo se sabe que será un thriller sobrenatural titulado Spectre y que contará con un reducido presupuesto de 10 millones de dólares.

Nicole Kidman


- Chris Pine (Imparable) protagonizará Mud, película dirigida y escrita por Jeff Nichols (Take Shelter) que contará la historia de dos niños de 14 años que se encuentran con un fugitivo (Pine) al que ayudarán a escapar de la isla de Misisipi, al tiempo que aprenden cosas los unos de los otros y el prófugo encuentra el camino de la redención. Tendrá un tono similar al del filme Cuenta conmigo.

Chris Pine 

Joel Edgerton- Joel Edgerton (Animal Kingdom) sustituirá a Ben Affleck en la  versión en 3D de la novela de F. Scott Fitzgerald El gran Gatsby que está preparando Baz Luhrman con Leonardo DiCaprio, Carey Mulligan, Tobey Maguire e Isla Fisher encabezando el reparto. Edgerton será Tom Buchanan, marido de Daisy (Mulligan), de la que Jay Gatsby (DiCaprio) está perdidamente enamorado. El rodaje comenzará el próximo mes de Agosto.


Michelle Williams- Michelle Williams (Mamut) encarnará a Glinda, la bruja  buena de Oz, the Great and Powerful, precuela de El mago de Oz que dirigirá Sam Raimi. James Franco, Mila Kunis y Rachel Weisz completan el cast principal, aunque a ésta última le han ofrecido un papel destacado en el spin-off de la saga Bourne que protagonizará Jeremy Renner y que se rodará casi al mismo tiempo, así que su participación no es del todo segura…


Woody Harrelson- Woody Harrelson (Bienvenidos a Zombieland) será quien  finalmente encarne a Haymitch en Los juegos del hambre, y no John C. Reilly como anuncié hace 15 días. Por otra parte, se ha publicado la primera imagen de Jennifer Lawrence como la protagonista de la película, Katniss Everdeen, y la de Tom Hardy como Bane en The Dark Knight Rises. Con sus imágenes terminamos el repaso de noticias de la quincena.


Bane & Everdeen 
P.D: Me van a permitir que esta semana aminore el ritmo de publicación de entradas por motivos académicos, aunque algunas secciones como El rincón de Chechu o la Operación Clásico no faltarán a la cinta. ¡Toca hincar los  codos!

21/5/11

El letrado del asfalto

Poster El inocente 
Dir.: Brad Furman
Int.: Matthew McConaughey, Marisa Tomei, Ryan Phillippe, William H. Macy, Josh Lucas, John Leguizamo, Michael Peña, Bryan Cranston
¿De qué va?: Mickey Haller es un astuto abogado acostumbrado a representar a criminales de los barrios bajos al que se le presenta la oportunidad de defender a un joven adinerado acusado del intento de asesinato de una prostituta. Un caso en apariencia sencillo hasta que Haller hace un increíble descubrimiento.

Reseña: Los dramas judiciales gozaron tiempo atrás de su época de gloria en la gran pantalla. Cuando empezó a decaer, el género se trasladó a la televisión, pues se podía sacar mucho rendimiento del oficio del abogado en el formato de serie procedimental, con un caso independiente por capítulo. El inocente, una de las pocas películas ambientadas en los tribunales que nos han llegado últimamente, retiene ciertas influencias de la “caja tonta”, como esos créditos iniciales propios de una gran serie de la HBO.

El inocente1 
La película de Brad Furman cuenta con dos principales propósitos: el primero consiste en encauzar la carrera de Matthew McConaughey, devolverlo a sus comienzos cuando destacaba interpretando justamente a un abogado en Tiempo de matar, y olvidarnos de las rutinarias comedias románticas que ha protagonizado en los últimos años. El otro propósito consiste en demostrar que el género judicial aún tiene mucho fuelle, tomando como base la novela de un experto en estas lides, Michael Connelly. Podríamos decir que el primer objetivo se cumple con creces, el personaje de Mickey Haller está hecho como un traje a la medida de McConaughey, quien realiza su mejor interpretación en mucho tiempo. Sin embargo, el resultado global del filme puede resultar no del todo satisfactorio.

LL-0589 
Pese a que la introducción de la trama y los personajes sea más que correcta, la película se desarrolla entre lo predecible y lo simple disfrazado de enrevesado. Sin resultar en ningún momento monótona o aburrida, Furman no consigue mantener constante el ritmo en las secuencias de juicios, sin que la cinta alcance nunca un apasionante clímax. Como contrapunto y como casi todas las películas norteamericanas pertenecientes a este subgénero, vuelve a poner sobre la mesa los agujeros y las deficiencias del sistema judicial norteamericano.

El inocente2 
Nuestro carismático protagonista se reúne de un nutrido grupo de notables secundarios que sin tener tanto tiempo en pantalla como aquel cumplen su cometido como piezas de una intrincada partida de ajedrez, aunque nos quedamos con las ganas de que la espléndida Marisa Tomei se luzca un poco más. En definitiva, El inocente está capacitada para dar el entretenimiento adulto que se espera de ella pero sin levantar demasiado revuelo.

6’5/10

19/5/11

O.C: Muerte de un ciclista (1955)

Poster Muerte de un ciclista¿De qué va?: Un profesor de universidad y su amante, una mujer casada de la burguesía, atropellan accidentalmente a un ciclista. Temerosos de que se descubra el adulterio, deciden ocultar el trágico accidente, pero el sentimiento de culpa y el miedo a que alguien los haya visto desestabilizará su relación.

Reputación: Con Muerte de un ciclista se obró el milagro en una época en la que el cine español, coartado por la censura del régimen franquista, no salía de ‘españoladas’ y producciones de muy baja calidad. Esta película supone la primera entrega de una trilogía dirigida por Juan Antonio Bardem en la que se da una visión muy pesimista de la sociedad española; Calle Mayor (comentada aquí) y La Venganza son los títulos que le siguieron y que le reportaron cierta visibilidad al cine español fuera de nuestras fronteras (Muerte de un ciclista ganó el premio de la Crítica Internacional en Cannes). La censura franquista fue implacable con ella, calificándola como una película “gravemente peligrosa”.

Muerte de un ciclista

Comentario: No resulta nada raro que Muerte de un ciclista haya sido prohibida en pleno régimen dictatorial, y es que traza un retrato desolador de una sociedad española maltrecha tras la Guerra Civil: traumas, desgracias y depresiones tanto para las clases más desfavorecidas como para las más acomodadas, estas últimas viviendo con el miedo de perder su status y entreteniéndose con actos crueles y desalmados. No hace falta ser muy avispado para saber cómo acabará la pareja criminal protagonista, aunque la ironía del desenlace es perfecta. Muerte de un ciclista destila elegancia, clasicismo y buen gusto tanto en la ejecución de la trama como en la composición de los planos, cuadros grises y sombríos de una sociedad corrompida.

Próximo visionado: Breve encuentro (1945)

17/5/11

El rincón de Chechu: Carta a las luces

Nadie rebaje a lágrima o reproche
esta declaración de la maestría
de Dios, que con magnífica ironía
me dio a la vez los libros y la noche.

Jorge L. Borges, Poema de los dones.


Esto escribe el más grande de los escritores después de ser nombrado director de la Biblioteca Nacional de Buenos Aires, tras darse cuenta de que no era capaz de distinguir los títulos de los libros. Estaba quedándose ciego. Hace unos días volví a escuchar su conferencia sobre la ceguera, de 1975, en la que habla de los colores, del amarillo especialmente, y de lo mucho que los extraña en ese mundo de niebla ‘que ni siquiera es negro puro.’ Es desgarrador y a la vez poético oír las palabras heridas de un hombre cuya vida entera fue la literatura; que fue, mejor dicho, él mismo la literatura. Y es emocionante para mí, emocionante y duro, recordar mientras las oigo.

"Qué lejos ha llegado todo. Qué desagradecida velocidad llevan los años. Aquí estoy, ya veintitrés, la barba salpicándome el cuello y la piel tan morena como siempre. He terminado aquel curso tembloroso e ingenuo en el que te vi por última vez, he terminado también los tres siguientes y he aprobado el bachillerato. He vivido en Santiago, estudiando historia -una de tus pasiones- y la he abandonado por crío y por inmadurez, quizás por miedo. Soy maestro desde hace un año. He viajado y he crecido. He amado y he escrito tanto, he llorado tantas veces. Ahora estoy en Salamanca, corriendo detrás de mi sueño. No sé por qué comienzo contándote esto, porque tú esto ya lo sabes. Querría decirte todos los libros que he leído y todos los cuadros ante los que me he maravillado, cómo uno crece de pronto y se da cuenta también de pronto que rodeando la casa, habituales ya de tantas veces que pasaron los ojos sobre ellas, cuelgan tus acuarelas purísimas, difuminadas y grises como Galicia, coloridas y brillantes como las colinas verdes, serenas y frías como la nieve en Canadá. Los pescadores comiendo sardinas en el Pedrido, la torre de Hércules con gaviotas en nuestras escaleras, el llano blanquísimo de Toronto a veces sobre la chimenea y a veces en el pasillo, la canción a mamá en su boda, el autorretrato, las gafas, el pelo hacia atrás, las fotos blancas y negras.

Me gustaría hablarte de los colores porque te lo debo, porque la vida nos arrebató ese derecho a charlar sobre cualquier cosa, porque la noche se llevó todos los consejos que podría haber recibido de ti y que me hubiesen hecho mejor de lo que soy, y que me hubiesen guiado en momentos difíciles. Por las palabras que nunca escucharé y las críticas a mi escritura de las que nunca podré aprender, por la lucidez que me habrías aportado y lo que hubiésemos discutido sobre literatura y sobre cine. Por eso déjame hablarte hoy de películas, porque sé que las amabas y porque yo también las amo.

Ciudadano Kane 
No sé cómo empezar a escribirte sobre Ciudadano Kane, porque tú la has visto y yo hace tan poco que la disfruto... sabrás por descontado la época que marcó, inaugurando la profundidad de campo y revolucionando la manera de filmar, con ese travelling imposible a través de la ventana ante el que seguro te has relamido observando la claridad de la nieve sobre el trineo, el plano avanzando entre las paredes de madera, ese niño que juega resaltando sobre la pureza del suelo como nace una flor en mitad del prado. Todo eso y más habrás visto en la famosa escena de la chimenea, cuando Charles Foster Kane se mueve de atrás hacia delante y el espectador comprueba las dimensiones gigantescas de esos troncos y de los techos. Los techos, por supuesto: fue seguro en esa película la primera vez que comprobaste que estaban allí, gracias a los contrapicados abrumadores, como aquel de la escalera. Pero lo que más te fascinó fue el claroscuro, estoy casi convencido, ese juego de luces y sombras tan nítidas y contrastadas pero a la vez tan difusas y misteriosas como la niebla en tus cuadros. Mejor que el expresionismo alemán, o quizás no mejor pero sí más refinado, más elegante, más evolucionado. Recuerda todo esto ahora mientras te lo digo y revive en tus retinas las imágenes de las que hablo.

Blade Runner 
Luego también estará Blade Runner, fabulosa historia sobre el hombre y sobre sus miedos pero también sobre la lluvia y la suciedad de las calles. La verías seguro, yo era pequeño y por lo tanto no lo recuerdo, pero conociéndote y conociendo tus pasiones, tu amor a la belleza y al progreso, no me cabe duda. Fue la primera en mezclar luces cálidas con tonalidades frías, los interiores de las casas desangeladas o el color anaranjado del sol tras las ventanas contra las publicidades, los fríos neones mojados de los edificios, los chispazos eléctricos, brillantes, saltando de todas partes y reflejándose en el rostro de Harrison Ford. Esa paloma que al final vuela entre claridades, sombras y hechizos, entre magia y sobre el azul metálico de la ciudad, ‘se perderán, como lágrimas en la lluvia.’ Pero qué hago yo hablándote de esto, yo que nada sé a ti que tanto conocías.

Amelie 
La charla que hubiésemos tenido y que hoy te escribo nos hubiese llevado seguro a una película reciente que tú ya no has podido ver. Es francesa y ha sido muy halagada por todos, por la crítica y por las jovencitas que comienzan a despertar al arte, pero también por hombres mayores y por mujeres ancianas. Se llama Amélie, como el nombre de la protagonista. El argumento cautiva quizás, pero quizás no definitivamente: es una mujercita que quiere hacer el bien y todas estas cosas. Amar al prójimo y conseguir que la gente sea feliz. De todas formas no es eso lo que me fascina, sino el poder visual y la belleza cromática que irradia cada fotograma. Te juro, de verdad estoy convencido de ello, que cada plano de esa película podría ser un cuadro. No he visto nunca una composición tan equilibrada, tan calculada, tan bella y tan pura en cuanto a colores se refiere. Azules, rojos, verdes, todos muy saturados pero perfectamente encajados en la imagen. Como un gran pastel concentrado, demasiado bello, demasiado bien elaborado. ¿Sabes? Creo que si te fijas en cada escena, los colores del decorado hacen juegos y contrastes con el vestuario, con el tono del cielo, con el amarillo de las calles. Hubieses disfrutado tanto viéndola... es el cine más cercano a la pintura que he conocido jamás.

Volver 
Luego hay muchos estilos distintos, seguramente más genéricos y vagos, pero de los que me gustaría hablarte también: la especie de cortina apagada que tiende David Lynch sobre sus fantásticos delirios; los bailes oscuros, marrones y negros de los hermanos Coen en exteriores; el espectáculo vivo y descarado de todas las películas de Pedro Almodóvar, que tampoco has tenido ocasión de ver. Volver, su penúltima, creo es la más lograda en ese aspecto: tanto mantel a cuadros de aldea y tantos vestidos chabacanos derrochan elegancia en sus manos, o mejor dicho en sus lentes. La magia de los maestros, ese poder que tú también imprimías a tus cuadros, ese talento innato que tanto se persigue y que tan difícil es de poseer.

Casablanca 
Podría seguir hablando contigo mucho tiempo más, pero no me respondes. En la cabeza tengo grabadas esas palabras de Borges con las que antes empecé: ‘que ni siquiera es negro puro.’ También tengo grabada una frase de mamá, la entonación exacta con que me decía, la primera vez que vi Casablanca: ‘¿Sabes? Tu abuelo veía esta película todos los días cuando se estaba quedando ciego. Quería recordarla para siempre.’ Antes comencé contándote las cosas que he hecho desde que ya no estás, pero no hacía falta, porque ya las sabes. Igual que no hacía falta hablarte sobre los colores en el cine. Es sólo que estoy siempre triste porque no he podido tenerte en mi madurez y nunca me responderás. Sin embargo, te siento aquí, como cada día que pasa y cada vez que amo, cada paso que doy y cada cuadro que veo, cada libro que leo y cada palabra que escribo, yo te siento aquí, vigilando lo que hago y sonriendo desde dentro, con esa risa cargada de ironía que iluminaba la familia como un faro, como lo que siempre fuiste para todos. Te siento aquí tranquilo, conmigo, viviendo a través de mí y tecleando a través de mis manos, venciendo la ceguera porque ahora, ahora y desde siempre, ves a través de mis ojos."

A mi abuelo Bernardo Riveira (1934-2001), arquitecto y pintor que perdió la vista un año antes de que yo naciese.

15/5/11

The Other Fanboy Blog a fondo


Todo empezó el día en el que la profesora de Comunicación e Información II nos mandó a realizar un reportaje como último trabajo para la asignatura. El tema tendría que ser una afición o un talento de alguno de los integrantes de cada grupo. En el mío éramos todos unos artistas, faltaría más, pero escaseábamos de talentos que pudieran quedar bien delante de una cámara, así que nos decantamos por hacerlo sobre este blog.

Durante la filmación no estaba muy seguro de si iba a quedar bien, y sólo estaba dispuesto a colgarlo aquí si el resultado era satisfactorio, pues ya me daba bastante vergüenza acaparar tanto plano. Y aquí lo tienen, por lo que sobra decir que el reportaje ha quedado niquelado.

Gracias a todos los integrantes de mi grupo, Rubén, Chechu, Raquel y Toni, por todo el esfuerzo y el entusiasmo que han volcado en la elaboración de este video (sobretodo cuando se petaba el Sony Vegas y parecía que nunca lo íbamos a terminar) y a todos los que aportaron su granito de arena: Jairo, Dei, Belén, el Big Orange en peso... Bueno, esto parece un discurso de agradecimiento y yo sólo quería hacer una pequeña introducción del reportaje. Les dejo con él, espero que les guste:


video

14/5/11

París bajo la lluvia

Poster Midnight in Paris
Dir.: Woody Allen 
Int.: Owen Wilson, Rachel McAdams, Marion Cotillard, Michael Sheen, Kathy Bates, Carla Bruni, Corey Stoll, Léa Seydoux
¿De qué va?: Un escritor norteamericano viaja con su prometida y los padres de ésta a París, donde florecerá su entusiasmo por la ciudad y por los artistas que ésta acogió en tiempos pasados. Mientras que por el día pasa el tiempo con su novia y un amigo pedante de ella, por la noche se escabulle a un lugar donde podría encontrar la inspiración que tanto ansía.

Reseña: Antes de rodar su primera película en Europa, Match Point, Woody Allen ya había abandonado su querida Nueva York para rodar en París parte de Todos dicen I love you, pero su paso fue tan fugaz que no le dio tiempo a rendir el tributo que se merecía la ciudad de la luz. Ahora llega el momento de resarcirse con Midnight in Paris, pues nada más comenzar la película y antes de los títulos de crédito marca de la casa, el director nos regala una serie de estampas de numerosos rincones de París en los que se intuye la admiración que siente hacia ella, y que luego transforma en palabras su álter ego en la película, encarnado por Owen Wilson.

Midnight in Paris2 
La labor promocional y turística que tanto se le criticó a Vicky Cristina Barcelona sigue estando presente pero de una forma no tan descarada. Las calles de París son un personaje más en la historia, pues son las responsables de la aventura que vive nuestro protagonista cada noche, la cual no voy a desvelar por una vez que el tráiler lo mantiene en secreto y aunque se haya convertido en un secreto a voces tras su paso por Cannes. Sólo diré que Allen vuelve a ofrecer un cuento fantástico del corte de La rosa púrpura de El Cairo, y que contiene un montón de chistes y gags que agradecerán los que tengan unas inquietudes artísticas y literarias afines a las del director neoyorkino.

Midnight in Paris 
Midnight in Paris es una película de Woody Allen en toda regla, lo que implica que sus personajes pertenezcan a la clase alta, que realicen actividades de “cultureta” y que frecuenten espacios con toda clase de lujos (¿un hotel con un médico y un detective en su plantilla?), pero al menos hace muchos chistes a costa de los pedantes y esnobs que abundan en estos círculos, personificados en el personaje de Michael Sheen. Pero si el contenido erudito no te atrapa, Allen nos deleita a todos con una de esas moralejas brutales con las que culmina sus fábulas/películas. En esta ocasión tiene que ver con el autoengaño nostálgico, al confiar en que cualquier tiempo pasado fue mejor cuando en realidad el problema reside en cada uno de nosotros.

Midnight in Paris3 
Los que echaron de menos en Conocerás al hombre de tus sueños al Woody Allen más perspicaz e ingenioso se reconciliarán con el director en esta película, pues Midnight in Paris recoge algunos de los mejores diálogos y ocurrencias de sus últimos trabajos. Asimismo, el plantel de actores actúa en consonancia a su estilo; Owen Wilson recoge el testigo del personaje que habría interpretado Allen cuando era más joven sin fotocopiarlo pero manteniendo su esencia. Rachel McAdams está estupenda y Marion Cotillard es simplemente irresistible. Incluso Carla Bruni y Adrien Brody, de los que no nos esperábamos gran cosa, sorprenden en sus breves intervenciones.

Midnight in Paris4 
Y volvemos con París, que es el corazón y el alma del filme. Los parisinos dirán que esa no es su ciudad como ya dijeron los neoyorkinos, los británicos y los catalanes de sus respectivas metrópolis, aunque en realidad sean las mismas de siempre pero bajo el fascinante punto de vista de Woody Allen, ese hombrecillo tan neurótico, pesimista y romántico que nos vuelve a regalar portentosos y mágicos momentos fílmicos, esta vez, por las calles mojadas de París.

8/10